Lluis
Alan Parker
Autor de clásicos como El expreso de medianoche, Evita o Fama
Director y guionista de cine, nacido en Londres (Reino Unido), el 14 de febrero de 1944. Se inició en el campo de la publicidad, rodando spots para la cadena de televisión BBC entre los años 1968 y 1978 y, a partir de 1969, comenzó a escribir guiones para el cine y a realizar sus propios trabajos; hizo Melody (1969), No hard feelings (1972), Our cissy (1973), Footsteps (1973) The Evacuees (1974), una serie que se adjudicó el premio Emmy de televisión. Esta etapa constituyó su auténtica escuela de aprendizaje, que le ha servido, como a otros directores coetáneos (Ridley Scott y Hugh Hudson), para imprimir a sus filmes un ritmo muy rápido, el televisivo. Su primera película fue Bugsi Malone (1976), un musical satírico protagonizado por niños, que consiguió varios premios de la Academia Británica; pero ante las escasas posibilidades de trabajo que se presentaban en el Reino Unido, decidió marcharse a Norteamérica, firmó con la compañía Columbia y realizó El expreso de medianoche (1979), que se adjudicó dos estatuillas de la Academia. Después vinieron Fama (1980), El Muro (1980), junto al grupo Pink Floyd, Después del amor (1981), Birdy (1985), El corazón del ángel (1987), Arde Mississippi (1988), que ganó el Oscar a la mejor cinematografía, Come see the Paradise (1989) y The Commitments (1991) que, al igual que Fama, en un principio estaba pensada para ser una serie de televisión. Autor de títulos como Bienvenidos al paraíso o Las cenizas de Ángela, en 2003 estrenó La vida de David Gale, una dura crítica a la pena capital, vigente en el sistema penal estadounidense. Una de las facetas más desconocidas de Alan Parker es su afición a escribir; de hecho, ha publicado varios libros, y muchas de sus películas están basadas en obras suyas.
Las películas dirigidas por Alan Parker
La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella
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BUGSY MALONE (1976)
Fue nominada a ocho premios de la Academia Británica de cine, de los cuales recibió cinco
Reparto principal | Scott Baio, Florence Garland, Jodie Foster, John Cassisi
Bugsy Malone es un niño neoyorquino dispuesto a llegar a ser algún día un gran capo de la mafia. Es un momento en que las bandas rivales han dejado de utilizar las pistolas y las balas, siendo sustituidas éstas por dulces. Por este motivo, cuando Bugsy se entera que un grupo rival ha inventado una arma secreta capaz de lanzar dulces a toda velocidad, él se dispone a robar una lanzadora de tartas.
Alan Parker escogió para hacer su debut en la dirección cinematográfica esta comedia musical enteramente interpretada por niños. La intención de Parker al dirigir una película donde las pistolas no disparan balas sino nata, era hacer un homenaje en clave de humor al cine negro clásico. Y la verdad es que la cinta gustó en su momento, revalorizándose aún más con el paso de los años.
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EL EXPRESO DE MEDIANOCHE (1978)
Obtuvo dos Oscar, de las 6 nominaciones, y seis Globos de Oro
Reparto principal | Brad Davis, Irene Miracle, Paul L. Smith, Bo Hopkins
Un ciudadano estadounidense, Billy Hayes, es detenido en el aeropuerto cuando se dispone a salir de Turquía con una importante cantidad de droga. En un juicio sin las debidas garantías procesales, Hayes recibe una sentencia ejemplar: treinta años de condena. Los esfuerzos de la diplomacia de su país por librarle de la prisión son baldíos y Billy tiene que cumplir su pena. Comienza de este modo un largo calvario, en el que Hayes debe sobrevivir a las inhumanas condiciones de reclusión que presenta el régimen penitenciario otomano de la época, las cuales le llevan a experimentar un proceso de animalización y distanciamiento de la realidad. En ese mundo hobbesiano, Billy comprende que no le queda más solución que la fuga si pretende sobrevivir. Esa aparentemente remota posibilidad se presenta como una esperanza cuando menos probable parece.
Alan Parker consiguió con "El expreso de medianoche" su mayor éxito comercial. Partiendo del relato verídico del joven Billy Hayes, Oliver Stone planteó un guion en el que se plasmaban muchos de los miedos que la sociedad estadounidense tiene del mundo exterior. En reconocimiento a su labor, la academia de su país otorgó al filme dos premios Oscar (mejor guion adaptado y banda sonora) y lo nominó a cuatro más. A pesar de que la cinta está basada en un hecho real, el propio Billy Hayes confirmó que lo que se presenta en la cinta es una versión muy exagerada de lo que le pasó en Estambul. De hecho, el mismo gobierno turco se quejó de la imagen que el largometraje daba de su país.
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FAMA (1980)
Consiguió dos Oscar y seis Globos de Oro. Dio lugar a una serie TV de gran éxito
Reparto principal | Eddie Barth, Irene Cara, Lee Curreri, Laura Dean
En la Escuela Superior de Artes de Nueva York muchos jóvenes trabajan sin descanso. Todos ellos desean aprender a bailar y a cantar, aún sabiendo que se trata de una profesión muy dura y exigente. Sin embargo, los jóvenes aspirantes están convencidos de que al final del camino valdrá la pena el esfuerzo realizado. En la prestigiosa escuela se dan cita, entre otros, Coco Hernández, la tímida Doris o el visceral bailarín de origen hispano Raúl García. Unos lo conseguirán, pero otros tendrán que admitir a su pesar, que la ansiada fama nunca les llegará.
Tras el gran éxito de "El expreso de medianoche", Alan Parker volvió a dar en el blanco con este filme que contribuyó a reflotar un género que parecía moribundo: el musical. Aunque la película presentaba varias subtramas, el director prefirió centrar su atención en los números musicales antes que en desarrollar los personajes. Quizás como desaprobación a este sensacionalismo, los responsables de la escuela superior de Arte Dramático de Nueva York le prohibieron que filmase en sus instalaciones. Aún así, la cinta fue candidata a seis Oscars y ganó los destinados a mejor canción y banda sonora.
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DESPUÉS DEL AMOR (1981)
Le resultó difícil porque le evocaba la ruptura de su propio matrimonio
Reparto principal | Albert Finney, Diane Keaton, Karen Allen, Peter Weller
Un escritor de éxito llamado George Dunlap vive en una bonita casa junto a su esposa Faith y sus cuatro hijos. Aunque después de 15 años de matrimonio su vida parece perfecta, la realidad es que la relación ha caído en la monotonía. A pesar de permanecer juntos, los dos inician relaciones sentimentales con otras personas. Sin embargo, no se plantean divorciarse porque hay algo que les mantiene unidos.
Después de resucitar el género musical con el exitoso film “Fama”, el realizador británico Alan Parker dirigió este drama romántico que narra la historia de un matrimonio en crisis. Parker contó con una pareja protagonista de lujo: Diane Keaton y Albert Finney, ambos intérpretes estuvieron a punto de obtener un Globo de Oro por su magnífico intervención en esta cinta.
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PINK FLOYD: EL MURO (1982)
A Alan Parker, el aspecto visual de la película le interesó mucho más que el mensaje
Reparto principal | Bob Geldof, Christine Hargreaves, Eleanor David, Alex McAvoy
Pink, una estrella del rock inglés, se encuentra encerrado en la habitación de un hotel de Los Ángeles, en los momentos previos a un recital. Aquí empieza a pasar revista a su vida: los recuerdos traumáticos de la infancia, las crisis de amor, el sexo, el éxito y la droga como único medio para romper el muro que él mismo ha creado. Una vorágine imaginativa y terrorífica.
La película se podría definir como la biografía musical de Roger Waters, líder del grupo Pink Floyd y guionista del filme; o también podría leerse como la filmación del álbum "The Wall", su disco más vendido. Sea como sea, se trata de una película de culto para los fans del grupo y representativa de toda una generación. Está llena de simbolismos (la mayoría relacionados con la época nazi) y es una indagación sobre la libertad del hombre. Todo ello se explica de una manera onírica y casi surrealista con la ayuda de unas impresionantes escenas de animación llevadas a término por el caricaturista político Gerald Scarfe.
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BIRDY (1984)
Recibió el premio especial del Festival de Cannes
Reparto principal | Matthew Modine, Nicolas Cage, Karen Young, Bruno Kirby
"Birdy", un adolescente de Philadelphia, siente ta pasión por los pájaros que siente un deseo irresistible de aprender a volar, y un interés que le llevará incluso a apartarse del mundo y a hacer diversos experimentos, algunos de los cuales pondrán en peligro su vida. Al, su mejor amigo, es el prototipo de joven sano y normal. Los dos intervienen en la guerra del Vietnam, de la que "Birdy" vuelve convencido de que es un pájaro.
Basada en la trascendente novela homónima de William Wharton, trata temas como la amistad, la guerra y, por supuesto, los pájaros. La cinta funciona a pleno rendimiento como una historia de crecimiento, pero pierde algunos pasajes memorables del libro, como uno en el que el protagonista se imagina en el mundo de canarios que ha creado en su habitación infantil. Excelente interpretación de Matthew Modine en el papel de un joven inadaptado, atrapado en su propio microuniverso.
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CORAZÓN DE ÁNGEL (1987)
Fue clasificada como película X inicialmente en EE. UU., que obligó a recortar algunas escenas
Reparto principal | Mickey Rourke, Robert De Niro, Lisa Bonet, Charlotte Rampling
En 1955, Harry Angel, un detective privado de aspecto descuidado que no atraviesa su mejor momento, es contratado por Louis Cyphre, un elegante y sombrío caballero que desea localizar a un músico desaparecido, Johnny Favorite. El verdadero nombre de Favorite es John Liebling. Se trata de un veterano de la Segunda Guerra Mundial, que, tras caer herido en combate, sufrió importantes daños neurológicos. Cyphre explica que Liebling no ha cumplido un importante contrato con él y quiere encontrarlo para que salde su deuda. A lo largo de la investigación, que conduce a Harry a los rincones más siniestros de Nueva Orleans, un cruel asesino parece seguir los pasos del detective, ya que todas las personas a las que pregunta por Favorite son encontradas tiempo después muertas, víctimas de atroces rituales. Harry se adentra en un mundo tenebroso, dominado por el vudú y la magia negra.
Un inquietante y estilizado cruce entre el thriller y el terror gótico, basado en una espléndida novela de William Hjortsberg. Desgraciadamente, el guión de Alan Parker no supo extraer todo el partido del libro y el filme se resintió también de la discutible elección de su actor protagonista. En su estreno estadounidense, además, la cinta debió censurar varios segundos de una tórrida escena erótica para evitar la temida clasificación moral X, que impide a los menores el acceso a las salas. Precisamente por culpa de esta escena, se rumoreó que la actriz Lisa Bonet -hasta entonces hija televisiva de Bill Cosby en su popularísimo 'show'- fue despedida de la serie.
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ARDE MISSISSIPPI (1988)
Oscar a la mejor fotografía y tres premios de la academia de cine británica
Reparto principal | Gene Hackman, Willem Dafoe, Frances McDormand, Brad Dourif
La acción nos sitúa en el sur de los Estados Unidos, en 1964. Una época de convulsiones sociales y conflictos raciales en la Norteamérica más profunda. El terror ha renacido en los márgenes del Mississippi de la mano del Ku Klux Klan. Dos hombres blancos y uno negro, defensores de los derechos civiles de la población negra, han desaparecido misteriosamente. Dos agentes del F.B.I. con unas personalidades muy dispares, interpretados por Gene Hackman y Willem Dafoe, son los encargados del caso. Pero la violencia no ha hecho más que empezar, y tendrán que poner en juego sus vidas si quieren solucionar la situación. El caso trasciende a todo el país, y enseguida se organizan movilizaciones y protestas.
La película se basa en una historia auténtica. Estamos en el llamado «Verano de la libertad», al final de la época Kennedy, cuando líderes de color se hicieron oír, también fuera del país. El 21 de junio de 1964 James Chaney, Andrew Goodman y Michael Schwerner, que hacían campaña por el voto de la población de color en Mississippi, fueron asesinados por miembros del departamento de policía y del Ku Klux Klan. Hasta el momento en que se descubrieron los cadáveres, las autoridades locales negaron sistemáticamente los hechos y denunciaron la investigación, tachándola de «acoso» por parte de la gente del norte. Cuando se confirmó el asesinato, hubo movilizaciones y protestas por todo el país.
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BIENVENIDO AL PARAISO (1990)
Parker insistió con el tema porque le parecía que no había dicho todo lo que quería sobre el racismo
Reparto principal | Dennis Quaid, Tamlyn Tomita, Sab Shimono, Shizuko Hoshi
Un joven sindicalista norteamericano, Jack, contrae matrimonio con una joven japonesa, Lily, a la que ha conocido en Estados Unidos. Tras el ataque japonés a Pearl Harbour, se produce la entrada de su país en la Segunda Guerra Mundial, por lo que comienza a sentirse cierto rechazo social hacia los nipones, que algunas veces deviene incluso en violencia callejera. El gobierno decide internar a los japoneses en campos de concentración. Lily acompaña a sus padres, por lo que se ve obligada a abandonar temporalmente a Jack. Él, por su parte, tiene que enfrentarse a sus propios amigos para poder continuar con su matrimonio. Esta será una dura prueba para los dos, pero intentarán salvar su unión por encima de las circunstancias históricas.
Alan Parker vuelve aquí a tratar un tema de compromiso sociohistórico, como ha hecho en casi la mitad de sus películas. Entre ellas tenemos "El expreso de medianoche", una crítica al sistema penitenciario turco; "Birdy", donde narra los trastornos de un joven enrolado para la guerra del Vietnam; "Arde Mississipi", en la que analiza la América profunda del Ku-Klux-Klan; o "Las cenizas de Ángela", retrato de una infancia de miseria en una ciudad irlandesa. En "Bienvenido al paraíso" denuncia un hecho histórico poco conocido, como es el papel del gobierno estadounidense frente a los americanos de origen japonés durante la II Guerra Mundial.
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THE COMMITMENTS (1991)
Premio al mejor director en el festival de Tokio y cuatro premios de la Academia de cine británica
Reparto principal | Robert Arkins, Angeline Ball, Colm Meaney, Maria Doyle
Jimmy Rabbitte quiere formar una banda de soul en Dublín, para lo que empieza a hacer una selección entre todos los músicos candidatos. Después de muchos esfuerzos consigue sus propósito: una banda formada por gente trabajadora, ya que para él es la clase trabajadora la que mejor expresa el sentimiento de la música soul. Poco a poco, la banda se abrirá camino... pero también surgirán graves divergencias entre sus integrantes.
Un inesperado éxito de Alan Parker, que ya había firmado destacables musicales como “Fama” y “Pink Floyd, The Wall”. El director convocó para esta película un gran cásting al que acudieron más de 3000 jóvenes aspirantes. Entre los elegidos destaca hoy la presencia de Andrea Corr, una de los miembros del grupo The Corrs. El resto del reparto lo forman actores irlandeses desconocidos para el gran público, con la excepción de Colm Meaney, reconocible por su trabajo en la serie "Star Trek: La nueva generación". La película está basada en una novela del escritor irlandés Roddy Doyle, otra de cuyas obras, "La camioneta" fue también llevada al cine, esta vez por Stephen Frears.
