Lluis

Empresas de distribución

EL SECTOR DE DISTRIBUCIÓN EN ESPAÑA

Una vez terminado el proceso de montaje, la película está lista para ser exhibida en salas de cine. Aquí, entran en juego las distribuidoras. Se trata de empresas independientes de las productoras, que compran los derechos de exhibición en las salas de cine. El distribuidor adelanta los gastos de realización de las copias y de publicidad. De este modo, el productor cede al distribuidor un porcentaje de los ingresos de la película.

El sector de distribución en España se consolida, aproximadamente, a partir de 1905, fecha en la que se reestructura, por la evolución de la industria, el sector de salas, pasando a edificarse los primeros coliseos y edificios estables dedicados al cine, y también por la amplitud de los catálogos de películas existentes y su progresivo aumento de duración de las mismas. Con anterioridad la comercialización de la película se hacía por el propio empresario de la sala, que contactaba directamente con las casas productoras para comprar una película concreta o en su caso varias para la temporada. Hasta finales de los años veinte las distribuidoras españolas apenas hicieron un esfuerzo para canalizar las películas propias. Crearon una situación de gran inquietud entre las firmas que intentaban con grandes esfuerzos sacar adelante sus películas. Era evidente que el producto extranjero resultaba más atractivo para el público español, por ello los distribuidores se dedicaban con más esfuerzo a su explotación que llegó a requerir en el Primer Congreso Español de Cinematografia de 1928, que se implantara una cuota de distribución, situación ésta es una película española por cada 25 extranjeras. Así en los años en que se desarrolla el sonoro a partir de 1928, se instalan en España la Metro-Goldwyn Mayer (Ibérica), la Warner Bros First National Films y la RKO Radio Films, con autonomia propia, aunque bien es cierto que otras casas norteamericanas había constituido una firma española con anterioridad: la Universal Films Española, en 1922, y la Hispano Fox Films en 1924. Durante la década de los treinta aparecen empresas que cambiarán, en mucho, la imagen del sector. Nos referimos a Filmófono (1931) y a CIFESA (1932), especialmente, aunque les acompañan CEA, CEPICSA, EDICI, PROCINES.

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En el año 2023, en un mercado de segunda mano, encontré una carpeta con 38 bocetos de compañías distribuidoras en España, realizados por J. Cosas. He intentado buscar información sobre el autor de dichos bocetos y hasta el momento la búsqueda no ha tenido resultados. Si alguien que pueda leer este artículo dispusiera de información de este autor le estaría sumamente agradecidos.

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NOTA: Como podrán ver en alguna de las distribuidoras no dispongo de información. Si alguna persona que esté leyendo este apartado y quiera colaborar enviando información de las distribuidoras que no he conseguido encontrar información le estaré muy agradecido. Muchas gracias.

Los orígenes de la empresa. AS Films tiene en realidad una historia aparte, debido a que es la puesta en escena como distribuidora de una productora: Aspa Films Producción. Ambas fueron fundadas por el realizador Vicente Escrivá y Ramón Llidó la productora en 1951 y la distribuidora en 1955 .AS empezó sorprendiendo con títulos como "Recluta con Niño", "Los Ladrones somos Gente Honrada" o "Un Traje Blanco". Sin embargo, tendría que hacer frente a la separación de Escrivà y Llidó y su desvinculamiento con el director Rafael Gil, quien apoyaría desde un principio ambos proyectos, aparentemente por 1958, ya que AS comenta la creación de una nueva productora: AS Films Producción y una biografía sobre Escrivá comenta que ASPA tendría actividad en solitario por la época. No obstante, AS (como varias distribuidoras establecidas en la época franquista) tendría acuerdos de distribución selectos con las majors como con la Warner Bros. o Columbia Pictures. Paralelamente, el administrador principal de los inicios de la empresa es Juan Couret, según fichas de publicidad de la propia AS. A partir de los setenta (1971) AS se fusiona con Interpeninsular para formar la gran coalición DIASA, y según Variety, Juan Couret fue alto mando junto con Miguel Tudela, pero a falta de datos, no se puede afirmar mucho si el Couret de quien se habla aquí es el mismo cofundador de AS Films. Sobre Escrivá y ASPA... Aspa siguió en actividad, aunque produciendo películas muy comerciales para Filmayer. Para terminar, una frase que la empresa promocionaba: "Siempre un Triunfo en su Mano". Bueno... doble triunfo si es que también se habla de AS en su época como DIASA. (Joaquin Dávila).

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Empresa productora. La construcción en Madrid de esta sociedad en mayo de 1919, tras la que se encontraban destacados miembros de la burguesía industrial y la aristocracia política y financiera del país, el rey Alfonso XIII suscribió nominalmente las sesenta primeras acciones, supone el primer intento organizado y de cierta envergadura económica tendente a dinamizar la producción cinematográfica española desde la capital. Su puesta en marcha es fruto de la conjunción, por una parte, de nuevos intereses, y, por otra, de empresas ya existentes, como Cantabria Cines (1918) y la renovada Patria Films, empresa fundada en 1915, para la que Benito Perojo había realizado algunas películas, que continuó sus actividades, tras la marcha de éste a París, bajo la responsabilidad de Julio Roesset y que se reconvirtió a finales de 1918 en sociedad anónima con la entrada de nuevos accionistas y capital. Tras el éxito de "La verbena de la paloma" (1921), séptimo título dirigido por José Buchs para Atlántida, y contando con el concurso de Oscar Hornemann como gerente, se orientó su política de producción hacia un cine costumbrista y folclórico derivado de la traslación fílmica del universo de la zarzuela, que alcanzó en un principio gran aceptación popular. Sin embargo, las peculiaridades del mercado español, la lentitud en la amortización de las inversiones y la carencia real de un fondo económico adecuado generarían, casi desde el principio, numerosos conflictos entre la gerencia y la administración, saldadas con las salidas sucesivas de los diferentes responsables artísticos. La entrada en el año 1924 del banquero y fundador de Papelera Española Ignacio Bauer como principal accionista planteó nuevos horizontes que se verían igualmente abocados al fracaso. La prohibición por la censura de diferentes proyectos de Atlántida, agudizó la desorientación de la empresa y su progresiva falta de liquidez. Entre finales de 1924 y 1926, Florian Rey asume la dirección artística de la empresa y rueda cinco largometrajes. Las arbitrariedades cometidas por el gerente Alfonso Márquez, hombre de confianza de Bauer, en el patrimonio de la sociedad (venta de negativos y positivos, liquidación de bienes, muebles, etc), unidas al progresivo endeudamiento de la sociedad Banca Bauer, motivaron un enfrentamiento entre los diversos socios en mayo de 1927, saldado con la salida de los iniciales miembros fundadores y quedando Bauer con el control exclusivo del patrimonio de la sociedad.

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José María Blay, distribuidor, productor y director. Aunque su nombre se asocia con la producción de dibujos animados, no se limitó a ellos, pues en los meses postreros de la dictadura de Primo de Rivera aparece ya como autor de un documental sufragado por el gobierno, "La España de hoy" (1930), y antes de la Guerra Civil figura como gerente de la productora y distribuidora Febrer y Blay, siendo elegido vicepresidente de la Junta de Gobierno de la Mutua de Defensa Cinematográfica Española en 1934 y, en la postguerra, vocal de la Junta Nacional de Cinematográfica. En pleno conflicto bélico (1938) se asoció con Ramón Balet Raurich, fundando la marca Balet y Blay SL, empresa de características semejantes a la anterior, aunque con cinco sucursales cuya existencia, tras reconstituirse en 1944, se prolongaría durante más de tres lustros y con la cual, junto a títulos extranjeros de cierta monta, entre ellos producciones británicas de MGM, distribuiría y produciría comedias sin excesiva fortuna.

Balet y Blay fue una empresa de producción y distribución cinematográfica fruto de la asociación, a partir del 7 de mayo de 1938, entre el empresario Ramon Balet y el distribuidor José María Blay. José María Blay ya tenía experiencia en el mundo de la distribución cinematográfica y decidió entrar en el de la animación cuando el realizador valenciano Artur Moreno le visitó para enseñarle su primer cortometraje: “El capitán tormentoso”. Blay entendió que, al producir un largometraje de animación, se le concederían más permisos de importación de filmes extranjeros, una compensación que formaba parte de las políticas de incentivación a la producción del gobierno franquista. Balet y Blay crearon unos grandes estudios en el barrio de Vallcarca de Barcelona.

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Fue creada en Barcelona el 3 de noviembre de 1943 por tres antiguos trabajadores de Paramount Pictures en España, Casimiro Bori Fernández, Salvador Vidal i Batet y Jaume Gallart i Català. Dieron el nombre de la compañía las iniciales de Casimiro Bori (CB), y aunque el nombre fue adoptado provisionalmente, la marca sería definitiva. CB Films fue usada como marca para distribuir películas en Cataluña, pero cuando lo hacían fuera utilizaban el nombre de Mercurio Films. Hasta 1952 la sede estaba en el Paseo de Gracia de Barcelona, y después se trasladó a la avenida Diagonal. Llegó tener sucursales en Madrid, Valencia, Sevilla, Bilbao, Las Palmas, Santa Cruz de Tenerife, A Coruña y Palma. Su auge lo llegó a partir de 1952, cuando logró la distribución en exclusiva para toda España de las películas de United Artists Corporation , lo que la convirtió en una de las principales compañías distribuidoras de España. Distribuyeron en España las películas de James Bond y las comedias de Blake Edwards, así como películas emblemáticas españolas como La gran familia, La tía Tula, Del rosa al amarillo o Feroz, entre otros. También se dedicó al doblaje. En 1963 abrieron oficinas en la plaza de Callao de Madrid y José Luis Dibildos entró a formar parte del consejo de administración. Ya habían producido éxitos internacionales como Alejandro Magno de Robert Rossen (1956) o La rivolta degli schiavi de Nunzio Malasomma (1960), pero desde entonces se incrementó su producción de películas españolas como Manolo guardia urbano, Los chicos del Preu, Novios 68, La chica de los anuncios, Las secretarías o Las Ibéricas FC. El declive de la sociedad empezaría en 1983, cuando United Artists fue absorbida por MGM. Esto les llevaría a distribuir en España las películas de Cannon Films, de presupuesto más bajo, y que les forzó a dejar de invertir en la producción de cine español. La jubilación de J. Gallart en 1987, la quiebra de Cannon Films en 1988 y el fallecimiento de Casimori Bori en 1992 no ayudaron a su resurgimiento, a pesar de los esfuerzos del director general desde 1987 y presidente desde de 1989, Jaume Gallart i Boada. En 1991 recibió el premio a la distribuidora que más ha contribuido a la difusión del cine en catalán en los IX Premios de Cinematografía de la Generalitat de Catalunya. CB Films cerró en 1993 y desapareció definitivamente en 1995. En 1997 Gallart y Boada empezó a trabajar para la distribuidora Buena Vista Internacional.

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Los Estudios CEA (Cinematografía Española Americana). Se constituyó el 17 de marzo de 1932, fueron unos estudios cinematográficos españoles ubicados en Ciudad Lineal (Madrid), a la altura del puente que tomó su nombre (cruce entre la calle de Arturo Soria con la carretera de Barcelona (luego A-2), y cercano a la Avenida de América. Los estudios cerraron el 11 de noviembre de 1966, concluyendo así un capítulo importante de la producción cinematográfica española, con unas quince películas de media por año. Los edificios se situaron en la Ciudad Lineal y se componían de seis platós de rodajes, laboratorios fotográficos para el montaje de las películas, talleres de decorados, camerinos para los actores y áreas de descanso que contaban con una piscina.

Como distribuidora, CEA tuvo también una actividad intensa a partir de la postguerra, ligada hasta cierto punto a la productora germana Tobis y a su filial Hispano-Tobis, por lo cual la compañía encontraría ciertas dificultades tras la vistoria de los aliados, vencidas las cuales consiguiría extender, no sin altibajos, su acción tanto en lo referente al producto nacional como al extranjero, incluido el servido por compañías independientes americanas, manteniendo abiertas, en su última etapa bajo la dirección de Joaquín Agustí y la constante presencia de Salgado. En 1967 sus puertas se entornaron definitivamente tras el rodaje de dos títulos españoles: "Grandes amigos" y "Pasto de fieras". Al cabo de dos temporadas siguientes al cierre de los estudios (1968-1969), y dedicada exclusivamente a lotes de subproductos como spaghetti-westerns, films de terror, etc., la rama de distribución acabaría por desaparecer igualmente.

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Cepicsa, empresa de distribución cinematográfica fundada en 1939 en Madrid por los empresarios José María Tabeada y Ricardo Vicent Viana, cuyo objeto social rezaba " la explotación de las patentes y concesiones oficiales de los ministerios, así como también las demás concesiones que le otorgase el Estado", al amparo del nuevo marco político del gobierno franquista. En el año 1941 diversifica su cartera de negocios y pasa a hacerse cargo de la mayoría de las acciones el Grupo Banco Pastor y se dedica exclusivamente a lotes de subproductos comp spaghetti-westerns, films de terror, etc., la rama de distribución acabaría por desaparecer en el año 1997 en el que se disuelve sin liquidación y con transmisión en bloque y a título universal de su patrimonio a la sociedad absorvente, el Banco Pastor.

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Los Estudios Cinematográficos Chamartín (inaugurados el 17 de abril de 1941 en Madrid, España) fueron un complejo cinematográfico diseñado por Rafael Bergamín. Acabaron formando parte de los estudios de RTVE desde 1984 hasta 2009 bajo el nombre de Estudios Buñuel, antes Estudios Bronston. En la actualidad han sido derruidos y sustituidos por un complejo de viviendas. Empezaron a construirse en 1935 bajo la dirección del arquitecto racionalista Rafael Bergamín y la guerra obligó a suspender las obras, finalmente fueron inaugurados seis años después, llegando a tener en su período de máxima actividad 225 empleados. Antes de que las obras fueran suspendidas durante la guerra, Gustavo Pittaluga había sido nombrado director musical de los estudios. A principios de la postguerra, el 12 de enero de 1942, la firma Chamartín aparecía de forma desafiante en el competitivo panorama cinematográfico nacional utilizando como emblema a un jinete de yelmo empenachado, con la correspondiente armadura, rica gualdrapa en el caballo y lanza rematada por gallardete que aireaba la marca, es decir, una imagen de tanto vigor y potencia como la del rugiente león de MGM, pero con cierto toque de orgullo a lo castellano viejo. A renglón seguido se anunciaba como empresa que ofrecía servicios de producción, distribución y estudios y enarbolaba con rotundidad su llamada comercial en los siguientes términos: "una potente organización industrial". En la Feria de Muestras de Barcelona de 1943, la firma se presentó con varios stands y gran despliege publicitario, proclamando su "capacidad de trabajo, solvemcia técnica y calidad artística" y asegurando de manera contundente que era "la marca de triunfos más compleyos en la distribución". En 1964, la marca cesaría en sus actividades como distribuidora.

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Consorcio Ibérico de Cinematografía (C.I.C. Films S.A.) es una muy extraña empresa en el mundo de la distribución cinematográfica, en la industria de Barcelona, claro está. Si bien duró casi tres décadas como distribuidora (desde los cincuenta hasta los ochenta), extraña el poco ruido o poco impacto que haya dejado a su paso no se encuentra mucha información. En esta ocasión, vemos a C.I.C. Films, S.A. no confundirla con Cinema International Corporation, la joint venture entre Paramount, Universal y la MGM dedicarse a una actividad no muy explorada por la marca, pero que sí dio un aporte interesante: el cine de arte y ensayo. Obviamente, ya habían distribuidoras exclusivas en ese ámbito, como Inter Arte Films, Barcino o Cidensa (incluso, las taquilleras Hispamex y Filmax entran en ese rubro), pero C.I.C. destaca allí más que nada por el estreno de la película Noche de Vino Tinto, también de Nunes, que sentaría las bases de un cine español de arte y ensayo para décadas posteriores. Eso sí, C.I.C. nunca perdió esa ambición de tener taquillas, ya que se dedicaba a estrenar películas de terror o westerns, a veces británico, a veces italiano, y a veces español. Y a mediados de los setenta, en uno de los movimientos empresariales más extraños de la industria cinematográfica española, decide convertirse en una distribuidora enfocada exclusivamente en el cine de la clasificación "S", especialmente con películas eróticas de Alemania o algún que otro film de Manuel Esteba y Jesús Franco, y aquí sería su paradero final, ya que luego del estreno de Hembras Salvajes en Ibiza en 1983... desapareció sin ninguna bulla.

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Cifesa fue fundada en Valencia durante la Segunda República Española, el 15 de marzo de 1932, como una productora independiente que hacía películas de acuerdo a los gustos populares. Aunque la creación se atribuye a la familia Casanova, quienes posteriormente se harían con la empresa, fueron los Trènor quienes la fundaron. En 1933 cuando la compañía ya pertenecía a la familia Casanova, consiguió la exclusividad para distribuir en España las películas de Columbia Pictures. Tras hacer público el acuerdo, Cifesa comenzó una campaña de lanzamiento de la que destaca Los diez mandamientos, una declaración de intenciones: 1 - Complacer al público sobre todas las cosas. 2 - No ofrecerle buenas películas en vano. 3 - solemnizar las fiestas con programas selectos 4 - Honrar el espectáculo y el arte. 5 - No matar de aburrimiento al resignado público. 6 - No fastidiar al público con filmes soporíferos. 7 - No hurtar a la admiración de tus clientes las incomparables películas Cifesa-Columbia por raras que sean. 8 - No levantar falsos testimonios ni mentir en la propaganda. 9 - No desear las películas de tus contrincantes si tiene contratadas las de Columbia. 10 - No codiciar los éxitos ajenos y preocuparte de aumentar los tuyos con material Cifesa. Estos mandamientos se encierran en dos: cuidar y atender al público sobre todas las cosas y ofrecerle constantemente las películas Cifesa-Columbia.

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Cinédia fue fundada en 1930 en Río de Janeiro por Adhemar Gonzaga y se convirtió en uno de los estudios más importantes del cine brasileño de las décadas de 1930 y 1940, produciendo dramas populares y comedias musicales como Ganga Bruta (1933) o O Ébrio (1946); originalmente fue un estudio y productora con laboratorios, tecnología e infraestructura propia, y su legado se conserva hoy principalmente como patrimonio histórico y archivo cinematográfico; no hay evidencia de que actualmente funcione como una distribuidora activa al estilo contemporáneo, aunque su ejemplo histórico es útil para entender la conservación y gestión del patrimonio fílmico en Latinoamérica, y puede servir como referencia para instituciones o coleccionistas interesados en archivos cinematográficos como el tuyo.

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Isidro Esteban, con su distribuidora-productora Cire Films, S. L. fue de los pioneros, si no el primero, en producir una película enteramente rodada en catalán, Maria Rosa, basada en el drama de Angel Guimerá y protagonizada por Nuria Espert, Paco Rabal, y Luis Dávila. Lluis Cot Mateu, crítico cinematográfico del Mundo deportivo, ejerció como Jefe de Publicidad en Cire Films, Manuel Berenguer, Francesc Novell, fueron algunos de sus colaboradores más cercanos. También José María Minguella, actualmente uno de los representantes más conocidos en el mundo del fútbol, trabajó como asesor legal en Cire Films.

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Distribuidora norteamericana fundada en 1924 como Columbia Pictures Corporation, y que nació como resultado de la unión de productores agrupados en torno a Jack y Harry Cohn. Con Joseph Brandt, éstos ya habían constituido en 1919 la CBC Sales Corporation. Cuando Brandt se escindió en 1924, la compañía se transformó en Columbia, presidida por H. Cohn hasta su muerte en 1937. Sus filmes fueron introducidos en el Estado español por Cinematográfica Verdaguer de Barcelona en 1928, pero en 1930 pasaron a ser una exclusiva de Príncipe Films, firma donostiarra que cedió su concesión a Renacimiento Films de Madrid, representada en Barcelona por Modesto Pascó y Vilalta. Hacia 1932, el material de la Columbia fue representado por la United Artists (Artistas Asociados), hasta que en 1933 asumió su actividad la Compañía Industrial del Film Español (CIFESA). Finalmente, en 1935, Columbia Films abrió oficinas propias en Barcelona, donde residió la central (avenida Diagonal), y con sucursales en Madrid, Valencia, Bilbao, Sevilla y A Coruña. BJ Gotlieb, en nombre de la Columbia española, presentó su casa en la prensa barcelonesa con la proyección de Una noche de amor (1934, Victor Schertzinger) y Toda la ciudad habla (1935, John Ford). El primer gerente fue Armando Máñez Alòs (Valencia 1900 - Barcelona 1953). Después de la guerra, se instaló en la calle de Enric Granados. Cuando murió Máñez, el presidente de la compañía, Joseph A. McConville, decidió situar en su lugar a Emilio López Pérez, bajo cuya dirección la firma tuvo que cerrar todas las oficinas españolas, por orden del gobierno franquista, como protesta por la edición de He aquí un caballo bai (1964, Fred Zinnemann), filme que se consideró una ofensa a la dignidad nacional. La cinta, que se estrenó en 1979 con el título de Y llegó el día de la venganza, cuenta la historia de un antiguo combatiente republicano que al regresar a España después de la guerra es abatido por las fuerzas policiales franquistas. A raíz de este hecho, la presencia de Columbia en el Estado quedó reducida a un despacho en Madrid, con López como empleado casi único, y sus filmes fueron distribuidos por varias casas nacionales: Suevia Films, Mundial Film, Filmayer, etc. Esta situación se prolongó hasta 1988-89, cuando Columbia volvió a distribuir directamente su material desde Madrid. Con el catalán Ernest Victòria i Barceló en calidad de supervisor, y, más adelante, como presidente de Columbia TriStar Films de España, la compañía recuperó la plena actividad y categoría perdida a partir de 1991-92. En 1995 abrió una pequeña oficina en Barcelona, que no tuvo éxito.

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EDICI (Empresa Distribuidora Cinematográfica Ibérica) fue una compañía española fundada el 11 de diciembre de 1935, presidida por Vicente Montal. Nació en un momento de fuerte crecimiento del sector cinematográfico en España, cuando empezaban a consolidarse nuevas distribuidoras nacionales que intentaban competir con las grandes compañías extranjeras que dominaban el mercado. EDICI se dedicó principalmente a la distribución y exhibición de películas, probablemente combinando cine español con producciones europeas —especialmente francesas e italianas—, muy populares en aquella época. Su aparición coincide con un periodo de gran dinamismo en el cine español: la llegada del sonoro, la creación de nuevas productoras y un público cada vez más amplio. La Guerra Civil, iniciada pocos meses después de su creación, afectó duramente a muchas empresas pequeñas, y es posible que EDICI también sufriera las consecuencias de aquel contexto inestable. Sobre su presidente, Vicente Montal, se sabe que fue un empresario vinculado al mundo de la exhibición y la gestión de salas. Aunque la información conservada sobre la empresa es escasa, EDICI forma parte del conjunto de distribuidoras que contribuyeron al desarrollo del mercado cinematográfico español durante los años treinta

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Exclusivas Floralva, empresa de distribución y producción creada en 1942 por Álvaro Capdevila Elías y Luis Garrido Molina, dos profesionales desde tiempo atrás dedicados al negocio de la distribución. Capdevila ejerce varios años como consejero delegado de la empresa, mientras que Garrido comienza a trabajar en 1920, hasta llegar a ocupar la gerencia de Artistas Asociados (1931). Subdirector general de Hispania Tobis (1935), tras la guerra civil forma parte de la Subcomisión Reguladora de Cinematografía (desde 1940) y ejerce diversos cargos en el Sindicato Nacional del Espectáculo (SNE) y en la Comisión Mixta de Arbitraje, además de ser presidente del Montepío Cinematográfico Español. Desde el punto de vista de su política de producción, Floralva mantiene una línea eléctrica, que le hace realizar trece títulos entre los años 1940-1970. El primer film que produce Floralva es el drama Arribada forzosa de Carlos Arévalo (1943). Le sigue una comedia amable Ni tuyo ni mío de Gonzalo P. Delgrás (1944) y otro drama criminal de Arévalo Su última noche (1945). Siete años después produce otra película, esta vez una peripecia con sacerdote protagonista Cerca de la ciudad de Luis Lucía (1952). Como distribuidora Floralva resiste la crisis general de la distribución española, que se produce entre finales de la década de 1960 y los primeros de la de 1970, pero no puede evitar cerrar sus puertas en vísperas de la reinstauración de la democracia en 1975.

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El empresario Alfredo Talarewitz, antiguo director de ventas de Metro-Goldwyn-Mayer Ibérica en los años previos a la Guerra civil española, fundó Filmax en 1950 como distribuidora de los grandes éxitos de la cinematografía estadounidense. Posteriormente, en 1955, la familia Balcázar se incorpora a la empresa dando origen a las primeras producciones propias ya que la normativa cinematográfica vigente de carácter proteccionista obligaba a que para obtener los permisos de distribución de películas extranjeras también debían realizar producciones propias. Entre 1963 y 1968 la compañía firmó un acuerdo de distribución en España con Paramount Pictures para distribuir las películas de su catálogo. En 1987 Julio Fernández adquiere la marca Filmax, que utiliza comercialmente en los mercados, por aquel entonces nuevos, del vídeo y la televisión. Rehabilitada como marca de distribución de éxitos internacionales, inicia su evolución como industria integral del audiovisual. De 1987 a 1999, los títulos de Filmax fueron distribuidos por PolyGram Video. Cuando Universal adquirió el catálogo de PolyGram en 1999, Universal comenzó a lanzar títulos de Filmax en videos domésticos. En 1999 Filmax entra de lleno en la producción de contenidos audiovisuales desde su sede en Barcelona. La creación de Fantastic Factory tuvo gran acogida en los mercados internacionales, como también fueron bien recibidas las producciones de Filmax Animation y las de Filmax Televisión. Dos años después se incorporaron al capital instituciones como ICF (Generalidad de Cataluña), SOGEDASA, XES Galicia (Junta de Galicia), Sepides (Gobierno de España), Abanca (ex Caixa Galicia), los fondos de inversión Spinnaker y Tirant (ambos administrados por el Grupo Financiero Riva y García) componen el actual accionariado manteniendo Julio Fernández la mayor parte del capital. En 2010, cuando Paramount Pictures adquirió el catálogo de Universal, Filmax Vídeo fue adquirida por Warner Home Video, por lo que ayudó a sacar títulos en Disco Blu-ray (que lo hizo desde 2006) hasta que en junio de 2016 Warner Home Video Española fue adquirida por 20th Century Fox Home Entertainment y Filmax entró en un acuerdo con Divisa Home Vídeo para lanzar su catálogo y próximos títulos en DVD, Blu-ray, VOD,... En 2020, se crea, junto a Loweb y Fenix-Bamf el canal de YouTube Kids Pekefriends.

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Filmayer SA, (Film Ariel Yago Estela Rodas) empresa de distribución y producción. DIPENFA (Distribuidora Peninsular Films y Asociados) origen y matriz de esta empresa cinematográfica con sólidas vinculaciones económicas con el Opus Dei, es inscrita como productora en el Registro Mercantil de Madrid el 6 de noviembre de 1956. Ostentaron la exclusiva de Walt Disney entre 1956 y 1989, pero solamente para 35 milímetros y vídeo (la distribuidora de La Bella Durmiente, filmada en 70mm fue HISPAMEX, es decir, el señor Fernando Carballo, y las copias en 16 y super 8 eran distribuidas por PROFILMAR, aunque Tú a Boston y yo a California, que era en 35 mm, fue distribuida por Chamartín y doblada en los estudios del mismo nombre), y de Castle Rock. En 1989 Walt Disney Productions rescindió el contrato que tenía con Filmayer y, desde entonces, Filmayer intentó otras inversiones (intentaron, incluso, construir un centro comercial). Esto, por parte de Disney, bien pudo deberse al hecho de que Walt Disney había firmado con Warner Bros un acuerdo para que esta distribuidora lanzase sus películas fuera de Estados Unidos. Sus principales accionistas son los abogados Alfredo López Martínez y Ángel Pinacho Melero, el farmacéutico Juan José Alfonso Grijalva, el economista José Luis Alonso Cillero, que también pertenece al consejo de administración de Productores Cinematográficos Unidos SA (Procusa), otra empresa relacionada con la Obra, el también abogado Fernando Camacho Baños, y su hijo Fernando Camacho y Fernández de Cañedo, el exhibidor Antonio Pérez López, el distribuidor Juan José Buhigas Villaverde y Benito Herrero Ortigosa. En el primer consejo de administración presidido por Alfredo López Martínez, también figura Gonzalo Fernández de la Mora, ministro durante el régimen de Franco e igualmente del consejo de administración de Procusa y el italiano Paolo Moffa, puente con las coproducciones que se establecen con aquel país transalpino. El capital social inicial es de cuatro millones de pesetas divididas en ocho mil acciones, mil seiscientas de las cuales se consideran formalmente privilegiadas en el reparto de beneficios en proporción de uno por diez mil respecto a las acciones ordinarias. Tras la dimisión de Buhigas por discrepancias con sus socios, el nuevo consejo de administración celebrado el 24 de octubre de 1957 elige a Antonio Pérez López como presidente mientras que Ángel Pinacho Melero actúa como vicepresidente y Juan Pérez García, Enrique Salgado Torres y José Ramón Villota Elejalde ocupan las vocalías. Buena parte de estos personajes son militantes o simpatizantes del Opus Dei y comparten la presencia en Dipenfa SA con la administración de otras empresas industriales, bancarias o de servicios. El ministro de Comercio Alberto Ullastres, el director general de la Vivienda Salgado Torres o el teniente general Camilo Alonzo Vega, personajes destacados de la asociación entre Dipenfa y Filmayer para potenciar la penetración del Opus Dei en la cinematografía española. Filmayer, en tanto que empresa independiente de Dipenfa, es inscrita en el Registro Mercantil de Madrid el 7 de junio de 1966 con un capital social de un millón de pesetas. Juan Antonio Blasco López, secretario del consejo de administración de Dipenfa en noviembre de 1963 y miembro del mismo en otros momentos, actúa como consejero delegado a partir de 1966 y el guionista Vicente Coello Girón, director gerente de la sociedad, recibe poderes para representarla a partir de 1967. Algunas de las películas producidas por Filmayer son fruto de los lazos comerciales establecidos con los Estudios Roma, entre otras razones, el accionista mayoritario de ambas empresas es Juan Botas. En lo que se refiere a la producción Filmayer aborda este sector entre 1966 y 1983, aprovechando su privilegiada posición de influencia en el ámbito de la distribución y apuesta por un cine eminentemente popular y comercial a la vez que respetuoso con los cimientos ideológicos de la dictadura. La asociación con Pedro Masó como coproductor, redondeada con el guionista Vicente Coello y el realizador Pedro Lazaga, fructifica inicialmente a través de las comedias Operación Plus Ultra (1966), ¿Qué hacemos con los hijos? (1967), Sor Citroën (1967), No le busques tres pies (1968), Abuelo Made in Spain (1968), Cómo sois las mujeres (1968), Las amigas (1969), El abominable hombre de la Costa del Sol (1969), A 45 revoluciones por minuto (1969) o Verano 70 (1969) con recaudaciones que rondan el millón de espectadores y, en casos como Los guardiamarinas (1966) y El turismo es un gran invento (1968), apoteósico éxito protagonizado por Paco Martínez Soria, alcanza los dos millones trescientas mil entradas vendidas. La nómina de los realizadores contratados no varía la naturaleza de estos films que abordan diversos problemas sociales o familiares en un tono siempre amable y el filón prosigue con ¿Cómo está el servicio! de Mariano Ozores (1968), Cuatro noches de boda también de Mariano Ozores (1969), La vida sigue igual de E. Martin (1969), con casi dos millones de espectadores que acuden a las salas para admirar al cantante Julio Iglesias, Cateto a babor de R. Fernández (1969), Crimen imperfecto de Fernando Fernán-Gómez (1970), Don Erre que Erre de J. L. Sáenz de Heredia (1970), La decente de J. L. Sáenz de Heredia (1970), Coqueluche de G. Lorente (1970) o la coproducción hispano-italiana La última señora Anderson de E. Martín (1971), protagonizada por la estadounidense Carroll Baker, introducen un toque de erotismo en la cadena de producción de la empresa, pero pronto recobra su rumbo habitual con Paco Martínez Soria al frente del reparto de Hay que educar a papá (1971), El padre de la criatura (1972) o El abuelo tiene un plan (1973), todas ellas dirigidas por Pedro Lazaga, y Alfredo Landa como protagonista de Vente a Alemania, Pepe (1971), reivindicación patriótica de los trabajadores españoles obligados a emigrar al extranjero. Este film vuelve a superar los dos millones de espectadores e incita la secuela Vente a ligar al oeste (1972), con un idéntico reparto completado por José Sacristán, Antonio Ferrandis y Tina Sainz, Landa, inevitablemente identificado con personajes que ilustran las frustaciones del españolito medio, es también el protagonista de No firmes más letras, cielo (1972), Las estrellas estan verdes (1973), Manolo la nuit (1973) y Jenaro, el de los catorce (1974), mientras que José Luis López Vázquez, en idéntico papel de reprimido sexual, convoca a casi dos millones de espectadores con Lo verde empieza en los Pirineos (1973). Menor éxito obtiene Isabel Garcés con Una abuelita de antes de la guerra (1974), pero las andanzas de Paco Martínez Soria siguen vigentes con El calzonazos (1974), El alegre divorciado (1975), Estoy hecho un chaval (1976), Vaya par de gemelos (1977), Es peligroso casarse a los 60 (1980) o La tía de Carlos (1981). El tardio spaghetti western Y si no, nos enfadamos (1974) todavía atrae a más de dos millones de espectadores gracias a la presencia de los actores italianos Bud Spencer y Terence Hill antes de que la empresa acuse la crisi de las distribuidoras españolas registrada durante la década de 1970. En plena transición, Filmayer explota el filón del destape con López Vázques y Nadiuska como protagonistas de El señor está servido (1975) y ya en democracia, produce las dos últimas apariciones cinematográficas del cantante Manolo Escobar, ¿Dónde estará mi niño? (1980) y Todo es posible en Granada (1982), explota a la estrella infantil Teresa Rabal en Loca por el circo (1982) y pone de manifiesto su nostalgia por el pasado franquismo con Los autonasuyas (1983), adaptación de una novela de Fernando Vizcaíno Casas de nuevo protagonista Alfredo Landa. A partir de 1983 la nueva política cinematográfica impulsada por Pilar Miró desde la Dirección General de Cinematografía interrumpe la producción de Filmayer y el 28 de julio de 1983 se designa un nuevo consejo de administración integrado por Juan Antonio Blasco López como presidente y Manuel Terol Irles y Luis Gómez Periñez en calidad de vocales mientras Julio Ybern Salvedo actúa como secretario. Liquidada la producción de Filmayer en marzo de 1991. Dipenfa amplia el capital con ocho millones de pesetas, cuyas acciones son suscritas por antiguos accionistas de la empresa. Las transformaciones del mercado provocan que en 1991 la empresa pase a denominarse Filmayer Video SA, para así explotar un catálogo en el nuevo formato de consumo doméstico y un año más tarde se renueve el consejo de administración hasta que en 1994 vuelve a cambiar de nombre por Filmayer Internacional. Ángel Blasco Marqueta, hijo de uno de los hombres fuertes de la empresa, ahora rebautiza como Filmayer Entertainment, revitaliza la actividad productora a partir de 2003 con el largometraje de animación Puerta del tiempo (2003).

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Hispamex Films S.A., fundada en Madrid tras la salida del grupo Arturo González Films, fue una empresa española dedicada a la producción y distribución cinematográfica, con actividad destacada durante las décadas de 1940 a 1970; figura como distribuidora de películas españolas como Retorno a la verdad (1956) y llegó a publicar un “catálogo 25 aniversario 1945–1970”, lo que indica su relevancia histórica, aunque no hay constancia de que siga operando actualmente, y la información sobre su estructura, responsables o filmografía completa es escasa, convirtiéndola en un ejemplo interesante de patrimonio audiovisual español para investigación y conservación.

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Cuando España salió del aislamiento internacional, los gustos de los españoles comenzaron a inclinarse paulatinamente hacia todo lo que fuera americano. Y el Gobierno no quiso quedar al margen. Por ello negociaron con las grandes productoras cómo sería la distribución de sus películas en España, y es que la mayoría de las productoras americanas operaban en España mediante franquicias. La única productora norteamericana que operaba en España en los años setenta era Paramount. El resto, eran distribuidoras españolas que, muchas veces, usaban la marca de la productora con la que habían firmado un contrato de exclusividad. Jose Antonio Sainz fundó Warner Española en 1968, junto con otros socios. Esto significaba que él sería en exclusiva el distribuidor de la Warner Bros. Pero, no contento con detentar la exclusiva de la Warner, a principios de los años setenta fundó INCINE (Compañía Industrial Cinematográfica) y se asoció con Alfredo Matas, distribuidora con la cual llevaría por toda España las películas de la 20th Fox hasta 1988, año en que fue el productor Manuel Salvador quien recogió el testigo.

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Ízaro Films, empresa de distribución y producción. Fundada en 1956 (en su rama de distribución) por Julián Reyzábal Delgado, mientras que la rama de producción es registrada, como empresa de titularidad individual, por su hijo mayor, José María Reyzábal Larraury, que es el responsable de los negocios cinematográficos de la familia hasta su fallecimiento, en octubre de 2004; para entonces, ni la distribuidora ni la productora están en activo. En el historial empresarial de Ízaro Films se diferencian dos momentos: antes y después de su conversión en sociedad anónima, hecho que se produce, tras la pertinente inscripción en el Registro de la Propiedad Mercantil de Madrid, en junio de 1972. Entonces, la empresa pasa de ser unipersonal a quedar constituida, como socios, por todos los hermanos Reyzábal Larraury, siendo José María el presidente, Julián el secretario, mientras que Eduardo Fortunato y Jesús y María Milagros, son elegidos vocales; Florentino Reyzábal Larraury, el abogado de los intereses familiares, por su parte, aúna los cargos de vocal y de consejero-delegado. La constitución de Ízaro Films como empresa de producción y distribución es el resultado lógico de un hecho anterior: la construcción de un verdadero imperio de salas, situadas sobre todo en Madrid, que es la ocupación principal del patriarca Julián Reyzábal, desde unos modestos inicios como reventa en salas de Bilbao, primero, y luego, como gerente de un cine de verano. Dueño de numerosas salas (Montera, Palacio de la Prensa, Carlos III, Callao, Ciudad Lineal, Bristol, París, los cines Roxy, Consulado, Bilbao, Canciller, Versalles, Victoria y Velázquez), Reyzábal completa su jugada estratégica en dos direcciones diferentes: en una, la estrictamente cinematográfica, reuniendo en un solo grupo las tres ramas en que tradicionalmente se divide el negocio cinematográfico (producción, distribución y exhibición); en la otra, en una dimensión de negocios mucho más global y ambiciosa, Reyzábal Delgado comienza invirtiendo en grandes salas para pasar luego a edificios de oficinas y viviendas, lo que le convierte en uno de los más poderosos empresarios inmobiliarios de Madrid, con intereses en varias empresas y con la titularidad de salas de fiestas, de oficinas en el complejo residencial AZCA, en el Paseo de la Castellana; del 20% de las acciones de Torre Picasso y de un edificio emblemático, el Windsor (fue destruida por un incendio el 13 de febrero de 2005), en el que se concentran entonces todas las oficinas cinematográficas del poderoso grupo Ízaro. Desde su situación de privilegio en el terreno de la distribución, el grupo inicia tareas de producción en 1963, y bien pronto aprende las desventajas de producir películas de contenido crítico o irónico con respecto a la situación social imperante, es el caso de El extraño viaje de Fernando Fernán-Gómez (1964), en la que Ízaro solo participa como coproductor, pero cuyas vicisitudes ayudan a entender el por que desde entonces la finalidad de la productora sea cubrir sólo los géneros de consumo popular, con títulos que gozan de extraordinario éxito en taquilla, como la comedia Operación Cabaretera de Mariano Ozores (1964), que explota la fama del binomio Gracita Morales / José Luis López Vázquez; o el drama en coproducción con Italia Encrucijada para una monja de Julio Buchs (1967), por mencionar sólo los dos primeros títulos de sus inicios. Pero en general, Ízaro se caracteriza por producir las muy exitosas comedias del período más numéricamente fecundo de Ozores, que raramente bajan del millón de entradas vendidas. Es el caso de Objetivo Bi-Ki-Ni (1968), Operación Mata Hari (1968), Susana (1969), Fin de semana al desnudo (1974) o Los bingueros (1979). como ocurre igualmente con las de Buchs, como Cuidado con las señoras (1968), Una señora llamada Andrés (1970) o El apartamento de la tentación (1971). Igualmente la empresa invierte en operaciones de coproducción internacional (en algunos casos costosas), como es el caso de Superargo el gigante (1967), Los corsarios (1970), Marco Antonio y Cleopatra (1972), La selva blanca (1972), o la Mosca hispánica (1975), todas ellas con excelentes resultados en taquilla. La decadencia del grupo Ízaro corre en paralelo al de otras grandes distribuidoras españolas, en el crucial periodo de finales de la década de 1960 y la primera mitad de la de 1970 (Suevia Films, Mercurio, CB Films, entre otras), y tiene que ver con la reordenación del sector y la entrada masiva de empresas estadounidenses, hasta entonces sólo asociadas en el negocio. Ello se traduce también en la producción: de todos los títulos producidos por Ízaro desde 1982, ninguno llega ya a la barrera del millón de entradas, y muchos de ellos representan ya el ocaso de sus propios realizadores, como es el caso de todas las películas de Mariano Ozores desde esta fecha, pero también las de Ramón Fernández, otrora segura baza recaudadora para las grandes productoras del cine español de la década de 1960. En 1997 la compañía dejó de operar pero nos dejó para siempre una cabecera que nos hizo internacionales.

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London Films Productions es una productora cinematográfica y televisiva británica fundada en 1932 por Alexander Korda y que desde 1936 tiene su sede en los estudios cinematográficos Denham en Buckinghamshire, cerca de Londres. Entre las producciones de la compañía se encuentran La vida privada de Enrique VIII (1933), El porvenir (1936), Rembrandt (1936) y Las cuatro plumas (1939). En 1939 Rank se hizo cargo de las instalaciones de Denham y las fusionó con Pinewood para formar D & P Studios. El estallido de la guerra hizo necesario que El ladrón de Bagdad (1940) se completara en California, aunque las pocas películas de Korda hechas en Estados Unidos todavía mostraban al Big Ben como su logotipo corporativo de apertura.

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Mercurio Films, empresa de distribución. Ocasionalmente dedicada también a la producción y creada por José, Pedro y Carlos Couret el 22 de octubre de 1941. La firma se constituye a partir de la aportación de estos tres profesionales, el padre José Couret, quien comienza en el cine a edad avanzada (su primera ocupación es el comercio de telas, y más tarde, también el negocio inmobiliario); y sus hijos, Carlos es el director general de la empresa de exhibición Espectáculos Callao SA, mientras Pedro se ocupa tanto de la distribuidora como, desde 1942, también de la productora, que no obstante, tan sólo realiza con su nombre cuatro largometrajes, y con carácter discontinuo: Éramos tres en la mesa de R. Rey (1942), una producción de Manuel del Castillo para Mercurio; La maja del capote de F. Delgado (1944), Historia de una escalera de I. F. Iquino (1950) y el filme de episodioa El cerco del diablo (1952). Mercurio Films, arrancó ofreciendo en su primer lote de material nada menos que los estrenos de Rebeca, de Hitchcock, y El prisionero de Zenda, versión de John Cromwell con Ronald Colman, el primero de los cuales fue todo un suceso, ya que se decía que era “muy fuerte”. Miles de películas tuvieron como emblema inicial aquel partenón que distinguió a Mercurio Films, distribuidora que nos acercó emblemáticos títulos: Cumbres borrascosas con Laurence Olivier, Revuelta en la India de Sabú y en color que ya era una novedad en aquella época, Por el valle de las sombras con Gary Cooper, y, sobre todo, Siguiendo mi camino con Bing Crosby. Haciendo un repaso a aquellos títulos que hicieron historia con el sello de Mercurio Films. Las películas más comerciales fueron siempre las italianas. Aquella serie que inició Pan, amor y… dio muchísimo dinero. Pero si se tuviera que señalar una, esa es Los girasoles con Sofía Loren y Marcello Mastroianni, que fue un triunfo. Se puede decir que en el campo de la distribución de Mercurio Films hay un antes y un después de esta producción de Carlo Ponti con dirección de Vittorio de Sica”. No obstante, hablar de Mercurio es hacerlo de una empresa que posee también sólidas raíces en otras marcas de producción, como es el caso de Hesperia, posiblemente una emanación de la propia distribuidora; y también de Televisión y Cine SA (Tecisa), que, aunque creada por José Gutiérrez Maesso, mantiene una fuerte relación comercial con la empresa de los Couret, al menos en la primera parte de su actividad comercial. Éstos poseen, en el terreno de la distribución, no sólo un buen número de sucursales en toda España, sino incluso una filial, Cinematográfica Comercial SA (Cicosa), y asimismo, una amplia red de contactos internacionales que comprende en Francia a un socio y representante, el conde Thibault de Rovienne, dueño de la productora Talma, con la que Hesperia coproduce varios títulos; en Italia, al marqués Giancarlo di Capelli, propietario de Verix Films, que como el anterior en Francia, se encarga de la compra de derechos de películas para su distribución en España por parte de Mercurio; y en Portugal el inversionista Joaquín Ribeiro Belga, fundador de la exhibidora Lusomundo. Además los Couret crean, en la década de 1950, una efímera empresa en Italia, Mercufilm, con la cual intentan cubrir las necesidades de coproducción cuando no encuentran eventuales partners transalpinos. Otros miembros de la familia Couret son Juan Alexander Couret, productor, encargado de ventas internacionales de Mercurio y hombre fuerte en la última etapa de Hesperia, así como dueño de Star Line TV Productions, y Juan Couret Penguin, socio de dos productoras y distribuidoras, Dia y As Films en las que es propietario junto al jefe de producción Miguel Tudela. En 1980 desapareció Mercurio Films que había llegado a tener “la exclusiva en España, Colonias y Protectorado de las películas Paramount”.

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Todo esto comenzó con Metro Pictures Corporation, fundada en 1915 por Richard A. Rowland (1880-1947). Louis B. Mayer, trabajó para Metro Pictures, pero en 1918 abandonó y creó su propia compañía, Louis B. Mayer Pictures. Goldwyn Pictures, fue fundado en 1917, con el característico logotipo de Leo el León. En 1924 Marcus Loew compró Louis B. Mayer Pictures y Goldwyn Pictures, fusionándolos con Metro Pictures Corporation, creando así, el estudio veterano Metro-Goldwyn-Mayer. Louis B. Mayer e Irving Thalberg formaron el nuevo equipo directivo. Con la fusión, cada una de las tres pequeñas compañías aportarían sus propias cualidades: Mayer incorporaría a sus estrellas y personal técnico; Goldwyn contribuiría, principalmente, con un extraordinario estudio situado en Culver City, una pequeña cadena de cines y el emblemático símbolo del león rugiendo; finalmente, Metro traería a sus más celebrados directores y estrellas. Paulatinamente, la MGM se fue convirtiendo en uno de los estudios más importantes de Hollywood. Producían películas que giraban en torno a sus estrellas, para promocionarlas, y mantenían una factura fílmica de gran nivel gracias a sus principales técnicos. La creatividad individual se respetó siempre y cuando no entrara en conflicto con la premisa del estudio: las estrellas son lo primero.

La sucursal de Barcelona se constituyó el 12 de julio de 1928.
Director general: Don César Alba Delibes

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Mundial Film fue una empresa catalana de producción y distribución de films activa desde 1925 hasta 1936, fundada por Rodrigo Soler y Palau y conocida por la distribución del filme Captain Blood de David Smith. La empresa continuó inscrita en el Ministerio de Industria hasta 1965 aunque sin actividad comercial. En Febrero de 1994 se organizó por parte del Cine Club Sabadell y Joana Soler, la hija del fundador, una exposición sobre material publicitario de la distribuidora en el cine Alcázar de Barcelona. La inauguración de esta muestra coincidió con el 30 aniversario de la sección de Cine Estudio del Cine Club Sabadell. La exposición, preparada y seleccionada por Ana Fernández Álvarez y con la colaboración de Ramon Cortadellas, Anton Giménez i Riba (Responsable de los Archivos de Audiovisuales de la Generalitat) y el acuarelista Joaquim Deu, constaba de carteles, fotografías, facturas, etc. correspondientes a los films distribuidos por la Mundial Film, así como máquinas de proyección y otros materiales. Junto con la exposición se proyectó el reportaje sobre la llegada del Gobierno de Lluis Companys a Barcelona en 1936 que había sido distribuido por la Mundial Film. También se hizo el estreno mundial del filme Lo más sublime, dirigido en 1927 por Josep Enric Ponsà y ambientado en la Costa Brava. La recuperación de estos dos filmes la realizó la Filmoteca de Catalunya, gracias a las donaciones de Joana Soler (1984) y los hermanos Casals (1993).

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Paramount Pictures Corporation es una empresa estadounidense de producción y distribución de cine y televisión, y la división homónima de Paramount Global (anteriormente ViacomCBS). Es el sexto estudio cinematográfico más antiguo del mundo, el segundo estudio cinematográfico más antiguo de los Estados Unidos (detrás de Universal Pictures) y el único miembro de los estudios cinematográficos "Big Five" ubicados dentro de los límites de la ciudad de Los Ángeles. En los inicios de la historia del cine en Estados Unidos en los años 1910 se fundaron los estudios más importantes, entre los que ocupa la Paramount un lugar de privilegio, junto a Universal Pictures, la Fox Film Corporation, United Artists, Warner Bros., Metro-Goldwyn-Mayer, Columbia Pictures, la RKO y Walt Disney Productions. Es el cuarto estudio más viejo del mundo, precedido solo por los estudios Gaumont Film Company, Pathé y Universal Pictures. Durante los años 1930 esta política de estudios se consolida y eso significa el auge del cine.

La sucursal de Barcelona se constituyó el 24 de enero de 1945.
Director general: Don Richard P. Edelstein

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PELIMEX —también conocida como Cinematográfica PELIMEX S.A.— fue una empresa distribuidora de cine de origen mexicano, activa especialmente durante la Época de Oro del Cine Mexicano. Se creó alrededor de 1945 con el objetivo de distribuir películas mexicanas tanto en el mercado nacional como en el internacional, en un momento en que la industria cinematográfica mexicana vivía un auge artístico y comercial. PELIMEX tuvo una presencia muy importante en Cuba, donde promovió la exhibición de cine mexicano y europeo mediante su participación en circuitos como Cuba–Mex y Díaz y Hermano, a través de los cuales controló parte del mercado de salas cubanas durante varios años. Tras el triunfo de la Revolución en 1959, estos circuitos fueron nacionalizados, lo que redujo su actividad en la isla. Además de su influencia en Latinoamérica, PELIMEX llegó a figurar en registros de distribuidoras españolas bajo el nombre Cinematográfica PELIMEX S.A., lo que indica que también mantuvo distribución o representación en España durante una parte de su trayectoria. En conjunto, PELIMEX fue una distribuidora clave en la expansión del cine mexicano fuera de sus fronteras y forma parte de la historia de las compañías que ayudaron a que ese cine alcanzara públicos internacionales.

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Radio Films. Compañía filial de la RKO estadounidense afincada en Barcelona en 1934 como sede central en el Estado español. La empresa se fundó en EE.UU. en 1928 con las siglas RKO (Radio Keith Orpheum), como resultado de la fusión de la productora RKO Radio con la distribuidora Keith-Albee-Orpheum Corporation. Esta sociedad fue absorbida en 1948 por Howard Hughes (Hughes Tool Co-Lookhead Constellation-TWA), después de nueve años de inactividad se disolvió en 1957, adquiriendo su producción el circuito televisivo de la NBC (David Sarnoff). Antes de que la firma se instalara en Barcelona, sus filmes eran distribuidos por la CINAES-Cinematográfica Verdaguer; en 1932, esta concesión pasó a manos de la Sociedad Ibérica de Construcciones Eléctricas (SICE), empresa de fabricación de aparatos de proyección sonoros que tenía la representación de la RKO y de varias marcas extranjeras relacionadas con el equipamiento de salas. Finalmente, en 1934, dos altos directivos de la RKO –ED Leishman, de Nueva York, y JJ Kennedy, de Londres– abrieron unas oficinas en el paseo de Gràcia de Barcelona. El acto fue presidido por el mexicano Roberto Trillo, director general, Antonio Blanco Felis, gerente del departamento de distribución, Miguel Amírola Abad, administrador gerente, René Beja Durin, subgerente, y los directores de las sucursales de Madrid, Bilbao, Valencia y Sevilla. Durante la guerra civil, R. Trillo murió, y A. Blanco ocupó su puesto. Terminado el conflicto, Emilio Pérez Díaz de Argüelles asumió su dirección general, hasta que en 1944 fue sustituido por R. Beja. En 1957 José García Ramos, conocido exhibidor y gerente de la sucursal de Madrid, accedió a la presidencia. En 1965 Radio Films se trasladó al edificio de la Hispano FoxFilm, ya que R. Beja también asumió la dirección general de la Fox. De esta forma, Radio Films e Hispano FoxFilm pasaron a compartirlo casi todo, también el departamento de publicidad, del que se ocupó el titular de la primera, Carles Baró y Roca. En 1970 Radio Films tuvo que regresar a las antiguas oficinas del paseo de Gràcia, y dos meses después, la compañía desapareció definitivamente.

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J.A. Rank era un industrial molinero de firmes creencias religiosas, que vio las posibilidades de utilizar el arte cinematográfico como una eficaz herramienta para difundir su fe metodista. En 1933 realizó su primera película y al año siguiente fundó junto a dos socios, la British National Films Company. Esta empresa produciría su primer film comercial en 1935, pero tuvo conflictos de distribución con empresas estadounidenses que dominaban el mercado británico, lo que decidió a Rank a crear una empresa más importante. En 1937 logró controlar Pinewood Film Studios (Pinewood Studios), una firma inspirada en los estudios cinematográficos de Hollywood, adquiriendo en 1941 la cadena de cines ODEON y otras empresas, consolidando su posición dentro de la industria cinematográfica británica fundando Rank Organisation (Organización Rank). La Organización Rank se transformó en la más importante empresa distribuidora y exhibidora de Gran Bretaña, que comenzó a utilizar el logo del Hombre del Gong para identificarse. Llegó a poseer 5 estudios y 650 salas de cine. En el año 1945 formó una escuela de actores de la cual egresó el conocido actor de carácter Christopher Lee, entre otros. También contó con afamados directores como David Lean y Ken Annakin para sus realizaciones. Entre las producciones de renombre realizadas en los Estudios Pinewood está la serie de filmes del Agente 007 James Bond, Superman y Aliens. La empresa terminó su producción cinematográfica en 1980, pasando en 1996 a ser parte del holding The Rank Group Plc.

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Regia Films-Arturo González, empresa de producción. Su actividad se desarrolla en los años 1967-1986. Fundada por el gallego Arturo González Rodríguez (1902-1986), en 1967, Regia Films-Arturo González supone la independencia definitiva de su propietario de la gran productora de su hermano Suevia Films-Cesáreo González, en la que Arturo trabajaba como delegado en Vigo desde comienzos de los cuarenta, desde 1945 desempeñando el cargo de subdirector y se convierte en segundo accionista tras la transformación en Sociedad Regular Colectiva en 1947. Las cada vez menos fluidas relaciones con su hermano comienzan a producir fricciones internas desde los años cincuenta, y compagina el trabajo en Suevia con sus primeras producciones bajo la marca Arturo González PC, a principios de los años sesenta. El buen resultado de Los guerrilleros de P. L. Ramírez (1963) realizada todavía bajo la sombra de Suevia con Manolo Escobar y Rocío Jurado, lo lleva a explotar el filón en solitario, con títulos aún para la marca Arturo González PC, como Mi canción es para ti (1964), Un beso en el puerto (1965) y El Padre Manolo (1966), todas dirigidas por Ramón Torrado. El gran éxito de público de los títulos citados convence a Arturo González de que es el momento de la separación definitiva de su hermano, creando en 1967 la productora y distribuidora de ámbito nacional Regia Films- Arturo González. Desde ella se une a las exitosas corrientes de la más vulgar comedia hispana, así como continúa produciendo el auténtico fenónemo popular Manolo Escobar, sin dejar de explotar también las posibilidades del spaghetti western. En los años setenta sigue ligado a Manolo Escvobar en films coproducidos con México, abandonando la producción en los primeros años ochenta tras La gran aventura de los Parchís de A. Quiroga (1983). Regia Films mantiene su actividad distribuidora hasta el fallecimiento de su propietario en 1986.

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Gabriel Soria, periodista, productor, editor, director y escritor de cine. Nació en Morelia, Michoacán, el 18 de marzo de 1908 y murió en la Ciudad de México el 30 de junio de 1971. Estudió el bachillerato y una carrera comercial en Los Ángeles, California, becado por el diario Excélsior, en esta ciudad trabajó en el departamento de redacción de The Angeles Examiner; posteriormente fue periodista del diario angelino La Opinión. También en Hollywood colaboró con los estudios Tiffany Stahl como técnico y asistente de dirección. En 1929 regresó a México en donde gracias a la experiencia cinematográfica adquirida en la llamada Meca del cine mundial comenzó a realizar una serie de documentales informativos sonoros llamados Revista Excélsior. En 1934 realizó su Ópera Prima Chucho el roto a la que siguieron cintas como: Martín Garatuza (1935), ¡Ora Ponciano! (1936), Mala yerba (1940) y La dama de las camelias (1944). La carrera cinematográfica de Gabriel Soria en el cine mexicano representó una década de éxitos, en la cual consiguió filmar un total de diez películas. La obra cinematográfica de Gabriel Soria se caracterizó según el investigador Eduardo de la Vega Alfaro: “porque sus películas se basaron, casi en su totalidad en novelas, obras de teatro y leyendas populares. Partiendo pues de fuentes literarias, las obras cinematográficas de Soria se integraría a un cine que puede definirse como de aspiraciones cultas, aunque sus resultados se orientaron también a lo estrictamente comercial”. A partir de 1944 Gabriel Soria radicó en España en donde formó la empresa Rey Soria Films distribuidora de películas mexicanas; además produjo y vendió discos y aparatos fonográficos. Debido al éxito que consiguió dicha empresa en España, Gabriel Soria permaneció en ese país hasta el año de 1970 en que regresó a México con la finalidad de retornar a la industria cinematográfica nacional. Lamentablemente murió un año después sin haber vuelto a filmar en México.

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ROSA FILMS fue una empresa española de distribución cinematográfica constituida el 12 de septiembre de 1947, bajo la presidencia de Don Luis García Castelli. Nació en un momento de reconstrucción y reorganización del sector cinematográfico tras la posguerra, cuando aparecieron varias compañías dedicadas a importar y distribuir películas extranjeras, así como a mover cine nacional por las salas del país. Aunque la documentación conservada sobre ROSA FILMS es limitada, formó parte del tejido de distribuidoras medianas que, durante las décadas de 1940 y 1950, contribuyeron a diversificar la oferta cinematográfica en España. Su creación refleja la expansión del mercado de exhibición en aquellos años y el interés de nuevas empresas por participar en la comercialización de cine tanto europeo como americano.