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EL BALNEARIO DE BATTLE CREEK (1994)
Según comentó Alan Parker, la hizo porque le apetecía hacer una película divertida
Reparto principal | Anthony Hopkins, Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack
En tono de peculiar comedia bufa, Alan Parker recrea la vida en un balneario de principios de siglo, regentado por el Dr. John Harvey Kellogg. El director británico toma como excusa a este peculiar personaje, inventor de los famosos cereales que llevan su nombre, para realizar una película cercana al esperpento. Parker hace una crítica a la preocupación excesiva por la salud. Pero su principal centro de atención lo constituye la idea de la abstinencia sexual recomendada por el doctor, que trata de mostrar como un desatino provocador de insaciables apetitos eróticos. Tal planteamiento abre paso a recurrentes escenas de sexo.
Alan Parker se basó en la novela homónima de T. Coraghessan Boyle para escribir y dirigir “El balneario de Battle Creek", trasladando a la pantalla la exótica personalidad de uno de los personajes más influyentes en el cambio de hábitos alimentarios producidos durante el siglo XX. Confió para ello en Anthony Hopkins, que propenso a la caricatura y a la consecución de retratos efectistas, fue el cómplice ideal para encarnar al Dr. Kellogg. Algunos de los pacientes que acuden al balneario están interpretados por Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack o Lara Flynn Boyle. El filme, que marca un curioso punto y a parte dentro de la filmografía de su director, no entusiasmó demasiado a los estadounidenses a tenor del desastre económico que supuso su estreno.
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EVITA (1996)
Ganó tres Globos de Oro y el Oscar a la mejor canción original
Reparto principal | Madonna, Antonio Banderas, Jonathan Pryce, Adrià Collado
Evita Duarte tenía claro desde muy pequeña que quería ser una actriz de éxito. Muy joven ya empezó a hacer sus pinitos en el cine B argentino. Lo que no esperaba era casarse con el que más tarde sería el presidente de Argentina, Juan Perón. Su figura como primera dama fue muy polémica, odiada por los militares e idolatrada por las masas. La tragedia llegó cuando un cáncer le quito la vida a la edad de 33 años.
Alan Parker se atrevió a llevar al cine el célebre musical de Andrew Lloyd Webber. Contó con una tripleta protagonista de lujo formada por Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Pryce. En su adaptación, Parker realizó algunos cambios respecto a la obra, entre ellos, el personaje de Banderas (que en el teatro era el Che Guevara y en el cine pasó a convertirse en un argentino de a pie) y la inclusión de una canción nueva que no estaba en el libreto original, "You Must Love Me". El personaje de Evita fue codiciado por muchas actrices, pero finalmente recayó en la que más luchó por él: Madonna. La cantante realizó una esforzada interpretación que le valió un Globo de Oro a la mejor actriz dramática, aunque luego no fuera ni siquiera candidata al Óscar de ese año.
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LAS CENIZAS DE ÁNGELA (1999)
Alan Parker pasó de la grandiosidad de Evita a la sencillez de esta película
Reparto principal | Emily Watson, Robert Carlyle, Devon Murray, Ciaran Owens
En 1935, había más familias irlandesas abandonando su país para ir a América que al contrario. Por tanto, el camino que toman los McCourt tras la repentina muerte de su hija a la edad de siete semanas, es bastante inusual. Angela, la madre, y Malachy Senior, su marido alcohólico y desempleado, salen del puerto de Nueva York rumbo a Cork con sus cuatro hijos: Frank, Malachy Junior y los gemelos Eugene y Oliver. En Limerick, les espera una acogida glacial por parte de la familia católica de Angela. El padre no consigue encontrar trabajo y los gemelos se mueren de malnutrición…
Cuando en 1996 Frank McCourt publicó su libro de memorias "Las cenizas de Ángela", poco podía imaginar que el relato sobre sus vivencias de niño iba a ganar el prestigioso Premio Pulitzer y se convertiría en una de las novelas de más éxito de la década. Un material tan atractivo tenía que captar la atención del mundo del cine, y finalmente fue el británico Alan Parker quien rodó la historia contando como protagonistas con la pareja formada por Emily Watson, cuya carrera cinematográfica se había disparado desde su excelente interpretación en "Rompiendo las olas"; y Robert Carlyle, otro actor inglés que había conocido el éxito gracias a sus intervenciones en filmes como "Trainspotting" y "Full Monty".
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LA VIDA DE DAVID GALE (2003)
Un alegato contra la pena capital
Reparto principal | Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney, Gabriel Mann
La trama gira en torno a la figura del doctor David Gale, profesor universitario y militante contra la pena de muerte en Texas, quien se encuentra por error condenado a perder la vida por la violación y el asesinato de la activista Constance Harraway. Esto va a provocar un verdadero tormento en su día a día, sobre todo teniendo en cuenta la pérdida de prestigio y de reputación que va a significar semejante acontecimiento en lo que hace alusión a su imagen tanto a nivel personal como laboral. En su celda recibe la visita de Elizabeth Bloom, una periodista que hará todo lo posible para demostrar su inocencia y que está totalmente convencida de que va a poder conseguirlo a base de esfuerzo, trabajo constante y de mucha sinceridad. Aun así, es muy consciente de las dificultades que va a tener que experimentar el protagonista mientras dure su estancia en la cárcel. ¿Será capaz la mujer de lograr que se haga justicia y liberarle de su terrible sufrimiento?
Alegato contra la pena de muerte ambientado en los Estados Unidos de la mano del británico Alan Parker. Parker, que contó con un guion escrito por un profesor de filosofía (Charles Randolph), incluye reflexiones acerca del sacrificio, del amor y de la propia vida, reflexiones que se ven materializadas a través del personaje principal, David Gale. Este está interpretado por Kevin Spacey, en un papel para el que se barajaron los nombres de George Clooney o Nicolas Cage, quien finalmente ejerció de productor. Acompañan a Spacey, Kate Winslet y Laura Linney. Confeso admirador de Barcelona, Parker filmó algunas de las escenas en esta ciudad. Así, podemos reconocer el Gran Teatro del Liceo o la Plaza Real.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1979 | Mejor director | El expreso de Medianoche | Nominado |
| 1989 | Mejor director | Mississippi Burning | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1985 | Gran Premio del Jurado | Birdy | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1976 | Mejor director | Bugsy Malone | Nominado |
| 1978 | Mejor director | Midnight Express | Ganador |
| 1980 | Mejor director | Fama | Nominado |
| 1989 | Mejor director | Mississippi Burning | Nominado |
| 1991 | Mejor director | The Commitments | Ganador |
| Año | Categoría | Resultado |
|---|---|---|
| 1999 | Premio internacional | Ganador |
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La presente investigación tuvo como propósito emplear el análisis semiótico como herramienta de estudio de la obra cinematográfica Birdy, perteneciente al género “Cine de autor” dirigida por el realizador británico Alan Parker. Con el objeto de realizar una segmentación de las secuencias del film, definir su premisa y tema, determinar la ubicación de los puntos de giro, definir su estructura narrativa, establecer y analizar los roles liderados por los personajes dentro del relato, analizar las leyes narrativas que gobiernan a la historia y la unidad dramática de la misma. Ubicar e interpretar las repeticiones iconográficas y sonoras presentes en el relato, así como la utilización de símbolos. Realizar un análisis del conflicto e identificar los rasgos históricos, sociales y culturales presentes en el film. Los resultados y conclusiones obtenidos demuestran que los códigos fílmicos y cinematográficos empleados en el discurso audiovisual construido y conceptualizado por el autor, están orientados a establecer un mensaje o un discurso final, que en el caso específico de éste film se concentra en una crítica sobre la guerra de Vietnam expresada a través de los conflictos psicológicos del síndrome postraumático enfrentado por los personajes principales.
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Enlaces de interés
YouTube: Video de Alan Parker - Películas: Películas de Alan Parker
Imágenes: Imágenes de Alan Parker - Videos: Más videos de Alan Parker
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Pedro Almodóvar
Director, guionista y productor destacado del cine español
Nacido en 1949 en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, a los dieciséis años decidió trasladarse a Madrid, donde trabajó de administrativo en la compañía Telefónica. Durante los años setenta alternó ese trabajo con la grabación de cortos en súper-8 y la colaboración en diversas revistas y montajes teatrales. Eran años de gran ebullición cultural en Madrid (la llamada movida madrileña) y Almodóvar se integró plenamente en ese ambiente, formando junto con Fanny McNamara el dúo de rock Almodóvar-McNamara. El 23 de marzo de 1988, Pedro Almodóvar estrenó Mujeres al borde de un ataque de nervios. Sin duda uno de los cineastas españoles independientes con mayor proyección internacional. Tras varios filmes apreciados por la crítica española, se consagró mundialmente con Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), cinta que fue nominada para el Oscar a la mejor película extranjera. Entre los numerosos galardones que ha recibido, destacan el Oscar a la mejor película extranjera por Todo sobre mi madre (1999) y el Oscar al mejor guión original por Hable con ella (2002). En estos momentos el director manchego era ya un cineasta reconocido en España y en círculos cinéfilos europeos, pero esta película supuso su consagración mundial. Hasta ese momento era conocido como cineasta provocador, melodramático y popular; el nuevo filme, sin embargo, resultó ser una incursión de Almodóvar en la comedia sofisticada. Mujeres al borde de un ataque de nervios recoge en efecto la influencia de la alta comedia estadounidense; con todo, sigue siendo un producto muy almodovariano, que se estructura a modo de cómic y presenta una serie de dislocados personajes movidos a ritmo del bolero Puro Teatro. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)
Las películas dirigidas por Pedro Almodóvar
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SALOMÉ (1978)
Cortometraje. Debut como director de Pedro Almodóvar
Reparto principal | Isabel Mestres, Fernando Hilbeck, Agustín Almodóvar
Abraham, paseando por el campo con su hijo Isaac, se encuentra con Salomé que va toda cubierta de peinetas y de velos. Abraham caerá rendido a su pies, le pedirá que baile para él y le prometerá que hará cualquier cosa por ella, a lo que Salomé responderá pidiéndole que haga un gran sacrificio: matar a su hijo. Abraham se dispone a acabar con la vida de su hijo, pero Salomé le detiene al desvelarle quién es realmente.
Éste es uno de los últimos corto realizados por Pedro Almodóvar, que pasó a rodar largometrajes tras dirigirlo. Basado en un escrito de Oscar Wilde, Pedro Almodóvar retoma en este cortometraje la historia de Isaac del antiguo testamento. Por otro lado, se trata de una de las dos únicas obras de su filmografía cuyo argumento no es idea original del manchego (el otro caso es "Carne Trémula", que está basada en el libro homónimo de Ruth Rendell).
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PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980)
Reparto principal | Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara, Julieta Serrano
Pepi es una chica moderna, Luci una sumisa ama de casa y Bom una perversa cantante pop. Un día, un policía viola a Pepi a cambio de hacer la vista gorda al cultivo de marihuana que esta tiene en su terraza. A partir de aquí, las vidas de las tres mujeres cambian radicalmente, llegando a protagonizar un sinfín de extraños acontecimientos.
La película no ha pasado a la historia por su calidad técnica, sino por ser la opera prima de Pedro Almodóvar, que intuyó un nuevo camino para el cine español. En su debut, el cineasta manchego ya anunció algunas de sus constantes, como el gusto por lo irreverente, las amas de casa, el vestuario llamativo o la amistad entre mujeres. Además, la película es un reflejo de la ‘movida madrileña’ imperante en ese momento, y de la ideología 'punk', representada por la cantante Alaska. Almodóvar filmó la película como un divertimento, utilizando los pocos ratos libres que le dejaba su empleo en Telefónica.
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LABERINTO DE PASIONES (1982)
Reparto principal | Cecilia Roth, Imanol Arias, Helga Liné, Antonio Banderas
La historia gira en torno a Sexilia (una ninfómana), Sadec (un terrorista islámico que es gay), Riza Niro (hijo del emperador de Tiran), y Queti (hija de una tintorera). Cuando Riza Niro que Sadec y sus compinches le persiguen, se disfraza al estilo punk y se enamora de la increíble Sexilia siendo esta su primera relación seria. Se evocan varias historias de amor que no siempre teminan como se espera.
En plena efervescencia de la 'movida' madrileña y de cambio político en España -1982 es el año del triunfo del partido socialista- Almodóvar rueda esta desinhibida comedia posmoderna sobre la diversidad sexual, aún lejos de sus grandes éxitos comerciales posteriores pero que sirve para demostrar que el debut "Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón" no fue fruto de una casualidad. La argentina Cecilia Roth, quien casi 20 años después seria la protagonista del gran éxito internacional del director, 'Todo sobre mi madre', interpreta a la ninfómana Sexilia, compartiendo protagonismo con Imanol Arias, en el papel de heredero árabe. El film también es un curioso testimonio de la vitalidad cultural de la época en Madrid, ya que en él aparecen destacados representantes de la 'movida', como la fotógrafa Ouka Lele o los músicos Poch, Santiago Auserón y Carlos Berlanga.
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ENTRE TINIEBLAS (1983)
Reparto principal | Cristina Sánchez, Julieta Serrano, Marisa Paredes, Carmen Maura
Yolanda Bell, joven cantante de boleros, se refugia en el convento de Redemptrices humillada tras la muerte de su amigo Jorge por sobredosis de heroína. Allí es acogida con alegría y la madre superiora le reconoce su admiración por su arte. Poco a poco se establecen entre ellas las mismas relaciones autodestructivas que Yolanda mantenía con su amigo.
La religión está en el punto de mira de Pedro Almodóvar en su tercer largometraje, otra provocadora comedia absolutamente personal del director manchego rodada con algunas de sus actrices preferidas, como Carmen Maura, Marisa Paredes o Chus Lampreave. En esta ocasión, el cineasta deja a un lado las complejas tramas narrativas en beneficio de personajes delirantes como la madre superiora (Julieta Serrano), lesbiana y drogadicta; o sor Rata de Callejón (Chus Lampreave), escritora bajo pseudónimo de novelas inspiradas en las historias del convento. Años más tarde, el dramaturgo y director Fermín Cabal estrenó una versión teatral de la película, con Beatriz Carvajal entre sus protagonistas.
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¿QUÉ HE HECHO PARA MERECER ESTO! (1984)
Reparto principal | Carmen Maura, Ángel de Andrés, Chus Lampreave, Verónica Forqué
Gloria es una mujer infeliz y sin un minuto libre. Trabaja de asistenta y debe encargarse de cuidar la casa, el marido, su suegra y sus dos hijos. Con su marido no existe ningún tipo de comunicación y él sigue recordando a una alemana para la que trabajó como chofer. Y para colmo, la farmacéutica le ha negado las anfetaminas y sufre un tremendo síndrome de abstinencia.