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Eugenio Sánchez-Ramade Villegas, nacido en Sevilla en el año 1928 y fallecido en Córdoba el 6 de junio de 2005. Distribuidor, exhibidor y productor. Hijo de Eugenio Sánchez-Ramade Urenda, creador de un grupo cinematográfico al frente del cual se halla la distribuidora Exclusivas Sánchez-Ramade, creada en la década de 1940 aunque especialmente activa entre 1960-1970. Estudia y obtiene la licenciatura en Derecho y está presente en el mundo de los negocios desde 1952. Es el encargado de profundizar y diversificar los importantes intereses familiares que abarcan la distribución de gas y de electrodomésticos, el sector inmobiliario, la automoción, pero también el cine. En este terreno, el grupo se concentra en la distribución, pero sin olvidar la exhibición, a la que se dedica desde comienzos de la década de 1930. Desde el punto de vista de la producción, crea en 1966 la empresa Sara Films, de estructura familiar, de cuyo consejo de administración forman parte su padre y su hermano Luis y que es responsable de los títulos, La venganza de la momia de C. Aured (1973) y El ladrido de P. Lazaga (1977). Participa, junto a los hermanos Gregorio y Eduardo Manzanos Brochero y Felipe Tusell Gómez, en la fundación de la productora Isla Films, inscrita en el Registro Mercantil de Madrid el 11 de diciembre de 1972, con la cual producen los títulos, dos de las películas dirigidas por Eduardo Manzanos, Canciones de nuestra vida (1975) y España debe saber (1977); así como un film de José Luis Sáenz de Heredia, Solo ante el straking (1975); y otro de P. Lazaga, Terapia al desnudo (1976). A comienzos del siglo XXI, controla diez complejos multisalas con 81 pantallas, situados en Andalucía a través de la empresa Cinesur, y en Asturias con la empresa Cinenor. En septiembre de 2012, el grupo tiene una deuda de 128 millones. En marzo de 2014, estaba en liquidación. En su proceso de extinción, Cinesur se vendió al grupo galo MK2 por 10,5 millones.

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Selecciones Capitolio - Selecciones Huguet. Empresa de producción y distribución. Fundada en Barcelona el 1 de junio de 1921, su primer nombre es Saturnino Huguet SA - Selecciones Capitolio, en honor a su fundador y primer propietario. Durante el período republicano la empresa produce los largometrajes Sor Angélica de F. Gargallo Catalán (1934), El secreto de Ana María de S. de Alberich (1935) y La viuda quería emociones de R. Harlan (1935). Ya durante esta época la mayoría de las acciones de la empresa son adquiridas por el acaudalado industrial del aceite Daniel Mangrané i Escardó. Su hijo, el productor y realizador Daniel Mangrané i Mangrané, compagina el ejercicio de los estudios de química, que cursa en Berlín y manifiesta a través de diversos tratados científicos, con inquietudes artísticas que pone en práctica como guionista del drama El deber de S. Alberich (1936) y Los nuevos ideales (1936), film prohibido por su padre igualmente dirigido por Alberich que traduce el desencanto de sus ideales políticos como diputado de Esquerra Republicana frente a las consecuencias derivadas de la constitución del Frente Popular. La actividad de la empresa durante el periodo republicano se completa con La millona, adaptación de una comedia de Enrique Suárez de Deza dirigida por Antonio Momplet, cuyo estreno en Madrid se retrasa hasta 1939, entonces legalizada como una producción de Selecciones Capitolio distribuida por ellos mismos con la marca S. Huguet, que todavía produce la comedia El sobre lacrado, dirigida por Francisco Gargallo Catalán, protagonizada por su propia hija y legalizada en 1941 pero rodada dos años antes, todavía en vida de Huguet, que falleció en 1939, Daniel Mangrané hijo toma definitivamente las riendas de los negocios familiares, centrándose especialmente en una fábrica de productos químicos y en la empresa cinematográfica. A partir de 1949, ésta pasa a denominarse Selecciones Huguet SA y en su consejo de administración constan los Mangrané, padre e hijo, como presidente y vicepresidente mientras Juan Tomás Muniesa Muñoz y Juan Huguet Riba, hijo del anterior propietario, ocupan el cargo de directores-gerentes. La política proteccionista que en aquella época pone en marcha el franquismo incentiva la producción de películas españolas a cambio de la concesión de licencias de importación de películas extranjeras y, con este fin, la nueva empresa nutre sus arcas como distribuidora. Mangrané, asiduo espectador de las óperas representadas en el Liceo barcelonés, en 1951 realiza una singular adaptación cinematográfica de Parsifal, según la ópera de Richard Wagner, que codirige con Carlos Serrano de Osma, responsable de los aspectos técnicos de la película. Dos años después repite la operación, esta vez ya en solitario con El duende de Jerez (1953), una delirante fantasía musical inspirada en un cuadro de Velázquez. Abandonada esta faceta como director, Mangrané todavía produce Parque de Madrid de E. Cahen Salaberry (1958) y durante largos años preside la distribuidora Selecciones Huguet desde la cual, a través de algunos colaboradores como el gerente Tomás Muniesa o el jefe de producción Jesús López Patiño, interviene en la financiación de numerosas producciones barcelonesas realizadas durante la década de 1960. Tàrdiamente, la marca Selecciones Capitolio todavía reaparece como coproductora de la comedia Virilidad a la española de F. Lara Polop (1976), mientras que en 1976, María Casanovas Sánchez inscribe la marca S. Huguet Producción Cinematográfica en el Registro de la Propiedad Industrial y con ella produce la comedia Una familia decente de L. J. Comerón (1977) e interviene en la coproducción de Dulce piel de mujer de G. Angelucci (1981). Como distribuidora siguió activa unos años más pero, en 1985, la muerte de Daniel Mangrané, hijo, hombre fuerte de la empresa en herencia de su padre, precipitó el declive. Cerró definitivamente en 1991.

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En 1932 Saturnino Ulargui fundó su empresa cinematográfica Ufilms (Ulargui Films) e inició una política empresarial que le llevó a consolidarse como uno de los referentes de la industria española, junto con las emblemáticas productoras Cifesa y Filmófono. Saturnino Ulargui comenzó su andadura en el mundo de la cinematografía como distribuidor de films, siendo introductor de los productos cinematográficos de la firma alemana Universum Film AG (UFA). Por tanto, el estudio de la carrera de Ulargui en la II República no se entiende si no va acompañado de un análisis del funcionamiento de la distribución cinematográfica entre 1931 y 1936. Así como la producción y la exhibición son dos ramas de la industria que han sido objeto de estudios minuciosos, las investigaciones sobre la distribución son más bien escasas. Ulargui constituye un ejemplo paradigmático de un exitoso distribuidor de material cinematográfico que emprende la aventura de la producción de cine nacional. Si por algo se caracterizó la carrera de este riojano, fue por situarse a la cabeza de iniciativas empresariales de todo tipo y en distintos ámbitos.

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Soy Samuel Montes, encantado de saludarle. Conozco su actividad como coleccionista y conozco su blog. Enhorabuena por su trabajo. Me parece estupendo que parte de mi tesis pueda formar parte de su proyecto y pueda ser consultada desde su blog.

Reciba un cordial saludo,

SAMUEL MONTES IBARS

Investigador Posdoctoral - Gestor de Proyectos

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La UFA original se estableció como Universum-Film Aktiengesellschaft (UFA) el 18 de diciembre de 1917, como respuesta directa a la competencia extranjera en el cine y la propaganda. UFA fue fundada por un consorcio encabezado por Emil Georg von Stauß, ex miembro de la junta de Deutsche Bank. En marzo de 1927, Alfred Hugenberg, un influyente empresario de los medios de comunicación alemán y más tarde ministro de Economía, Agricultura y Nutrición en el gabinete de Hitler, compró la UFA y la transfirió al Partido Nazi en 1933. UFA en la Península Ibérica. Distribuir películas alemanas en países de habla española y portuguesa fue un reto para la Ufa. En los países de habla española, era mucho más fácil comercializar producciones de México o España que las películas en lengua extranjera, las cuales tenían que ser subtituladas, dobladas o producidas a un costo elevado en una versión multilingüe. La fundación en 1936 de la productora germano-española Hispano Filmproduktion fue una de las decisiones estratégicas para no solamente entrar al mercado español y estabilizar el axis entre Franco y el Tercer Reich, sino también usar a la productora como un trampolín para facilitar la distribución de producciones alemanas en América Latina. El acuerdo de mayor trascendencia para España es el que a finales de 1942 posibilita la creación de NO-DO (Noticiarios y Documentales Cinematográficos) a partir de la infraestructura y el personal de UFA en la Península Ibérica. En estos acuerdos bilaterales también se establece un intercambio de información sobre la política cinematográfica estatal, de tal modo que el instituto LUCE, la Reichfilmskammer (Departamento de Cinematografía del Reich), así como los ministerios con las competencias de propaganda se conviertan para los artífices del Estado franquista en referencias fundamentales a la hora de crear sus organigramas de gobierno y la legislación dirigida a la protección, el control ideológico y la censura. En general, la gratitud española por el apoyo recibido y el progresivo incremento del comercio cinematográfico con Alemania se materializaron también en diversas cuestiones de índole política tendentes hacia un alineamiento del cine español en la órbita de la hegemonía alemana. Ya en 1937 un informe recomienda dar prioridad a las importaciones cinematográficas de los países amigos -Alemania e Italia- en detrimento de las norteamericanas, mientras que los diversos códigos de censura aconsejan trato de favor a las “naciones amigas” de España. Ese mismo año, el jefe de la Delegación del Estado para Prensa y Propaganda, José Moreno Torres, ofreció a la Ufa la posibilidad de distribuir las películas españolas de propaganda y los documentales. Ésta lo rechazó por las sospechas que podrían despertar al ofertar películas españolas. Finalmente los noticiarios serían distribuidos por la filial de la Tobis. En 1938 el gobierno de Franco acordó la importación de 70 películas alemanas y ello no sería más que el principio de una creciente relación comercial entre ambos países. Universum Film AG, más conocido como Ufa o UFA, fue el estudio cinematográfico más importante de Alemania durante el periodo de esplendor de la República de Weimar y durante la Segunda Guerra Mundial. Este conglomerado de industrias alemanas del sector del cine fue una de las más poderosas durante el periodo 1917-1945. Las autoridades alemanas habían creado ya en 1916 una compañía, la DEULING (Deutsche Lichtspiel-Gessellschaft), para hacer filmes documentales. A ella la siguió, al empezar 1917, la BUFA (Bild und Filmamt), creada para mostrar filmes en salas de proyección en los frentes de batalla, pero se disolvió en 1918. Tras la entrada de los EE. UU. en la guerra, se expandieron las películas estadounidenses por todo el mundo, que daban mala imagen de Alemania dadas las circunstancias. Pues bien, para contrarrestarlo, fue creada la compañía UFA (Universum Film AG) el 18 de diciembre de 1917 en Berlín, por el Alto Mando Alemán, como una compañía de producción cinematográfica estatal. Quería ofrecer servicios públicos de información y de propaganda durante la primera guerra mundial para educar nacionalmente, de acuerdo con claras directrices del momento. Querían aumentar la producción, y testimoniaban el carácter autoritario de la Alemania imperial. Fue creada además como una consolidación de las mayores empresas alemanas del sector cinematográfico, que incluían Nordisk y Decla. Decla fue anteriormente propiedad de Erich Pommer y sirvió como productora en 1919 del filme El gabinete del doctor Caligari, que fue uno de los ejemplos del mejor expresionismo alemán: un gran éxito comercial y a la vez un filme muy influyente. En 1921, UFA fue privatizada y comenzó una carrera de liderazgo en la industria con la producción de más de 600 películas al año y una cifra enorme de espectadores diarios: cerca de un millón. En este periodo del cine mudo las películas eran muy adaptables para los mercados extranjeros, así que UFA con su reputación internacional de empresa europea empezó a ser un competidor serio de Hollywood. El estudio conoció una importante expansión financiera a finales de los años 20, pero sufrió un duro golpe contable con el fracaso de taquilla de la película Metrópolis, de Fritz Lang, en la cual había invertido aproximadamente 5 millones de reichsmarks (moneda oficial utilizada en Alemania desde 1924 hasta el 20 de junio de 1948). Luego del fin de la Segunda Guerra Mundial y el reparto de los territorios alemanes, los estudios quedaron en zona soviética, donde fue fundada la nueva DEFA (Deutschen Filmaktiengesellschaft). Una gran película de ese periodo lo fue El asesino está entre nosotros (1946) La compañía fundada con el mismo nombre en 1956 en la Alemania occidental no logró sobrevivir. Hoy en día la empresa UFA Film & TV Produktion GmbH se ha concentrado en la producción de programas de televisión. Después a través de la filial 'FremantleMedia', se reconstituiyó como sociedad en 2013. Los derechos de la producción de las películas antiguas ("alten UFA") han recaído en la actualidad sobre los herederos de Friedrich Wilhelm Murnau, que son los encargados de la conservación, almacenamiento y restauración del material antiguo, en la Murnau Stiftung con sede en Wiesbaden. Su labor recuperadora ha sido y es muy importante para la historia del cine.

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UA fue fundada el 5 de febrero de 1919 por Pickford, Chaplin, Fairbanks y Griffith. Cada uno de ellos tenía una participación del 20%, y el 20% restante lo tenía el abogado William Gibbs McAdoo.3 La idea de la empresa se originó con Fairbanks, Chaplin, Pickford y la estrella de cowboy, William S. Hart, un año antes. Ya veteranos de Hollywood, las cuatro estrellas hablaron de formar su propia empresa para controlar mejor su propio trabajo. Ellos fueron estimulados por productores y distribuidores de Hollywood establecidos que estaban estrechando su control sobre los salarios de los actores y las decisiones creativas, un proceso que evolucionó hacia el sistema de estudio. Con la adición de Griffith, la planificación comenzó, pero Hart se retiró antes de que cualquier cosa fuera formalizada. Cuando se enteró de su plan, se dice que Richard A. Rowland, director de Metro Pictures, observó: "Los internos están asumiendo el asilo". Los cuatro socios, con el asesoramiento de McAdoo (yerno y exsecretario del Tesoro del entonces presidente Woodrow Wilson), formaron su compañía de distribución, con Hiram Abrams como su primer director administrativo. Su sede se estableció en 729 Seventh Avenue en la ciudad de Nueva York.

Al Servicio Secreto De Su Majestad, Diamantes para la eternidad, Vivir Y Dejar Morir, El Hombre de la pistola de oro, La Espía que me amó y Moonraker llevaban un logo diferente, aún sin música. Se trataba de unas alas azules que formaban la letra T de Transamerica, mientras al costado se leían las palabras “United Artists. Entertainment from Transamerica Coorporation”.

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Universal Studios fue fundada el 30 de abril de 1912, en Nueva York. Laemmle, quien era presidente de la empresa en julio de 1912, fue la primera figura en la asociación junto con Dintenfass, Baumann, Kessel, Poers, Swanson, Horsley y Brulatour. Con el tiempo todo terminó siendo adquirido todo por Laemmle. El nuevo Universal Studio fue una Integración Vertical, con producción de películas, distribución y lugares de exposición todos relacionados en la misma entidad corporativa, el elemento central de la era del Sistema de estudios. Siguiendo la tendencia de la industria del oeste, para finales de 1912 el estudio comenzó a realizar sus producciones en el área de Hollywood. El 14 de marzo de 1915, Laemmle inauguró el mayor complejo de producción cinematográfica de la historia, Universal City Studios, en lo que eran 0.9 km² de una granja justo arriba de Cahuenga Pass en Hollywood. La administración del Estudio se convirtió en la tercera faceta de las operaciones de Universal, con el estudio quedando constituido como una organización subsidiaría distinta. A diferencia de otros magnates del cine, Laemmle abrió sus estudios a los turistas. Universal se convirtió en el mayor estudio de Hollywood, y siguió siéndolo durante una década. Sin embargo, buscó a su audiencia principalmente en ciudades pequeñas, produciendo filmes baratos en su mayoría, principalmente melodramas, wésterns y cine serial.

La sucursal de Barcelona se constituyó el 22 de diciembre de 1922.
Director gerente: Don Enrique Aguilar Campderrós

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En 1915 William Fox funda Fox Film Corporation. William Fox, fue un pionero en la creación de cadenas de salas de cine, comenzó a producir películas en 1914, y en 1917 logró el éxito al ofrecer la sensación del cine mudo, Theda Bara. Fue más un empresario que un hombre de espectáculo, Fox se concentró en adquirir y construir salas; las películas le eran secundarias. Cuando el sonido llegó al cine, Fox adquirió los derechos de un proceso alemán para el sonido-en-película que llamó "Movietone", en 1926 empezó a ofrecer proyecciones con grabaciones de música y de efectos. El año siguiente dio comienzo a "Noticias Fox Movietone", una presentación semanal de noticias que se presentó hasta 1963. La creciente compañía necesitaba espacio, y en 1926 Fox adquirió trescientos acres en un terreno baldío al oeste de Beverly Hills donde construyó "Movietone City", el mejor estudio equipado de su época. El 14 de diciembre de 2017, The Walt Disney Company anunció planes para comprar 21st Century Fox, lo que incluye también a 20th Century Fox, por 52 400 millones de dólares. El 23 de mayo de 2018, USA Today informó que Comcast planeaba superar a Disney con una oferta en efectivo de aproximadamente 60 000 millones de dólares, que se aumentó a 65 000 millones de dólares en efectivo el 13 de junio ofreciendo a los accionistas de Fox 35 dólares por acción y "el 100 % de las acciones que la compañía dejó después del trato" (relacionado con New Fox). Comcast esperaba que Disney aumentase su oferta e incluyera efectivo como parte del trato. A la semana siguiente, Disney aumentó su oferta a 71 300 millones de dólares y el 19 de julio de 2018, Comcast anunció oficialmente que había retirado su oferta en los activos de Fox para concentrarse en la adquisición del operador europeo de TV de pago Sky. La adquisición de la división de espectáculos 21st Century Fox por Disney dio un paso más hacia su conclusión el día 27 de julio de 2018, cuando los accionistas de ambas compañías aprobaron el acuerdo después de una reunión en un hotel de Nueva York. El voto de los accionistas pone fin a una guerra de ofertas con Comcast que comenzó en mayo de 2018. El trato con Fox ayudará a Disney a competir con el sector tecnológico en el que destacan plataformas como Amazon y Netflix. Después de un proceso de adquisición que tardó 15 meses, el 20 de marzo de 2019 se cerró la compra por 71 300 millones de dólares tras la aprobación de los países restantes. Pero después de la compra de 20th Century Fox Breakthrough se convirtió la primera película de 20th Century Fox en ser distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures. El 17 de enero de 2020, Disney mediante un anuncio por revista cambia el nombre del estudio a "20th Century Studios", debido a que la marca "Fox" quedó en manos de Fox Corporation (conformada por los activos de 21st Century Fox que no fueron adquiridos por Disney).

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Fundada en 1923 por los hermanos Harry Warner, Albert Warner, Sam Warner y Jack L. Warner, además de producir sus propias películas, se encarga de las operaciones cinematográficas, la distribución teatral, el marketing y la promoción de películas producidas y estrenadas por otros sellos de Warner Bros., incluidos Warner Bros. Pictures Animation, New Line Cinema, DC Studios y Castle Rock Entertainment, así como varios productores externos.

La sucursal de Barcelona se constituyó el 3 de noviembre de 1932.
Director gerente: Don Renato Huet Boursaud

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GIRONA NOTICIES junio 2024

Lluís Benejam mostra la seva col·lecció cinematogràfica a Capmany

10/06/2024 - Capmany (Alt Empordà)

Durante la visita, Roca y Plujà han podido ver de primera mano la dedicación y la pasión
de Benejam por conservar y compartir la historia del cine.

Durant la visita, Roca i Plujà han pogut veure de primera mà la dedicació i la passió
de Benejam per conservar i compartir la història del cinema.

Hoy, Lluís Benejam Buhigas, impresor y coleccionista de material cinematográfico, ha recibido la visita de Pere Roca, productor ejecutivo del Focus Audiovisual, y Guillem Plujà, fotoperiodista del diario oficial de comarcas gerundenses. Este encuentro ha permitido a los visitantes explorar el extenso archivo de cine que Benejam ha ido recopilando con dedicación desde el año 1982.

El archivo de Benejam cuenta con información impresa de más de 30.000 películas, así como libros, discos y otros materiales relacionados con el mundo del cine. Durante la visita, Benejam ha explicado que empezó su colección con programas de mano y que, con el tiempo, ha acumulado una gran variedad de carteles de cines de toda España. Uno de sus tesoros más preciados es el material de la película 'Ben-Hur', un clásico del cine épico y dramático de 1959 ambientado mayoritariamente en la provincia romana de Judea.

Lluís Benejam Buhigas (Figueres, 1954) conserva esta vasta colección en su casa de Capmany. Desde pequeño empezó a coleccionar programas y carteles de cine, pero fue a partir de 1995, coincidiendo con la celebración del centenario del cine, cuando decidió formalizar el Archivo-Colección que lleva su nombre. Hoy en día, este archivo es un referente para cinéfilos y estudiosos, destacando por su carácter altruista, puesto que Benejam facilita el acceso a su material sin ánimo de lucro.

Su web, www.archivocine.com, contiene unas 70.000 imágenes y recibe en la actualidad unas 5.200 visitas al mes. Sin embargo, gran parte de su archivo no está documentado online, y Benejam trabaja periódicamente para divulgarlo mejor.

Durante la visita, Roca y Plujà han podido ver de primera mano la dedicación y la pasión de Benejam por conservar y compartir la historia del cine. La visita ha sido una oportunidad única para apreciar la riqueza del patrimonio cinematográfico que Benejam ha acumulado a lo largo de los años y que sigue ampliando y divulgando con gran entusiasmo.

Autor: Guillem Plujà / GN

Avui, Lluís Benejam Buhigas, impressor i col·leccionista de material cinematogràfic, ha rebut la visita de Pere Roca, productor executiu del Focus Audiovisual, i Guillem Plujà, fotoperiodista del diari oficial de comarques gironines. Aquesta trobada ha permès als visitants explorar l'extens arxiu de cinema que Benejam ha anat recopilant amb dedicació des de l'any 1982.

L'arxiu de Benejam compta amb informació impresa de més de 30.000 pel·lícules, així com llibres, discos i altres materials relacionats amb el món del cinema. Durant la visita, Benejam ha explicat que va començar la seva col·lecció amb programes de mà i que, amb el temps, ha acumulat una gran varietat de cartells de cinemes de tot Espanya. Un dels seus tresors més preuats és el material de la pel·lícula 'Ben-Hur', un clàssic del cinema èpic i dramàtic de 1959 ambientat majoritàriament a la província romana de Judea.

Lluís Benejam Buhigas (Figueres, 1954) conserva aquesta vasta col·lecció a la seva casa de Capmany. Des de petit, va començar a col·leccionar programes i cartells de cine, però va ser a partir del 1995, coincidint amb la celebració del centenari del cinema, quan va decidir formalitzar l'Arxiu-Col·lecció que porta el seu nom. Avui en dia, aquest arxiu és un referent per a cinèfils i estudiosos, destacant pel seu caràcter altruista, ja que Benejam facilita l'accés al seu material sense ànim de lucre.

El seu web, www.archivocine.com, conté unes 70.000 imatges i rep actualment unes 5.200 visites al mes. Tot i això, gran part del seu arxiu no està documentat en línia, i Benejam treballa periòdicament per divulgar-lo millor.

Durant la visita, Roca i Plujà han pogut veure de primera mà la dedicació i la passió de Benejam per conservar i compartir la història del cinema. La visita ha estat una oportunitat única per apreciar la riquesa del patrimoni cinematogràfic que Benejam ha acumulat al llarg dels anys i que continua ampliant i divulgant amb gran entusiasme.

Autor: Guillem Plujà / GN

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DIARI DE FIGUERES marzo 2024

Todos conocemos a coleccionistas de diferentes temas. Grandes coleccionistas hay menos. Y, entre ellos, Lluís Benejam un “rara avis”. Lo que los hacen únicos, en su colección dedicada al cine, es el registro de todo ello. Pídale lo que quiera de su colección y archivos. En 30 segundos le dirá lo que tiene y se lo mostrará. Lluís Benejam considera que le ha llegado la hora de pasar el testimonio en lo que considera una carrera de relevos: una institución que quiera cuidar y seguir ampliando sus archivos donde él lo deje. Lo hemos visitado en Capmany. Y de ahora en adelante colaborará con el Diari de Figueres para recuperar documentos e imágenes de Figueres y el cine.

Éste es el vídeo de nuestra visita el dia 7 de marzo 2024.

Tots coneixem col·leccionistes de coses. De grans col·leccionistes n’hi ha menys. I, entre ells, en Lluís Benejam és un “rara avis”. El que els fan únics, a la seva col·lecció dedicada al cinema i a ell mateix, és l’índexació que ha fet de tot plegat. Demaneu-li el que volgueu de la seva col·lecció i arxius. En 30 segons us dirà el que té i us ho mostrarà. En Lluís Benejam considera que li ha arribat l’hora de passar el testimoni en el que considera una cursa de relleus: una institució que vulgui tenir cura i seguir ampliant els seus arxius allà a on ell ho deixi. L’hem visitat a Capmany. I a partir d’ara col·laborarà amb el Diari per recuperar documents i imatges de Figueres i el cinema. Aquest és el vídeo de la nostra visita el dia 7 de març 2024.

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Cinemateca de Toulouse

En noviembre de 2023 volví a realizar una nueva donación de material de cine. El texto que viene a continuación fue publicado en la redes sociales de la Filmoteca.

El espíritu del coleccionista

La Cinemateca de Toulouse acaba de recibir una importante donación de 4.000 carteles en castellano y catalán y 3.000 guías de cine de la colección de Lluís Benejam.

Lluis-Benejam-en-el-Centro-de-Conservación-e-Investigación

Lluís Benejam es un ejemplo de coleccionista de objetos cinematográficos, dedicado desde hace muchos años a una búsqueda ejemplar: preservarlo todo, conservarlo todo.

La historia de Benejam como coleccionista comenzó a finales de los años 60, cuando empezó a conservar sistemáticamente programas de mano, esos folletos de diferentes formatos que antaño se encontraban en el vestíbulo de los cines. Tuvo acceso a él a través de la imprenta en la que trabajaba, Trayter en Figueres, que editaba estos programas para varias salas de cine locales. Esta colección continuó con fotografías y carteles promocionales, recogidos de las salas de cine, sin clasificación selectiva.

En 1995, centenario del nacimiento del cine, Benejam recibió el encargo de la Academia de Bellas Artes de Sabadell de organizar una exposición sobre películas ganadoras de un Oscar. Este encargo le obligó a ampliar su colección y encontrar todos los carteles de los que no tenía ejemplar. Para ello, recurre a los distribuidores cinematográficos que, en su mayoría, mantienen en sus stocks un gran número de carteles. Una vez más, Benejam se encuentra ante una gran cantidad de documentos destinados a desaparecer. El deseo de salvarlos empuja a Benejam a coleccionarlos y su colección crece.

El archivo de Lluís Benejam en Campmany (Girone) © Claudi Valenti, 2018

El ojo de Lluís Benejam observa sin discriminar. Para él, el placer es dar una segunda vida a los objetos, a menudo recogidos en el último momento, justo antes de ser desechados. Se convierte así en un coleccionista que colecciona, almacena, archiva y no duda en ofrecer sus documentos a otros para que los objetos que colecciona formen parte de nuevas colecciones. Da nueva vida a estos objetos, los activa y les da un nuevo significado.

Para él, coleccionar es al mismo tiempo un placer y una responsabilidad.

La colección de Lluís Benejam incluye hoy más de 30.000 carteles, 26.000 guías publicitarias y 15.000 programas de mano. También incluye tarjetas del lobbycads y otros documentos como carteles murales, algunos de los cuales fueron creados por el artista José Borja.

Encuentra parte de la colección y numerosos artículos en la web gestionada por Lluís Benejam: www.archivocine.com

Agradecemos calurosamente a Lluís Benejam la rica relación de donaciones e intercambios que ha mantenido con la Cinémathèque de Toulouse durante los últimos años.

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DIARI ARA novembre 2023

El creador de memoria cinematográfica

Por Jordi Carreras – 9 Noviembre 2023

Lluís Benejam tiene una colección que comprende material de más de 30.000 películas

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“Coleccionar no es comprar o vender: ¡es crear memoria!” La frase es de Lluís Benejam (Figueres, 1954), un coleccionista de cine poseedor de un fabuloso archivo y colección que comprende información impresa de más de 30.000 películas, entre otros muchos objetos. A los 14 años Benejam empezó a trabajar en una empresa de artes gráficas en la que se imprimía el dorso de los programas de mano de los cines de Figueres. Era a finales de los años 60 y los programas de mano eran una forma de atraer a espectadores a los cines hasta que a principios de los 80 fueron sustituidos por otros sistemas de publicidad.