Con este filme Pedro Almodóvar realiza su primera obra dentro de una narración relativamente convencional, aunque siguen apareciendo personajes y situaciones surrealistas, como un anuncio de café o un programa de televisión protagonizado por él mismo. El tema escogido también ayudó a aumentar el éxito popular que el director ya había cosechado con sus anteriores películas, con una Carmen Maura que lleva el peso de la cinta como sufrida ama de casa de una familia claustrofóbica, que acaba dándole a su marido lo que se merece.
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MATADOR (1986)
Reparto principal | Assumpta Serna, Antonio Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo
La trama se centra en el papel desempeñado por un torero, quien ha tenido la ocasión de vivir muchos días de gloria con motivo de su capacidad para deleitar a los asistentes a la plaza para contemplar su talento. No obstante, deberá tomar la difícil decisión de dejar su vocación por un duro golpe que le provocará una serie de magulladuras muy peligrosas, las cuales le forzarán a abandonar los ruedos si desea permanecer sano y salvo. Una vez que se olvida del capote y de la muletilla, se percata de que sus ansias de acabar con la vida de los demás es un sentimiento que permanece intacto en su interior. La diferencia es que ahora sus víctimas son seres humanos, concretamente mujeres, a quienes encandila con el arte que demostró como profesional a lo largo de varios años para acostarse con ellas y posteriormente asesinarlas. Ninguna es capaz de percibir algún gesto maléfico o sospechoso del protagonista antes de que se ponga manos a la obra, lo que sin duda refleja que es un individuo cauteloso a la par que metódico. Pero la situación dará un giro radical cuando se cruza con María, una joven que comparte su afición y con la que comenzará una relación de amor-odio que marcará el curso final de los acaecimientos que se producen en el largometraje.
Pedro Almodóvar acerca su particular universo cinematográfico al de los toros y los crímenes pasionales en esta tragicomedia centrada en la relación fatal entre un torero (Nacho Martínez) y una abogada criminalista (Assumpta Serna). Antonio Banderas, Carmen Maura y Eusebio Poncela, actores habituales en los primeros films de Almodóvar, aparecen también como secundarios en esta ocasión. El cineasta colaboró con el novelista Jesús Ferrero en un proyecto que le acarreó serios problemas con el productor, Andrés Vicente Gómez. Estas tensiones motivaron la decisión de Almodóvar de crear su propia productora, El Deseo, S.A. junto a su hermano Agustín, el punto de partida de su posterior brillante carrera internacional.
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LA LEY DEL DESEO (1987)
Reparto principal | Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas, Miguel Molina
Pablo y Tina son dos hermanos dedicados ambos al mundo del espectáculo. Hace veinte años, Tina era un hombre, pero ésa es la menor de las peculiaridades de la pareja, que vive marcada por una infancia difícil y la separación de sus padres. Pablo, director de cine, está profundamente enamorado de Juan, con quien mantiene relaciones esporádicas. La vida de los hermanos vivirá un cambio abrupto, y hasta violento, cuando Pablo conozca a Antonio, un joven atractivo e intenso con graves problemas psicológicos.
El drama, y el amor más apasionado e irreflexivo, se cernirá sobre este grupo de personajes, en esta emocionante película que supuso la madurez artística de Pedro Almodóvar, y que cuenta con unas grandes interpretaciones de Eusebio Poncela, Carmen Maura y Antonio Banderas, éste en uno de sus primeros papeles protagonistas para el cine.
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MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)
Reparto principal | Carmen Maura, Rossy de Palma, Julieta Serrano, María Barranco
Pepa e Iván son una pareja de actores de doblaje que tienen una relación sentimental. Pepa se despierta un día y encuentra un mensaje en su contestador de Iván informándole que se va a ir de casa y pidiéndole que le prepare una maleta con sus cosas. Desesperada por informarle de algo importante que les incumbe a ambos, Pepa casi se suicida con pastillas para dormir, quema su cama y pasa la mayor parte de la película tratando de seguirle la pista. Estos sucesos le ponen en contacto con la loca ex-mujer de Iván, Lucía, su apuesto hijo, Carlos y Marisa, la novia del hijo. Pepa, en su devenir emocional, comienza una aventura que mezcla terrorismo chiita, infidelidades, su amiga Candela y gazpacho.
Almodóvar consiguió su primer triunfo internacional con esta alocada comedia, inspirada, según el propio director, en el monólogo "La voz humana", de Jean Cocteau. Tras un fondo trágico, Almodóvar construye divertidos y excéntricos personajes como el de Carmen Maura, alimentada por pasiones extremas y ubicada en los singulares decorados coloristas que han hecho famoso al director manchego. A pesar de recibir multitud de premios en Europa y Estados Unidos, Almodóvar no consiguió el Óscar a la mejor película extranjera, una espina que se sacó en el 2000 con otro éxito aún más rotundo, "Todo sobre mi madre".
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¡ÁTAME! (1989)
Reparto principal | Victoria Abril, Antonio Banderas, Loles León, Julieta Serrano
Recién salido de la cárcel, Ricky, un chico huérfano desde los tres años que se pasa la vida entre instituciones sociales y reformatorios, encuentra la chica de sus sueños, Marina, una actriz que hace películas pornográficas y de terror y que ha tenido muchos problemas con las drogas. Magnetizado por ella, la secuestra y se dispone a pasar "tiempo de calidad" con ella, esperando que se enamore de él. Al principio, Marina rechaza a Ricky pero más tarde se da una gran complicidad entre ellos convirtiéndose finalmente en auténtico amor.
Historia de amor poco convencional la que retrata Pedro Almodóvar en uno de sus filmes mejor considerados por la crítica."Átame" es una paradójica y tierna versión de "El coleccionista" de William Wyler, pero reciclada bajo la mirada siempre personal del director manchego. El filme recibió en Estados Unidos la calificación de ‘NC-17’, antigua categoría para los filmes X. Sobresaliente fotografía de José Luis Alcaine, que pone en práctica a la perfección el sentido de la composición de la imagen y el tratamiento del color tan genuino de Almodóvar, sin olvidar una merecida mención para Ennio Morricone, que compone la banda sonora de la película.
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TACONES LEJANOS (1991)
Reparto principal | Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé, Anna Lizarán
Becky del Paramo, una gran artista y cantante de éxito de los años 60, dejó el mundo del espectáculo durante quince años. Ahora vuelve a los escenarios de Madrid llena de energía para demostrar que su espíritu juvenil no ha muerto. En su regreso se encuentra con su hija, para intentar arreglar la relación con ella. Ese reencuentro no es nada fácil para ninguna de las dos, resultando imposible disimular esos quince años de silencio. Rebecca adora a su madre pero también la odia...
"Tacones lejanos", que obtuvo el César a la mejor película extranjera y cinco nominaciones a los Goya, no obtuvo en España el éxito de público que Almodóvar esperaba, pese a su llamativa campaña de marketing (método cada vez más habitual en el director manchego). En dicha ocasión, Almodóvar y sus actores colapsaron la Gran Vía madrileña, montados en gigantescos zapatos de tacones, el día del estreno. Muy comentada fue también la escena del travestismo de Miguel Bosé.
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KIKA (1993)
Reparto principal | Verónica Forqué, Peter Coyote, Victoria Abril, Àlex Casanovas
Galería de personajes contradictorios entre los que se encuentra Kika, personaje central sobre el que giran todas las historias, ingenua y sin ninguna ortodoxia, se dedica al maquillaje. Entre las historias que la acompañan podemos encontrar a su compañero de piso, Ramón, que vive recordando a su madre fallecida; o a su archienemiga Andrea, la cual está al cargo de un 'Reality Show'. Pero la historia más intrigante, y desencadenante de los problemas que vive la protagonista en la película es la del hermano de su criada, que tras fugarse de la cárcel e ir a buscar ayuda a casa de esta, se encuentra con Kika y abusa sexualmente de ella. La historia, practicamente, comienza en este suceso, y no sera, ni mucho menos, el peor.
Una mezcla a partes iguales entre drama tremebundo y vodevil grotesco, sazonado con una féroz crítica a los 'reality shows' televisivos y un vestuario creado por Jean Paul Gaultier para la ocasión. Para muchos, con todo, es la película menos lograda de Almodóvar.
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LA FLOR DE MI SECRETO (1995)
Reparto principal | Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Imanol Arias
Los desengaños amorosos con su esposo, militar que pasa mucho tiempo en Bruselas trabajando para la OTAN, hacen que Leo Macias, reina de la novela rosa bajo el seudónimo de Amanda Gris, atraviese uno de los peores momentos de su vida, y debido a estos problemas no logra cumplir el contrato firmado con su editor sobre la entrega de su siguiente libro. Esto, poco a poco, está ocasionando que el editor tenga cada vez más desconfianza en que la escritora vuelva a entregarle un manuscrito, e incluso ya amenaza con consecuencias legales. En medio de todo el caos que es su vida Ángel, un hombre bondadoso y tímido que está perdidamente enamorada de él le ofrece trabajar en un suplemento cultural del periódico en el que trabaja. Al empezar a trabajar juntos, Leo y Ángel estrecharán lazos, y se irá fraguando una relación que quizá consiga sacar finalmente a la escritora de ese pozo en el que se encuentra atrapada. Sin embargo, nuevos problemas familiares surgen, al tiempo que el regreso de su esposo amenaza con volverlo todo del revés. ¿Conseguirá poner orden en su vida?
Marisa Paredes fue candidata al Goya por esta comedia agridulce de Pedro Almodóvar, más dramática y sombría que la mayoría de sus anteriores trabajos. "La flor de mi secreto" guarda, además, similitudes con los clásicos dramas de los años 50, rodados por Jane Wyman y el director Douglas Sirk ("Solo el cielo lo sabe", "Obsesión"), que desprenden un cierto tono trágico muy similar al filme español (siempre guardando las distancias, ya que el universo del director manchego es muy personal). Almodóvar suele acertar siempre con el reparto de sus películas y esta no es la excepción. Particularmente divertidas son las escenas entre Rossy de Palma y Chus Lampreave.
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CARNE TRÉMULA (1997)
Reparto principal | Javier Bardem, Francesca Neri, Liberto Rabal, Ángela Molina
La historia comienza con un tiroteo en el apartamento de Elena, una heroinómana italiana, de la que se enamora Víctor, que es quien ha empezado el forcejeo en el piso. Alertados por un vecino, llegan dos policías, Sancho, un hombre alcohólico e inestable que sospecha que su esposa Clara le engaña, y David, un joven que prefiere ir por libre. Tras un forcejeo, Víctor dispara a David y le deja parapléjico. Dos años más tarde, Víctor, en la cárcel, descubre que David, ahora un exitoso jugador de baloncesto en silla de ruedas, se ha casado con Elena, quien ha logrado desintoxicarse. Después de cumplir condena, Víctor vuelve en busca de Elena.
Tras once películas basadas en guiones originales, el director y productor Pedro Almodóvar parte de una novela policíaca de la británica Ruth Rendell para construir el guión de este filme, que en contra de lo que es habitual en él, escribió con la colaboración del novelista Ray Loriga y el guionista Jorge Guerricaechevarría. Aún así, la película no deja de ser un producto típicamente almodovariano: un drama pasional entre sujetos tortuosos, llenos de complejos de culpa, donde destaca el trabajo de los actores Javier Bardem, Francesca Neri, Ángela Molina, Pepe Sancho y Liberto Rabal.
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TODO SOBRE MI MADRE (1999)
Reparto principal | Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan
Manuela es una enfermera que vive sola con su hijo Esteban, a quien adora. Esteban es muy cinéfilo y le encanta ver películas en la compañía de su madre, sobre todo 'Eva al desnudo' (o 'Todo sobre Eva', como se titularía en una traducción más fiel del inglés). Para el día del cumpleaños de su madre, Esteban decide invitarla a una noche de teatro viendo "Un tranvía llamado deseo". Los dos adoran la obra, y a la salida del lugar se encuentran con Huma Rojo, la actriz protagonista. Esteban no se lo piensa dos veces y corre tras ella para conseguir su autógrafo. Cruza la calle a toda velocidad y, en ese momento, un coche lo atropella. Manuela presencia, de este modo, la muerte de su propio hijo, pérdida de la que no podrá recuperarse en toda su vida. Poco tiempo después, aún loca de dolor, Manuela viaja a Barcelona en busca del padre de su hijo, una búsqueda que no será fácil, ni tampoco carente de aún más dolores.
Una historia de mujeres, en la línea de los mejores dramas de George Cukor, que se convirtió en el mayor éxito a nivel internacional de Pedro Almodóvar hasta el momento de su estreno. Ganó, entre otros, el Óscar a la mejor película extranjera, el premio al mejor director del festival de Cannes, el Globo de Oro al mejor filme de habla no inglesa, el César (equivalente galo de los Goya) y el David de Donatello del festival de Venecia; amén de siete premios Goya de los 14 a los que fue candidata.
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HABLE CON ELLA (2002)
Reparto principal | Javier Cámara, Darío Grandinetti, Leonor Watling, Rosario Flores
Benigno, un joven enfermero, y Marco, un escritor en la cuarentena, se dan cita, cada uno por su lado, en un espectáculo de Pina Bausch, “Café Müller”. Están sentados uno al lado del otro. La obra es tan emocionante que Marco llora. Benigno, que percibe las lágrimas de su vecino de asiento, reprime sus ganas de hacerle partícipe de su emoción. Unos meses más tarde, los dos hombres se encuentran en diferentes circunstancias, en la clínica El Bosque, donde trabaja Benigno. Lydia, torero profesional y novia de Marco, está sumergida en un profundo coma después de un accidente ocurrido durante una corrida. Por su parte, Benigno, está cuidando a Alicia, una joven bailarina que también se encuentra en coma. Cuando Marco pasa junto a la habitación de Alicia, Benigno, sin dudarlo, se acerca a él. Este es el comienzo de una gran amistad un tanto ajetreada.
Tras el arrollador éxito de “Todo sobre mi madre”, Pedro Almodóvar realizó este melodrama en el que habla sobre la soledad, la amistad de dos hombres y el diálogo como terapia de supervivencia. Se trata de una película genuinamente almodovariana, pero con un detalle llamativo: el peso de la historia recae sobre dos personajes masculinos interpretados por el televisivo Javier Cámara y el argentino Darío Grandinetti. La cinta obtuvo el Oscar al mejor guión original y una nominación a la mejor dirección.
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LA MALA EDUCACIÓN (2004)
Reparto principal | Gael García Bernal, Fele Martínez, Lluís Homar, Daniel Giménez
Enrique e Ignacio se conocieron en un colegio católico, donde, además de experimentar su primer amor, sufrieron abusos sexuales y otros acontecimientos desagradables nada apetecibles de recordar. Ha pasado el tiempo y estos niños son ahora adultos. Enrique se ha convertido en un afamado director de cine y ya no sabe nada de su viejo compañero y amigo íntimo, Ignacio, hasta que un día este (o alguien que dice ser él) aparece en su oficina ofreciéndole un guión para rodar una película. Ignacio, que ahora dice hacerse llamar Ángel, está muy cambiado y en el transcurso de sus visitas Enrique descubre que no es él, sino su hermano pequeño. Ignacio había muerto por una sobredosis de heroína hacía años. A través de un guión ficticio para llevar a pantalla, Enrique se reencontrará con Manolo, el sacerdote que abusaba de él de pequeño, y descubrirá la verdadera razón que dio muerte a su amigo de la infancia.