El coleccionismo de Benejam quedó aparcado varios años, hasta que a mediados de los 90 el médico le recomendó que se buscara alguna afición por desconectar del estrés del trabajo -con su esposa habían montado una empresa de preimpresión donde recibían trabajo de imprentas y editoriales e iban hasta arriba de trabajo-. Empezó entonces a ordenar el material que había recopilado a lo largo de más de una década, unos 18.000 programas de mano, además de miles guías publicitarias. “Era una válvula de escape del trabajo. Siempre trabajábamos bajo presión, todo era urgente y, cuando llegaba a casa, subía al estudio, ponía música y me relajaba”, explica Benejam

Todo comienza con una exposición

En 1995, con motivo del centenario del cine, le pidieron que montara una exposición en Sabadell con su material. Benejam pensó que haría falta más y pidió al propietario del cine Las Vegas si no tendría carteles de películas antiguos. “Me hizo subir a la buhardilla y era una sala llena de pósters, carteleras y mucho otro material gráfico. Le pregunté si le importaba que tomara para hacer la exposición, que iba sobre las películas premiadas en los Oscar, y me dijo que ningún problema”.

En ese momento, el gusanillo del coleccionismo le volvió a venir. “Le pregunté si podía acudir regularmente a coger material y me dijo que adelante”, dice Benejam, que posteriormente hizo la misma petición al resto de empresarios de cines de las comarcas gerundenses. Así ha ido construyendo una colección con decenas de miles de objetos que tiene meticulosamente ordenados y clasificados en su casa de Capmany. Inicialmente se focalizó en conseguir todo el material posible de todas las películas premiadas con la estatuilla de los Oscar en todas las categorías desde 1927, cuando se otorgaron por primera vez en el hotel Hollywood Roosevelt de Los Ángeles. Además de los programas de mano, guías publicitarias y carteles, atesora miles de objetos más como fotografías, sinopsis, fotocromos, diapositivas, fotolitos pintados a mano, trailers de películas en 35 mm, cedés, deuvedés, discos de vinilo, libros , etc. También es aficionado a coleccionar muñecos y despertadores de Mickey Mouse y tiene miles.

Donaciones a filmotecas

La gran mayoría de estos objetos los ha logrado mediante las donaciones de los cines, pero también con intercambios con coleccionistas de todo el Estado y del mundo y en mercados de antigüedades. Su colección es tan grande, que ha realizado varias donaciones tanto a la Filmoteca de Cataluña como a las filmotecas española, francesa y al Instituto Cinemateca Jean Vigo de Perpiñán de piezas que tenía duplicadas. Hoy mismo ha ido a Toulouse a realizar una donación a la Filmoteca francesa de tres mil carteles y un millar de guías publicitarias. Y el próximo martes la Filmoteca de Catalunya le hará un acto de agradecimiento por el muchísimo material que les ha dado, especialmente siete mil carteles y más de 250 trailers en 35 mm. También ha cedido material para exposiciones en varios lugares, como Hungría -donde le pidieron nueve carteles- y el museo de arte Reina Sofía de Madrid. Además, después de la primera exposición del centenario del cine, ha hecho algunas más, tanto solo como colectivas.

Benejam explica que en principio quiso centrarse en las películas galardonadas en los Oscar, pero también ha acabado reuniendo material de miles de películas más de las que recibieron ninguna. Asimismo, hizo una lista de todas las películas que se han estrenado en España desde 1900 hasta 2021. La recopilación contiene el título en castellano, el título original de la película y el director. También tiene una de todas las películas premiadas con un Óscar. "De esta manera, cuando alguien me pregunta si tengo material de tal película, miro las listas y en un minuto sé lo que tengo", explica.

Una página web donde hay mucho material de la colección

En 2013 también creó una página web, Archivocine.com, donde tiene colgado muchísimo del material que tiene, lo que permite realizar una visita virtual a su colección. Tiene 35.000 fotocromos, carteles, programas de mano desde 1913 y muchísima información de premios y festivales cinematográficos de todo el mundo, de directores, actores, actrices, etc. Los aficionados al séptimo arte pueden estar navegando horas y horas.

Curiosamente, ahora que está jubilado no le dedica tanto tiempo como cuando estaba en activo y cada vez también le entra menos material. “La información del cine ha variado mucho.

Antes estaban los carteles, los programas de mano y las fotografías. Luego vinieron los cedés, los lápices de memoria y ahora ya llega todo directamente por internet. El papel, en pocos años, acabará. Pero los cines pequeños aún necesitan tener los carteles de las películas”, explica. Benejam, en contra de lo que pueda parecer, no es en absoluto mitómano de ningún director, actor o actriz. Eso sí, cada vez que puede vuelve a mirar La conquista del oeste, Matar un ruiseñor y Spotlight, algunas de sus películas preferidas. Tampoco se ha interesado nunca por registrar su colección en el Libro Guinness de los Récords. Actualmente, con su esposa suelen acudir al cine una vez por semana, aproximadamente.

Más adelante, ¿qué se hará con todo este material? “La Filmoteca de Catalunya le vendría a buscar mañana mismo, pero no estoy dispuesto a ello. Si tú das algo a coste cero, no se le da la importancia que tiene. No es que quiera vender para hacerme rico, pero sí que haya una compensación, que tampoco sería demasiada. Aquí hay mucho material y una gran parte es muy complicado de encontrar, y en las subastas ves como por carteles de cine se pagan cientos e incluso miles de euros” dice. El próximo año tiene previsto hablar con la Filmoteca Española.

El creador de memòria cinematogràfica

Per Jordi Carreras – 9 Novembre 2023

Lluís Benejam té una col·lecció a casa seva, a Capmany, de més de 30.000 pel·lícules

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“Col·leccionar no és comprar o vendre: és crear memòria!” La frase és de Lluís Benejam (Figueres, 1954), un col·leccionista de cinema posseïdor d’un fabulós arxiu i col·lecció que comprèn informació impresa de més de 30.000 pel·lícules, entre molts objectes més. A 14 anys Benejam va començar a treballar en una empresa d’arts gràfiques on s’imprimia el dors dels programes de mà dels cinemes de Figueres. Era a finals dels anys 60 i els programes de mà eren una forma d’atraure espectadors als cinemes fins que a principis dels 80 van ser substituïts per altres sistemes de publicitat.

El col·leccionisme de Benejam va quedar aparcat uns quants anys, fins que a mitjans dels anys 90 el metge li va recomanar que es busqués alguna afició per desconnectar de l’estrès de la feina –amb la seva dona havien muntat una empresa de preimpressió on rebien feina d’impremtes i editorials i anaven a trenta-nou de coll–. Aleshores va començar a ordenar el material que havia recopilat al llarg de més d’una dècada, 18.000 programes de mà, a més de guies publicitàries. “Era una vàlvula d’escapament de la feina. Sempre treballàvem amb pressió, tot era urgent i, quan arribava a casa, pujava a l’estudi, posava música i em relaxava”, explica Benejam.

Tot comença amb una exposició

El 1995, amb motiu del centenari del cinema, li van demanar que muntés una exposició a Sabadell amb el material que tenia. Benejam va pensar que calia afegir-n’hi més i va demanar al propietari del cinema Las Vegas si no tindria pas cartells de pel·lícules antics. “Em va fer pujar a les golfes i era una sala plena de pòsters, cartelleres i molt altre material gràfic. Li vaig demanar si li feia res que n’agafés per fer l’exposició, que anava sobre les pel·lícules premiades als Oscars, i em va dir que cap problema”.

En aquell moment, el cuquet del col·leccionisme va tornar-li a venir. “Li vaig demanar si podia anar-hi regularment a agafar material i em va dir que endavant”, diu Benejam, que posteriorment va fer la mateixa petició a la resta d’empresaris de cinemes de les comarques gironines. Així ha anat bastint una col·lecció amb desenes de milers d’objectes que té meticulosament ordenats i classificats a la seva casa de Capmany. Inicialment es va focalitzar en aconseguir tot el material possible de totes les pel·lícules premiades amb l’estatueta dels Oscars en totes les categories des del 1927, quan es van atorgar per primera vegada a l’hotel Hollywood Roosevelt de Los Angeles. A més dels programes de mà, guies publicitàries i cartells, atresora milers d’objectes més com fotografies, sinopsis, fotocroms, diapositives, fotolits pintats a mà, tràilers de pel·lícules en 35 mm, cedés, devedés, discos de vinil, llibres, etc. També és aficionat a col·leccionar ninots i despertadors de Mickey Mouse i en té milers.

Donacions a filmoteques

La gran majoria d’aquests objectes els ha aconseguit mitjançant les donacions dels cinemes, però també amb intercanvis amb col·leccionistes de tot l’Estat i del món i en mercats de brocanters. La seva col·lecció és tan gran, que ha fet diverses donacions tant a la Filmoteca de Catalunya com a les filmoteques espanyola, francesa i a l’Institut Cinemateca Jean Vigo de Perpinyà de peces que tenia duplicades. Avui mateix ha anat a Tolosa de Llenguadoc a fer una donació a la Filmoteca francesa de tres mil cartells i un miler de guies publicitàries. I dimarts de la setmana vinent la Filmoteca de Catalunya li farà un acte d’agraïment pel moltíssim material que els ha donat, especialment set mil cartells i més de 250 tràilers en 35 mm. També ha cedit material per a exposicions a diversos llocs, com Hongria i el Museu Reina Sofia de Madrid. A més, després de la primera exposició del centenari del cinema, n’ha fet unes quantes més, tant sol com col·lectives.

Benejam explica que en principi va voler centrar-se en les pel·lícules guardonades als Oscars, però també ha acabat reunint material de milers de pel·lícules més que no van rebre’n cap. Així mateix, va fer una llista de totes les pel·lícules que s’han estrenat a l’estat espanyol des del 1900 fins al 2021. El recull conté el títol en castellà, el títol original de la pel·lícula i el director. També en té una de totes les pel·lícules premiades amb un Oscar. “D’aquesta manera, quan algú em demana si tinc material de tal pel·lícula, miro les llistes i en un minut sé el que tinc”, explica.

Veure la col·lecció des d’una web

El 2013 també va crear una pàgina web, Archivocine.com, on té penjat moltíssim del material del qual disposa, cosa que permet fer una visita virtual a la seva col·lecció. Hi té 35.000 fotocroms, cartells, programes de mà des de l’any 1913 i molta informació de festivals cinematogràfics de tot el món, de directors, actors, actrius, etc. Els aficionats al setè art hi poden estar navegant hores i hores. Curiosament, ara que està jubilat no hi dedica tant de temps com quan estava en actiu i cada vegada també li entra menys material. “La informació del cinema ha variat molt.

Abans hi havia els cartells, els programes de mà i les fotografies. Després van venir els cedés, els llapis de memòria i ara ja arriba tot directament per internet. El paper, en pocs anys, s’acabarà. Però als cinemes petits encara els cal tenir els cartells de les pel·lícules”, explica. Benejam, en contra del que pugui semblar, no és en absolut mitòman de cap director, actor o actriu. Això sí, cada vegada que pot torna a mirar La conquesta de l’oest, Matar un rossinyol i Spotlight, algunes de les seves pel·lícules preferides. Tampoc s’ha interessat mai per registrar la seva col·lecció al Llibre Guinness dels Rècords.

Més endavant, què se’n farà de tot aquest material? “La Filmoteca de Catalunya el vindria a buscar demà mateix, però no hi estic disposat. Si tu dones una cosa a cost zero, no se li dona la importància que té. No és que vulgui vendre per fer-me d’or, però sí que hi hagi una compensació, que tampoc seria gaire. Aquí hi ha molt de material i una gran part és molt complicada de trobar, i a les subhastes veus com per cartells de cinema es paguen centenars i fins i tot milers d’euros” diu. L’any que ve té previst parlar-ne amb la Filmoteca Espanyola.

Por si se quiere descargarse el PDF original del diario.

Diari Ara novembre 2023

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PAUL THOMAS ANDERSON

Paul Thomas Anderson
Uno dels autores más brillantes que han surgido en las últimas décadas
en el panorama cinematográfico mundial

El interés de Anderson por el cine comenzó durante su formación secundaria, donde realizó un documental satírico de 30 minutos de duración sobre una joven estrella porno titulado The Dirk Diggler Store (1988) e inspirado en John Holmes, que más adelante sería el personaje principal de Boogie Nights (1997). Considerado uno de los principales exponentes del cine contemporáneo, Anderson se ha hecho famoso por hacer películas con repartos corales e historias entrelazadas de una complejidad elevada. Forma parte de la primera generación de los "directores de videocasete" como Quentin Tarantino, Richard Linklater y Kevin Smith que crecieron viendo cientos y cientos de películas en vídeo, y tienen un saber casi enciclopédico de la técnica y las referencias culturales. Temas como las relaciones familiares, el destino, la predestinación amorosa y el papel de los medios de comunicación en la vida actual son también recurrentes en su obra. El director desarrolla las interconexiones entre los personajes de forma imprevisible, a veces incluso caótica. Uno de los sellos característicos de Anderson es utilizar poquísimos cortes, dependiendo, de este modo, fuertemente de los travellings (como ocurre al comienzo de Boogie Nights, que dura aproximadamente tres minutos sin un solo corte) ya menudo utilizando el sonido y la música de manera enfática. Anderson ha tenido el hábito de repetir con ciertos actores, como es el caso de Philip Seymour Hoffman, quien ha aparecido en todas sus producciones excepto en Pozos de ambición (2007). Su siguiente película Licorice Pizza (2021), es una comedia dramática también escrita por él, y además de dirigirla, se ejerció como uno de los productores y directores de fotografía. Recibió buenas críticas y tres premios de la National Board of Review. Además fue nombrada una de las mejores películas de 2021 por el American Film Institute.

Las películas dirigidas por Paul Thomas Anderson

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Una batalla tras otra (2025)
Boogie Nights (1997)
Embriagado de amor (2002)
El hilo invisible (2017)
Junun 2015)
Licorice pizza (2021)

Magnólia (1999)
The master (2012)
Pozos de ambición (2007)
Puro vicio (2014)
Sydney (1996)
Tierras perdidas (2025)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net

SYDNEY (1996)
Reparto principal | Philip Baker, John C. Reilly, Gwyneth Paltrow, Samuel L. Jackson

John se encuentra solo después de haberlo perdido todo en el juego. Se le acerca Sydney, un hombre mayor muy elegante, que le propone ganar grandes sumas en los casinos. Dos años después les va muy bien, pero los problemas empezarán cuando John se enamora de Clementine, una camarera en busca de..

Ha habido pocos debuts en la dirección durante los últimos años como el de Paul Thomas Anderson con Sydney. Aunque eclipsada por las siguientes obras, este primer largometraje del que es uno de los mejores cineastas del momento y está llamado a ser uno de los más importantes de los próximos años, sorprende en su audacia visual y narrativa y presenta no pocos elementos que irán constituyendo el cine ulterior de Anderson. Si bien es cierto que tiene un aspecto menos ambicioso que sus siguientes obras, la verdad que lo es, y mucho. Porque toma el género negro para convertirlo en algo muy diferente y muy personal gracias a un trabajo de puesta en escena soberbio y original a partir de un guión sólido que es simplemente una excusa para un despliegue visual portentoso. Contando, además, con un reparto singular y ejemplar en sus papeles, Sidney avanza con elegancia y buen gusto, con sencillez.

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BOOGIE NIGHTS (1997)
Reparto principal | Mark Wahlberg, Burt Reynolds, Julianne Moore, John C. Reilly

Esta comedia dramática nos lleva a finales de los 70 en los que Eddie Adams pasa de ser un joven sin esperanzas de encontrar trabajo, a ser una estrella de la industria pornográfica. Jack Horner, uno de los grandes directores de cine porno, descubre un potencial interesante de pulir para este tipo de trabajo, ya que Eddie dispone de unos "grandes atributos", perfectos para este tipo de papeles. Pero el camino elegido por el protagonista tiene grandes peligros, como las drogas y el alcohol.

La película retrata una era en la que los responsables de la industria del cine X tenían ambiciones artísticas y estaban convencidos de que podían combinar el crudo sexo con una trama interesante. El realizador quiso contar esta historia mediante múltiples personajes que entrelazan sus vidas por medio de experiencias compartidas. Sus dos protagonistas son Mark Wahlberg, ex rapero que, tras hacerse popular como modelo de una firma de calzoncillos, se convirtió con este filme en un actor de primera línea; y el veterano Burt Reynolds, dando vida a un cineasta que actúa como un padre para los miembros de su creciente imperio pornográfico.

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MAGNÓLIA (1999)

Reparto principal | Tom Cruise, Julianne Moore, William H. Macy, John C. Reilly

Earl Partridge, anciano y enfermo, está a punto de morir, así que le pide a su fiel enfermero que encuentre al hijo que lo abandonó tiempo atrás. Su joven esposa, que codiciaba su dinero, debería alegrarse por ello, pero no lo consigue. Frank Mackey, un joven gurú televisivo experto en la seducción masculina, se ha inventado un pasado y una vida. Pero, ¿cuánto tiempo podrá mantener la máscara? Todas estas vidas se entrecruzan a lo largo de un día como otro cualquiera bajo el sol de California.

El director Paul Thomas Anderson firmó su tercer largometraje a sus 29 años. Se basó en un guion que él mismo había escrito en tan solo 15 días durante unas vacaciones en Vermont, en las que poco salió de su chalé. Para realizarla, volvió a contar con el elenco que le había conseguido su primer éxito, "Boogie Nights": Julianne Moore, John C. Reilly y William H. Macy. También quería contratar a Burt Reynolds, pero el actor tuvo un roce con el cineasta y rechazó volver a trabajar con él. Entonces, Anderson decidió visitar el plató de "Eyes Wide Shut" para convencer a Tom Cruise de que hiciera un pequeño papel en su proyecto. El neoyorquino aceptó y gracias a ello consiguió su tercera candidatura al Óscar, esta vez como mejor secundario.

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EMBRIAGADO DE AMOR (2002)

Reparto principal | Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour, Luis Guzmán

Barry Egan, un treintañero tímido, acomplejado y director de su propia compañía, pasa la mayor parte del tiempo coleccionando cupones de una marca de pasteles. Desde su más tierna infancia, ha estado absorbido por las arpías de sus siete hermanas que le han acosado y a veces de manera violenta, tanto que nunca ha tenido tiempo para hacer su propia vida ni enamorarse. Hasta el día en que una de ellas le organiza una cita con una joven misteriosa llamada Lena Leonard… Parece que hay química entre ellos, pero ¿podrán superar su complicada vida y sus curiosas obsesiones para poder llevar a cabo la vida en pareja de manera feliz?

La cuarta película de Paul Thomas Anderson provocó más de un desconcierto. Por un lado, el director se desmarcaba con una pequeña comedia romántica insólita y extraña que tiene poco que ver con las ñoñeces habituales que produce este subgénero. Por el otro, otorgaba todo el protagonismo a Adam Sandler, un actor que por aquel entonces todavía se asociaba a un tipo de comedia vulgar y burda. La personalidad del protagonista de 'Punck Drunk Love' acaba modelando el insólito tono del film. Barry, ataviado casi todo el metraje con la misma chaqueta azul eléctrico, ha vivido siempre bajo la presión de sus siete hermanas. Su rabia contenida estalla por momentos, otorgándole a la película este registro entre desequilibrado, violento y encantador que resulta tan difícil de encontrar en otras cintas análogas. Inspirada en un artículo de la revista "Time" sobre David Phillips, un ingeniero de la Universidad de California que cayó en la trampa de las llamativas promociones de los supermercados y compró 12.150 porciones del puding Healthy Choice, por importe de 3.000 dólares, para conseguir 1,25 millones de millas aéreas.

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POZOS DE AMBICIÓN (2007)

Reparto principal | Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Kevin J. O'Connor

Cuando Daniel Plainview oye hablar de una pequeña ciudad de California donde se dice que un océano de petróleo fluye literalmente del suelo, decide ir a probar fortuna y se va con su hijo H.W a Little Boston. En este lugar perdido donde cada uno lucha para sobrevivir y donde la distracción única es la iglesia dirigida por el carismático sacerdote Eli Sunday, Plainview y su hijo ven como la suerte les sonríe. Aunque el petróleo colma sus esperas y logran hacer su fortuna, nada volverá a ser como antes: las tensiones se intensifican, los conflictos estallan y los valores humanos como el amor, la esperanza, el sentido de la comunidad, las creencias, la ambición e incluso los vínculos entre padre e hijo son puestos en peligro por la corrupción, la traición... Y el petróleo.

Laureado filme dramático que supone la adaptación cinematográfica de la novela "Oil", escrita por Upton Sinclair. El éxito de la cinta, considerada una joya casi imprescindible, radicó en gran parte en el buen hacer del actor que la protagoniza, Daniel Day-Lewis. Más allá de la trama, bien atrapada, destaca el tratamiento formal de Paul Thomas Anderson, verdaderamente audaz y original. En los primeros veinte minutos del film apenas se pronuncia una palabra, y mientras seguimos la búsqueda de petróleo de Daniel, podríamos decir que estamos asistiendo a "El amanecer del hombre petrolero", la influencia de 2001: una odisea del espacio parece innegable, también en el tratamiento fotográfico, jugando al contraste de iluminación, y en el uso de un sonido que recuerda a la alarma espacial del monolito. Hay un magnífico uso del formato ancho de pantalla. Resulta llamativa la espectacularidad de las escenas de los pozos, pero eso no impide una agradecible sobriedad frente a los efectos visuales apabullantes que dominan el cine actual.

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THE MASTER (2012)

Reparto principal | Joaquin Phoenix, Philip Seymour, Amy Adams, Laura Dern

Década de los cincuenta. Lancaster Dodd impulsa desde la nada una organización religiosa de la que se convierte en su fundador y líder. Erigido en un carismático guía espiritual para toda su congregación, la película cuenta la historia ficticia de un hombre que desde la nada construye a su alrededor un pequeño imperio gracias a sus métodos de estrategia y a su enorme inteligencia a la hora de percibir las debilidades humanas y de aplacar sus miserias a través de la charlatanería. Terminará siendo apodado como "El maestro", convirtiéndose en un ídolo de masas, en un gurú al que se irán sumando de forma incesante y alarmante nuevos adeptos a su causa, nuevos propagadores de su fe en el mundo. Entre ellos, se encontrará Freddie Sutton , que pasará de ser un hombre destruido por el alcohol a convertirse en la persona de confianza de Lancaster Dodd. Entre ambos se establecerá una relación primero basada en la necesidad de creer, y después en la desconfianza y en la sombra de la estafa.

Un retrato asombroso de gente a la deriva y a la búsqueda de trabajo o de sí mismos en la época posterior a la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos. El director Paul Thomas Anderson narra las vicisitudes de un veterano de la Marina, Freddie, que regresa inestable e inseguro ante su futuro hasta que es atraído por la Causa y su carismático líder, Lancaster Dodd, respaldado por su esposa, Peggy Dodd. El director, se basó en el documental de John Huston "Let There Be Light" para crear este drama sobre la cienciología. Para encarnar al gurú de la secta, el cineasta confió en uno de los habituales de su cinematografía, Philip Seymour Hoffman, quien ya había colaborado con él. El otro papel masculino en un principio estaba asignado a Jeremy Renner, pero tuvo que renunciar a él porque el rodaje coincidía con "El legado de Bourne". Al final, este fue a parar a un Joaquin Phoenix, que improvisó en algunas de las escenas.

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PURO VICIO (2014)

Reparto principal | Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston

Cuando la ex mujer del detective privado Doc Sportello se presenta repentinamente con una historia sobre su actual novio, un promotor inmobiliario multimillonario del que acaba de enamorarse, y sobre un complot de su mujer y el novio de ella para secuestrarlo y meterle en un manicomio… bueno, es fácil para ella decirlo. Son los finales de los psicodélicos 60, la paranoia domina el día y Doc sabe que "amar" es otra de esas palabras que está de moda decir, como "viaje" o "fabuloso", y que están siendo usadas excesivamente— excepto que ésta normalmente conduce a problemas.

Cine negro y comedia psicodélica se mezclan en esta cinta que se sumerge en la contracultura yanqui de la década de los 70 a través de una historia clásica de detectives. La película, además, significa la primera adaptación a la gran pantalla de la obra del escritor estadounidense Thomas Pynchon, uno de los máximos representantes del postmodernismo maximalista, caracterizado por una gran complejidad narrativa. Esto no fue problema para el director y guionista Paul Thomas Anderson, quien traspuso la novela "Vicio puro" al lenguaje cinematográfico. Su gran trabajo, aplaudido por el propio Pynchon, le valieron dos candidaturas al Oscar.

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JUNUN (2015)

Documental

En la primavera del 2015, el compositor israelí Shye Ben Tzur, Jonny Greenwood de Radiohead y “The Rajasthan Express” fueron invitados por el Maharaja de Jodhpur a la Fortaleza Mehrangarh. Esta hermosa y alegre reunión de 3 semanas dio como resultado el álbum y la película Junun (la locura de amor).

No hay película pequeña para Paul Thomas Anderson. Junun, estrenada exclusivamente a través de una plataforma VOD durante un tiempo limitado y con el envoltorio de un modesto documental musical, esconde una búsqueda poco habitual del misterio de la creación artística. La película de 54 minutos supone un paso más en la fructífera alianza creativa entre Paul Thomas Anderson y Jonny Greenwood. El cineasta acompaña al guitarrista de Radiohead, compositor de las bandas sonoras de Pozos de ambición (2007), The Master (2012) y Puro vicio (2015), en la grabación de un álbum junto al israelí Shye Ben Tsur y una quincena de músicos indios en Rayastán (India). De la pura observación, sin apenas entrevistas directas a cámara o diálogos entre los intérpretes, Anderson saca petróleo a través de las miradas, los silencios y los momentos aparentemente muertos. La actitud del propio Greenwood, siempre en segundo plano, tan ensimismado en el proceso de grabación que apenas habla ni gesticula, contrasta con las sonrisas francas y la comunicación fluida de algunos de los músicos que participan en la grabación. Con muy pocos medios materiales (un par de cámaras digitales, un dron), pequeñas pinceladas narrativas (la paloma que se cuela en el interior de la fortaleza reconvertida en estudio de grabación, el músico que va a la ciudad para que afinen su instrumento) y un cuidadoso ejercicio de puesta en escena y montaje, esta pequeña joya se desmarca del clásico documental observacional para ofrecer una experiencia hipnótica. Trascendental, si se quiere. (FUENTE: https://miradasdecine.es/)

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EL HILO INVISIBLE (2017)

Reparto principal | Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Gina McKee

En el glamuroso Londres de los años 50, tras la guerra, el célebre diseñador Reynolds Woodcock y su hermana Cyril son el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico: visten a la realeza, estrellas de cine, herederas, miembros de la alta sociedad, debutantes y damas con el inconfundible estilo de la Casa Woodcock. Por la vida del diseñador desfilan todo tipo de mujeres, brindándole inspiración y compañía, hasta que se cruza en su camino una joven de convicciones férreas, Alma, que pronto se convierte en un pilar de su día a día como musa y amante. La vida de Woodcock, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada como todos sus patrones de costura, se ve sacudida por el amor.

Una película singular, con algo de fantasmagórica, donde los personajes se vuelven etéreos con las decisiones y los hechos que marcan sus vidas. Estructurada como el relato que hace Alma al calor del fuego de una chimenea, de su entrega y dedicación total al modisto y diseñador Reynolds Woodcock, quien triunfa con sus creaciones en el Londres de los años 50, vistiendo a princesas y otras damas de alta alcurnia. Grandísimo y meticuloso profesional, Reynolds realiza su trabajo como si viviera en otro mundo, inaccesible al resto de los mortales, donde aletean las ideas que luego se transforman con telas, colores, cortes y patrones en vestidos arrebatadores. Su hermana Cyril se ocupa de que pueda crear en condiciones óptimas, sin que nada le perturbe. Supone un descubrimiento Alma, una camarera, que sería el maniquí perfecto para mostrar lo que hace. Pero ella, como Cyril, también debería acomodarse a las necesidades del artista, lo que pone en peligro lo que realmente desea, su amor, pues Alma está profundamente enamorada de Reynolds.

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LICORICE PIZZA (2021)

Reparto principal | Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn, Tom Waits

En 1970, San Fernando Valley, Los Ángeles. Gary es un adolescente de 15 años que estudia en el instituto de la ciudad, donde conoce a Alana, una joven judía de 25 años que trabaja en un estudio de fotos que se encarga de realizar cada año la orla de los estudiantes del centro. Cuando Gary y Alana se cruzan por primera vez, rápidamente surge una conexión entre ellos que será muy difícil de romper. Mientras tratan de descubrir hacia donde les lleva esta nueva amistad, Gary poco a poco se va enamorando más de ella, pero la diferencia de edad será una barrera que Alana no dejará a un lado. Va pasando el tiempo y Gary y Alana irán formando parte de la vida del otro de alguna manera, desde ser socios de un negocio de camas de agua hasta cómplices de vandalismo.

Película escrita, fotografiada, producida y dirigida por Paul Thomas Anderson. Realizada en torno al estallido de la pandemia del coronavirus, se diría que el cineasta, al igual que le ha pasado a Kenneth Branagh con Belfast o Steven Spielberg con el actualmente en rodaje The Fabelmans, se ha visto impelido a abordar una historia personal, buscando las cosas que importan. La trama está impregnada de detalles que beben de sus emociones íntimas, y donde ha apostado por contar con una gran mayoría de actores desconocidos jóvenes, muchos simplemente hijos de amigos suyos, como Spielberg o Michael Giacchino. Aunque la gran intuición ha consistido en saber que tenía cerca a una estrella actoral en potencia, Alana Haim, con quien había rodado con sus hermanas Danielle y Este los videoclips de su banda musical Haim. Ella hace a la perfección el papel de Alana, al igual que el recién llegado Cooper Hoffman –hijo del malogrado Philip Seymour Hoffman– es perfecto para interpretar Gary, hay química, nos creemos su relación, el toma y daca, los celos . Por otro lado, Anderson ha logrado que Sean Penn, Bradley Cooper y Tom Waits aporten la veteranía a sus pequeños papeles.

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UNA BATALLA TRAS OTRA (2025)

Reparto principal | Leonardo Dicaprio, Sean Penn, Teyana Taylor, Chase Infiniti

Bob Ferguson es un ex revolucionario cuya vida da un giro cuando su hija es secuestrada por un enemigo de su pasado. Desesperado por recuperarla, Bob se ve obligado a confrontar viejas heridas y a recurrir a un grupo de antiguos compañeros revolucionarios liderados por el experimentado Sensei Sergio. Juntos planean enfrentarse a fuerzas peligrosas, combinando astucia, estrategia y habilidades adquiridas en su pasado militante. La historia mezcla acción, suspenso y redención mientras Bob lucha por salvar a su hija y reconciliarse con su historia.

Resulta increíble cómo en una carrera compuesta por obras maestras como El hilo invisible (2017), Magnolia (1999) o Pozos de ambición (2007) aún haya espacio para seguir creciendo como creador. Pero eso es lo que hace Paul Thomas Anderson con Una batalla tras otra, logra superarse a sí mismo y estrenar una aventura épica que regalan al espectador escenas y personajes que son iconos instantáneos. Es, además, una historia que, sin ser política, critica abiertamente al gobierno de Trump en Estados Unidos y a sus sucedáneos en otros países. El director lanza un reproche directo a las medidas anti inmigratorias desde la ficción al centrar la trama en un grupo revolucionario y violento llamado 'el 75 francés', que actuó a comienzos de los 2000 para terminar con políticas de derechas. 16 años después, el grupo ya está disuelto y Bob Ferguson trata de vivir tranquilamente en un pequeño pueblo de la América profunda junto a su hija adolescente. Pero los fantasmas del pasado son incontrolables y regresarán para quitarle lo que más quiere.

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TIERRAS PERDIDAS (2025)

Reparto principal | Milla Jovovich · Dave Bautista · Arly Jover · Amara Okereke

Basada en el relato de George R. R. Martin, la historia sigue a una reina llamada Amara Okereke, quien, desgarrada por la falta de amor y felicidad en su vida, decide emprender una misión desesperada para encontrar la clave de su redención. Convencida de que solo un poder sobrenatural puede otorgarle la felicidad que tanto anhela, la reina envía a la bruja Gray Alys (interpretada por Milla Jovovich), una poderosa hechicera, a las Tierras Perdidas. Este misterioso lugar es conocido por su magia oscura y sus peligrosas criaturas, y allí se cree que existe un poder capaz de transformar a una persona en un hombre lobo, una habilidad que la reina desea para cambiar su destino.

Narrativamente hablando, “Tierras Perdidas” no nos propone nada particularmente complicado —lo cual no sorprende, considerando que el filme está basado en un cuento corto. No obstante, por como el guion de Constantin Werner está estructurado, la trama se siente tanto simplista como ridículamente compleja. La construcción del universo de “Tierras Perdidas”, por ejemplo, no termina de convencer, sintiéndose demasiado vacío, como si estuviese compuesto únicamente de personajes principales y extras (y nadie al medio). Y especialmente al inicio, el ritmo de la cinta es errático, como si Werner no hubiese estado seguro de cómo comenzar. (megustaelcine.com)

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Premios y distinciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1998	Mejor guion original	Boogie Nights	Nominado
2000	Mejor guion original	Magnolia	Nominado
2021	Mejor película	Licorice Pizza	Nominado
	Mejor director		Nominado
	Mejor guion original		Nominado
2017	Mejor película	El hilo invisible	Nominado
2017	Mejor director	El hilo invisible	Nominado
2014	Mejor guion adaptado	Puro vicio	Nominado
2007	Mejor película	There Will Be Blood	Nominado
	Mejor director		Nominado
	Mejor guion adaptado		Nominado

Premios BAFTA

Año	Categoría	Película	Resultado
2021	Mejor guion original	Licorice Pizza	Ganador
2007	Mejor película	Pozos de ambición	Nominado
	Mejor director		Nominado
	Mejor guion adaptado		Nominado
1997	Mejor guion original	Boogie Nights	Nominado

Festival Internacional de Cine de Venecia

Año	Categoría	Película	Resultado
2012	León de Plata a la mejor dirección	The Master	Ganador
2012	FIPRESCI Awards Mejor película (sección oficial)	The Master	Ganador

Festival Internacional de Cine de Cannes

Año	Categoría	Película	Resultado
2002²¹	Mejor Director	Punch-Drunk Love	Ganador

Festival Internacional de Cine de Berlín

Año	Categoría	Película	Resultado
2000	Oso de Oro a mejor película	Magnolia	Ganador
2008	Oso de Plata a la mejor dirección	Pozos de ambición	Ganador
2008	Oso de Oro a mejor película	Pozos de ambición	Nominado

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Enlaces de interés

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SOFIA COPPOLA

Sofia Coppola
Comienza su carrera como actriz cuando apenas tiene un año, en 1972, cuando su padre la coloca delante de la cámara en su mítico filme ‘El Padrino’

Sofia Carmina Coppola (Nueva York, 14 de mayo de 1971) es una directora, guionista, productora y actriz estadounidense. Hija de Francis Ford Coppola. Su primera experiencia detrás de la cámara fue con el corto Lick the star (1998). Posteriormente, llegaría su reconocimiento a nivel mundial con Las vírgenes suicidas (1999) y, más adelante, Lost in Translation (2003). Por esta película ganó el premio Óscar al mejor guion original, además de obtener otras tres nominaciones y tres premios Globos de Oro. Con su nominación a los Óscar en la categoría de mejor director se convirtió en la tercera mujer en estar nominada en esta categoría y ser la primera estadounidense. En 2004, fue invitada a unirse a la AMPAS. En 2006, estrena su película Marie Antoinette (2006), adaptación de la biografía de la reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser. En 2010, gana el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por su película Somewhere, la historia de una estrella de Hollywood interpretada por Stephen Dorff que vive en el hotel Chateau Marmont de Los Ángeles y el cambio radical de vida que sufre con la llegada de su hija. En 2013, estrenó la cinta The Bling Ring, dentro de la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes del mismo año. La directora colaboró de nuevo con Bill Murray en una nueva producción titulada A Very Murray Christmas. Es una película de comedia con temática navideña, siendo estrenada de manera exclusiva en Netflix en diciembre de 2015. En el Festival de Cine de Cannes de 2017, se convirtió en la segunda mujer, y primera mujer estadounidense, en la historia del festival en ganar un galardón a mejor dirección gracias a su trabajo en la cinta La seducción. En el año 2023 estrenó Priscilla, película biográfica basada en las memorias de 1985 Elvis and Me de Priscilla Beaulieu y Sandra Harmon. Sigue la vida de Priscilla y su relación con Elvis Presley.

Las películas dirigidas por Sofia Coppola

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

A very murray christmas (2015)
The blingring (2013)
Lost in translation (2003)
María Antonieta (2006)
On the rocks (2020)

Priscilla (2023)
La seducción (2017)
Somewhere (2010)
Las vírgenes suicidas (1999)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

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LAS VÍRGENES SUICIDAS (1999)
Reparto principal | James Woods, Kathleen Turner, Kirsten Dunst, A. J. Cook

En una tranquila y puritana ciudad de los Estados Unidos, en los años setenta, Cecilia Lisbon, de trece años, intenta suicidarse. Tiene cuatro hermanas, unas preciosas adolescentes. Este suceso arroja una nueva luz sobre el modo de vida de toda la familia. La historia, relatada desde el punto de vista de los chicos del barrio, obsesionados con estas misteriosas hermanas, retrata con cinismo la vida adolescente. Poco a poco, la familia se aísla del mundo y las hijas reciben la orden de no salir a la calle. Cuando la situación empeora, los muchachos se plantarán acudir en su rescate.

Representó el debut detrás de las cámaras de Sofia Coppola, hija del realizador Francis Ford Coppola y actriz en varias de sus películas, de entre las que destaca “El padrino III”. La realizadora decidió adaptar la novela homónima de Jeffrey Eugenides, una de las más aclamadas de los últimos tiempos en Estados Unidos. Evocativo paseo por la memoria del adolescente de mitad de los años 70 marcada por la mágica y trágica experiencia de un grupo de chicos fascinados por la estimulante presencia de cinco rubias y guapas hermanas. El filme que fue rodado con un presupuesto bastante modesto, cuenta con la presencia de destacados actores como Kirsten Dunst, Kathleen Turner y James Woods, que decidieron participar en él cobrando un sueldo bastante inferior a su caché habitual.

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LOST IN TRANSLATION (2003)
Reparto principal | Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna Faris

Bob Harris tuvo que aceptar un trabajo para rodar un anuncio en Tokio, ya que su carrera como actor no atravesaba el mejor momento. Una vez en la ciudad japonesa, Bob no termina de acostumbrarse a los enormes rascacielos y tampoco al ruido incesante que los rodea; además, el cambio de horario le ha provocado la pérdida de sueño. Así las cosas, a Bob no le queda otra que pasar gran parte de su tiempo en la barra del bar del hotel, donde conocerá a Charlotte. Esta joven ha viajado hasta allí para acompañar a su novio fotógrafo, pero la verdad es que pasan poco tiempo juntos y Charlotte, sola y sin idea de japonés, se aburre. Entre Bob y la chica surge enseguida una conexión: la de sentirse solos en medio de muchísima gente y no encontrar su sitio en aquella ciudad, tan alejada en espacio y costumbres a las suyas. ¿Amistad? ¿Amor? ¿Atracción? A veces no hay por qué poner nombre a los sentimientos y menos cuando estos se creen temporales.

Segundo trabajo de la directora Sofia Coppola, que sorprendió a todo el mundo con este filme sencillo e íntimo sobre la incomunicación de la sociedad capitalista. Autora también del oscarizado guión, Coppola situó la acción en Tokio, una ciudad ruidosa y alienante. La fuente de inspiración fueron los días que Coppola destinó a promocionar su anterior filme en Japón y también los anuncios de licor que su padre, Francis F. Coppola, filmó en ese país durante los años 80. Coppola escribió la historia pensando expresamente en un actor: Bill Murray , que ofrece aquí una actuación muy diferente a la que nos tenía acostumbrados. Murray ganó un Globo de Oro por su trabajo, pero se quedó a las puertas del Oscar.

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maría antonieta (2006)
Reparto principal | Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Judy Davis, Steve Coogan

Evocación de la vida Maria Antonieta, Reina de origen austriaco, esposa de Luis XVI, guillotinada en 1793. Al final de su adolescencia, una niña descubre un mundo hostil y codificado, un mundo frívolo donde todo el mundo observa y juzga a los demás sin amabilidad. Casada con un hombre que la descuida, muy pronto se cansa de los deberes de representación que le imponen. Se escapa en las fiestas y los placeres de los sentidos para reinventarse un mundo. ¿Hay que pagar un precio para buscar la felicidad que algunos te niegan?

Sofia Coppola dio un giro histórico en su tercer largometraje. Al fin y al cabo, retratar los días de lujo y suntuosidad de María Antonieta, reina consorte de Francia, tras su matrimonio con Luis XVI y hasta el estallido de la Revolución Francesa no desentonaba en absoluto con lo ofrecido por su filmografía anterior. La directora llevó directamente su estilo lánguido y cercano al 'sfumato' al Versalles del siglo XVIII tratando a la monarca y sus amistades de la realeza como si fueran jóvenes contemporáneos que vuelven de fiesta al amanecer con 'Ceremony' de New Order todavía resonando en los oídos. Los tonos pastel, el merengue y la segmentación narrativa pretenden captar una atmósfera y 'joie de vivre' despreocupados, exultantes, muy adecuados. La realeza protagoniza la portada de 'Vogue' que es su vida hasta la irrupción inesperada y contundente del pueblo, que guillotina la película.

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SOMEWHERE (2010)
Reparto principal | Elle Fanning, Stephen Dorff, Chris Pontius, Erin Wasson

Johnny Marco es un actor venido a menos. A punto de cumplir los cuarenta, con más barriga de lo deseable y una vida bastante disoluta, basada en el alcohol, las fiestas y las bailarinas de streaptese, dedica la mayor parte del tiempo a ligar y a tener relaciones sexuales de una sola noche en el hotel decadente en el que se ha instalado. Solo parece sentirse libre y a gusto consigo mismo cuando conduce su coche deportivo de lujo por la ciudad. Pero solo da vueltas y más vueltas. No va a ningún lugar, como su vida, que se encuentra estancada. Johnny tiene una hija a punto de entrar en la adolescencia, Cleo , pero a penas a pasado tiempo con ella. Ahora es el turno de Johnny de cuidarla, pero no tiene ni idea de cómo hacerlo. No conoce a su propia hija, lo cual le hará replantearse muchas cuestiones acerca del modo en que ha vivido y perdido su tiempo. Quizás es el momento de tomar un rumbo y hacer las cosas bien.

Un coche negro deportivo da vueltas una y otra vez por el mismo circuito. Con esta imagen simbólica inicia Sofia Coppola Somewhere, film que le valió el León de Oro en el Festival de Venecia de 2010. Porque la idea de toda la trama es seguir a un tal Johnny Marco, sobre quien se nos dan paulatinamente pistas. Vemos que tiene todo lo que el dinero puede comprar. Como es un guaperas, las mujeres caen a sus pies, y si se aburre puede traer a un par de chicas a la habitación del hotel para que le hagan una “performance”. Descubrimos que tiene una hija adolescente encantadora, Cleo, a la que apenas conoce. Y, por fin, sabemos que es actor, una estrella de Hollywood. Coppola, guionista, directora y coproductora, nos describe prolijamente la vida de este personaje insulso y vacío. Sin duda crea un “mood”, transmite al espectador que ese estilo existencial no merece la pena. Pero esto, alargado durante casi cien minutos termina agotando, porque la única pregunta, a la que se nos dará un amago de respuesta, es si Marco será capaz de salir de su círculo vicioso. Stephen Dorff da el tipo de su personaje, y Elle Fanning es perfecta como la cría que anhela el amor que no saben –o no quieren– darle sus padres.

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THE BLINGRING (2013)
Reparto principal | Emma Watson, Israel Broussard, Leslie Mann, Taissa Farmiga

En el mundo de Los Ángeles, la fama y el glamour son el objetivo principal. Sobre todo para una pandilla de adolescentes que protagonizaron una excitante y sorprendente oleada de crímenes en las colinas de Hollywood. Basada en hechos reales, este grupo de cinco amigos vigilaba a los famosos a través de internet y entraba a robar en sus casas. Así, consiguieron más de 3 millones de dólares en objetos de lujo de víctimas como Paris Hilton, Orlando Bloom y Megan Fox. Esta banda fue conocida en los medios como el Bling Ring...

Sofía Coppola escribió y dirigió esta película basada en el artículo de "Vanity Fair" escrito por Nancy Jo Sales y titulado "Los sospechosos usaban Louboutines". En él, Sales perfilaba al "Bling Ring", un grupo de jóvenes que en 2008 robaron en decenas de residencias de celebridades en Los Ángeles. Quizá el film es algo reiterativo, pero le sirve a la cineasta para crear la atmósfera de vértigo adictivo en que respiran los protagonistas. Resulta de este modo muy efectivo, el choque de bruces con la dura realidad de la intervención de la policía, aunque, efectos paradójicos, su fama sube un nuevo peldaño gracias a la repercusión mediática de sus robos, lo que les permite interpretar un nuevo rol, de algún modo ser protagonistas de su propio “reality”. Los actores juveniles son casi todos poco conocidos, la excepción es Emma Watson, y todos componen con naturalidad a sus frívolos personajes. El mundo de lujo está bien recreado, aunque Coppola ha contado con la ventaja de poder rodar en la auténtica mansión de Paris Hilton, representativa de ese afán de tener que impide cultivar el ser.

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A VERY MURRAY CHRISTMAS (2015)
Reparto principal | Bill Murray, Miley Cyrus, George Clooney, Chris Rock

En Nochebuena, Bill Murray espera en su suite del Hotel Carlyle y poco a poco se da cuenta de que una enorme tormenta de nieve ha provocado la cancelación de la mayoría de los invitados a su especial de Navidad en directo. A medida que se acaba el tiempo, sus dos productores, Liz y Bev, lo obligan a continuar con el programa, ya que se verá afectado financieramente si lo cancela.

Especial navideño, simpático pero no memorable, que supone la reunión de Sofia Coppola con Bill Murray doce años después de hacer juntos Lost in Translation. La trama es sencilla, se supone que Bill Murray está preparando un programa para la Navidad, y le están fallando los muchos famosos que iban a acudir, incluido por ejemplo el Papa Francisco. Encima, una tormenta de nieve sacude Nueva York, donde está grabando, y hasta se quedan sin luz, por lo que podrían suspender el programa, que se está haciendo en un hotel, donde también parece que se ha cancelado una boda. En fin, todo es una excusa para ofrecer algunos chistes de Murray, más diversas canciones, la más memorable el "Noche de paz" a cargo de Miley Cyrus, más comedida de lo que se muestra últimamente, como papá Noel minifaldera.

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LA SEDUCCIÓN (2017)
Reparto principal | Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning

El hallazgo del herido cabo John McBurney y su traslado a un internado de señoritas ocupado por siete mujeres –la directora Martha, la profesora Edwina, y las chicas de distintas edades Alicia, Amy, Jane, Marie y Emilie– alborota, podríamos decir metafóricamente, el gallinero que comparten. Tras las dudas de si comunicar la existencia de este huésped a las tropas locales del Sur, deciden de momento no hacerlo, lo primero es que el recién llegado se recupere de sus heridas, les obliga la caridad cristiana. Pero en realidad muchos sentimientos contrapuestos bullen dentro de cada una: las adultas se ven atraídas, y lo expresan de modo distinto, tras su fachada puritana. Las más jovencitas son pura ingenuidad, a las que atrae la novedad que altera la rutina de unas aburridas clases de francés y bordados. Mientras hay una más fresca, que se fija sobre todo en lo apuesto que es McBurney.

Revisitación de la novela de Thomas Cullinan llevada al cine en 1971 por Don Siegel con el título en español de El seductor. Está ambientada en los años de la Guerra de Secesión, en el estado sureño de Virginia. Narra una historia llena de tensión y sexualidad reprimida que acaba en graves consecuencias para todos, tanto inocentes como culpables. La súbita presencia de un hombre herido en la escuela crea rivalidad entre las chicas y hace que los lazos de amistad entre ellas se vean amenazados por su presencia, hasta que se dan cuenta de los efectos del soldado.

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ON THE ROCKS (2020)
Reparto principal | Bill Murray, Rashida Jones, Marlon Wayans, Jessica Henwick

Ante las recientes dudas sobre su matrimonio, una joven neoyorquina le pide ayuda a su extravagante padre para vigilar a su marido. Sigue a Laura, escritora en fase de bloqueo creativo, felizmente casada con Dean, un afroamericano al que le toca viajar mucho, y madre de dos niños encantadores. Acusa en su ánimo la excesiva dedicación al trabajo del esposo, y le afectan las conversaciones de amigas madres contando sus cuitas sentimentales, y el hecho de que su padre, Felix, marchante de arte, engañara a su madre tiempo atrás. Esto no impide a Laura que confíe a su progenitor las sospechas que alberga de que Dean le engaña con Fiona, una compañera de trabajo. Hombre de recursos, Felix enreda a su hija en una sofisticada vigilancia del marido, para ver si hay algo cierto en sus dudas.

Coppola entrega una pequeña obra de cámara de magnífico ritmo narrativo, donde se atrapa a la perfección cierto “mood” del urbanita contemporáneo, que se esfuerza en alcanzar la felicidad, pero que no acaba de encontrarse contento, y no sabe explicarse por qué. Las neuras acerca de que es poco menos que imposible constituir una familia y mantener encendida la llama del amor de la pareja por la falta de confianza y la caída en la rutina dan juego, y se abordan con sensibilidad femenina. Está logradísima la descripción de la relación padre-hija, se produce una química muy especial entre Bill Murray y Rashida Jones. Los dos actores bordan sus personajes, y les confieren gran humanidad: en el afecto mutuo, en su torpe modo de ayudarse, en los reproches, ella con su encanto, paciencia y temores, él con su determinación, impasibilidad y encanto desarmante.

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PRISCILLA (2023)
Reparto principal | Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Dagmara Dominczyk, Ari Cohen

Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu conoce a Elvis Presley en una fiesta, él ya es una meteórica superestrella del rock and roll pero se convierte en alguien totalmente inesperado en momentos privados: un apasionante flechazo, un aliado en la soledad, un vulnerable mejor amigo. Película basada en las memorias 'Elvis and Me', escritas por Priscilla Beaulieu Presley, publicadas en 1985 y que relatan el largo noviazgo y turbulento matrimonio de Elvis y Priscilla, desde una base militar alemana hasta su finca de ensueño en Graceland.

El filme es un retrato inquietantemente apasionante y claustrofóbico sobre la soledad conyugal, donde una mujer queda atrapada detrás de las cursis puertas de su casa, una que se vuelve una prisión, y en este caso dicha prisión se llama Graceland, la famosa mansión de Elvis. Ella vive ahí mientras el Rey está de gira, o está grabando alguna película con una actriz famosa o sexy, la cual se vuelven las amantes de Elvis. La película en teoría solo se basa en el libro Elvis and Me, publicado en 1985, este narra las memorias del matrimonio entre Priscilla y Elvis, y fue escrito por la propia Priscilla; por lo cual la película aborda una intimidad muy fuerte de la relación tan compleja que tuvieron estás dos personas. Coppola busca contar dicha historia con una mirada fraternal y sin prejuicios, especialmente cuidando los detalles, la extraña atmósfera de la vida matrimonial, y los tramos de aburrimientos y silencios que vivió Priscilla.

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Premios y distinciones

Festival Internacional de Cine de Cannes

Año	Categoría	Película	Resultado
2017	Mejor dirección	The Beguiled	Ganadora

Festival Internacional de Cine de Venecia

Año	Categoría	Película	Resultado
2003	Premio Lina Mangiacapre	Lost in Translation	Ganadora
2010	León de Oro	Somewhere	Ganadora

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
2004	Mejor director	Lost in translation	Candidata
2004	Mejor guion original	Lost in translation	Ganadora
2004	Mejor película	Lost in translation	Candidata

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Enlaces de interés

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JANE CAMPION

Jane Campion
Es la primera mujer nominada en dos oportunidades en la categoría de mejor dirección de los Premios Oscar, y fue la primera mujer en ganar la Palma de Oro en Cannes

Jane Campion es una de las directoras más prestigiosas y respetadas del cine actual. Su cine se caracteriza por los retratos de personajes, en su mayor parte, femeninos, complejos y atormentados, a menudo sometidos a presiones insoportables, así como por su belleza y sentido estético. Estudió Antropología en la Universidad de Victoria en Wellington, graduándose en 1975. Poco después se trasladó a Australia y allí se diplomó en pintura en el Sydney College of the Arts, en 1979. De algún modo la combinación de estas actividades le lleva al cine. A principios de los años ochenta, en el Australian School of Film and Television comienza a realizar una serie de cortometrajes que le proporcionan cierto prestigio. Peel, an exercise in discipline, tiene como argumento una escena familiar: un padre, su hija y su hijo van en coche de camino a casa. El chico empieza a tirar cáscaras de naranja por la ventanilla, hasta que el padre se harta y le pide que baje a recogerlas. Su hermana empieza a ponerse muy nerviosa, porque va a perderse su programa favorito. Este ejercicio de estilo consigue la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Le seguirían A Girl’s Own Story, Passionless Moments, co-dirigida por Gerard Lee, que se centra de nuevo en embarazosos retazos cotidianos y After Hours, donde se adentra en un argumento más elaborado, a partir de las dificultades de separar las fantasías sexuales y la ficción en un caso de acoso sexual. Después de este aprendizaje hace una breve parada en la pequeña pantalla y dirige Two Friends. La crítica, que ya se había emocionado con sus cortometrajes, ensalza este primer largo que narra la historia de dos amigas que se ven obligadas a separarse cuando ambas son admitidas en el mismo instituto, pero a una de ellas no le dejan asistir. Campion se sumerge con gran maestría en el mundo adolescente, mostrando su habilidad para dirigir a actores muy jóvenes. En 1989, dirige su primer largometraje para el cine. Sweetie retrata una vez más la vida familiar, pero Campion añade un elemento inanimado que amenaza peligro, creando así un ambiente desasosegante y único. La propia casa se cierne sobre los personajes ayudada por unos ángulos de cámara novedosos e imprevisibles. Comienza aquí a consolidarse su peculiar narrativa: capaz de adentrarse en el lado más oscuro de los personajes, volcada completamente sobre las sensaciones y el mundo interior. En 1990 gana el León de Plata del Festival de Venecia con Un ángel en mi mesa, basada en la biografía de Janet Frame y diseñada en un principio como una miniserie de tres capítulos para la Televisión Australiana. Desde su infancia hasta su juventud, Frame es retratada con un especial cariño y respeto. Hoy es autora de veinte novelas, libros de poesía, obras de teatro y biografías, pero publicó sus dos primeros libros mientras estaba interna en un psiquiátrico, ocho años de horror a consecuencia de un diagnóstico desafortunado, de una timidez enfermiza. Campion compensa esta injusticia con una película que es más bien una dedicatoria, centrándose en el genio antes que en la anécdota, defendiendo de un modo feminista una vida castigada y, aun así, brillante. 1992 significa para ella el año de la consagración, del reconocimiento masivo y de la avalancha de premios. El piano, que es una vez más la película de una mujer, se convierte en una obra exquisita, dirigida con sensibilidad y maestría, y que ocupa un lugar muy difícil de sustituir en su cinematografía. No es por tanto extraño que su siguiente título, Retrato de una dama, no estuviese a la altura, a pesar de sus protagonistas y de estar basada en una magnífica novela. En una cosa acierta: en ilustrar aquella creencia de Henry James de que Europa era un nido de serpientes para los inocentes americanos. La trayectoria de Campion está claramente marcada por un tipo de historias muy personales y por un modo de hacer que incluye sus películas dentro del cine de autor. Exceptuando El Piano, su cine no es comercial porque no busca contactar con el público, no pretende que éste se identifique con los personajes de sus historias. El fenómeno de El Piano es el ejemplo de una combinación agraciada de elementos que dio en el clavo con ese tipo de cine que parece de autor pero que acaba resultando un fenómeno de masas. Cuando llegó Retrato de una dama, parecía que la película estaba dotada con los ingredientes que le harían repetir la experiencia. Pero hay circunstancias que un director no puede repetir. El Piano había marcado un hito: era la primera vez desde 1946 que el jurado del Festival de Cannes otorgaba la Palma de Oro a una mujer. En 2021, regresó al cine con El poder del perro, una adaptación de la novela homónima de Thomas Savage. La película contó desde el primer momento con el aplauso de la crítica, y Campion recibió, tras su estreno mundial, el León de Plata a la Mejor Dirección del Festival de Venecia. Con doce nominaciones, es la película que opta a más premios en la 94 edición de los Oscars. Después de recibir el Oscar a mejor directora, se convirtió en la tercera mujer que recibe tal galardón en la historia de la Academia.

Las películas dirigidas por Jane Campion

La lista está por orden alfabético.
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Un ángel en mi mesa (1990)
Bright star (2009)
Chacun son cinéma (2007)
2 friends (1986)
En carne viva (2003)
Holy smoke (1999)

8 (eight) (2008)
El piano (1993)
El poder del perro (2021)
Retrato de una dama (1996)
Sweetie (1989)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

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2 friends (1986)
Reparto principal | Kris Bidenko, Emma Coles, Kris McQuade, Peter Hehir

Dos niñas, de 15 años; Louise, en una prestigiosa escuela secundaria para niñas, y Kelly, que fue admitida pero su padre le prohibió asistir. Este es el final de su amistad, y desde aquí la película avanza en una línea de tiempo hacia atrás hasta un cuadro final congelado de las chicas en la cima de su cercanía.

El primer largometraje de Jane Campion trata sobre un par de chicas cuya amistad se está desvaneciendo... y a partir de ahí avanza hacia atrás. La cronología inversa resulta efectista y añade muy poco a la película. Proporciona una nota más optimista para terminar, pero creo que se habría logrado mejor a través de una estructura de flashback. Pero funciona bastante bien y la película es bastante dulce con algunos momentos genuinos. Me gustaría pensar que el título tiene un doble significado, refiriéndose no sólo a Kelly y Louise, sino también a Louise y su madre, una relación sólida que fue agradable de ver. La producción parece un poco plana, pero hay una secuencia fantástica y caprichosa cerca del final y las actuaciones son entrañables. Una película bastante bonita, aunque también podría haber prescindido de la estructura efectista.

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SWEETIE (1989)
Reparto principal | Genevieve Lemon, Karen Colston, Tom Lycos, Dorothy Barry

La historia se centra en una familia australiana disfuncional que incluye dos hijas: Dawn (apodada "Sweetie"), una mujer vivaz, a menudo delirante, que se considera actriz, y su delgada, hosca y supersticiosa hermana Kay, una trabajadora de una fábrica que tiene un novio llamado Luis. Sus padres, Flo y Gordon, tienen serios problemas matrimoniales. Kay ama a Louis porque las palabras de un adivino presagiaban que terminaría con él. Sin embargo, la relación de la pareja comienza a mostrar signos de tensión, con Kay arrancando y ocultando un árbol que Louis intenta plantar en su jardín porque siente un profundo presentimiento al respecto. Después de una ausencia, Sweetie regresa a casa con su amante y "gerente" drogadicto Bob; luego procede a intimidar, controlar y abusar de los demás miembros de su familia. Gordon elige ignorar la enfermedad mental y el comportamiento infantil errático de Sweetie porque la ama y piensa en ella como en una niña. A lo largo de la película, hay flashbacks de Sweetie bailando, cantando y realizando pequeños trucos circenses con la ayuda de Gordon. Flo admite que la complace.