Tras recoger el Óscar por "Hable con ella", Pedro Almodóvar regresó con esta historia que él mismo calificó de "muy personal", aunque deja ciertas dudas sobre qué hay de autorretrato en ella y qué no. De hecho, se basa en un relato corto que escribió el cineasta manchego en su adolescencia titulado "La visita" y que hacía ya bastante tiempo que le rondaba por la cabeza convertirlo en película. Finalmente lo hizo sin tapujos y de forma explícita, como es habitual en él, a pesar de abordar un tema muy polémico: los abusos sexuales cometidos por algunos curas en la España de los 60. Quizá esta controversia fue la causante de la fría acogida de la película en el festival de Cannes, certamen que inauguró. Entre los protagonistas, el mexicano Gael García Bernal, Fele Martínez y Javier Cámara.
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VOLVER (2006)
Reparto principal | Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo
Raimunda es una mujer de carácter que tiene una hija en plena adolescencia y un marido que no tiene trabajo. Sole trabaja en una peluquería. Su madre ha muerto en un terrible incendio, pero parece que no se ha ido del todo cuando resulta que hace una inesperada visita a sus hijas y a alguien más. En el seno de esta trama social, tres generaciones de mujeres sobreviven al viento, al fuego e incluso a la muerte, gracias a su bondad, su audacia y a una vitalidad sin límites.
Una película rodada en la región natal de Pedro Almodóvar sobre la cultura de la muerte. Vivos y difuntos conviven sin estridencias y provocan situaciones hilarantes o de una emoción intensa y genuina. Ganadora de dos premios Goya al mejor director y a la mejor película, "Volver", recorrió Europa en 2006 cosechando galardones: en el festival de Cannes, al mejor guion; en el Reino Unido, un Bafta al mejor filme de habla no inglesa; y en Francia, el premio César al mejor largometraje extranjero. Además, su protagonista, Penélope Cruz, obtuvo por este trabajo su primera candidatura al Óscar a la mejor actriz principal. Cruz conseguiría la preciada estatuilla dos años después, con "Vicky, Cristina, Barcelona", aunque en la categoría de intérprete de reparto.
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LOS ABRAZOS ROTOS (2009)
Reparto principal | Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez
La vida de un hombre cambia de un día para otro tras un trágico accidente. Pierde la vista y a su esposa, algo que dificilmente intenta superar poco a poco. Mientras intenta curar las heridas de pasado, se ve inmerso en una trama que encierra un triangulo amoroso...
Pedro Almodóvar vuelve a contar con Penélope Cruz para una película muy personal, que ahonda en su pasión por el melodrama y el propio cine. Basándose en una fotografía que él mismo tomó en Lanzarote –la que aparece en la película y da el nombre a la misma- el reconocido director construye una nueva obra de complicada estructura, llena de misterio e ironía. Además de Penélope Cruz, nominada al Goya por este trabajo, el director manchego volvió a confiar en Lluís Homar y Blanca Portillo. A pesar de contar con cinco candidaturas a los Goya y una nominación al Globo de Oro, "Los abrazos rotos" no tuvo el respaldo unánime de la crítica, como ocurrió con "Volver". Cabe destacar las secuencias cómicas protagonizadas por la lectora de labios, encarnada por Lola Dueñas. Según el propio Almodóvar, la idea se le ocurrió viendo la retransmisión televisiva de la boda de los Príncipes de Asturias, donde se usó esta figura para comprender desde la distancia lo que ambos estaban diciéndose.
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LA PIEL QUE HABITO (2011)
Reparto principal | Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez
Robert Ledgard es un eminente cirujano plástico que realiza sus experimentos en su clínica privada, El Cigarral. Desde que su mujer y su hija murieran, vive obsesionado con la creación de un nuevo tipo de piel, al que ha denominado G.A.L. La comunidad científica no permite esos experimentos, pero él, de forma clandestina, ha seguido realizándolos por su cuenta gracias a una cobaya, una joven, Vera a la que mantiene retenida y que se ha convertido en el centro de su vida. Pero Vera oculta un secreto y quiere venganza por todo lo que el doctor Legrand ha hecho con ella. Los dos viven encerrados en la mansión del cirujano junto a la servil Marilia, que es en realidad la madre de Robert. El equilibrio del trío protagonista se verá alterado cuando una tarde de carnaval se presente en la casa otro de los hijos de Marilia, Zeca, disfrazado de tigre, arrollando por donde pase y creando confusión en el delicado microclima de relaciones que se ha establecido. A partir de ese momento, nada volverá a ser lo mismo para ninguno de ellos. Marilia, Robert y Vera rememorarán su pasado, cada uno desde su punto de vista. Un pasado que vuelve para tomarse su revancha.
El suspense, el melodrama, el terror, la ciencia ficción y hasta la comedia se dan cita en esta insólita propuesta de Pedro Almodóvar que no dejará indiferente a ningún espectador. Una arriesgadísima mezcla de géneros que navega entre lo grotesco y lo ridículo, pero que logró cautivar a la mayor parte de la crítica internacional. Premiada con un Bafta, nominada a la Palma de Oro en Cannes, y candidata a 16 Goyas, esta inclasificable película se basa en la novela "Mygale" ("Tarántula"), escrita por el francés Thierry Jonquet. "La piel que habito" significa también el reencuentro de Almodóvar con actores como Marisa Paredes y, muy especialmente, Antonio Banderas, con quien llevaba 21 años sin trabajar. Es también la plataforma que catapulta a Elena Anaya, convirtiéndola en "chica Almodóvar" y al casi debutante Jan Cornet. Estos dos últimos recibieron sendos Goyas por sus excelentes interpretaciones.
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LOS AMANTES PASAJEROS (2013)
Reparto principal | Carlos Areces, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Lola Dueñas
Un grupo de personajes variopintos viven una situación de riesgo dentro de un avión que se dirige a México D.F. La indefensión ante el peligro provoca una catarsis generalizada que acaba convirtiéndose en el mejor modo de escapar a la idea de la muerte. Esta catarsis, desarrollada en tono de comedia desaforada y moral, llena el tiempo de confesiones imprevisibles que les ayudan a olvidar la angustia del momento y a enfrentarse al mayor de los peligros, el que cada uno lleva dentro de sí mismo.
Tras ganarse el respeto mundial gracias a dramas, como "La piel que habito", "Los abrazos rotos" o "Todo sobre mi madre", el cineasta manchego Pedro Almodóvar quiso volver a sus inicios y crear esta comedia alocada, que trata de recuperar el espíritu de "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Su intención era, además de realizar un tributo a la década de 1980, crear una película de evasión, un divertimento personal y para un público que vivía sumido en una grave crisis financiera. Rodada casi en un escenario único, la cinta contó con un reparto lleno de caras conocidas, encabezado por un habitual del director, Javier Cámara
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JULIETA (2016)
Reparto principal | Emma Suárez, Adriana Ugarte, Rossy de Palma, Priscilla Delgado
Casualidad o no, la vida de Julieta en los años ochenta fue una gran época, la mejor. Pero en la actualidad, la vida de Julieta es una catástrofe sin solución, una lucha por sobrevivir al borde de la locura. Solo un milagro la salvará. Y los milagros a veces ocurren… En esos 30 años de la vida de Julieta, entre los años 1985 y 2015, aparecerán un coro de personajes secundarios esenciales en su historia: la sirvienta arisca, austera y competitiva, la amiga fiel e infiel, el amante adulto, la casual y liberal compañera de viaje, la amiga de la infancia y responsable de complementos de una revista de moda, la persona de gran intransigencia y superioridad moral, también el padre de Julieta, y la madre y abuela ausente, etérea y omnipresente. Y sobre todo, un hombre, un pescador gallego, y su hija. La mayor parte del misterio y del dolor se refieren a ella, una desconocida para su madre, alrededor de la cual gira gran parte del drama. Un film que habla del destino inevitable, del complejo de culpa y de ese misterio insondable que nos hace abandonar a las personas que amamos, borrándolas de nuestra vida como si nunca hubieran significado nada. De todo ese dolor que provoca el abandono de un ser querido.
En su vigésimo largometraje, Pedro Almodóvar firma un drama maternofilial de estructura clásica, que no deja lugar a momentos cómicos que den un momento de respiro a la historia, algo muy común en la filmografía del cineasta manchego. El guion del filme, que indaga en el presente y el pasado de la protagonista, está escrito por el propio Almodóvar, que se basó en tres relatos de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro, formando así una especie de relato sobre la ausencia, el dolor, la culpa y la pérdida. Emma Suárez y Adriana Ugarte, dos nuevas 'chicas Almodóvar', son las encargadas de encarnar a la Julieta del título en diferentes etapas de su vida.
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DOLOR Y GLORIA (2019)
Reparto principal | Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia
Salvador Mallo es un aclamado director de cine en su ocaso. Su memoria le llevará hasta su infancia en el pueblo valenciano de Paterna en los años 60 junto a sus padres, a sus primeros amores, su primer deseo, la madre, la mortalidad, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.
Filme escrito y dirigido por Pedro Almodóvar y que trata sobre la creación y la dificultad de separarla de la vida propia de uno mismo y de las pasiones que le dan sentido y a la vez esperanza. El manchego se rodea de un importante elenco de actores entre los que destacan Antonio Banderas, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Raúl Arevalo, Asier Etxeandia, Cecilia Roth o Julieta Serrano. Cabe destacar el debut cinematográfico en esta película de la artista catalana Rosalía, que triunfó a nivel mundial con el lanzamiento de su álbum "El mal querer" en 2018. La cinta fue la elegida para representar a España en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
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LA VOZ HUMANA (2020)
Reparto principal | Tilda Swinton, Agustín Almodóvar, Miguel Almodóvar, Pablo Almodóvar
Una mujer mira pasar el tiempo junto a las maletas de su ex amante (que se supone que viene a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no comprende que su amo lo ha abandonado. Dos seres vivos enfrentados al abandono. Durante los tres días de espera, la mujer solo sale una vez a la calle, a comprar un hacha y una lata de gasolina. La mujer atraviesa todo tipo de estados de ánimo, desde la impotencia hasta la desesperación y la pérdida de control. Se maquilla, se viste como si fuera a una fiesta, se plantea tirarse por el balcón, hasta que su ex amante llama por teléfono, pero está inconsciente porque ha tomado una combinación de trece pastillas y no puede atender la llamada. . El perro le lame la cara hasta que se despierta. Después de una ducha fría, revivida por un café tan negro como su estado de ánimo, vuelve a sonar el teléfono y esta vez puede contestar. La voz humana es de ella, nunca escuchamos la voz de su amante. Al principio pretende actuar con normalidad y calma, pero siempre está a punto de explotar ante la hipocresía y la mezquindad del hombre. The Human Voice es una lección moral sobre el deseo, aunque su protagonista esté al borde del mismísimo abismo. El riesgo es parte esencial de la aventura de vivir y amar. El dolor está muy presente en el monólogo. Como dije al principio, se trata de la desorientación y angustia de dos seres vivos que lloran a su amo.
Pedro Almodóvar presenta su primer filme en inglés, un cortometraje de 30 minutos con el protagonismo absoluto de la gran Tilda Swinton y el (des)amor como telón de fondo, un desgarrado monólogo basado en la obra de teatro del mismo título de Jean Cocteau, en la que el autor francés mostraba la tristeza, la rabia, el desamparo, la impotencia y las otras mil emociones de una despedida amorosa. "Un divertimento de lujo y un bombástico ejercicio de estilo (de Almodóvar) al lado de una Swinton superlativa". Así califica a este cortometraje Álex Vicente en El País, recalcando esa estupenda interpretación en la que la actriz londinense muestra todo un catálogo de sentimientos a través de una conversación telefónica en la que no se oye a la otra parte. A destacar también el excelente trabajo de dos habituales colaboradores de Almodóvar: José Luis Alcaine en la fotografía y Alberto Iglesias en la música.
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MADRES PARALELAS (2021)
Reparto principal | Penélope Cruz, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde
Ana es una joven que va a tener su primer hijo y está absolutamente aterrada. Janis es una mujer madura que va a ser madre al mismo tiempo que Ana. La historia sigue a estas dos mujeres en etapas muy diferentes de la vida, sin embargo, el nacimiento de sus respectivos hijos el misno día y en el mismo hospital creará en ellas un vínculo difícil de romper. Esta relación irá evolucionando de diferente forma a media que sus hijos vayan creciendo.
Aunque "Madres paralelas", película sobre la identidad y la maternidad, sobre el dolor y la responsabilidad, tiene una trama principal melodramática que responde al título -dos mujeres que dan a luz el mismo día en el mismo hospital, lo que ligará sus vidas para siempre-, Almodóvar sitúa la subtrama de la memoria histórica al inicio (y al final) de la cinta, como germen de todo, porque sin ese prólogo no existiría el resto; del mismo modo, sin aquella contienda nada sería como es en la actualidad, ni siquiera las generaciones nacidas en libertad
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EXTRAÑA FORMA DE VIDA (2023)
Reparto principal | Ethan Hawke, Pedro Pascal, Manu Rios, Jason Fernández
En Extraña forma de vida, Ethan Hawke y Pedro Pascal interpretan a un dúo de cowboys de mediana edad: Jake y Silva. Este cortometraje es un western que comienza con Silva atravesando el desierto para visitar al sheriff Jake en la localidad Bitter Creek. Poco más de dos décadas antes, ambos habían trabajado juntos como pistoleros a sueldo. La intención de Silva al ir al pueblo para tener un agradable reencuentro con su viejo amigo. Sin embargo, Jake tiene un motivo secreto por el que no tiene que ver con revivir los recuerdos de cuando eran compañeros de trabajo.
Extraña forma de vida marca un hito en la carrera de Almodóvar al abrir una brecha que durante mucho tiempo ha deseado explorar. Además, es un alivio ver que el director finalmente pudo llevar a cabo su visión, quitándose la espina de no haber dirigido en su momento Brokeback Mountain, 2005, proyecto que le fue ofrecido. El rodaje tuvo lugar en el desierto de Tabernas, en Almería, siguiendo las huellas de Sergio Leone y Ennio Morricone. Almodóvar no pretendía hacer un spaghetti western al estilo de los directores y músicos italianos, sino mantenerse fiel a la tradición del género del Oeste americano, siguiendo la estela hollywoodiense. Extraña forma de vida es un capricho muy personal del cineasta.
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LA HABITACIÓN DE AL LADO (2024)
Reparto principal | Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro, Alessandro Nivola
Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce.
La película habla de la crueldad de las guerras, de las diferentes formas que tienen las dos escritoras para acercarse, al mismo tiempo que escriben sobre muerte, amistad y placer sexual como buenos aliados para luchar contra el horror. Y también hablan del despertar con el sonido de los pájaros, en una casa ubicada en la reserva natural de New England, donde ambas viven una situación extrema que tiene un lado dulce.