Sweetie es un filme que juega a provocar, a descolocar al espectador. Es una película pensada para llamar la atención. Algo que ocurre gracias a una de sus protagonistas, la Sweetie del título, una joven con problemas mentales empeñada en hacer la vida imposible a todos los que le rodean, sobre todo a su hermana pequeña. Con la licencia que le da ese personaje, Campion juega a superar las fronteras de la corrección política, firmando un filme extraño y curioso sobre una familia disfuncional que vive a las afueras de las grandes urbes australiana

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UN ÁNGEL EN MI MESA (1990)
Reparto principal | Kerry Fox, Kevin J. Wilson, Natasha Gray, Alexia Keogh

Janet, hija de una numerosa familia campesina de Nueva Zelanda, está fascinada desde pequeña por la poesía. Pero tras la muerte accidental de su hermana mayor, se encierra en su mundo. Así, la difícil adolescencia de Janet, acomplejada y excepcionalmente tímida, se convierte en una tragedia con la muerte de otra de sus hermanas, que fallece ahogada. Finalmente, considerada como esquizofrénica, Janet es ingresada en un manicomio durante ocho años, donde sólo conseguirá evitar que le hagan una lobotomía gracias a la publicación de sus poemas.

Originalmente concebida como una miniserie de tres capítulos, la película recoge la vida de Janet Frame, que tras ser diagnosticada equivocadamente de esquizofrénica, se convirtió en una de las más admiradas escritoras de cuentos y poesía de Nueva Zelanda. A partir de la autobiografía de Janey Frame, que antes de la película tuvo bastante repercusión, Campion ya muestra en esta obra algunas señas de identidad de su cine, para bien y para mal. Sin duda alguna, posee una buena capacidad para la concepción escénica y la puesta en escena –otra cosa es que guste más o menos– pero también una tendencia, aunque intente controlarla, hacia cierta cursilería de corte feminista y a la superficialidad –enmascarada bajo una presunta continua reflexión sobre temas relevantes–. Aun así, Un ángel en mi mesa supone una experiencia simpática en la que la crudeza de la narración de la vida de Frame acaba diluyéndose en una suerte de cuento amable que, bajo su superficie, se esconden algunas realidades crudas y desagradables del ser humano en general.

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EL PIANO (1993)
Reparto principal | Holly Hunter, Anna Paquin, Sam Neill, Harvey Keitel

Ada McGrath (Holly Hunter) hace años que perdió la voz. Su hija Flora se comunica con ella a través de signos y además, gracias a su pasión por la música, Ada expresa sus sentimientos a través de un piano. Un día, su padre entrega a la mujer en matrimonio a Alistair Stewart y tanto ella como la hija tienen que emprender un largo viaje a Nueva Zelanda. Les acompaña, como siempre, su piano. Al llegar a la isla, Alistair obliga a Ada a abandonar el piano en la playa y posteriormente lo vende a George Baines (Harvey Keitel). La nostalgia que siente Ada por las notas hace que busque su objeto más preciado y llega a un acuerdo con Baines para poder ir a tocar el piano a su casa. A cambio, él la tocará a ella. Entre ellos, y siempre sin mediar palabra, empieza a surgir una conexión especial, pero Ada no es feliz y esto precipita un trágico final.

Ambientada en el año 1851, el relato comienza con la voz en off de una niña. Sin embargo, esa voz que oímos sólo existe en la mente de Ada, (Holly Hunter) una viuda de mediana edad que quedó muda a los seis años. Se ha valido de la música, de su forma de tocar su piano como principal medio de expresión. Para comunicarse con los que la rodean cuenta con su pequeña hija Flora (Anna Paquin) y un cuadernillo para escribir que cuelga de su cuello. Un matrimonio concertado la obliga a abandonar su Escocia natal para viajar hacia Nueva Zelanda, donde la espera un marido granjero, un colono bien educado y piadoso, Stewart (Sam Neill) el cual no teme a la discapacidad de Ada, pero carece de la sensibilidad necesaria para apreciar su música y lo que para ella representa. Su sufrimiento comienza en el mismo momento del desembarco en el nuevo continente, cuando su abundante equipaje no puede ser trasladado desde la playa hasta la granja por ningún medio de transporte y son los propios aborígenes los encargados de dicha tarea. Stewart obliga a Ada a abandonar el piano en la misma playa por ser una carga demasiado difícil y pesada. El vecino y amigo de su marido George (Harvey Keitel) será el único que intente ayudar a Ada para que pueda volver junto a su piano, iniciándose entre ambos una relación especialmente intensa e inesperada. Esta exitosa película de la directora Jane Campion suele ser comentada por la deliciosa banda sonora original de Michael Nyman, que consiguió ser un éxito por sí misma, y por las colosales actuaciones de cuatro actores en estado de gracia, incluyendo el debut infantil de Anna Paquin. (FUENTE: https://www.lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine.com/)

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RETRATO DE UNA DAMA (1996)
Reparto principal | Nicole Kidman, John Malkovich, Barbara Hershey, Martin Donovan

Isabel Archer es una joven estadounidense que, después de la muerte de sus padres, ha sido enviado a Inglaterra para visitar a sus familiares. La tragedia de su familia la ha dejado sin un centavo, pero la belleza de Isabel ha llamado la atención de un número de hombres elegibles. Cuando Isabel rechaza una propuesta de matrimonio del rico Señor Warburton, porque ella no lo ama. Lo que desconoce es que su primo Ralph, también está locamente enamorado de ella. Todo se pone patas arriba cuando, Isabel toma una gira por Europa, donde se encuentra con madame Merle, una sofisticada casamentera que le presenta a Gilbert Osmond, un artista viudo extranjero del que Isabel se enamora perdidamente.

"Retrato de una dama" es una de las mejores novelas de Henry James, en la que retrató a la sociedad europea del siglo XIX. La directora Jane Campion adaptó este material para ofrecer la historia de una mujer adelantada a su época. Para protagonizarla contó con un trío de lujo formado por Nicole Kidman, en una de las interpretaciones más aclamadas de su carrera; John Malkovich, un actor familiarizado con personajes oscuros y odiosos, y Barbara Hershey, que fue nominada al Oscar a la mejor secundaria por su interpretación como la malévola Madame Merle.

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HOLY SMOKE (1999)
Reparto principal | Kate Winslet, Harvey Keitel, Julie Hamilton, Tim Robertson

Apasionante historia que habla sobre las nuevas y emocionantes aventuras que vive uno fuera de su país de origen, unas experiencias que reajustan el pensamiento y cambian, a veces, hasta la propia identidad del viajero. Ruth Barron es una inteligente y atractiva mujer que, después de viajar a la exótica India con su amiga Yvonne, queda gratamente sorprendida por la cultura del lugar, por lo que decide unirse a las enseñanzas del gurú Baba. Cuando Yvonne regresa a Australia se pone en contacto con los padres de su amiga, a quienes comenta en qué situación se encuentra Ruth. Estos, inmediatamente, van en su búsqueda, con la intención de hacer que su hija regrese a casa. Una vez conseguido dicho objetivo contratan a P.J. Waters, un consejero norteamericano que trabaja con aquellos que han sido atrapados por sectas religiosas, con la intención de que éste consiga que su hija sea la que era antes. En la soledad de una cabaña en medio del desierto australiano, el enfoque racional llevado a cabo por P.J. va, poco a poco, haciendo añicos las certezas de Ruth, incrementando así las posibilidades de recuperación.

Después de “El piano” y “Retrato de una dama”, la realizadora neozelandesa Jane Campion presentó este relato cargado de erotismo, cuya mejor baza reside en el pulso interpretativo entre Kate Winslet y Harvey Keitel. Y es que, pese a su punto de partida, el filme está concebido más como una reflexión en tono de comedia descabellada de la guerra de sexos que como un estudio de la problemática de las sectas. La película pretende ser satírica, irónica, pero se queda en un cúmulo de chistes presuntamente excéntricos, peroratas pesadas de bajo interés y trazos de esperpento sobre una relación de edad dispar con artificiosa batalla de sexos. Incluye imágenes de documental con Charles Manson y “angelitos” similares, desperdicia el potencial del simpático personaje de Julie Hamilton (la madre de ficción de Kate Winslet), hace aparecer de forma escasa a Pam Grier y termina su ambicioso delirio desértico de forma muy blandengue.

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EN CARNE VIVA (2003)
Reparto principal | Meg Ryan, Mark Ruffalo, Jennifer Jason Leigh, Nick Damici

Frannie Avery lleva una vida muy normal. Trabaja como profesora y vive en Nueva York. Sus días transcurren entre el trabajo, su vida en solitario y algún encuentro con su hermana, pero un día su rutina se ve alterada de repente. Sin quererlo, Frannie presencia una escena sexual muy subida de tono entre un hombre y una mujer, aunque no consigue ver el rostro de ninguno de ellos. Poco después se entera de que se ha cometido un crimen cerca de su casa y el detective Malloy, sospechosamente, cree que ella puede saber algo, pero ¿por qué habria de saberlo? o más imporante aún ¿por qué debería sospechar el atractivo detective de ella?

Meg Ryan, en un intento de relanzar su carrera y dejar de lado el género de la comedia romántica en el que siempre había estado encasillada, protagoniza este ‘thriller’ pseudo erótico en el que, además, realiza su primer desnudo para la pantalla. La historia, basada en una novela de Susanna Moore, que también coescribe el guión, cayó en gracia a Nicole Kidman, que compró los derechos con la intención de producirla y protagonizarla. Pero problemas de agenda de la australiana hicieron que ésta se limitara sólo a producirla, mientras que Ryan fue la escogida para protagonizarla.

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CHACUN SON CINÉMA (2007)

La película es una colección de 34 cortometrajes, cada uno de tres minutos de duración, dirigidos por 36 reconocidos cineastas. Representando a cinco continentes y 25 países, los realizadores fueron invitados a expresar "sus estados mentales del momento inspirado por la sala de cine

Lista de directores | JANE CAMPION, Theodoros Angelopoulos, Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Youssef Chahine, Chen Kaige, Michael Cimino, Ethan Coen, Joel Coen, David Cronenberg, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Manoel de Oliveira, Raymond Depardon, Atom Egoyan, Amos Gitai, Alejandro González Iñárritu, Hou-Hsien Hsiao, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Andrey Konchalovskiy, Claude Lelouch, David Lynch, Ken Loach, Nanni Moretti, Roman Polanski, Raoul Ruiz, Walter Salles, Elia Suleiman, Tsai Ming-liang, Gus Van Sant, Lars von Trier, Wim Wenders, Wong Kar-Wai y Zhang Yimou.

En 2007 se celebró el 60 aniversario del Festival de Cannes y, para celebrarlo, se reunieron en esta película 33 cortometrajes dirigidos por cineastas de todo el mundo. Como suele suceder en estos casos el resultado varía mucho de una pieza a otra. El punto de partida del proyecto, sin embargo, hace que se trate de una película casi ineludible para los amantes del cine pues el nexo que une a todos los cortos es precisamente este: el amor por el cine.

Todas las historias cuentan con un nexo común, que es el hecho de tener como trasfondo una sala de cine, con una temática que obviamente está relacionada con lo cinematográfico y desde la que a veces se homenajean ciertos títulos memorables de la historia del séptimo arte, se hacen alusiones directas al Festival de Cannes, recuerdan actores o directores, o se intenta recrear el sentido más profundo de la relación del espectador con el cine, algo que desde varios cortometrajes se consigue transmitir.

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8 (EIGHT) (2008)
Una película antológica compuesta por ocho cortometrajes centrados en los
Ocho Objetivos de Desarrollo del Milenio.

En la Declaración del Milenio se recogen ocho Objetivos referentes a la erradicación de la pobreza, la educación primaria universal, la igualdad entre los géneros, la mortalidad infantil, materna, el avance del VIH/sida y el sustento del medio ambiente. Para objetivos, y en respuesta de aquellos que demandaban un cambio hacia posturas más sociales de los mercados mundiales y organizaciones financieras se añade el Objetivo 8, ‘Fomentar una Asociación Mundial para el Desarrollo’. En otras palabras, el objetivo promueve que el sistema comercial, de ayuda oficial y de préstamo garantice la consecución en 2015 de los primeros siete Objetivos y, en general, un mundo más justo. Cada Objetivo se divide en una serie de metas, un total de 28, cuantificables mediante 48 indicadores concretos. Por primera vez, la agenda internacional del desarrollo pone una fecha para la consecución de acuerdos concretos y medibles.

Los títulos de los ocho objetivos, con sus metas específicas, son dirigidos poe los siguientes directores:

Segmento de JANE CAMPION : The Water Diary (Garantizar la sostenibilidad ambiental)
Segmento de Abderrahmane Sissako : El sueño de Tiya (Erradicar la pobreza extrema y el hambre)
Segmento de Gael García Bernal : La Carta (Alcanzar la educación primaria universal)
Segmento de Mira Nair : ¿Cómo puede ser? (Promover equidad de género y empoderar a las mujeres)
Segmento de Gus Van Sant : Mansion on the Hill (Reducir la tasa de mortalidad infantil)
Segmento de Jan Kounen : La historia de Panshin Beka (Mejorar la salud materna)
Segmento de Gaspar Noé : SIDA (Combatir el VIH/SIDA, la malaria y otras enfermedades)
Segmento de Wim Wenders : Persona a persona (Desarrollar una asociación global para el desarrollo)

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BRIGHT STAR (2009)
Reparto principal | Ben Whishaw, Abbie Cornish, Paul Schneider, Kerry Fox

Ambientada en 1818, 'Bright Star' trata sobre la historia de amor entre un poeta inglés, John Keats, y su vecina, Fanny Brawne. Los inicios de la relación no fueron buenos, demasiados perjuicios les separaban. Un día, Fanny descubre que John cuida de su hermano enfermo y le conmueve tanto la situación que quiere saber todo acerca de la poesía, eso con lo que entretiene a su hermano. La poesía será el motor de un bonito romance entre ambos

Una historia hiperromántica basada en la relación real que mantuvo el poeta John Keats en sus últimos años de vida. El filme construye parte de sus diálogos a partir de las cartas que se enviaron los dos amantes y debe su título a uno de los sonetos escritos por Keats cuando estaba con Fanny. Las dosis de realidad no acaban aquí, puesto que el equipo rodó una de las secuencias en Roma, en la auténtica vivienda que vio a Keats morir. Todo ello es obra de la cineasta neozelandesa Jane Campion, quien ya había descrito amores decimonónicos en "El piano". En esta ocasión vuelve a embellecer un argumento lleno de amor con una notable dirección artística y un destacado vestuario. De hecho, "Bright Star" estuvo nominada en este último apartado a un Oscar, aunque recorrió sin éxito las salas de cine españolas.

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EL PODER DEL PERRO (2021)
Reparto principal | B. Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee

Dos hermanos que son algo más que socios, son los propietarios conjuntos del rancho más grande de Montana. Phil es el hermano brillante, un lector voraz, narrador elocuente y sagaz jugador de ajedrez. George en cambio es el ganso, el silencioso, el que aprende lentamente y se dedica al negocio. Claro que Phil es cruel, siente una gran sed de dominio y desprecia la debilidad de los demás, George por su parte tiene un alma amable y amorosa. Cuando este se case inesperadamente con una joven viuda y la lleve a vivir al rancho, Phil comenzará una campaña implacable para destruir a la nueva esposa de su hermano y también al hijo de ella.

Western feminista y antihomófobo para los tiempos que corren, lo dirige y firma el guión la australiana Jane Campion, que adapta una novela de Thomas Savage. Ambientada en 1925 en Montana, sigue a los hermanos Phil y George Burbank, ganaderos propietarios de un rancho, que representan dos polos opuestos de modos de vida que pugnan cuando la sociedad está cambiando. Estamos ante una cinta decididamente irregular, quizá por su pretensión de buscar tres pies al gato revisionista de un género considerado tradicionalmente masculino, introduciendo variantes rosas a lo Brokeback Mountain, y sugiriendo que una mujer en aquella época poco más podía hacer que engatusar a un hombre con un mínimo de decencia y refugiarse en el alcohol. Así que se cargan las tintas en las burlas que recibe el petimetre Pete, y los elementos de la homosexualidad resultan muy forzados, cuando no sencillamente increíbles. Los giros sorpresivos quedan poco justificados, aunque se recurra a la metáfora del perro que esconde la forma de las montañas del entorno, que tal vez alguno las vea a la primera, y otros no sepan leer esas señales.

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Premios y distinciones

Premios Oscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1994	El piano	Mejor dirección	Nominada
1994	El piano	Mejor guion original	Ganadora
2022	El poder del perro	Mejor película	Nominada
		Mejor dirección	Ganadora
		Mejor guion adaptado	Nominada

Festival de Cannes

Año	Obra	Categoría	Resultado
1986	Peel	Palma de Oro a mejor cotrometraje	Nominación
1989	Sweetie	PPalma de Oro a mejor película	Nominación
1993	El piano		Ganadora
2009	Bright Star		Nominación

Festival Internacional de Cine de Venecia

Año	Película	Categoría	Resultado
1990	Un ángel en mi mesa	Premio especial del jurado	Ganadora
		Premio OCIC	Ganadora
		Pequeño León de Oro	Ganadora
		Premio Elvira Notari	Ganadora
		Premio Bastone Bianco	Ganadora
1996	Retrato de una dama	Premio Pasinetti-Mejor película	Ganadora
1999	Holy Smoke!	Premio Elvira Notari	Ganadora

Premios Bafta de la Academia Británica de Artes Cinematográficas y de Televisión

Año	Película	Categoria	Resultado
1994	El Piano	Mejor película	Nominación
		Mejor dirección	Nominación
		Mejor guion original	Nominación
2022	El poder del perro	Mejor película	Ganadora
		Mejor dirección	Ganadora
		Mejor guion adaptado	Nominación

Premios AACTA, presentados por la Academia Australiana de Artes Cinematográficas y de Televisión

Year	Obra	Categoría	Resultado
1983	PEEL	Mejor cortometraje de ficción	Nominación
1983	PEEL	Mejor edición	Nominación
1989	Sweetie	Mejor guion original	Ganadora
1989	Ella misma	Premio Byron Kennedy	Ganadora
1993	The Piano	Mejor película	Ganadora
		Mejor dirección	Ganadora
		Mejor guion original	Ganadora
2010	Bright Star	Mejor dirección	Nominación
2010	Bright Star	Mejor guion original	Nominación
2013	Top of the Lake	Mejor miniserie	Ganadora
2017	Top of the Lake: China Girl	Mejor serie dramática	Ganadora
2017	Top of the Lake: China Girl	Mejor dirección en un drama o comedia	Nominación

1984 - FCCA Awards (Premio del círculo de críticos de cine de Australia):
- Mejor película experimental por Passionless Moments (compartido con Gerard Lee)
- Mejor guion de corto por A Girl's Own Story
1989 - FCCA Awards (Premio del círculo de críticos de cine de Australia) al mejor guion original por Sweetie (compartido con Gerard Lee)
1994 - FCCA Awards(Premio del círculo de críticos de cine de Australia)
- Mejor director por El piano
- Mejor película por El piano
- Mejor guion original por El piano
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Mundos arrebatados: de El piano a El poder del perro

Mariona Borrull

En sus primeros meses los bebés abren mucho los párpados, miran las cosas a su alrededor como idos. Absorben hasta el último detalle de un entorno que, por lo que sé, aún está desenfocado. No es para menos: acaban de llegar a un mundo nuevo, un planeta extraterrestre. Al principio de El piano, los dedos de Ada (Holly Hunter) nos descubren, sin prisas, un universo que también sentimos antes de entender. Del vaivén arrebolado de la música orquestal sobre unos créditos en negro, pasamos a unas pocas manchas de luz y, finalmente, a la imagen, a la película. Lo más sabio es, entonces, obedecer el método del recién nacido: abrir los ojos como platos y aprender de ello.

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El piano

Teresa Sorolla-Romero

Enrocado bajo las profundidades oceánicas reposa un piano destartalado, firmemente sumergido entre el vaivén de las algas y peces que lo circundan. Atado a él se mecen, tendiendo hacia la superficie, los abultados ropajes victorianos que encubren un cuerpo femenino presuntamente inerte, que se balancea en vertical. El azul oceánico lo invade todo desdibujando los elementos, que van quedando lejos progresivamente, hasta que la última imagen de El piano funde a negro, acompañada de la locución de unas palabras –significativamente, versos–: “Hay un silencio donde nunca ha habido sonido / Hay un silencio donde no puede haber sonido / En la fría tumba –bajo el profundo, profundo mar”. Ese último plano desencadena una imagen terriblemente poética que se emplaza en la imaginación más íntima de Ada, quien, habiendo desestimado una tentativa de suicidio, se imagina muerta. Si el filme se abre con un plano subjetivo de la protagonista, cuyos dedos entorpecen durante los primeros segundos la visibilidad y orientación del espectador, la última vuelve para desestabilizarlo desde una paradójica y oscura calma.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Jane Campion - Películas: Películas de Jane Campion

Imágenes: Imágenes de Jane Campion - Videos: Más videos de Jane Campion

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MARTIN SCORSESE

Martin Scorsese
Filmografía de uno de los directores más influyentes de la historia del cine. Trabajó como montador en Hollywood. En 1968 dirigió su primer largometraje

Nació en el año 1942 en Flushing, Estados Unidos. En su infancia, el pequeño Martin tuvo serios problemas de salud que le impedía hacer la vida que hacían los demás niños de su edad, por lo que se pasaba gran parte en casa observando la calle y viendo películas, por ello, desde muy joven ya se sentía muy atraído por el séptimo arte aunque inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Sus primeros cortometrajes, como The Big Shave (1967), ya mostraban su estilo personal y su interés por los temas de la violencia, la religión y la identidad. Junto a Brian De Palma, George Lucas, Steven Spielberg y Francis Ford Coppola, formaría parte de la llamada “generación del Nuevo Hollywood”. En 1968 dirigió su primer largometraje, el drama ¿Quién llama a mi puerta?, y más tarde rodó Malas calles en 1973. En este film aparecían ya las marcas de estilo habituales de Scorsese, como el empleo de antihéroes o la obsesión por la religión y el estilo de vida de los gangsters. Otras películas dirigidas por él en aquella década son Alicia ya no vive aquí (1974), Taxi Driver (1976), una cinta que explora la violencia en la sociedad estadounidense, con Robert De Niro y una adolescente Jodie Foster y Toro salvaje (1980), uno de sus trabajos más ambiciosos, de nuevo con De Niro. En total, Scorsesse a lo largo de su carrera ha dirigido más de 26 películas. Su trabajo ha sido reconocido con varias nominaciones al Oscar como director y como guionista. También ha ganado diferentes premios en prestigiosos concursos y festivales de todo el mundo. Además de dirigir películas, Scorsese ha sido un gran defensor del cine como arte y cultura. Ha producido documentales sobre la historia del cine, como Un viaje personal con Martin Scorsese por el cine americano (1995) o Mi viaje a Italia (1999). También ha apoyado la preservación y restauración de películas clásicas, a través de su fundación The Film Foundation. Asimismo, ha colaborado con otros directores, actores y artistas, como Steven Spielberg, Woody Allen, Leonardo DiCaprio, Mick Jagger o Bob Dylan.

Las películas dirigidas por Martin Scorsese

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Al límite (1999)
Alicia ya no vive aquí (1974)
American boy (1991)
Los asesinos de la luna (2023)
El aviador (2004)
El cabo del miedo (1991)
Una carta a Elia (2010)
Casino (1995)
50 años de rebeldía (2014)
El color del dinero (1986)
La edad de la inocencia (1993)
Gangs of New York (2002)
George Harrison (2011)
Historias de Nueva York (1989)

Infiltrados (2006)
La invención de Hugo (2011)
El irlandés (2019)
Italianamerican (1991)
Jo, ¡que noche! (1985)
Kundun (1997)
El lobo de Wall Street (2013)
Malas calles (1973)
Mi viaje a Italia (1999)
New York, New York (1977)
Una noche con David Johansen (2022)
Public speaking (2010)
¿Quién llama a mi puerta? (1967)
El rey de la comedia (1982)

Rolling Stones: shine a light (2008)
A Bob Dylan story (2019)
Shutter Island (2010)
Silencio (2016)
Street scenes (1970)
Taxi driver (1976)
Toro salvaje (1980)
El tren de Bertha (1972)
La última tentación de Cristo (1988)
El último vals (1978)
Uno de los nuestros (1980)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - Cineyseries.net

¿QUIÉN LLAMA A MI PUERTA? (1967)
Reparto principal | Harvey Keitel, Zina Bethune, Ann Collette, Lennard Kuras

J. R. es un típico joven italo-americano y católico de Nueva York en los años 1960. Pasa los días y las noches deambulando con sus colegas de Little Italy, yendo al cine, haciendo el tonto y siempre detrás de ligarse a alguna muchacha. Cuando conoce a la Chica en el ferry de Staten Island, ella da la vuelta a su mundo al confesarle la admiración que siente por Centauros del desierto. Bella, rubia y delicada, la Chica es mucho más sofisticada que los tarugos con los que suele andar J. R., y se encarga de abrirle los ojos a placeres de la vida que se pueden encontrar más allá del barrio. Afectado por su fuerte educación católica, J. R. encuentra un problema muy importante en que ella no sea virgen, pese a que le dice que es como resultado de una violación. Pero cuando deja de darle vueltas al asunto y decide casarse con ella, la Chica le revela que es posible que ella no haya visto su relación del mismo modo.

La ópera prima cinematográfica de Martin Scorsese fue esta cinta rodada en blanco y negro que explora temas como el sentido de culpa del catolicismo, una idea que también desarrollaría en "Malas calles". El cineasta montó tándem con otro debutante de talento indiscutible: Harvey Keitel. Esta conjunción dió muy buenos frutos y se repetiría en varias ocasiones. La producción de la película no fue fácil y tardó años en ver la luz, sufriendo numerosas transformaciones en el camino: primero empezó como cortometraje, pero se empezaron a introducir tramas como el romance con Zina. Una vez estrenada bajo el nombre de "I call first", el distribuidor Joseph Brenner compró la cinta con la condición de que el metraje debía tener una escena de sexo: de ahí que se añadiera la bella escena -aunque gratuíta- de un Keitel visiblemente mayor con las prostitutas. También se cambió el título, que se pasó a llamar "Who's That Knocking at My Door" por la canción de cierre.

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STREET SCENES (1970)

Reparto principal | Harvey Keitel, Verna Bloom, Jay Cocks, William Kunstler

Es una película documental estadounidense realizada por New York Cinetracts Collective, más notable por la participación del cineasta Martin Scorsese, quien se desempeñó como supervisor de producción y director de postproducción de la película. Documenta dos manifestaciones de protesta contra la Guerra de Vietnam que tuvieron lugar en mayo de 1970.

A finales de la primavera de 1970, las protestas a nivel nacional contra la guerra de Vietnam se centraron en el área de Wall Street en la ciudad de Nueva York y, finalmente, en una importante manifestación contra la guerra en Washington, DC. Un grupo de estudiantes de cine de la Universidad de Nueva York documentaron las manifestaciones tal como ocurrieron en ambas ciudades. Más tarde, en Nueva York, la enorme cantidad de metraje en blanco y negro y en color de 16 mm se editó en este importante registro de los acontecimientos del día a día.

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EL TREN DE BERTHA (1972)
Reparto principal | Barbara Hershey, David Carradine, Barry Primus, Bernie Casey

Al principio de los años 30, durante la Gran Depresión, la joven Bertha Thompson disfruta de la vida sin sentirse atada a ningún hombre. Sin embargo, tras la muerte de su padre, decide acompañar al sindicalista Bill Shelley en sus ataques a la compañía de ferrocarriles, regida por la corrupción. Sus heterodoxos métodos les llevan a asaltar los trenes y a repartir el botín entre los trabajadores. Los atracos de la pareja de amantes les granjea gran popularidad en el sur del país y también les convierte en el objetivo de las fuerzas de la ley, que estrecha el cerco sobre los asaltantes, especialmente cuando Bertha se ve implicada en la muerte de un adinerado jugador. Thompson y Shelley, convertidos en fugitivos de la justicia, mantienen una actitud cada vez más temeraria, que hace imposible cualquier vuelta atrás.

Después de trabajar en los documentales "Street Scenes", Martin Scorsese fue asignado por el productor Roger Corman para dirigir esta película, que narra las vivencias de un criminal de la década de los 30 que fue una leyenda en Norteamérica. En ese filme, que resulta ser una alegoría sobre los años de la Depresión, Scorsese ya introdujo una de sus preocupaciones temáticas centrales: los símbolos y metáforas religiosas. Así, el protagonista es literalmente crucificado en un vagón de tren representando la figura del pecador, quien una vez que es agraciado con la gracia divina, alcanza la redención. Durante el rodaje, Barbara Hershey, advirtiendo la obsesión religiosa del director, le dio por leer una copia de la novela “La última tentación de Cristo”, que, años después, Scorsese llevaría al cine con la actriz en el personaje de Maria Magdalena.

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MALAS CALLES (1973)
Reparto principal | Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson

Tony, Mike, Johnny Boy y Charlie son cuatro amigos que viven en el barrio neoyorquino de Little Italy y sueñan con convertirse en peces gordos del mundo del crimen. De hecho, el que tiene más posibilidades es Charlie, pues tiene un tío metido en la mafia. Así, duda entre seguir callejeando o aceptar la clase de vida que la familia puede ofrecerle. Otro de sus problemas es Teresa, la joven epiléptica de la que está enamorado y que, al igual que sus amigos, no cuenta con la aprobación de su tío.