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AMARGA NAVIDAD (2026)
Reparto principal | Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez, Victoria Luengo
Elsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad. La historia de estos tres personajes, y algunos más, se narran paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, entremezclando ficción y realidad. Porque Amarga Navidad desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1989 | Mejor película extranjera | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Nominado |
| 1999 | Mejor película extranjera | Todo sobre mi madre | Ganador |
| 2003 | Mejor director | Hable con ella | Nominado |
| Mejor guion original | Ganador | ||
| 2020 | Mejor película internacional | Dolor y gloria | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1989 | Mejor película extranjera | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Nominado |
| 1998 | Mejor película extranjera | Carne trémula | Nominado |
| 1999 | Todo sobre mi madre | Ganador | |
| Mejor director | Ganador | ||
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 2002 | Hable con ella | Ganador | |
| Mejor película extranjera | Ganador | ||
| 2004 | La mala educación | Nominado | |
| 2006 | Volver | Nominado | |
| 2009 | Los abrazos rotos | Nominado | |
| 2011 | La piel que habito | Ganador | |
| 2016 | Julieta | Nominado | |
| 2020 | Dolor y gloria | Nominado | |
| 2021 | Madres paralelas | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1990 | Mejor película extranjera | ¡Átame! | Nominado |
| 1992 | Tacones lejanos | Ganador | |
| 1999 | César de honor | Ganador | |
| 2000 | Mejor película extranjera | Todo sobre mi madre | Ganador |
| 2003 | Mejor película de la Unión Europea | Hable con ella | Ganador |
| 2005 | La mala educación | Nominado | |
| 2007 | Mejor película extranjera | Volver | Nominado |
| 2020 | Dolor y gloria | Nominado | |
| 2021 | Madres paralelas | Nominado | |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1988 | Premio al mejor director extranjero | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1989 | Mejor película en lengua no inglesa | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Nominado |
| 1992 | Tacones lejanos | Nominado | |
| 2000 | Todo sobre mi madre | Ganador | |
| 2003 | Hable con ella | Ganador | |
| 2007 | Volver | Nominado | |
| 2010 | Los abrazos rotos | Nominado | |
| 2012 | La piel que habito | Nominado | |
| 2020 | Dolor y gloria | Nominado | |
| 2021 | Madres paralelas | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Mejor película extranjera | Todo sobre mi madre | Nominado |
| 2003 | Hable con ella | Ganador | |
| 2005 | Mejor película extranjera de habla hispana | La mala educación | Nominado |
| 2007 | Mejor película iberoamericana | Volver | Ganador |
| 2010 | Los abrazos rotos | Nominado | |
| 2012 | La piel que habito | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2006 | Mejor director | Volver | Ganador |
| Mejor guion original | Ganador | ||
| 2009 | Mejor guion original | Los abrazos rotos | Nominado |
| 2011 | Mejor guion adaptado | La piel que habito | Nominado |
| 2019 | Mejor director | Dolor y gloria | Ganador |
| Mejor guion original | Ganador | ||
| 2021 | Mejor director | Madres paralelas | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2017 | Mejor dirección | Julieta | Ganador |
Festivales
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Premio al mejor director | Todo sobre mi madre | Ganador |
| 2006 | Premio al mejor guion | Volver | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1988 | Golden Osella al mejor guion | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Ganador |
| 2019 | León de Oro a toda una trayectoria | - | Ganador |
| 2024 | León de Oro | La habitación de al lado | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1987 | Premio Teddy | La ley del deseo | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1987 | Mejor director | La ley del deseo | Ganador |
Otros reconocimientos
- Premio Nacional de Cinematografía (1990).
- Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2006).
- Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
- Premio Renoir del Sindicato de Guionistas de EE. UU. (2015).
- Premio Feroz de Honor (2023).
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La primera etapa de la obra de Pedro Almodóvar, a caballo entre el cine underground de factura artesanal, surgido volcánica y anárquicamente de la movida madrileña, y la fundación de su productora El Deseo, en colaboración con su hermano Agustín, marca una etapa clave en la carrera del realizador, que se clausura en 1984 con su film ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, una obra que exhibe una notabilísima madurez técnica y profesional. La inmediatamente posterior creación de la empresa El Deseo –inaugurada con Matador y La ley del deseo en 1986– fue un signo inequívoco de profesionalización industrial y de vertebración empresarial, cuando el nombre del realizador aún no había traspasado nuestras fronteras, dejando atrás con su organización y su voluntad expansiva el artesanado voluntarista y lúdico de su primera etapa, que es la que examinaremos con cierto detalle en ese trabajo. Su descubrimiento y celebración internacional no llegaría hasta la exitosa difusión mundial de Mujeres al borde del ataque de nervios (1987), un título que actuó como gancho de arrastre para que su obra previa alcanzase la difusión internacional.
El núcleo del presente artículo pretende establecer los nexos existentes entre la obra de Pedro Almodóvar y el cine clásico de Hollywood, y para ello hago referencia a secuencias y títulos de algunas de las películas más representativas de los grandes Estudios. La intertextualidad establecida entre el modelo norteamericano de los 30, 40 y 50 y la filmografía del director manchego es una realidad que viene a demostrar, frente a una industria al servicio de los videojuegos y los efectos especiales, que los filmes con argumentos complejos y maduros no están anticuados, únicamente olvidados por una producción en serie que en nada beneficia al futuro del sector cinematográfico.
en los films de Pedro Almodóvar
El presente trabajo se propone analizar algunos aspectos de la construcción de la imagen femenina en los films de Pedro Almodóvar. Es indudable que su aporte como director ha dejado una marca muy importante en la historia del cine español contemporáneo. La evolución de su filmografía así lo testimonia, y esto se ha visto inevitablemente reflejado a través de sus personajes dado que, su universo diegético se halla poblado mayoritariamente de protagonistas femeninas, lo que nos lleva a realizar una reflexión acerca de los diversos tipos de mujeres que habitan en sus encuadres. El alcance internacional del cine de Pedro Almodóvar ha despertado el profundo interés de los críticos y el público, reconociendo en sus obras las marcas de un autor que ha sabido reflejar la problemática de su época. Su personal narrativa, su estética y variopinta temática, hacen de él uno de los realizadores más inteligentes, incisivos y originales de habla hispana. En su estética parecen confluir elementos de dos mundos: los españoles y aquellos correspondientes al pop americano, cuyo sincretismo sirve para ambientar de forma privilegiada sus historias.
Le agradecemos que haya seleccionado nuestro trabajo para incluirlo en su página web y,
por supuesto, la gentileza de su aviso. Nos parece espléndido el trabajo que realiza sobre cine
e increíble la información que ha compilado. Un cordial saludo,
desde 1980 hasta la actualidad a través de su filmografía
Muchas gracias por incluir el artículo. He consultado su página y lo felicito por el trabajo realizado.
Su aportación, además de laboriosa, es de una gran utilidad para los amantes del cine.
BENIGNO LEÓN FELIPE
Departamento de Filología Española Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación / Facultad de Educación Universidad de La Laguna
de Pedro Almodóvar
Entre los personajes de las películas de Pedro Almodóvar destacan los relacionados con las profesiones artísticas: cantantes, músicos, directores de cine, guionistas, actores, escritores, pintores, escultoras, etc. Esta investigación se centra en la figura del fotógrafo para establecer cómo se muestra al fotógrafo y al acto fotográfico en la filmografía de Almodóvar. El segundo objetivo es determinar cuáles son las tipologías más habituales y los atributos que las definen. Para ello, se realizó un análisis de contenido cualitativo de la producción íntegra de este director, delimitando una muestra de once películas cuyo rasgo común es la presencia del fotógrafo y como unidad de análisis las escenas que este protagoniza. Se elaboraron algunas tipologías a partir de una clasificación de elaboración propia basada en investigaciones anteriores (Dubois, 2013; Parejo, 2011). Se concluye que en la filmografía de Almodóvar se priorizan los actos fotográficos de profesionales retratando a famosos y se observa una evolución del fotógrafo profesional hacia la caracterización de otros roles, como el voyerismo, la fotografía doméstica y la de imágenes robadas.
Cocteau, Williams y Lorca.
El cine de Pedro Almodóvar ha sido considerado reiteradamente como teatral. El motivo, en muchas ocasiones, ha sido la recurrencia a inter textos teatrales. El objetivo de este ar tículo es analizar el modus operandi del director español a la hora de adaptar obras teatrales en su filmografía. Para ello se analiza la puesta en escena fílmica de las obras La voz humana de Jean Cocteau, Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y Bodas de sangre. Yerma de Federico García Lorca en los filmes La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios. Todo sobre mi madre. Siguiendo las clasificaciones de Anxo Abuín y de José Antonio Pérez Bowie, podemos concluir que el ar tificio detectable en gran par te de su cine es derivado a una concepción de theatrum mundi, donde todo queda imbuido de una per formatividad evidente.
así que me alegra muchísimo poder tener espacio en su estupendo proyecto Archivo Cine.
Le mando un cordial saludo y gracias, de corazón, por incluir mi artículo,
de las películas de Pedro Almodóvar
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Enlaces de interés
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Sergio Leone
Creador del género de los spaghetti western, en boga durante los años 60
Sergio Leone empezó su carrera como ayudante de directores como Comenicini, Soldati y Camerini, y de directores estadounidenses que rodaban en Italia. Tuvo una destacada participación en Sodoma y Gomorra (1962), de Robert Aldrich, filme en el que dirigió los exteriores. Debutó como realizador en El coloso de Rodas (1961) y, varios años más tarde, inició, con Por un puñado de dólares (1964), una serie de westerns violentos y algo brutales, pero rodados con singular fuerza, que le dieron una gran popularidad y batieron récords de taquilla. Esta película, caracterizada por su elegante estilización y la abundancia de primeros planos, imprimió un gran impulso a la entonces estancada carrera de Clint Eastwood, caracterizado como "El hombre sin nombre". Hasta tal punto influyó el estilo de Leone en el actor y cineasta estadounidense que, cuando recibió el Oscar por Sin perdón (1992), Eastwood se lo dedicó en parte al director italiano. Siempre con el gran Ennio Morricone en la banda sonora, Sergio Leone mejoró la fórmula en las dos secuelas que le siguieron, La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), las cuales formaron, junto con la anterior, una trilogía. Respaldado por un cuantioso presupuesto de la Paramount, contó con figuras como Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale para rodar Hasta que llegó su hora (1968), una película épica y coral que muchos consideran su obra maestra, aunque fue un fracaso de taquilla. Desanimado, trabajó sobre todo como productor, pero en 1984 volvió para dirigir su proyecto más ambicioso, Érase una vez en América (1984). Financiada por la industria de Hollywood, es una saga de gángsters de cuatro horas de duración, protagonizada por Robert De Niro. En el momento de su fallecimiento estaba trabajando en un proyecto todavía más ambicioso, una coproducción de setenta millones de dólares sobre el sitio de Leningrado. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)
Las películas dirigidas por Sergio Leone
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EL COLOSO DE RODAS (1961)
Reparto principal | Rory Calhoun, Lea Massari, Mabel Karr, Conrado San Martín
El héroe de la guerra en Grecia, Darío, llega a la isla de Rodas para disfrutar de unas vacaciones invitado por el rey. Todo va a las mil maravillas y Darío quiere descansar después de un conflicto bélico de lo más complicado. Sin embargo, los habitantes de Rodas no están tan tranquilos ya que están preparando una rebelión contra el rey de la isla. La paz de Darío se verá enturbiada por esta revuelta de los esclavos. El héroe griego decide aliarse con los fenicios y terminar con la rebelión lo antes posible. Pero, con el tiempo, Darío se dará cuenta de que se encuentra en el bando equivocado…
La primera película de Sergio Leone, quien ya había trabajado como ayudante del director en péplums como "Los últimos días de Pompeya", "Quo vadis?" y "Ben-Hur", fue esta cinta de romanos cuyo nombre viene de la gran estatua dedicada al dios Helios erigida en la isla griega de Rodas. Filmado en las cántabras localidades de Laredo y Santoña, el largometraje contó con el protagonismo de uno de los actores más populares del espagueti wéstern, Rory Calhoun, algo que pareció premonitorio, pues fue en este género del Oeste en el que Leone brilló más. Memorable la juvenil feminidad de Lea Massari, entonces recién descubierta por Michelangelo Antonioni en "La aventura". Como curiosidad, a pesar de ser el responsable de míticos filmes como "La muerte tenía un precio", "Por un puñado de dólares" o "El bueno, el feo y el malo", "El Coloso de Rodas" siempre fue la película favorita de Leone y la única que no fue musicada por Ennio Morricone.
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SODOMA Y GOMORRA (1962)
Codirigida junto a Robert Aldrich
Reparto principal | Stewart Granger, Pier Angeli, Stanley Baker, Rossana Podestà
Adaptación cinematográfica del relato del 'Génesis' en el que se narra la destrucción divina de las perversas ciudades de Sodoma y Gomorra, esta producción estadounidense de 1962, dirigida por Robert Aldrich, aborda la llegada a las ciudades hermanas de una tribu hebrea liderada por Lot tras atravesar el desierto. Allí Lot conoce a Ildith, una esclava de la que se enamora y con la que se desposa. La convivencia de los hebreos con los sodomitas hace que los primeros adopten los vicios de los segundos. La creciente degeneración moral de sus habitantes lleva a Dios a decidir la destrucción de Sodoma y Gomorra. Lot pide clemencia para sus habitantes y Dios le anuncia por medio de dos ángeles que perdonará a las ciudades del castigo si encuentra a diez sodomitas justos. Lot no lo consigue y debe abandonar las ciudades junto a su tribu.
Robert Aldrich llevó a la práctica una de sus máximas: "Todo director debería rodar una película bíblica, aunque la verdad es que no hay mucho que uno pueda hacer con esta clase de filmes". Sergio Leone, el posterior padre del espagueti wéstern, rodó parte del filme, aunque sin aparecer en los títulos de crédito.
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POR UN PUÑADO DE DÓLARES (1964)
Reparto principal | Clint Eastwood, Gian Maria Volonté, Marianne Koch, José Calvo
Un pistolero llega a un pueblo fronterizo entre Estados Unidos y México, que se disputan dos clanes rivales, los Rojo y los Baxter. Él va ofreciendo sus ‘servicios’ a unos y otros, a cambio del puñado de dólares del título. Frío e implacable, aficionado a las respuestas cínicas –“Nos divertiremos… mientras estemos vivos”, anuncia a unos compañeros de juerga–, demostrará tener corazón cuando echa una mano para lograr la reunificación de una familia. Y de un modo quizá no muy ortodoxo, logrará limpiar el lugar de indeseables.
La película, una especie de revisión rodada en Almería del filme japonés "Mercenario", significó el primer éxito comercial importante del despectivamente denominado espagueti wéstern, con la revelación de Clint Eastwood como protagonista. El éxito del filme hizo que continuara la colaboración entre el director, Sergio Leone, y Eastwood. En los créditos, cabe destacar la presencia del prestigioso autor Ennio Morricone, responsable de la banda sonora de la película.
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LA MUERTE TENÍA UN PRECIO (1965)
Reparto principal | Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Klaus Kinski
El Manco y el Coronel Mortimer son dos hombres que se llevan a matar y que se ganan la vida cazando recompensas, es decir, entregando a los malos a la justicia. Los dos buscan a un malhechor apodado El Indio y deciden aliarse para capturarlo más rápido. El pacto incluye el reparto de la recompensa que obtengan a partes iguales. El Manco es un hombre de fuerza que tiene gran agilidad con el revólver, pero el Coronel, en cambio, prefiere usar la cabeza. Con dos personalidades tan distintas es de entender que durante la captura surjan mil malentendidos entre ellos.
El director Sergio Leone y el actor Clint Eastwood recuperaron al personaje del Hombre Sin Nombre, que ambos habían creado para la clásica "Por un puñado de dólares". Cabe destacar también la pegadiza banda sonora, que tiene el sello inconfundible del célebre compositor italiano Ennio Morricone. La película, que fue rodada íntegramente en España, arrasó en las taquillas y propició la producción de una secuela igualmente exitosa: "El bueno, el feo y el malo".
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EL BUENO, EL FEO Y EL MALO (1966)
Reparto principal | Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè
Durante la Guerra de Secesión, tres hombres se lanzan en busca de un arca que contiene 200.000 dólares en monedas de oro robadas al ejército sudista. Tuco sabe que el tesoro se encuentra en un cementerio, mientras que Joe conoce el nombre inscrito sobre la lápida sepulcral que sirve de escondite. Se necesitan el uno al otro. Pero aparece un tercer hombre: Setenza, un desalmado que no vacila en masacrar a mujeres y niños para conseguir lo que quiere.
A lo largo de los años 60, las producciones europeas que querían llegar a un gran público encontraron una nueva fórmula: copiar los estereotipos de los géneros típicamente yanquis que ya habían cerrado su ciclo. Así surgieron subgéneros como el péplum o el espagueti wéstern, este último encabezado por el director Sergio Leone. Aunque fue maltratado por la crítica, influyó incluso a las películas de Hollywood, ya que muchos productores empezaron a financiar películas del Oeste al estilo de los de Leone. "El bueno, el feo y el malo" supone la última película de la llamada trilogía de los dólares, precedida por "Por un puñado de dólares" y "La muerte tenía un precio".Todas ellas fueron dirigidas por Sergio Leone y protagonizadas por Clint Eastwood en el papel del hombre sin nombre.También las tres contaron con la música de Ennio Morricone y, en el caso de "El bueno, el feo y el malo", su melodía se convirtió en una de las clásicas del género.
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HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (1968)
Reparto principal | Charles Bronson, Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards
En un pueblo pobre y desértico en el que nunca ocurre nada, Brett McBain decide preparar una fiesta de bienvenida para su bella esposa, Jill. Cuando ésta llega a casa después de un largo camino desde Nueva Orleáns, descubre que McBain y sus hijos han sido asesinados por una banda de pistoleros. Jill, entonces, hereda la fortuna de su marido, lo que la sitúa en el punto de mira del Barón del Ferrocarril Morton, encargado de dar la orden de asesinar a su familia. Mientras, un misterioso extraño acompañado de una harmónica y conocido con el mismo nombre que su instrumento, "Harmónica", busca a Frank, el sanguinario pistolero que trabaja bajo las órdenes del Barón. Por otro lado, el fugitivo Cheyenne, que es acusado de haber asesinado a la familia McBain, se une a "Harmónica" en la búsqueda.
Con esta película, el mítico director Sergio Leone empezó su despedida del espagueti wéstern, un subgénero al que había conseguido dotar de entidad propia. Para los críticos, este es el mejor filme de Leone y el que mejor sublima las características de su cine. Con unos espléndidos Henry Fonda, Claudia Cardinale y Jason Robards, "Hasta que llegó su hora" supuso también el inesperado arranque de una trilogía, que acabaría completándose con "Agáchate maldito" y "Érase una vez en América". Además, contó en el guion con dos posteriormente conocidos directores como Dario Argento y Bernardo Bertolucci. Cabe destacar la banda sonora original del inigualable Ennio Morricone.
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¡AGÁCHATE MALDITO! (1971)
Reparto principal | James Coburn, Rod Steiger, Maria Monti, Romolo Valli
Juan Miranda es un campesino mexicano convertido en cabecilla de un grupo de bandidos. John Mallory, irlandés, es un antiguo miembro del IRA y experto en explosivos que vive motivado por intereses políticos. Ambos se conocen en México y deciden unirse para cometer una serie de atracos a bancos. Poco después, se verán involucrados con miembros de la Revolución.
Su renuncia a realizar “El Padrino” hizo posible que Sergio Leone pudiera trabajar en la ambiciosa “Agáchate, maldito”. La película suponía un paréntesis en la trayectoria del italiano que, proponiendo su visión personal de la Revolución Mexicana, quería alejarse de la tendencia monotemática de su filmografía. Sin embargo, el resultado fue un gran fracaso que condicionó el futuro de su trayectoria profesional, ya que los productores estadounidenses que habían invertido en sus últimas producciones dejaron de considerar a Leone como sinónimo de rentabilidad. El inventor del 'spaguetti western' sólo volvería a dirigir una película más, “Érase una vez en América”.
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ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (1984)
Reparto principal | Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld
Por su duración, se llegó a presentar en las pantallas de cine en dos partes, y la obra grabada
se encuentra también en dos partes, aunque en el rodaje no hay intención de intermedio.
Con un relato que abarca cuatro décadas durante su desarrollo, la película cuenta la historia de David "Noodles" Aaronson y sus amigos judíos: Max, Cockeye y Patsy. Desde la crónica de su infancia en el proletario barrio hebreo Lower East Side de Nueva York en la década de 1920 hasta el inicio y evolución de su carrera como gángser durante los años 1930, cuando, como consecuencia de la Ley Seca, se convirtieron en algunos de los mafiosos más importantes y poderosos de la ciudad. Culmina con el regreso de Noodles a Nueva York en 1968 tras el fin de un exilio voluntario que él mismo se impuso para romper con todo ese mundo. Sin embargo, en el momento de su vuelta a la ciudad se enterará de la verdad sobre el destino de sus amigos y deberá enfrentarse de nuevo a las pesadillas que vuelven desde el pasado para acecharle.
Fue la última película de Sergio Leone, uno de los inventores del espagueti wéstern. Leone presentó un montaje de casi cuatro horas, pero el estudio cortó la película hasta dejarla en 139 minutos, lo que dañó irreparablemente su continuidad, aunque posteriormente se restauró el metraje original. La cinta se saldó con un desastre comercial, debido, en gran parte, a este sabotaje por parte de la productora. Pese a ello, muchos la consideran como una obra maestra del género de gánsteres.
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Premios y nominaciones
Globos de Oro
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1984 | Mejor director | Érase una vez en América | Nominado |
BAFTA
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1984 | Mejor director | Érase una vez en América | Nominado |
David de Donatello
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1972 | Mejor director | Agáchate maldito! | Ganador |
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Western hasta Érase una vez en América
El primer encuentro entre Sergio Leone y Ennio Morricone tiene lugar en un internado de Roma, durante la niñez de ambos. Aunque fueron amigos entonces, sus caminos se separaron, y se reencontrarían sólo muchos años después, en 1964, cuando Leone, tras su Coloso de Rodas, se interesa por la música de su antiguo amigo para su primer western. Mientras tanto, Morricone, el niño que a los nueve años había transcrito de oído la obertura de Der Freischtz, de Weber, había estudiado ya trompeta y composición (una combinación explosiva, a juicio de sus profesores) en el Conservatorio de Roma, y tenía amplia experiencia como arreglista de música pop y compositor para cine y teatro, labores en las que había oficiado más de artesano que de artista. Ésta es una de las dos preguntas principales que el espectador puede hacerse al pensar en una labor como la de Leone y Morricone.
que marcó un nuevo paradigma
Como comienzo de este trabajo sobre la carrera en el séptimo arte del productor,actor, guionista, script, asistente de dirección, director de segundaunidad y, sobretodo, director italiano Sergio Leone (1929-1989) vamos a realizar una breve síntesis de cómo estará estructurado el trabajo en cada una de sus partes ya presentadas en el índice; cómo se tratarán cada una de estas partes y, por último, de qué obras cinematográficas vamos a tratar y usar para la realización de este trabajo de estudio. Primero trataremos los antecedentes laborales que ha tenido Leone hasta justo antes de que fuese empujado a ser el director durante elrodaje y postproducción de Gli ultimi giorni di Pompei (1959), a la par que trataremos sus primeras influencias y referentes, y distintas acciones, hechos y consecuencias que le han servido o empujado a lo largo de su carrera.
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Enlaces de interés
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Luis García Berlanga
La España de Berlanga: Cómo el director reflejó nuestra historia a través de su cine
Nacido en Valencia el 12 de junio de 1921 y fallecido en Madrid el 13 de noviembre de 2010. En 1936, cuando estudiaba en la Academia Cabanilles, sobrevino la Guerra Civil. Al terminar la contienda, su padre, antiguo diputado del Frente Popular, fue condenado a muerte por el bando franquista. Con la idea de mejorar la situación carcelaria de su progenitor, el joven se alistó el 14 de julio de 1941 en la División Azul. La etapa que pasó en Rusia, combatiendo en el frente de Novgorod, fue una de las más tenebrosas de su vida. Tras múltiples penalidades, volvió a España en 1942. Hacia 1943 comenzó a sentir una marcada inclinación por la poesía y el cine. Volcado definitivamente en el cine, en 1947 ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC). Ya diplomado, en 1951 dirigió junto a Bardem el largometraje Esa pareja feliz. Su colaboración con Bardem se prolongó en ¡Bienvenido, Mister Marshall! (1952), cuyo guión escribieron juntos. La película, título mítico del cine español, tuvo una buena acogida en el Festival de Cannes y también concurrió al Festival de Cine de Venecia, donde el presidente del jurado, Edward G. Robinson, expresó su indignación por lo que él interpretó como antiamericanismo del filme. La audacia conceptual y política de ¡Bienvenido, Mister Marshall! tuvo su continuación en posteriores obras del cineasta, donde su ácida crítica social quedaba matizada por el costumbrismo y cierto humor negro arraigado en la literatura cómica de las vanguardias. Lógicamente, ese tipo de planteamiento no era bien admitido por la censura imperante. De hecho, otro filme de Berlanga, Los jueves, milagro (1957) fue alterado por los censores y tardó varios años en estrenarse. Desde el punto de vista formal, Berlanga desarrolló un estilo sobrio y de montaje sencillo, frecuentando mucho el plano secuencia. Al narrar sus historias a través de un reparto coral, este recurso narrativo aproximó su cine a la fórmula teatral. En 1955, el cineasta participó en las Conversaciones de Salamanca, un encuentro donde se debatió el futuro del cine español. Un año después, rodó Calabuch, y en 1958 comenzó a impartir clases de cine en el IIEC. La producción de Se vende un tranvía (1959) significó su primer encuentro profesional con el escritor y guionista Rafael Azcona, responsable de los argumentos más importantes de la cinematografía de Berlanga. El siguiente largometraje en que colaboraron, Plácido (1961), se ambientaba en una pequeña ciudad de provincias y mostraba las contradicciones de las campañas de caridad, vacías de contenido frente a las carencias más acuciantes de buena parte de la población. Ese mismo año, Berlanga rodó una de sus mejores películas, El verdugo. Su feroz retrato de la sociedad española no gustó a las autoridades franquistas, y aunque el filme llegó a presentarse con éxito en el Festival de Venecia, los responsables de la administración mostraron su total disconformidad con la película. En 1973 el director viajó a París, con el fin de organizar el rodaje de Tamaño natural, otro largometraje polémico, esta vez centrado en la pasión fetichista de un hombre que se enamora de una muñeca. Pocos años después, en la etapa de la transición democrática, Berlanga dirigió la trilogía formada por La escopeta nacional (1977), Patrimonio nacional (1980) y Nacional III (1982), donde quedaban de manifiesto los desarreglos de la alta burguesía a la hora de abandonar sus antiguos privilegios y amoldarse a los nuevos modos políticos. En esta misma línea, rememorando el pasado, estrenó La vaquilla (1985), ambientada en la Guerra Civil y cuyo guión no había podido rodar previamente por problemas con la censura. La calidad de su cinematografía y la independencia personal del director favorecieron su reconocimiento público en los años que siguieron al fin de la dictadura. (FUENTE: https://www.mcnbiografias.com/)
Las películas dirigidas por Luis García Berlanga
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ESA PAREJA FELIZ (1951)
Codirigida junto a Juan Antonio Bardem
Reparto principal | F. Fernán Gómez, Elvira Quintillá, Félix Fernández, José Luis Ozores
Juan lucha por ganarse la vida como técnico electricista en un estudio cinematográfico y está siempre alerta para conseguir un dinerillo extra. Aunque tiene una pared llena de diplomas por correspondencia, todavía es incapaz de arreglar un simple transistor. Mientras, su mujer Carmen está obsesionada con los concursos y compra más pastillas de jabón de las que la pareja nunca necesitará sólo para probar suerte con los cupones. Justo cuando Juan ha perdido su trabajo por seguir los consejos de un granuja que quería engañarlo, un hombre comunica al matrimonio que acaban de ganar un concurso de la empresa de pastillas de jabón siendo seleccionados como la Pareja Feliz. Deben acudir a Madrid para pasar un día gastando en ropas caras y buenos restaurantes, pero Juan decide utilizar el coche del concurso para ir a la búsqueda del hombre que lo ha traicionado.
Debut tras las cámaras de uno jóvenes Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, en un momento en que España todavía vivía la dureza de la posguerra. Con un guión escrito también de manera conjunta, Bardem y Berlanga intentaron dar a la comedia española del momento cierto contenido crítico, o cierta densidad al relato. Pese a que en su momento no fue una película muy bien entendida, con el tiempo ha sido mucho mejor considerada. En el papel protagonista, un joven Fernando Fernán Gómez.
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BIENVENIDO, MISTER MARSHALL (1953)
Reparto principal | José Isbert, Manolo Morán, Lolita Sevilla, Alberto Romea
El alcalde de Villar del Río, un hombre bonachón y un poco duro de oído, recibe la noticia del paso por la localidad de las autoridades estadounidenses que facilitan ayuda económica al país. Así, decide disfrazar a toda la población al más puro estilo andaluz para sorprender a sus visitantes y recibir mayor cantidad de dinero.
En principio, la película fue un encargo que tenía como objetivo principal el lanzamiento de la joven cantante Lolita Sevilla. El filme debía contener, por lo menos, cinco canciones para su lucimiento personal. Berlanga aceptó el proyecto, pero lo convirtió en una dura sátira sobre el Plan Marshall, la ayuda económica de los yanquis a Europa que, irónicamente, no llegó a España.