Tras rodar la interesante ¿Quién llama a mi puerta? y trabajar para el rey del cine independiente, Roger Corman, en El tren deBertha, Scorsese saltó a la primera línea del panorama cinematográfico gracias a esta película que mezcla dos de sus obsesiones más fructíferas: la vida en las calles marginales de Nueva York y las relaciones entre los miembros de la mafia. Malas calles significó la primera colaboración entre Robert De Niro y el director, que volverían a formar pareja en títulos inolvidables de su filmografía.

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ALICIA YA NO VIVE AQUÍ (1974)
Reparto principal | Ellen Burstyn, Kris Kristofferson, Laura Dern, Harvey Keitel

Alice Hyatt vive con su marido Donald y su hijo Tommy en Socorro, Nuevo Méjico. Pronto, Donald muere en un accidente de coche y tanto Alice como su hijo, sin ahorros ni trabajo, deben ir tras algo, lo que sea, con lo que puedan seguir hacia delante. La idea que tienen es la de volver a donde Alice creció, Monterey, California, pasando primero por Phoenix, donde ésta ganará algo de dinero dejando que su voz y el piano hagan todo el trabajo. Después de haber reunido bastantes experiencias en la ciudad de Arizona, deciden seguir rumbo a California, parando antes en Tucson, donde Alice decide probar, esta vez, con el arte de llevar tazas y postres a las mesas de sus clientes. Allí conocerá el calor que tanto echaba de menos y un amor, David, que será gratamente acogido por madre e hijo. Juntos tratarán de dar salida a eso que tanto anhelan conseguir, sin olvidarse de disfrutar de cada paso realizado.

Primer trabajo de cierta entidad en Hollywood de Martin Scorsese, alejado de los ambientes barriobajeros y gangsteriles que el cineasta conoció de primera mano, pero al mismo tiempo pegado a esos mismos tipos humanos populares, pues pinta bien el ambiente de carretera, los moteles y cafeterías, el mundo de camareras desbordadas. Ya da pruebas de su dominio de la puesta en escena, con la escena de arranque que simboliza la felicidad de la infancia, casi un guiño a El mago de Oz, y cuando la protagonista canta y toca el piano; incluso la conversación íntima en la cafetería delante de todo el mundo, que podría ser sonrojante y dulzona, se saca adelante con brío. Sorprende la senbilidad para atrapar un universo femenino, donde toca conciliar la recuperación de cierta independencia, con la necesidad de cuidar a un chaval bastante bocazas y poco disciplinado; no deja de estar presente la típica violencia de Scorsese, en las reacciones de su primera nueva relación sentimental, y trata con realismo las dificultades de crear nuevos vínculos afectivos cuando ya se tiene cierta edad y eres una madre soltera. Ellen Burstyn está sensacional en su papel, y por ello ganó el Oscar a la mejor actriz.

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TAXI DRIVER (1976)
Reparto principal | Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel

La película narra la historia de Travis Bickle un ex militar que había combatido en la guerra de Vietnam. Ese hecho le provoca ansiedad y depresión haciéndole sentir rechazado socialmente. Al no poder conciliar el sueño decide trabajar como taxista por los barrios de Nueva York durante las noches. Brickle se siente atraido por Betsy, una bella mujer que trabaja muy de cerca con el senador Charles Pallantine, aspirante a presidente. Betsy le concede una cita para ir al cine pero al descubrir la aficción que Travis tiene por la pornografía, decide no volver a verle. Aturdido y asqueado por la delincuendia que ve por la noche, decide comprarse un arma y pasar a la acción, limpiando las calles de maleantes. Su primer objetivo es el gobernador al que intentará asesinar en plena campaña de elecciones. Tras su fracaso con Betsy, Travis conoce a Iris, una prostituta explotada por su chulo y a la que intentará convencer para que abandone esa vida.

Este filme dirigido por Martín Scorsese a partir de un guion de Paul Schrader es uno de los títulos más célebres del cine estadounidense moderno. Scorsese ofrece una sórdida imagen de la ciudad de Nueva York, a través del recorrido que hace el taxista interpretado por Robert De Niro. El actor se preparó el papel concienzudamente: trabajó como taxista y se documentó acerca de las enfermedades mentales para conseguir encarnar a este excombatiente de Vietnam que decide tomarse la justicia por su mano. Destacan también las interpretaciones de Harvey Keitel y Jodie Foster, esta en el impactante papel de una prostituta adolescente. La banda sonora, que contribuye decisivamente a la creación del clima del largometraje, corrió a cargo del mítico Bernard Herrman, quien murió pocas horas después de terminar su grabación.

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NEW YORK, NEW YORK (1977)
Reparto principal | Liza Minnelli, Robert De Niro, Lionel Stander, Barry Primus

Después de la victoria de Estados Unidos sobre Japón, la ciudad de Nueva York rebosa felicidad. Jimmy Doyle, un joven soldado saxofonista un tanto impertinente, cuelga su uniforme y se marcha con sus mejores galas dispuesto a impregnarse del éxtasis del club Starlight, donde las celebraciones ya han comenzado. Allí conoce a Francine Evans, una cantante de poca monta que enseguida llama su atención. A pesar de que el soldado intenta conquistarla, la joven tan solo le responde con malas caras. A la mañana siguiente, Francine y Jimmy terminan compartiendo un taxi y, contra su voluntad, la cantante le acompaña a una audición. Cuando el dueño del bar se niega a concederle la prueba, Francine comienza a cantar para hacerle cambiar de opinión. Desde ese momento, las vidas de los músicos se unirán en una tormentosa relación en la que tendrán que compatibilizar su pasión por el jazz con el amor que ambos se profesan.

Un filme desconcertante pero muy curioso dentro de la filmografía de Scorsese, donde el director rinde un homenaje al género musical clásico y en el que emplea las propias canciones como aproximación psicológica a los personajes protagonistas. Significativamente, la película no acabó de funcionar en taquilla, a lo que pudo contribuir el personaje repulsivo encarnado por Robert de Niro. El prestigioso dúo formado por John Kander, compositor, y Fred Ebb, letrista, contribuyeron en la composición de la canción principal de “New York, New York”, que en la película era interpretada por Liza Minnelli, y después tuvo una versión mítica de Frank Sinatra.

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EL ULTIMO VALS (1978)
Reparto principal | Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan, Van Morrison

Documental sobre el último concierto de la banda de rock norteamericana The Band en noviembre de 1976 en el gran escenario de Winterland Ballroom de San Francisco. El evento contó con la participación de diversos artistas de los años sesenta y setenta, incluyendo a Bob Dylan, mentor del grupo, y otras figuras míticas del rock de las últimas décadas como Neil Young, Muddy Waters, Paul Butterfield, Joni Mitchell o Eric Clapton. Martin Scorsese fue el encargado de ponerse al mando de la dirección, elaborando un documental que intercala imágenes del concierto con entrevistas que el propio director estadounidense formuló a los diferentes artistas, en las que rememoraban sus mejores momentos, anécdotas y aficiones musicales. El último vals es considerado por una amplia mayoría de críticos musicales y cinematográficos como uno de los mejores documentales musicales de la historia del rock.

El día de acción de gracias de 1976 se organizó un concierto de despedida de 'The Band', uno de los grupos de rock más importantes e influyentes de la música. Sus componente, Richard Manuel, Garth Hudson, Rick Danko y Levon Helm tocaban variados instrumentos y en sus composiciones incorporaban creativos detalles que identificaban su música como original y muy personal. Martin Scorsese dirige este estupendo documental, que cuenta, además, con grandes leyendas de la música, como Robbie Robertson, Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan, Ringo Starr... por citar a algunos.

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TORO SALVAJE (1980)
Reparto principal | Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Nicholas Colasanto

Joey la Motta es un manager que dirige la carrera de su hermano Jake, un joven boxeador que aspira a convertirse en el campeón de los pesos medios. Gracias a un entrenamiento exhaustivo y al trabajo de marketing de su hermano, Jake ha subido varios peldaños de la empinada escalera del éxito. Sin embargo, sus frustraciones sexuales y complejos psicológicos le afectan profundamente, y ya ha experimentado algún arranque de violencia fuera del ring. Mientras tanto, Joey ve como su matrimonio empieza a desmoronarse debido a sus escarceos y salidas con otras mujeres. Por si fuera poco, la mafia acaba de interesarse en él y le amenaza con acabar con él si no amaña algunos combates. Todo se complica cuando Jake alcanza el éxito deseado, pero esto no hace más que empeorar su actitud. Paranoico, Jake comienza a sentir unos celos obsesivos por Joey. Poco a poco irá cayendo en un vacío que podría destruir su vida y su mente para siempre.

Tras el tremendo éxito de público y crítica de "Taxi Driver", el director Martin Scorsese, el guionista Paul Schrader y el actor Robert De Niro volvieron a trabajar juntos en esta biografía del boxeador Jake LaMotta. Rodada en un sobrio blanco y negro, la película retrata con gran crudeza la ascensión y caída del púgil y deja de lado el aspecto puramente deportivo del boxeo para centrarse en el turbio ambiente que le rodea. Robert De Niro, que engordó más de treinta kilos para dar vida a LaMotta en su etapa de decadencia, consiguió el Oscar al mejor actor en 1981 por este papel.

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EL REY DE LA COMEDIA (1982)
Reparto principal | Robert De Niro, Jerry Lewis, Sandra Bernhard, Diahnne Abbott

Rupert Pumpkin, un cómico desconocido, insiste con pesadez a Jerry Langford, un famoso showman televisivo, para que le deje un espacio en su programa donde realizar su número de humor. Tras sacarle de un apuro en un momento de acoso de sus fanas, Langford acepta echar un vistazo al número, pero luego comienza a darle largas, escudándose en la muralla de secretarias y colaboradores. Pero Rupert no se dará por vencido en su camino por conseguir llegar a ser el rey de la comedia, tomando una medida drástica con efectos inesperados.

Contundente y agridulce sátira sobre lo que se esconde tras las bambalinas de los programas de humor, que incluye dardos hacia las masas acríticas, que aúpan a la popularidad a las estrellas, o las condenan al ostracismo, con frecuencia caprichosamente. Jerry Lewis, que parecía hacer de sí mismo, es el paciente productor y Robert De Niro, que tan bien se le da el drama como la comedia, el aspirante a cómico. Dirige el maestro Martin Scorsese., que introduce escenas del protagonista Pumpkin fantaseando, en que resulta difícil distinguir de la realidad, opción arriesgada, pero que sirve para incidir en las alienaciones que conforman nuestra vida real. Aunque irregular rítmicamente, contiene algunos momentos memorables, especialmente en el último tramo del número televisado, muy divertido, también por las dosis de realidad que contienen las bromas. Un filme que en su día naufragó en taquilla pero que hoy está considerado como una de las reflexiones más ácidas y lúcidas sobre el mundo de la TV, del orden de "Network" o "El show de Truman".

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JO, ¡QUÉ NOCHE! (1985)
Reparto principal | Rosanna Arquette, Verna Bloom, Thomas Chong, Griffin Dunne

Paul Hackett trabaja como programador en una compañía de informática de Nueva York. Una noche, después de finalizar su jornada laboral, conoce en un bar a la atractiva Marcy, con quien mantiene una interesante conversación sobre el nuevo libro que está leyendo, "Trópico de Cáncer" de Henry Miller. Finalmente, ella le facilita su teléfono y le dice que vive junto a una escultora llamada Kike Bridges. Paul, nada más entrar en casa, llama a la joven, quien le invita de nuevo a su apartamento en el Soho, un barrio de Manhattan. En el camino, Paul se verá inmerso en una espiral de contratiempos y coincidencias, perdido en un extraño barrio de Nueva York y perseguido por algunos de sus extraños habitantes. Entre miedo y asombro, la noche de Paul se convertirá en una auténtica locura.

Comedia sofisticada, de ritmo trepidante y llena de humor negro con la que Martin Scorsese ganó el premio al mejor director en el festival de Cannes. El cineasta quiso ironizar sobre las grandes obsesiones de la sociedad estadounidense. Para ello, se basó en un guion de Joseph Minion, un estudiante de la Universidad de Columbia que escribió la trama para un trabajo de clase. El actor Griffin Dunne estuvo espectacular en su papel de hombre solitario, desbordado por una cadena de situaciones peligrosas e imprevisibles. Cuentan que el director le prohibió el sexo y el dormir bien para acrecentar aun más el sentimiento de ansiedad del personaje.

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EL COLOR DEL DINERO (1986)
Reparto principal | Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, Helen Shaver

Vincent es un joven jugador de billar con mucho talento que no consigue encontrar a nadie que le plante cara en la mesa de terciopelo verde. Un día, Eddie Feslon, un antiguo campeón de billar retirado, es testigo de las increíbles habilidades de Vincent. Feslon se mostrará dispuesto a dejar su negocio de licores y volver al ruedo, reviviendo su pasado y apostando por el chico, siempre y cuando éste siga sus consejos. Se convertirá en su mentor y le guiará en los distintos torneos para juntos sacar la mayor tajada posible a sus habilidades. Junto a ellos irá la novia de Vincent, quien se encargaba de las apuestas que se hacían sobre él antes de la aparición de Feslon.

Martin Scorsese cogió las riendas de esta tardía secuela de "El buscavidas", cinta que protagonizó Paul Newman en 1961 a las órdenes de Robert Rossen. Ambos filmes son adaptaciones de las novelas homónimas de Walter Tevis. Tras siete candidaturas infructuosas, Paul Newman ganó por fin el Oscar al mejor actor gracias a su trabajo en el que nos ocupa. Dicen las malas lenguas que la academia estadounidense se lo entregó, justo un año después de que el eterno galán de los ojos azules hubiera recibido un galardón honorífico, llevados por el sentimiento de culpa de que uno de los grandes de la historia de Hollywood hubiera sido obviado en tantas ocasiones. Cuando su precuela se estrenó en 1961 las ventas de billares se multiplicaros y esta mesa se convirtió en uno de los pasatiempos favoritos de los estadounindenses. Curiosamente, algo similar pasó en 1986, tras pasar por cartelera "El color del dinero".

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LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988)
Reparto principal | Willem Dafoe, Harvey Keitel, Barbara Hershey, Harry Dean Stanton

El carpintero Jesús de Nazaret vive atormentado por la visita periódica de demonios tentadores, la culpa que siente por elaborar cruces para los romanos, la piedad por el ser humano y la llamada constante de Dios. Decidido a saber cuáles son sus planes y qué es lo que Dios espera de él, Jesús está cerca de completar su misión en la Tierra cuando es sorprendido por la tentación más difícil de sobrellevar de todas: la posibilidad de vivir sus últimos años como un hombre bondadoso pero normal, humano. La presencia de María Magdalena jugará un papel muy importante en la toma de decisión de Jesús, que deberá elegir entre la aceptación de su divinidad y el inexorable destino como hijo de Dios o rebelarse para llevar una vida terrenal como cualquier hombre.

Basada, no en los Evangelios, sino en la novela homónima de Nikos Kazantzakis, esta polémica película causó estragos antes y después de su estreno, por tocar un tema tan universal y sagrado como la figura de Cristo, y convertirlo en un personaje de carne y hueso, dividido entre su parte humana y la espiritual. Es el filme más personal y difícil de Scorsese, quien ya quiso rodarlo en 1983, con Aidan Quinn como protagonista, debiendo renunciar en el último momento. La recreación de la época bíblica –el filme se rodó en Marruecos- es efectiva, adornada por la original banda sonora étnica de Peter Gabriel, que da credibilidad al ambiente. Pese a levantar ampollas en la Iglesia Católica, que le boicoteó, Martin Scorsese estuvo nominado al Oscar al mejor director.

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HISTORIAS DE NUEVA YORK (1989)
Reparto principal | Woody Allen, Rosanna Arquette, Mia Farrow, Nick Nolte

Dirigida por tres geniales directores, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Woody Allen, 'New York Stories' recrea tres historias totalmente independientes cuyo nexo de unión es la ciudad de Nueva York.

'Apuntes al natural', de Scorsese, narra la historia de Lionel Dobie, un reputado artista, ya mayor, que se encuentra ante una encrucijada, atrapado por la pintura y el amor y la pasión que comienza a sentir por una joven aspirante a artistas que acude a su taller.

'Vida sin Zoe', de Coppola, cuenta la peculiar visión sobre la lujosa y aburrida vida que lleva la joven Zoe. La niña, cuyos padres están enfrentados y desparecidos la mayor parte del tiempo, pretende que ambos se reconcilien por el bien de la familia. El descubrimiento de un príncipe árabe, que se convierte en su mejor amigo, y el atraco del hotel en el que vive darán un vuelco a su devenir.

Woody Allen, por su parte, dirige 'Edipo reprimido', una comedia en la que un abogado se ve influenciado cada día y de forma notable por su querida madre. Cuando un mago consigue hacerla desaparecer por fin, él se enamorará de una adivina. Sin embargo, pronto verá a su madre en el cielo de la ciudad, que se le revela como la voz de su conciencia.

Hacia muchos años que Scorsese estaba obsesionado con la novela corta de Fiodor Dostoievski 'El jugador' (1867), pues le interesaba sobremanera la figura del hombre enamorado servilmente de una mujer que le desprecia. Nunca había llegado esa idea a nada más que algún borrador poco satisfactorio. Cuando Woody Allen le pasó a su productor de entonces, Robert Greenhut, un guión muy divertido pero demasiado corto para hacer de él un largometraje, Greenhut tuvo la idea de una película de episodios, cada uno dirigido por un director importante, y todos ellos bajo el nexo común de la ciudad de Nueva York. En un principio llamó a Scorsese y a Spielberg para acompañar a Allen, pero finalmente Spielberg tuvo que desentenderse del proyecto y Francis Ford Coppola pasó a ocupar su lugar. Scorsese retomó el concepto de la novela de Dostoievski, con más fuerza porque gracias a las memorias de una amante del legendario escritor, averiguó que el propio autor de 'El jugador' había estado enamorado hasta la esclavitud de una mujer mucho más joven que él, que le admiraba y deseaba aprender a escribir.

De tal forma que Scorsese pasó a dirigir el primero de los tres segmentos de la película, titulado 'Apuntes del natural' ('989), posiblemente una de sus películas menos conocidas, y una de las habitualmente consideradas menores en su filmografía, cuando en opinión de quien esto suscribe es una de sus obras más compulsivas, apasionantes y notables. Uno de los relatos más certeros y despiadados no solamente sobre la creación artística, la necesidad del arte como forma de vida o la lucha contínua con el propio material...también acerca de una relación de vampirismo mutuo, de la tensión amorosa maestro/alumna, de la obsesión peligrosa por otra persona, y en definitiva de la soledad absoluta que suele deparar la pasión desmedida. Recién cumplido su sueño de filmar 'La última tentación de Cristo', Scorsese filmaba más libre que nunca, más ensimismado del cine y del dolor de crear que nunca.

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UNO DE LOS NUESTROS (1990)
Reparto principal | Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco

Henry Hill, es un aspirante a mafioso que intenta abrirse camino junto a sus amigos, Jimmy Conway y Tommy De Vito, en la difícil jerarquía de la mafia. Para ello deben dar varios golpes, introduciéndose en negocios cada vez más peligrosos. Finalmente Henry termina en el programa de protección de testigos del FBI después de testificar en contra de sus antiguos socios.

Implacable cuadro del tortuoso e inmoral mundo de la mafia, pasado por el tamiz cínico de Ray Liotta, un inolvidable narrador. “Que yo recuerde, siempre quise ser un gángster”. Ésta es la frase evocadora con que arranca la crónica de Henry Hill, que expone con voz en off su fascinación por el mundo gangsteril, desde su adolescencia, en que es un espectador pasivo, hasta que se involucra en dudosas actividades. Martin Scorsese nunca logró dibujar mejor el mundo de la mafia, aprovechando el toque cínico del protagonista, que no duda en venderse para asegurar su supervivencia. El film se basa en el libro de Nicholas Pileggi, que él mismo convirtió en guión, y que cuenta el caso real de Henry Hill. Joe Pesci se llevó un Oscar por su personaje de sádico asesino, que marcó su carrera posterior. El virtuosismo de Scorsese puede verse en el largo travelling del restaurante.

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ITALIANAMERICAN (1991)
Reparto principal | Catherine Scorsese, Charles Scorsese

Es un cortometraje documental que tiene a los padres de Scorsese, Charles y Catherine Scorsese, hablando sobre sus experiencias como inmigrantes mientras muestran lo que hacen en un día de su vida. La película es íntima y hace que Scorsese quiera aprender sobre sí mismo y sus raíces, y recurre a las personas que lo trajeron al mundo. El resultado es una película estimulante y atractiva de Martin Scorsese. Filmada en el loft de Charles y Catherine Scorsese con solo un pequeño equipo, la película tiene a Martin Scorsese hablando con sus padres sobre su vida en Italia y cómo llegaron a Estados Unidos y cómo era entonces.

Es un documental íntimo en el que Scorsese filma a sus padres, donde aprende sobre él y toda su familia, así como sus raíces. Es una película llena de vida y energía, así como de momentos conmovedores que muestran las identidades de aquellos y quiénes son. Al final, Italianamerican es una película fenomenal de Martin Scorsese.

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AMERICAN BOY: UN PERFIL DE STEVEN PRINCE (1991)
Documental

Se centra en la vida de Steven Prince, conocido principalmente por su pequeño rol como "Easy Andy", el vendedor de armas en la película Taxi Driver, de 1976. Prince es el narrador en el documental, donde cuenta historias de su vida cuando era un adicto a las drogas y trabajaba como asistente de gira del músico Neil Diamond. Scorsese mezcla vídeos caseros de Prince en su niñez hablando sobre su familia con entrevistas contemporáneas. Cuando relata sus experiencias como adicto a la heroína, Prince cuenta una historia en la que inyectó adrenalina en el corazón de una mujer con sobredosis, con la ayuda de un diccionario médico y de un marcador.

Esta historia fue utilizada por Quentin Tarantino en su guión para la cinta Pulp Fiction. Prince también cuenta una historia sobre sus días trabajando en una estación de gasolina, donde tuvo que dispararle a un hombre al que atrapó robando neumáticos, después de que el hombre sacó un cuchillo y trató de atacarlo. Esta historia fue usada en la película de Richard Linklater Waking Life.

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EL CABO DEL MIEDO (1991)
Reparto principal | Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis

Sam Bowden es un abogado de una tranquila ciudad de Carolina del Norte, en la que vive con su familia. Uno de sus antiguos casos volverá para atormentarle, Max Cady acabó entre rejas injustamente y considera que Sam estuvo involucrado en la consecución de su condena, ya que era su abogado defensor y no ejerció la función de su defensa. Finalmente, Max fue condenado por violación y ahora ha salido de la cárcel para aterrorizar a la familia del abogado que le hizo cumplir condena de un crimen que no había cometido. La tensión irá aumentando poco a poco y el miedo que sufrirán Sam y su familia se convertirá en una auténtica pesadilla que les llevará a tomar decisiones desesperadas para librarse del acoso de Max Cady.

Revisión del filme homónimo rodado por J. Lee Thompson en 1962. A diferencia de la versión original, en este largometraje Martin Scorsese se empeña en dar más relevancia a los perfiles psicológicos de los personajes. También añade un componente sexual, ausente en el filme de Thompson, entre el psicópata y la hija del abogado, interpretada por Juliette Lewis. Entre lo mejor del filme está la estupenda caracterización del personaje que interpreta De Niro con el cuerpo tatuado y una dentadura prominente. Además, su trabajó le reportó una candidatura para los premios Óscar, igual que a Juliette Lewis, que fue propuesta para la estatuilla a la mejor actriz secundaria. Merecen especial atención también los 'cameos' de los protagonistas de la primera versión: Robert Mitchum, Gregory Peck y Martin Balsam.

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LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993)
Reparto principal | Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer, Winona Ryder, Miriam Margolyes

Newland Archer, un joven producto de esa sociedad, acaba de comprometerse con May Welland. Su vida anodina sufre un vuelco cuando irrumpe en ella la condesa Ellen Olenska, la prima de su prometida y una mujer nada convencional. Ellen se acaba de divorciar, ha vivido muchos años en Europa, y no acaba de encajar en los rígidos convencionalismos que gobiernan la sociedad puritana de Nueva York. Los sentimientos de Newland se hallan divididos. Sinceramente desea ser leal a su futura mujer, de modo que se empeña en adelantar la boda. Sin embargo ve en May a un ser aburrido, incapaz de mantener una conversación interesante, la perfecta dama de una sociedad que está empezando a odiar. Todo lo contrario de lo que representa Ellen, por quien se siente cada vez más atraído.

Tercera adaptación de la novela homónima de Edith Wharton, ganadora de un premio Pulitzer, una notable radiografía de la alta sociedad de la Nueva York de principios de siglo. Martin Scorsese –que coescribe el guión con Jay Cocks– fue exquisitamente fiel al espíritu de la novela. Scorsese la rodó por considerarla "absolutamente actual", ya que trata de amores imposibles. Pero más que una historia de amor, "La edad de la inocencia" es un retrato de la sociedad neoyorquina de finales del siglo XIX, encallada en el más absoluto puritanismo y con una intrincada red de normas sociales. Scorsese enfatizó este aspecto de la película y se apoyó en un narrador omnisciente que acompaña al espectador durante toda la película (Joanne Woodward en la versión original, doblada por Núria Espert en la española) y cuyo uso fue puesto en entredicho por más de un crítico.

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CASINO (1995)
Reparto principal | Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods

1983. La explosión de un coche precede a la ‘Wir Setzen Uns mit Tränen Nieder‘, último coro de ‘La pasión según San Mateo’, de Johann Sebastian Bach. Desde el principio, ‘Casino’, aspira a convertir sus imágenes en pura música. Desde el aire nocturno se distingue el resplandor de las luces de Las Vegas, como un nuevo (lujoso y hortera) Camelot. Los tres personajes más importantes, Ace Rothstein, Nicky Santoro y Ginger McKenna, son presentados visualmente, por el trasfondo trágico de la música de Bach, y por la voz en off de Nicky. Desde el mismo comienzo se impone una puesta en escena casi abstracta para esta prolongación, en el fondo muy diferente en su tonalidad y formalización, aunque mantenga lógicas vinculaciones, con el magistral ‘Uno de los nuestros’ de cinco años antes. En lugar de una reminiscencia de los viejos tiempos del barrio, ‘Casino’ se centra en personajes más establecidos y más poderosos, y por tanto con mayor capacidad para desestabilizar sus propias vidas y las de los demás.

Casino está basada en las memorias de Frank Rosenthal. Un corredor de apuestas al que la mafia traslada a Las Vegas para dirigir uno de los primeros grandes Casinos de la ciudad. La película inicia con el protagonista entrando a un coche que al arrancarlo explota y queda envuelto en una gran bola de fuego. Con esto Scorsese quiere que sepamos que está historia no tendrá un final feliz y así condicionar nuestra visión de la misma. Acto seguido vemos como el director capaz de presentarnos a los tres personajes principales, mostrarnos sus motivaciones y miserias, en poco más de 5 minutos. Sharon Stone, que convenció al director para que le diera a ella y no a Madonna el papel de novia de De Niro, logró candidatura por su interpretación de mujer ambiciosa y decadente. Por su parte, De Niro (cuyo personaje está inspirado en la vida del jefe de casinos Frank Lefty Rosenthal) y Pesci ofrecen interpretaciones tremendamente sólidas.

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KUNDUN (1997)
Reparto principal | Tenzin Thuthob, Gyurme Tethong, Tenzin Yeshi, Tencho Gyalpo

Año 1937: un niño tibetano de 2 años es elegido para convertirse en el nuevo Dalai Lama. Arrebatado a su familia, el pequeño es llevado al Palacio de Potala, donde da inicio una educación muy dura que lo marcará para siempre, pero que también endurecerá su carácter hasta transformarlo en un gran líder, tanto político como espiritual, que sea respetado por sus súbditos. Años más tarde, sin embargo, el Dalai Lama tendrá que abandonar su país natal cuando comience la invasión de la China comunista, y no tenga más remedio que exiliarse con su séquito en India hasta que el peligro haya pasado y pueda volver. Sin embargo, mientras el protagonista se mantiene a salvo, sabe que su pueblo está muriendo ahí fuera, lo que le atormenta profundamente.

Martin Scorsese, recrea en este filme la vida del decimocuarto líder espiritual tibetano y retrata la invasión del Tíbet por parte de la China de Mao. Con esta cuidada producción, protagonizada por auténticos tibetanos, Scorsese trató de llamar la atención del mundo occidental sobre una de las sociedades religiosas más peculiares, controvertidas y sufridas del planeta. Sin embargo, pese a sus buenas intenciones, a su innegable belleza formal y a su contenido político, la cinta permanece como una de las menos vistas de la filmografía de su director.

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MI VIAJE A ITALIA (1999)
Documental

Mediante una televisión de 40 centímetros, en compañía de sus padres, abuelos y vecinos del edificio siciliano de Elizabeth Street, en el Little Italy de Nueva York, el pequeño Martin Scorsese descubre el cine italiano. La mayoría de las películas se encontraban en mal estado y habían sido reeditadas con cortes de publicidad. Sin embargo, supusieron el primer contacto con sus orígenes: la región de Sicilia, de donde emigraron sus abuelos en 1909.

Documental dirigido y narrado por Scorsese que lleva al espectador a realizar un viaje fascinante a través del cine italiano, desde el neorrealismo de la posguerra italiana hasta las obras maestras de autores como Federico Fellini, estableciendo relaciones e influencias con otras obras cinematografías.