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NOVIO A LA VISTA (1954)
Reparto principal | Josette Arno, Jorge Vico, Julia Caba Alba, Antonio Riquelme
Nada como el pretexto del veraneo para irse hacia las playas en busca de novios posibles para las muchachas casaderas. Esto pensaban las mamás de principios del siglo XX. En 1914, Loli es convencida por la suya, abandonando los juegos propios de sus pocos años. Su madre la acompaña a una playa de moda, la de San Sebastián, con el secreto propósito de que la chica encuentre un novio conveniente, a ser posible un prometedor ingeniero a quien ellos conocen de veranear siempre en ese lugar. Sin embargo, ella mantiene una relación amorosa, puramente platónica y adolescente, con un chico de su edad, Enrique, quien a consecuencia de su fracaso en los exámenes de junio está obligado familiarmente a invertir la mayor parte del verano en preparar el examen de septiembre.
Basada en una historia de Edgar Neville, se trata de una película bastante insólita dentro de la filmografía de Luis García Berlanga, que retrata el ambiente de principios de siglo y la situación de posguerra (en este caso post Primera Guerra Mundial) con un humor sutil. Berlanga estuvo apunto de contar como protagonista con la en aquel momento desconocida Brigitte Bardot, pero no pudo ser por incompatibilidades de fechas. Entonces, se sustituyó por la no menos popular actriz francesa Josette Arno. La película supuso, también, el debut cinematográfico de Terele Pávez, y además contó con un amplio reparto de los mejores secundarios de la época, entre ellos: José Luis López Vázquez, o Fernando Aguirre.
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CALABUCH (1956)
Reparto principal | Edmund Gwenn, Valentina Cortese, Juan Calvo, Franco Fabrizi
Jorge es un científico nuclear que huye de Estados Unidos asustado por su participación en la creación de la bomba atómica. Se refugia en un pueblo mediterráneo llamado Calabuch. Pronto conectará con las gentes del lugar, ayudándoles a realizar los mejores fuegos artificiales jamás vistos en la región. Sin embargo, la popularidad de Jorge empieza a crecer, poniendo en peligro su anonimato.
El director y guionista Luis García Berlanga presenta esta entrañable comedia, la menos ácida de su filmografía, en la que ofrece el retrato de un idílico pueblecito mediterráneo. Este filme, de carácter costumbrista y muy influido por el llamado neorrealismo rosa que puso de moda "Pan, amor y fantasía" de Luigi Comencini, es una coproducción hispano-italiana que cuenta con un equipo formado por grandes profesionales de ambas nacionalidades. Así, la música está compuesta por Francesco Lavagnino; el guion, escrito por Leonardo Martín, Florentino Soria, el propio director y el prestigioso novelista italiano Ennio Flaiano; y como secundarios aparecen los habituales del cine de Berlanga: Juan Calvo, José Isbert, Félix Fernández, Nicolás Perchicot y Manuel Alexandre.
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LOS JUEVES, MILAGRO (1957)
Reparto principal | Richard Basehart, José Isbert, Paolo Stoppa, Juan Calvo
Para promocionar el balneario de Fontecilla, las fuerzas vivas del pueblo deciden inventarse un milagro, representando la aparición de San Dimas a un alma inocente de la localidad. Los problemas surgen cuando José, que ha representado al santo, se cansa del papel. Una de las primeras y más ácidas películas del director Luis García Berlanga. Se trata de una sátira con tintes neorrealistas sobre aspectos culturales de la sociedad de la época.
Una de las primeras y más ácidas películas del director Luis García Berlanga. Se trata de una sátira con tintes neorrealistas sobre aspectos culturales de la sociedad de la época. Coproducida entre Italia y España, sufrió los cortes de la censura, hasta el punto que Berlanga intentó que el fraile dominico encargado de los reajustes apareciera en los créditos como guionista. Aún así, tardó dos años en estrenarse en España. El reparto está encabezado por Richard Basehart, Paolo Stoppa José Isbert y Alberto Romea, ambos protagonistas del clásico "Bienvenido, Mr. Marshall". Como curiosidad, este fue el último rol de Romea, pues falleció pocos años después del estreno de la cinta.
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PLÁCIDO (1961)
Reparto principal | Cassen, J. L. López Vázquez, Amelia de la Torre, M. Carmen Yepes
Unas mujeres realmente adineradas tienen la intención de llevar a cabo una iniciativa en diferentes provincias de la Península durante la celebración de la Nochebuena, pretendiendo con ello festejar como es debido un evento multitudinario tan importante y señalado. Se trata de una campaña de acogida de gente necesitada bajo el lema "siente un pobre a su mesa", algo que cuenta con el respaldo de los principales mandatarios de las ciudades en las que se ha realizado la propuesta. La petición va aderezada por una colosal parafernalia que cuenta con el patrocinio de las ollas Cocinex: comenzará con una cabalgata de pobres, seguirá con la presentación de numerosas estrellas de cine llegadas ex profeso de Madrid, avanzará a continuación por medio de una subasta pública de convidados y finalizará con una aclamada retransmisión radiofónica para agradecer el apoyo de todos sus participantes.
La primera de las muchas colaboraciones entre Berlanga y el guionista Rafael Azcona. De este tándem saldrían muchos filmes llenos de humor ácido y sátira social, entre los que brilla con luz propia esta esperpéntica visión de la España de la época. Justamente con esta película y con "El verdugo", Berlanga y Azcona llegaron al mejor momento de su carrera. "Plácido" también supuso el debut cinematográfico de Cassen como actor y de Alfredo Matas como productor. En principio, la película se tenía que llamar "Siente a un pobre en su mesa" pero la censura no lo permitió. Fue candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa, aunque la estatuilla recayó finalmente en "Ocho y medio" de Fellini.
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LAS CUATRO VERDADES (1962)
Dirigida por | Hervé Bromberger, René Clair, Alessandro Blasetti, Luis García Berlanga
La película se divide en cuatro episodios a partir de las célebres fábulas de La Fontaine:
"La muerte del leñador ", dirigida por Luis García Berlanga. El alemán Hardy Krüger interpreta a El rubio, un organillero acosado por la desgracia: la manivela con que hace música se halla requisada, debe afrontar una interminable lista de pagos, multas, sanciones e impuestos para poder recuperarla, y, como necesita el organillo para reunir el dinero con que pagar pero sin la manivela no lo puede hacer funcionar, le sale más a cuenta pedir a un amigo que regenta un tenderete callejero (Manuel Aleixandre) que birle otra para él en un puesto próximo, o bien fabricarse una artesanalmente. Para colmo, el mulo que arrastra el órgano se rompe una pata, y se ve abocado a cargar él mismo con el voluminoso artilugio… Su desesperación le lleva a plantearse el suicidio, pero ni eso, por lo visto, puede salirle bien… (FUENTE: 39escalones.wordpress.com/)
Dentro de la moda de las películas de episodios que proliferó en las cinematografías europeas, tanto dentro de los límites nacionales como en la modalidad de coproducción, desde los últimos 50 a los primeros 70, el punto de unión de Las cuatro verdades (1962) consiste en la traslación a época contemporánea y a personajes de carne y hueso de cuatro historietas del célebre fabulista francés Jean de La Fontaine (1621-1695). Las películas colectivas, en general, parten de la dificultad que supone el mantenimiento de una uniformidad visual, narrativa e interpretativa a lo largo de sus distintos compartimentos y, como resultado, en el conjunto final, sin que se resienta la unidad, la estética o la coherencia del acabado.
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EL VERDUGO (1963)
Reparto principal | Nino Manfredi, Emma Penella, José Isbert, Ángel Álvarez
José Luis es un empleado de una funeraria que tiene la intención de emigrar a Alemania para convertirse en un mecánico de alto nivel. Pero su sueño se ve truncado cuando su suegro Amadeo, un verdugo profesional, le pilla haciendo el amor con su hija Carmen, que es la novia de José Luis. El padre les obliga a casarse, pero ante la más que problemática falta de dinero, Amadeo le propone a José que coja su relevo como verdugo, ya que él está a punto de jubilarse, porque de esa forma obtendría un techo que ofrecerle a su hija. José Luis termina aceptando la proposición convencido de que nunca tendrá que ejecutar a nadie. Nada más lejos de la realidad.
Comedia negra que sin duda es una de las mejores películas de Luis García Berlanga. El realizador aprovecha un inspirado guión de Rafael Azcona que lanza una clara crítica contra la pena de muerte, pero también describe problemas de la España de la época, como la dificultad para acceder a una vivienda, la burocratización, etc. También describe fenómenos como el turismo emergente del momento. Según el propio Berlanga también quería tratar la dificultad del ciudadano para seguir su propio camino en libertad. "Lo importante en la historia es, a mi juicio, la facilidad con que el hombre contemporáneo acaba cediendo a los condicionamientos sociales, se trague inconscientemente -o quizá no- los elementales cebos que las circunstancias le tienden y quede así, sujeto a las garras de un estado de vida que no es el que íntimamente habría deseado", comentó el realizador. Como curiosidad, el director valenciano ha contado en más de una ocasión que la censura le hizo eliminar el sonido de los hierros del garrote vil, que el verdugo lleva en su maleta.
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LA BOUTIQUE (1967)
Reparto principal | Sonia Bruno, Rodolfo Bebán, Ana María Campoy, Osvaldo Miranda
Carmen es una mujer que vive en Buenos Aires cansada de su vida y, sobre todo, de su marido Ricardo, un hombre de negocios que no le aporta nada. El matrimonio está dando sus últimos coletazos y la madre de Carmen, Luisa, decide contarle a su yerno que su hija padece una enfermedad terminal -cosa que es mentira-. Ricardo, para aliviar un poco su sentimiento de culpa, decide abrir una boutique de ropa para que Carmen se haga cargo de ella. El plan de Luisa parece ir según ella había previsto hasta que Carmen empieza a filtrear con el decorador y Ricardo con la dependienta que han contratado. Por si no fuera sufuciente la complicada situación, Ricardo descubre la mentira que ha construido su suegra. Un asesinato comenzará a rondar la cabeza de los protagonistas.
Coproducción entre España y Argentina (en ese país se tituló Las pirañas) en lo que puede considerarse uno de los largometrajes más insípidos de Berlanga, quizá atacado por las modas de su reparto (Sonia Bruno y Rodolfo Bebán) y por un cierto toque hippy que no le favorece en absoluto. A pesar de algún que otro afortunado gag de Azcona, todo el desarrollo de su trama nos la coloca algo alejada del cine iconoclasta y cínico de su autor. Una lástima porque la idea no era del todo desdeñable.
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¡VIVAN LOS NOVIOS! (1970)
Reparto principal | J. L. López Vázquez, Laly Soldevila, José M. Prada, M. Alexandre
Leonardo llega a Mallorca con su madre el día antes de su boda con la bellísima Loli. Deseoso de aventuras antes de casarse, empieza a multiplicar los encuentros con mujeres, pero no consigue su objetivo, lo que le provoca una tremenda desilusión. Al llegar a casa, descubre que su madre se ha ahogado en la piscina. Loli y su familia intentan convencer a Leonardo para que no se sepa nada del accidente, con el único objetivo de no retrasar la fecha de la boda que, teniendo en cuenta el año de luto y el año alivio, podría aplazarse hasta dos años.
Una de las películas menos celebradas de Luis García Berlanga, en la que el director español vuelve a caricaturizar los elementos que conforman las relaciones familiares en España. Con una dosis de humor negro y esperpento, incluso más alta de lo habitual, "Vivan los novios" es un filme que vuelve a estructurarse a través de un reparto coral, formado por rostros tan conocidos de la filmografía de Berlanga como Manuel Alexandre o José Luis López Vázquez. Todo ello hizo que la cinta participara en la sección oficial del Festival de Cannes de 1970, a pesar de no conseguir el éxito crítico de filmes como "Plácido" o "El verdugo".
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TAMAÑO NATURAL (1974)
Reparto principal | Michel Piccoli, Rada Rassimov, Valentine Tessier, Queta Claver
Un respetado dentista parisino vive con su mujer y su madre hasta que un día recibe un paquete enviado desde Japón. El envío contiene una muñeca hinchable y el dentista decide irse a vivir con ella y amarla y respetarla como si fuera una mujer de verdad. Pero esta extraña relación está destinada a acabar en tragedia.
Cansado de que la censura franquista prohibiera muchos de sus proyectos, Berlanga se vio obligado a rodar esta película en francés. En España no fue estrenada hasta 1978, ya muerto el dictador. De todos modos, la película no tuvo problemas sólo en nuestro país, pues a nivel internacional provocó un gran escándalo y fue tachada de machista y misógina. Acusaciones de las que el director se defendió aduciendo que en realidad se trataba de una alegoría sobre la soledad e incomunicación de la sociedad actual.
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LA ESCOPETA NACIONAL (1978)
Trilogía de la familia Leguineche
Reparto principal | Luis Escobar, J. L. López Vázquez, A. Soler Leal, José Sazatornil
Es invierno de 1972 y el industrial catalán Jaime Canivell, representante de una importante fábrica de porteros electrónicos, viaja con su amante hasta Madrid para participar en una cacería en la finca Los Tejadillos, propiedad de los Marqueses de Leguineche. El acuerdo entre el marqués y Canivell consiste en que, de forma secreta, el segundo paga los gastos del evento y, a cambio, el marqués le aporta la posibilidad de codearse con sus invitados de la alta sociedad para que pueda mejorar su negocio e incluso conseguir alguna nueva venta de sus aparatos. El principal objetivo de Jaime es Álvaro, ministro de Industria, pero durante la cacería tendrá lugar un cambio de gobierno que dejará al contacto ministerial en la calle y el empresario deberá cambiar la orientación de sus atenciones para agasajar al nuevo equipo de gobierno, miembro del Opus Dei.
Comedia coral de Luis García Berlanga y primera entrega de una trilogía a la que seguirían "Patrimonio nacional" y " Nacional III", sobre la situación de la Transición española a través de una peculiar familia monárquica. Basado en un guion inspirado en las cacerías de Franco y rodado en largos planos, marca el comienzo del tercer período en la obra de Berlanga, caracterizado por un cine más comercial y cómico, aunque sin dejar la sátira y el realismo. La película supuso la consagración como intérprete del olvidado director de teatro Luis Escobar, una actuación memorable que lo encasillaría en el papel de aristócrata con tintes autoparódicos. Le acompañan un interminable elenco lleno de grandes nombres, entre los que destacan los fallecidos José Sazatornil, uno de los actores cómicos españoles más importantes del siglo XX, y el prolífico José Luis López Vázquez. Todo ello la convirtió en todo un clásico imprescidible del cine español.
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PATRIMONIO NACIONAL (1981)
Trilogía de la familia Leguineche
Reparto principal | Luis Escobar, J. L. López Vázquez, A. Soler Leal, Mary Santpere
Al finalizar el régimen franquista, el Marqués de Leguineche, tras treinta años de exilio voluntario, regresa a su palacio de Madrid, donde con la restauración de la monarquía, espera poder volver a reanudar la esplendorosa vida cortesana de antaño. Sin embargo, todas las tentativas de tomar contacto con el rey fracasan, lo que añadido a la actuación de los extraños seres que componen la familia del marqués, da lugar a inéditas y variadísimas situaciones.