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AL LÍMITE (1999)
Reparto principal | Nicolas Cage, Patricia Arquette, John Goodman, Ving Rhames

Frank Pierce es un experimentado conductor de ambulancias que pertenece al personal paramédico de la unidad de EMS. Rodeado de heridos y moribundos, Frank se mueve en el mundo urbano nocturno, atendiendo a esas personas que nadie quiere tocar. Está quemado por los años que ha pasado salvando algunas vidas y viendo morir a mucha gente. Frank vive atormentado por las visiones de la gente a la que no pudo ayudar. Durante tres caóticas noches y junto a tres compañeros, Frank vivirá al límite la mayor de sus experiencias intentando buscar su propia salvación aunque lo que logre sea acercarse más a la locura.

Esta película guarda muchos puntos de contacto con la célebre "Taxi Driver". Ambas comparten idénticos director y guionista y recrean con minuciosa contundencia el sórdido y enfermizo ambiente nocturno de las calles de Nueva York y de los que se mueven por ellas. Nicolas Cage toma el relevo de De Niro como el atormentado protagonista y su entonces esposa, Patricia Arquette, ocupa el lugar de mujer perdida a la que éste pretende salvar, que en su momento lanzó a la fama a Jodie Foster. Entre el excelente elenco de secundarios destacan Tom Sizemore, John Goodman y Ving Rhames.

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GANGS OF NEW YORK (2002)
Reparto principal | Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis, Cameron Diaz, Liam Neeson

En 1846, Five Points, un barrio pobre de Nueva York, es el escenario de una guerra de bandas entre emigrantes irlandeses, los “Conejos Muertos”, liderados por el Padre Vallon, y los “Nativos Americanos”, dirigidos por el sanguinario Bill “El Carnicero”. Este último derrota rápidamente a los “Conejos Muertos” al asesinar a su jefe, y aprovecha la ocasión para hacerse con el control exclusivo de las calles de la Gran Manzana. Con el fin de aumentar su poder, Bill se alía con el Jefe Tweed, un político influyente. Dieciséis años más tarde, la banda de los “Nativos Americanos” aún domina Nueva York. Convertido en un adulto, Amsterdam Vallon desea vengar la muerte de su padre eliminando a Bill. Pero su encuentro con Jenny Everdeane, una enigmática carterista, cuya independencia y belleza fascinan a Amsterdam, va a complicar las cosas.

En “Gangs of New York”, Scorsese utiliza el clásico tema de la venganza para retrotraernos a la Gran Manzana de la segunda mitad del siglo XIX, intentando dotar al relato de un sentido épico similar al ofertado por el maestro italiano Sergio Leone, y apuntalando los cimientos de la génesis de una metrópoli y un país contruido en base a un heterogéneo encuentro y conflicto, marcado por una difícil emulsión sociocultural con la violencia y la xenofobia en primer término. El extraordinario estilo visual del director italoamericano, y el soberbio trabajo en la dirección artística no pueden empañar algunos puntos que hacen flaquear este título cinematográfico, como la falta de eficacia rítmica en muchos de sus pasajes, derivada a buen seguro de la problemática en su larga gestación, la inclusión de un aspecto amoroso sin verdadera valía sentimental, la necesidad de un mayor ahondamiento y desarrollo en los caracteres, y un superior énfasis emocional en toda la película (argumento y personajes), que elevará al conjunto más allá de su interesante pero vacua perspectiva histórica.

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EL AVIADOR (2004)
Reparto principal | Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, John C. Reilly, Kate Beckinsale

Tras quedar huérfano en 1924 con 19 años, un Howard Hughes apasionado del cine y de la aviación decide marcharse a Hollywood para invertir la herencia de su padre en las películas y tratar de vivir el sueño americano. Una vez allí, participa en varias cintas de éxito como productor, catapulta a actrices como Jean Harlow y logra amasar una gran fortuna que le abre las puertas de la crónica social de las décadas de los treinta y cuarenta.

El film describe minuciosamente su romance con la mítica Katharine Hepburn, una actriz de fuerte personalidad, y también su aventura en la potente compañía aérea TWA. Como empresario aeronáutico, Hughes prueba sus prototipos de sofisticados aparatos, y realiza un fuerte desembolso para llevar a buen puerto la construcción del Hércules, un aparato. Pero Hughes se estrella con uno de sus aviones, y también empieza a sufrir una enfermedad degenerativa, que le lleva a convertirse en un fanático de la higiene y a recluirse sin apenas contacto con el exterior.

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INFILTRADOS (2006)
Reparto principal | Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg

Al sur de Boston la policía estatal lleva años luchando contra el crimen organizado. Billy Costigan, un policía novato que ha crecido rodeado de crímenes, será el topo perfecto para infiltrarse en la mafia; no sólo ha sido entrenado para ello sino que ha permanecido en la cárcel un tiempo para aumentar su credibilidad. Su misión es ganarse la confianza del capo principal, Frank Costello, y ayudar a la policía a desarticular el grupo mafioso. Pero las cosas no serán tan fáciles. Colin Sullivan, un policía que cuenta con un puesto importante en la Unidad Especial de Investigación, se interpondrá en su camino. Aunque parece el perfecto oficial, ha sido entrenado por Costello para infiltrarse dentro de la policía del estado de Massachusetts...

Filme de Martin Scorsese basado en un thriller policíaco de Hong Kong llamado "Infernal Affairs", que fue un éxito en Asia. "Infiltrados" cuenta con un reparto de lujo y un gran guión, además de una historia trepidante, tres ingredientes que hicieron que la cinta fuera candidata a cinco premios Oscar, consiguiera cuatro de ellos y que en total obtuviera 49 premios. Después de estar a punto de conseguir el galardón de la academia estadounidense en seis ocasiones, Scorsese lo logró con esta película, a pesar de no ser la mejor de su carrera. El cineasta quiso homenajear a directores del cine negro como Robert Aldrich y Samuel Fuller. Por otro lado, la no nominación de DiCaprio fue una sorpresa ya que sí optó al Globo de Oro.

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ROLLING STONES: SHINE A LIGHT (2008)
Documental

Un acercamiento riguroso, deslumbrante, divertido y profundamente humano a los cuatro miembros de los Rolling Stones, a lo largo de su pasado y su más enérgico presente. Con el nombre de "Shine a Light", una canción de los Rolling Stones publicada en el álbum "Exile on Main Street" de 1972, se estrenó este documental que lleva el sello de un Martin Scorsese, que aún tenía fresco el Oscar ganado por "Infiltrados".

El director filmó a la banda del 29 de octubre y 1 de noviembre de 2006 en el Beacon Theatre de Nueva York. El metraje incluye también imágenes y declaraciones antiguas, además de los dos conciertos tocados en el mencionado teatro de la ciudad de los rascacielos, precedidos por una breve introducción que muestra los preparativos de los espectáculos. curiosidad, sabiendo que Scorsese acostumbra a utilizar música de este mítico grupo británico en sus bandas sonoras, Mike Jagger bromeó diciendo que seguramente la que nos ocupa seria la única de la filmografía del cineasta que no incluiría la tonada "Gimme Shelter".

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SHUTTER ISLAND (2010)
Reparto principal | Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Max von Sydow

En 1954 el agente Teddy Daniels y su compañero Check Aule son enviados a la isla de Shutter Island a investigar en un hospital psiquiátrico donde están internados peligrosos criminales. Una de las pacientes, Rachel Solando, ha desaparecido misteriosamente. ¿Cómo pudo salir de una celda cerrada desde el exterior? El único indicio encontrado en la habitación es un trozo de papel en el que se pueden leer una serie de cifras y letras sin significado aparente. Los agentes tendrán que desentrañar si se trata de una obra incoherente de una enferma mental o de un criptograma que guarda un mensaje oculto.

Con más de 200 millones de euros recaudados en todo el mundo, esta producción de holgado presupuesto supuso uno de los mayores éxitos en taquilla en la carrera del Martin Scorsese. Para lograrlo, el oscarizado cineasta volvió a confiar en uno de sus actores fetiche, un consolidadísimo Leonardo DiCaprio que firmó con esta su cuarta colaboración con el director, tras éxitos como "Infiltrados" o "El aviador". La película se basa en la novela homónima de Dennis Lehane, autor que ya ha dado grandes alegrías al celuloide como "Mystic River". Scorsese incluye elementos del cine negro y el género de terror, haciendo homenaje a Alfred Hitchcock, a las películas de zombis de serie B e incluso a clásicos como "El gabinete del doctor Caligari" o "El proceso". Todo ello para confeccionar un efectivo thriller psicológico que emana una extraña y a la vez hipnótica sensación de angustia.

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UNA CARTA A ELIA (2010)
Documental

Un documental que muestra la vida y carrera del director Elia Kazan y como influenció a Scorsese. El film está hecho con clips de películas, imágenes fijas, lecturas de la autobiografía de Kazan, un discurso que escribió sobre la dirección leído por Elias Koteas, una entrevista grabada en video hecha al final de la vida de Kazán y el comentario de Scorsese dentro y fuera de pantalla.

No es en absoluto un documental biográfico convencional, “Una carta a Elia” de Martin Scorsese y Kent Jones es más bien una exploración intensamente personal y profunda de la esencia de un gran cineasta por parte de otro. Profundamente analítica en su apreciación de cómo Elia Kazan logró tal poder dramático en su mejor trabajo, la pieza de una hora de duración alcanza conmovedoramente un estatus especial en la forma en que Scorsese aprovecha la ocasión para ofrecer una penetrante porción de autobiografía emocional, en la que un hombre revela mucho sobre sí mismo a través de su afinidad por el cine de otro hombre.

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PUBLIC SPEAKING (2010)
Documental

Documental sobre Fran Lebowitz, escritora norteamericana conocida por su visión única de la vida moderna en Nueva York y por llevar más de 30 años sin lograr terminar un libro, haciendo que su propio bloqueo creativo sea parte de su fama. El film mezcla monólogos extemporáneos con material de archivo, y el efecto es un retrato de las experiencias y visión del mundo de Lebowitz.

En un panorama cultural repleto de interminables expertos y cabezas parlantes, Fran Lebowitz destaca como una de las comentaristas sociales más perspicaces de la actualidad. En sus ensayos, entrevistas y apariciones en directo, siempre es endiabladamente entretenida y opina sin reparos. Sus ensayos y entrevistas ofrecen sus puntos de vista mordaces sobre los acontecimientos actuales y los medios de comunicación, así como sobre las cosas que le molestan, incluidos los turistas, las áreas de recogida de equipaje, las lociones para después del afeitado, los adultos que patinan, los niños que hablan francés o cualquier persona que esté excesivamente bronceada. El New York Times Book Review llama a Lebowitz un "humorista importante en la tradición clásica". Proveedor de estilo urbano, Lebowitz es un satírico cultural a quien muchos llaman el heredero de Dorothy Parker.

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GEORGE HARRISON: Living in the Material World (2011)
Documental

El documental sigue la historia del músico George Harrison desde su juventud en Liverpool, el fenómeno de la beatlemanía, sus viajes a la India, la influencia de la cultura hindú en su música y su importancia como miembro de The Beatles. Está hecho con imágenes nuevas nunca antes publicadas, entrevistas a su mujer (Olivia), su hijo (Dhani), sus amigos y otras personalidades relevantes.

Tras la muerte de Harrison en 2001, varias compañías de producción contactaron con Olivia para evaluar la posibilidad de producir una película sobre la vida de su esposo. Ella declinó todas las ofertas porque el deseo de él había sido contar su historia a través de un archivo de video. Al conocer el proyecto de Martin Scorsese, lo aprobó y se unió a él como productora.

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LA INVENCIÓN DE HUGO (2011)
Reparto principal | Asa Butterfield, Ben Kingsley, Christopher Lee, Jude Law

Cuenta la historia de Hugo Cabret, un niño huérfano que vive oculto en la estación de tren de París, en el año 1930. Hijo de un relojero, y habiendo heredado su habilidad con la precisión para las máquinas, intentará reconstruir un autómata que dejó incompleto su progenitor. Lo hará acompañado de una excéntrica niña, Isabelle y de un viejo juguetero, que no es otro que George Méliès. A partir del momento que se encuentren, se internarán juntos en un mundo inesperado repleto de fantasías en el que cada uno encontrará sus propias respuestas a los enigmas tanto terrenales como de su imaginación. En la era de los inventos, de las máquinas y de la ciencia ficción, todo es posible, incluso que los sueños se hagan realidad en medio de la realidad más miserable.

Toda la experiencia acumulada por el cineasta Martin Scorsese y un presupuesto colosal de 130 millones de euros sirvieron a la Paramount para crear una de las cintas más aclamadas de 2011. Scorsese abandona sus filmes de temática adulta para adentrarse en el terreno del cine familiar. Y lo hace con una apuesta deslumbrante que supone la primera incursión del realizador en la tecnología 3D. Lejos de la anécdota, el uso de este formato luce excepcionalmente bien y fue definido por el mismo James Cameron cómo el mejor que había visto hasta esa fecha. De hecho, la excelente utilización de la tecnología sirvió para que el proyecto ganase cinco premios Óscar técnicos de los once a los que aspiraba. "La invención de Hugo", adaptación de un libro infantil de Brian Selznick, es también un sincero homenaje al cine, pues los espectadores encontraran guiños a Lumière, Chaplin y, especialmente, a Georges Méliès.

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EL LOBO DE WALL STREET (2013)
Reparto principal | Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Matthew McConaughey

Jordan Belfort es muy joven, apenas tiene 24 años, pero también es muy ambicioso. Su afán por hacer dinero le lleva a convertirse en un bróker destacado de Wall Street y directivo de la empresa de inversiones bursátiles Stratton Oakmont, dispuesto a todo para enriquecerse. Corren los años 90 y en el parqué de Nueva York casi todo vale. A costa de traficar con bonos basura y de estafar a numerosos inversores, Belfort se convierte pronto en una máquina de hacer dinero, y también de gastarlo. En un día podrá engordar sus cuentas con millones de dólares y gastarlos por la noche a la misma velocidad. El juego sucio que lleva en la bolsa lo aplica también en su vida extra profesional. Drogas, prostitutas, caprichos de lujo elevadamente caros… Todo vale en la vida de excesos de este personaje, el lobo de Wall Street, que está inspirado en una vida real, de carne y hueso.

En 2007, Leonardo DiCaprio ganó a Brad Pitt una guerra por los derechos de la biografía del corredor de bolsa Jordan Belfort, y se lo ofreció a su director favorito, un Martin Scorsese. El resultado fue esta comedia negra basada en hechos reales, llena de lujuria y con un guión firmado por Terence Winter, aunque Scorsese animó a sus actores a improvisar sus diálogos y acciones. De hecho, estos tres mencionados apartados (película, director y guion) optaron a los Oscars, al igual que las estatuillas también premiaron con una nominación el gran trabajo interpretativo de Leonardo DiCaprio y Jonah Hill. Una curiosidad, el actor de "Titanic" perdió su Oscar frente a un Matthew McConaughey, que realiza uno de los 'cameos' más destacados de la cinta.

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50 AÑOS DE REBELDÍA (2014)
Documental

El documental de 97 minutos es un "viaje a través de la historia de la NYRB " (The New York Review of Books). Scorsese y Tedeschi "profundizan en los cincuenta años de historia de la revista, desde su surgimiento durante las huelgas de escritores y el Movimiento por los Derechos Civiles de la década de 1960 hasta los levantamientos de la Primavera Árabe en Egipto, Libia y Siria... Su objetivo es ofrecer no sólo una visión general del medio siglo de historia de la Review, sino también tratar de resaltar algunos de los acontecimientos de interés periodístico que la revista ha cubierto en profundidad desde su concepción... Son los monumentales choques de intelecto los que realmente captura la imaginación. El título de la película "es una referencia a cómo la... publicación ha expuesto con tanta frecuencia historias menos reportadas y ha planteado desafíos a la corriente principal durante su época".

Para ayudar a celebrar y conmemorar el 50 aniversario de The New York Review of Books en 1963, el coeditor Robert Silvers se acercó a Scorsese, conocido como un ávido lector de la Review, con la idea de hacer un documental sobre el periódico. Scorsese dijo: "He aprendido tanto a lo largo de los años gracias a The New York Review of Books; me ha dado tanto que aproveché la oportunidad de hacer esta película... una película sobre la aventura del pensamiento y la sensualidad de las ideas." El documental tardó 18 meses en producirse.

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SILENCIO (2016)
Reparto principal | Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Tadanobu Asano

Segunda mitad del siglo XVII. Sebastião Rodrigues y Francisco Garrpe son dos sacerdotes jesuitas portugueses que se ven obligados a emprender un viaje hasta Japón para encontrar a su mentor, Cristóvão Ferreira. Según se rumorea, Ferreira ha renunciado a su fe de forma pública, tras haber sido perseguido y torturado. En busca de este misionero, los dos sacerdotes vivirán el suplicio y la violencia con que los japoneses reciben a los cristianos. Y es que, en el país nipón la práctica del catolicismo no está permitida, por lo que aquellos que practican esta creencia deben hacerlo en la clandestinidad. Los misioneros jesuitas serán testigos de la violenta persecución a la que son sometidos los cristianos japoneses, que están sometidos a un régimen dictatorial que busca eliminar cualquier influencia occidental en el país.

La película es una adaptación de la novela de Shusaku Endo basada en hechos reales y está dirigida por el multipremiado y reconocido Martin Scorsese. Este es el tercer proyecto del cineasta neoyorquino basado en historias religiosas. Las otras dos son "La última tentación de Cristo" (1988) y "Kundun" (1997). Nominada al Oscar a la mejor fotografía, el filme está protagonizado por Andrew Garfield, Adam Driver y Liam Neeson y se sitúa en la época de los 'kakure kirishitan' (cristianos ocultos), cuando el poder estaba en manos de los señores feudales y los samuráis, ambos decididos a erradicar la religión cristiana. Garfield y Driver encarnan a Rodrigues y Garupe, dos jesuitas que experimentan en sus propias carnes el sufrimiento de aquellos dispuestos a darlo todo por Dios, al mismo tiempo que dudan si salvar la vida a sus feligreses a costa de perder su propia alma.

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ROLLING THUNDER REVUE: A BOB DYLAN STORY (2019)
Documental

A medida que se acerca el bicentenario del país, y con el espíritu de Estados Unidos particularmente sombrío después de la brusca salida del país de Vietnam y el escándalo Watergate, Dylan decide reunir a un grupo de amigos de las cafeterías de Greenwich Village y emprender un viaje de aventuras. gira por Nueva Inglaterra y partes de Canadá. Apodada "Rolling Thunder Revue", la gira está documentada por el cineasta europeo (ficticio) Stefan Van Dorp, que busca exponer la actitud hedonista de la gente que rodea a Dylan y yuxtaponerla al estado de ánimo nihilista de la clase media estadounidense.

El proyecto vino del manager de Dylan, Jeff Rosen, quien se acercó a Scorsese con algunas de las imágenes de la gira poco después de terminar No Direction Home. El director aceptó inmediatamente hacerlo, pero estaba ocupado con otras películas en ese momento. La mayor parte del trabajo lo realizó mientras terminaba Silencio. Una vez más, Rosen se hizo cargo de las entrevistas y se las concedió a Scorsese.

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EL IRLANDÉS (2019)
Reparto principal | Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel

Saga épica sobre el crimen organizado en Estados Unidos durante la época de la post-guerra, vista a través de los ojos del veterano de la Segunda Guerra Mundial, Frank Sheeran, un buscavidas y asesino a sueldo que trabajó junto a algunas de las figuras más notables del siglo XX. A través de varias décadas, la película relata uno de los grandes misterios sin resolver de la historia americana, la desaparición del legendario Presidente del Sindicato, Jimmy Hoffa, y ofrece un viaje a través de los entresijos del crimen organizado: su funcionamiento interno, rivalidades y conexiones con las principales corrientes políticas.

La historia del gangsterismo alrededor del IBT, el sindicato de transportes más importante en Estados Unidos, contada desde el punto de vista de Frank Sheeran con amplio lienzo. Este personaje de origen irlandés, reconoció poco antes de morir en 2003 a Charles Brandt –autor del libro “Heard You Paint Houses”, en que se basa la película– haber asesinado al misteriosamente desaparecido desde 1975 Jimmy Hoffa, presidente del IBT. Martin Scorsese demuestra encontrarse en plena forma creativa, y se nos presenta como auténtico “superhéroe” del cine de personajes y tramas de entidad, dotado de unos “poderes” en la línea de sus dos mejores películas gangsteriles, Uno de los nuestros (1990) y Casino (1995), pero quizá más sabio por más experimentado, los años cuentan. Su film, producido por Netflix, pero con otros pesos pesados como el propio Robert De Niro y el veterano Irwin Winkler, conocerá un estreno limitado en salas de cine, concesión a los cinéfilos y al propio director, pero, los tiempos mandan, su difusión masiva toca en la plataforma de streaming.

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UNA NOCHE CON DAVID JOHANSEN (2022)
Documental

Un vistazo íntimo a la vida de David Johansen, desde su infancia en Staten Island y su adolescencia en el East Village de Nueva York a finales de los 60. El documental no solo explora los años de Johansen como cantante de los New York Dolls, sino también su revival del swing en los 80 con su alter ego Buster Poindexter, y su etapa en los 90 con los Harry Smiths. David Johansen, icono de la escena neoyorquina de rock y punk en los setenta al frente de los New York Dolls, personifica la vitalidad y la revolución en el movimiento musical de la época. A los 72 años, el cantante, ahora bajo el alias de Buster Poindexter, ha experimentado diversas etapas y reinvenciones, que se reflejan en su nueva residencia en un club local, donde interpreta su catálogo de manera íntima, fusionando swing y rock.

Dirigido por Martin Scorsese y David Tedeschi, y producido por Ron Howard y Brian Grazer, "Una noche con David Johansen" es un retrato único de este icono del punk, el famoso cantante y fundador de los New York Dolls en los años 70. Enmarcado en una actuación íntima grabada en enero de 2020 en el histórico Café Carlyle de Nueva York, este documental revela, a través de entrevistas inéditas e imágenes de archivo, la enorme influencia de Johansen el mundo de la música y la evolución cultural de la ciudad de Nueva York. El documental profundiza en la existencia del alter ego, buscando indagar en la famosa crisis de personalidad que Johansen canta en su hit más famoso con los Dolls.

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LOS ASESINOS DE LA LUNA (2023)
Reparto principal | Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Jesse Plemons, Lily Gladstone

A comienzos del siglo XX, la Nación Osage de Oklahoma se coloca entre las personas más ricas del mundo de la noche a la mañana gracias al descubrimiento del petróleo. Su repentina riqueza atrae al instante a las otras personas más ricas del planeta, gente blanca. Su llegada supone una ola de manipulación, extorsión y robo a la gente de la Nación Osage para poder hacerse con su dinero, hasta que finalmente se producen unos misteriosos asesinatos en la zona que despiertan todas las alarmas. El brutal suceso lleva allí al FBI dirigido por J. Edgar Hoover, mientras de manera paralela se produce un improbable romance se produce entre un veterano de guerra, Ernest Burkhart y Mollie Kyle, una de las nativas de la tribu de Oklahoma.

Los asesinos de la luna es una profunda disquisición sobre la maldad del hombre, impulsada por el afán desmedido de la codicia. La crudeza con la que exime Scorsese estos asesinatos que estuvieron envueltos en un halo de misterio hasta que el recién inaugurado FBI quiso intervenir, es algo desolador de ver y llega a ser difícil no salir compungido de la sala de cine. Es sin duda la película más descarnada de la carrera de Scorsese, que consigue articular cinematográficamente un retrato histórico sobre la codicia y la maldad, aproximándose a ello primordialmente desde esa confianza que se ve corrompida por ello.

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Premios y nominaciones

Premios Oscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1981	Mejor director	Toro salvaje	Candidato
1989	Mejor director	La última tentación de Cristo	Candidato
1991	Mejor director	Uno de los nuestros	Candidato
1991	Mejor guión adaptado	Uno de los nuestros	Candidato
1994	Mejor guión adaptado	edad de la inocencia	Candidato
2003	Mejor director	Gangs en Nueva York	Candidato
2005	Mejor director	El aviador	Candidato
2007	Mejor director	IInfiltrados	Ganador
2012	Mejor película	La invención de Hugo	Candidato
2012	Mejor director	La invención de Hugo	Candidato

Premios Globo de Oro

Año	Categoría	Película	Resultado
1981	Mejor director	Toro salvaje	Candidato
1991	Mejor director	Uno de los nuestros	Candidato
1991	Mejor guión	Uno de los nuestros	Candidato
1994	Mejor director	La edad de la inocencia	Candidato
1996	Mejor director	Casino	Candidato
2003	Mejor director	Gangs de Nueva York	Ganador
2005	Mejor director	El aviador	Candidato
2007	Mejor director	Infiltrados	Ganador
2010	Premio Cecil B. DeMille		Ganador
2012	Mejor director	La invención de Hugo	Ganador

Premios BAFTA

Año	Categoría	Película	Resultado
1976	Mejor director	Alicia ya no vive aquí	Candidato
1977	Mejor director	Taxi Driver	Candidato
1984	Mejor director	El rey de la comedia	Candidato
1991	Mejor película	Uno de los nuestros	Ganador
	Mejor director	Uno de los nuestros	Ganador
	Mejor guión adaptado	Uno de los nuestros	Ganador
2003	Mejor director	Gangs en Nueva York	Candidato
2005	Mejor director	El aviador	Candidato
2007	Mejor director	Infiltrados	Candidato
2012	BAFTA honorífico		Ganador
	Mejor director	La invención de Hugo	Candidato
	Mejor documental	George Harrison: Living in the Material World	Candidato

Festival de Cine de Berlín

Año	Categoría	Película	Resultado
1992	Oso de oro	El cabo del miedo	Candidato

Festival de Cine de Cannes

Año	Categoría	Película	Resultado
1975	Palma de Oro	Alicia ya no vive aquí	Candidato
1976	Palma de Oro	Taxi Driver	Ganador
1983	Palma de Oro	El rey de la comedia	Candidato
1986	Palma de Oro	¡Qué noche!	Candidato
1986	Mejor director	¡Qué noche!	Ganador

Festival de Cine de Venecia

Año	Categoría	Película	Resultado
1990	Mejor director	Uno de los nuestros	Ganador
1995	León de Oro por la carrera		Ganador

Premios César

Año	Categoría	Película	Resultado
1987	Mejor película extranjera	Jo, que noche	Candidato
1991	Mejor película extranjera	Uno de los nuestros	Candidato
2000	César de honor		Ganador
2004	Mejor película extranjera	Gangs de Nueva York	Candidato

Premios Emmy

Año	Categoría	Película	Resultado
1995	Mejor programa cultural	Eric Clapton: Nothing But the Blues: En 'In the Spotlight Special'	Candidato
2004	Mejor miniserie, película o especial multicámara	AFI Life Achievement Award: En Tribute te lo Robert De Niro	Candidato
2004	Mejor serie de no ficción	The Soul of a Man	Candidato
2006	Mejor director en programa de no ficción	American Masters: No Direction Home: Bob Dylan Episodio "A Letter To Elia/Reflecting On Kazan"	Candidato
2006	Mejor serie de no ficción	American Masters	Candidato
2011	Mejor director en serie dramática	Boardwalk Empire Episodio piloto	Ganador
	Mejor director en programa de no ficción	American Masters: A Letter to Elia Episodio "A Letter To Elia/Reflecting On Kazan"	Candidato
	Mejor seria dramática	Boardwalk Empire	Candidato

Premios Grammy

Año	Categoría	Película	Resultado
2005	Mejor vídeo de largo formato	The Blues	Candidato
2006	Mejor vídeo de largo formato	American Masters: No Direction Home: Bob Dylan	Ganador

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Los criminales y Martin Scorsese:
Análisis de la filmografía de genero criminal del director

Abel Rodríguez Gago

Scorsese y el género criminal son dos elementos íntimamente relacionados por la especial querencia y habilidad narrativa del director con el género. Esta relación es estudiada en este trabajo académico con el objetivo principal de establecer el estilema del autor en las películas de su filmografía que se corresponden con el género criminal. Los títulos seleccionados para el análisis son cinco, Malas Calles (1973), Uno de los Nuestros (1990), Casino (1995), Gangs of New York (2002) e Infiltrados (2006), siendo indispensable para su inclusión en dicho análisis una temática principal centrada en el crimen organizado. El análisis se centra en cuatro categorías, Estructura Narrativa, Personajes, Estética y Sonido. Como objetivo secundario el trabajo busca conocer los orígenes del género y su evolución histórica mediante la investigación bibliográfica y en línea sobre el cine criminal, así como las fuentes de inspiración y las motivaciones del director para la realización de las cinco películas que integran el análisis.

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Evolución y análisis del product placement
del cine de género mafioso y criminal
dentro de la filmografía de Martin Scorsese

Javier Bartolomé Olmos

El trabajo pretende dar a conocer una herramienta de comunicación publicitaria que resulta desconocida para la gran mayoría de los espectadores, el product placement. Trata de analizar esta técnica en su aplicación en la filmografía de Martin Scorsese, más concretamente en su obra de género criminal. Se ha elegido este tema para intentar acercar el concepto al público, así como para observar y analizar la evolución y el uso de esta técnica aplicada en este género cinematográfico del director. Para ello, se ha realizado una contextualización de las nociones más básicas. En primer lugar, se ha explicado el concepto y sus orígenes, los tipos y sus características, para después pasar al estudio de este género y de la figura de Martin Scorsese y todo lo que engloba. Después, se ha diseñado una metodología de investigación, concebida para el análisis de cinco películas, con la que a través de una plantilla que contiene diecisiete variables se obtienen los datos sobre todos los emplazamientos que se han producido. Tras realizar el análisis, se registran los datos obtenidos de cada película de manera individual. Por último, se hace una valoración general en la que se puede concluir que el product placement está muy presente dentro de su filmografía de una manera llamativa y eficaz.

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