Tras el éxito de "La escopeta nacional", Luis García Berlanga rodó "Patrimonio nacional", la segunda parte de la trilogía de comedias sobre la Transición, que cerró con "Nacional III" en 1982. Para esta nueva obra coral llena de personajes surrealistas, Berlanga contó con nombres habituales de su filmografía como el guionista Rafael Azcona y los actores Luis Escobar, José Luis López Vázquez, Luis Ciges, Agustín González, Amparo Soler Leal y Mary Santpere, entre otros. Entre el reparto de aristócratas figuran José Luis de Vilallonga y el escritor Joaquín Calvo Sotelo. También aparecen con pequeños papeles el dibujante Mingote y el realizador Jaime Chávarri.
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NACIONAL III (1982)
Trilogía de la familia Leguineche
Reparto principal | Luis Escobar, J. L. López Vázquez, A. Soler Leal, Agustín González
El Marqués vende el palacio y se traslada con Luis José, su hijo, a un piso de su propiedad. Les acompañan Segundo y Viti, los dos criados, que han contraído matrimonio. Muere el padre de Chus, la mujer de Luis José, por lo que toda la familia se traslada a Extremadura, donde tiene sus posesiones el difunto, para asistir al entierro y así poder sacar algo de la herencia. Chus, haciendo caso de las indicaciones de Luis José, decide vender la hacienda y evadir el capital a Francia, para lo que montan una pantomima en el tren de Lourdes.
Título que cierra la trilogía de la familia Leguineche. Aunque en esta ocasión el asunto no salió tal y como el público esperaba, ya que, desde su argumento inicial, parece más una comedia políticamente coyuntural de Mariano Ozores que una ácida crítica social de Berlanga. El filón ya estaba agotado, notándose cierta dejadez en un doblaje ineficaz, situaciones burdas (los camareros con la rosa en la mano, el truco fallido del brazo de escayola, el top-less limpiabotas...) y situaciones, diálogos y personajes demasiado vistos anteriormente en la serie. La acción tiene lugar en 1981, cuando después del fallido golpe de Estado de Tejero, los Leguineche deciden evadir su capital a Francia aunque, para su desgracia, el partido socialista gana las elecciones.
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LA VAQUILLA (1985)
Reparto principal | Alfredo Landa, Guillermo Montesinos, José Sacristán, Carles Velat
En medio de la Guerra Civil española, un pelotón de soldados republicanos cruza la línea del frente de Aragón con la intención de robar la vaquilla que el enemigo tiene intención de utilizar en una corrida para celebrar la festividad del patrón del pueblo en el que se encuentran. De esta manera piensan matar dos pájaros de un tiro consiguiendo comida para el regimiento y fastidiando la fiesta del bando sublevado. El brigada Castro y el teniente Broseta son los encargados de dirigir al pintoresco grupo de soldados que llevará a cabo la misión. Pero la tarea de raptar a la vaquilla no es tan sencilla como imaginaban y, una vez que se han infiltrado en el pueblo, los soldados vivirán toda clase de peripecias ocultando su pertenencia al bando republicano. Mientras, el comandante nacionalista tiene sus propios problemas con un marqués ansioso por que lance una ofensiva que acabe con la división en dos de su finca.
Luis García Berlanga, director que retrató con un humor crítico varios momentos de la historia reciente de España, plantea aquí una historia de la Guerra Civil Española. La película se estrenó fuera de la censura franquista, en 1985, aunque el guión es bastante anterior. Con la llegada de la democracia, el cineasta valenciano se decantó por la comedia de tono más popular como la trilogía de “La escopeta nacional” o la propia “La vaquilla”, escritas casi todas junto a su fiel guionista Rafael Azcona. La vaquilla fue una de las películas más caras del cine español y también fue un gran éxito de taquilla.
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MOROS Y CRISTIANOS (1987)
Reparto principal | F. Fernán Gómez, Agustín González, Rosa Maria Sardà, Pedro Ruiz
Los Planchadell son una familia propietaria de una fábrica de turrones. Cuando la venta de sus productos comienza a escasear, deciden viajar a Madrid para promocionar su turrón en una conocida feria gastronómica. Sin embargo, las cosas no salen como ellos pensaban y la situación es cada vez más insostenible. Tan solo la aparición de López, un excéntrico asesor de imagen, podría ayudarles a salir del bache. Con extrañas e insensatas técnicas de promoción y marketing, López consigue que poco a poco la venta de turrón aumente. Sin embargo su forma de actuar no agradará a Fernando Planchadell, el patriarca de la familia, un hombre serio con férreos principios que desde el primer momento rivalizará con el asesor.
Una comedia coral y alocada, en la línea de todas las de la última etapa de Berlanga. El trabajo le valió el Goya a la mejor actriz de reparto a Verónica Forqué. Además, estuvo nominada a otros tres cabezones: mejor guion y mejor actor de reparto (Pedro Ruiz y Agustín González, respectivamente). Del extenso reparto repleto de rostros conocidos del cine español como Fernando Fernán Gómez, Chus Lampreave, Andrés Pajares, Antonio Resines o José Luis López Vázquez, también destaca la presencia de Rosa Maria Sardà quien reemplazó en el último momento a Carmen Maura.
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TODOS A LA CárCEL (1993)
Reparto principal | José Sazatornil, Juan Luis Galiardo, A. González, Santiago Segura
Verano de 1993. Fuera de los muros de la cárcel Modelo de Valencia todo parece en calma: sólo hay una novedad más allá de las rejas, y es que se acerca el Día Internacional del Preso de Conciencia y el hábil Luis Quintanilla, secretario de la Organización, ultima los preparativos en la compañía del director del presidio. Al acto asistirán representantes de las fuerzas políticas, gente de la cultura y el espectáculo y, con suerte, alguien de la jet set. Sin embargo, detrás de tan esperpéntico e hipócrita espectáculo se traman intrigas paralelas, y es que un importante personaje de los que manejan la economía mundial está recluido en la mismísima prisión. Ahora, fuerzas secretas planean tanto su fuga como la posibilidad de eliminarlo, mientras los funcionarios están al borde de una huelga y los reclusos a un paso del motín.
Una de las películas más conocidas de Berlanga es esta comedia coral en la que comparten plano intérpretes de la talla de José Luis López Vázquez, Juan Luis Galiardo, José Sacristán, Agustín González o Manuel Alexandre. A pesar de ganar los Goyas a la mejor película, director y sonido, casi toda la crítica coincidió en calificarla como menor dentro de la filmografía de su ya mítico director. Aún así, la carga de ironía inherente al cine del valenciano se mantiene incólume.
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PARÍS-TOMBUCTÚ (1999)
Reparto principal | Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Eusebio Lázaro
Michel des Assantes tiene éxito profesional como cirujano plástico, pero su vida, ya en la vejez, no le gusta. No quiere a su mujer, ni a su hijo, al que no puede evitar ver como un extraño, ni tampoco a sus amigos. Además, el doctor Des Assantes sufre una impotencia sexual que le genera gran frustración. Este conjunto de circunstancias le lleva a tomar la determinación de suicidarse. Cuando se prepara para hacerlo, arrojándose por la ventana, se da cuenta de que también carece de valor para dar ese paso. Finalmente, decide emprender un descabellado viaje en bicicleta entre París, donde vive, y la ciudad maliense de Tombuctú. De camino a África se detiene en un pueblo de la costa española, en el que conoce a la impulsiva Trini, una mujer madura que cambiará su percepción de las cosas junto al resto de alocados vecinos de una localidad dominada por la anarquía.
Luis García Berlanga anunció su retirada del cine con esta comedia coral, en la que participaron Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Santiago Segura y Juan Diego (que ganó el Goya al mejor actor de reparto por su trabajo), por citar sólo a algunos. Además, Manuel Alexandre volvió a encarnar el papel del pintor de barcas que ya interpretó en "Calabuch", convirtiéndose ésta en una de las muchas referencias a la propia obra del director de las que está impregnada la película.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1962 | Mejor película de habla no inglesa | Plácido | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1988 | Mejor guion original | Moros y cristianos | Candidato |
| 1994 | Mejor dirección | Todos a la cárcel | Ganador |
| Mejor guion original | Todos a la cárcel | Candidato |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1953 | Palma de oro | Bienvenido, Mister Marshall | Candidato |
| Mejor comedia | Bienvenido, Mister Marshall | Ganador | |
| Mención especial al guion | Bienvenido, Mister Marshall | Ganador | |
| 1962 | Palma de oro | Plácido | Candidato |
| 1970 | Palma de oro | ¡Vivan los novios! | Candidato |
| 1981 | Palma de oro | Patrimonio nacional | Candidato |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1956 | León de oro | Calabuch | Candidato |
| Premio OCIC | Calabuch | Ganador | |
| 1963 | Premio FIPRESCI | El verdugo | Ganador |
- Asamblea de Directores Realizadores Cinematográficos españoles
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2002 | Premio honorífico de la ADIRCAE | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1986 | Premio ASECAN a la mejor película española | La vaquilla | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2000 | Faro de plata | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Mejor película | París-Tombuctú | Candidato |
| Premio OCIC | París-Tombuctú | Ganador | |
| Premio FIPRESCI | París-Tombuctú | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1951 | Premio Jimeno | Esa pareja feliz | Ganador |
| 1953 | Mejor argumento original | Bienvenido, Mister Marshall | Ganador |
| 1959 | Mejor argumento original | Los jueves, milagro | Ganador |
| 1961 | Mejor director | Plácido | Ganador |
| 1963 | Mejor argumento original | El verdugo | Ganador |
| 1993 | Mejor director | Todos a la cárcel | Ganador |
- Premios Bronce de Guía del Ocio
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1985 | Mejor película | La vaquilla | Ganador |
| Mejor director | La vaquilla | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Toda una vida | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2006 | Trayectoria cinematográfica | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Premio Cinemanía | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1986 | Premio Princesa de Asturias de las Artes | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1962 | Mejor película española | Plácido | Ganadora |
| Mejor director español | Plácido | Ganador | |
| 1964 | Mejor película española | El verdugo | Ganador |
| 1981 | Mejor película española | Patrimonio nacional | Ganador |
- Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1956 | 2.º Premio a la mejor película | Calabuch | Ganadora |
| Premio al mejor guion | Calabuch | Ganadora |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1992 | Premio especial | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1958 | Mención especial | Los jueves, milagro | Ganadora |
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Luis García Berlanga: De Villar del Río a Tombuctú
Monografías del cine español núm. 4
Desde Bienvenido Mister Marshall (1952) hasta París-Tombuctú (1999), película que cierra su filmografía, realizamos un recorrido por la obra cinematográfica de Luis García Berlanga (1921-2010) y un homenaje al que ha sido un cineasta imprescindible para entender la historia de nuestro cine. Planteamos la revisión, el visionado, y el análisis de su trayectoria, desde diferentes perspectivas: la de los cineastas, la de los críticos y la de los historiadores.
José Luis Castro de Paz y Julio Pérez Perucha
en la historia del cine español
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Enlaces de interés
YouTube: Video de García Berlanga - Películas: Películas de García Berlanga
Imágenes: Imágenes de García Berlanga - Videos: Más videos de García Berlanga
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Elia Kazan
Fue maestro de muchos jóvenes llegados a la dirección en los años cincuenta y una larga lista de actores le deben haber alcanzado altas cotas interpretativas gracias a las clases de dirección de actores que impartió en su centro de formación.
Director de cine estadounidense. Siendo aún muy joven se trasladó con su familia a Nueva York, donde cursó sus estudios primarios en la Mayfair School de New Rochelle y los secundarios en el William College. Con veintiún años ingresó en la Universidad de Yale para estudiar arte dramático y, dos años más tarde, comenzó a desempeñar todo tipo de trabajos en el Group Theatre hasta que desapareció en 1941. Se convirtió en uno de los mejores directores de actores que dio el cine estadounidense y buena muestra de sus inquietudes fue su trayectoria cinematográfica, en la que se suceden títulos de desigual acierto pero que asumen compromisos con las realidades sociales. Elia Kazan fue maestro de muchos jóvenes llegados a la dirección en los años cincuenta, y una larga lista de actores le deben haber alcanzado altas cotas interpretativas gracias a las clases de dirección de actores que impartió en su centro de formación. No sorprendió, pues, entre los miembros de la profesión que Martin Scorsese le entregara en 1998 el Oscar honorífico de la Academia, aunque el gesto fue reprochado por muchos de sus coetáneos que no olvidaban la actitud delatora de Kazan en el pasado. (FUENTE: Tomás Fernández y Elena Tamaro - https://biografiasyvidas.com)
Las películas dirigidas por Elia Kazan
La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Playcine - Imdb - Wikipedia - Filmin - Dcine - Cineyseries.net
LAZOS HUMANOS (1945)
Reparto principal | Dorothy McGuire, Joan Blondell, James Dunn, Lloyd Nolan
MAR DE HIERBA (1946)
Reparto principal | Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Robert Walker, Melvyn Douglas
EL JUSTICIERO (1947)
Reparto principal | Dana Andrews, Jane Wyatt, Lee J. Cobb, Cara Williams
LA BARRERA INVISIBLE (1947)
Reparto principal | Gregory Peck, Dorothy McGuire, John Garfield, Celeste Holm
PINKY (1949)
Reparto principal | Jeanne Crain, Ethel Barrymore, Ethel Waters, William Lundigan
PÁNICO EN LAS CALLES (1950)
Reparto principal | Richard Widmark, Paul Douglas, Barbara Bel Geddes, Jack Palance
UN TRANVÍA LLAMADO DESEO (1951)
Reparto principal | Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden
¡VIVA ZAPATA! (1952)
Reparto principal | Marlon Brando, Jean Peters, Anthony Quinn, Joseph Wiseman
FUGITIVOS DEL TERROR ROJO (1953)
Reparto principal | Fredric March, Terry Moore, Gloria Grahame, Paul Hartman
LA LEY DEL SILENCIO (1954)
Reparto principal | Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb
AL ESTE DEL EDEN (1955)
Reparto principal | James Dean, Raymond Massey, Julie Harris, Burl Ives
BABY DOLL (1956)
Reparto principal | Karl Malden, Carroll Baker, Eli Wallach, Mildred Dunnock
UN ROSTRO EN LA MULTITUD (1957)
Reparto principal | Andy Griffith, Patricia Neal, Anthony Franciosa, Walter Matthau
RÍO SALVAJE (1960)
Reparto principal | Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet, Albert Salmi
ESPLENDOR EN LA HIERBA (1961)
Reparto principal | Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle, Barbara Loden
AMÉRICA, AMÉRICA (1963)
Reparto principal | Stathis Giallelis, Frank Wolff, Harry Davis, Elena Karam
EL COMPROMISO (1969)
Reparto principal | Kirk Douglas, Faye Dunaway, Deborah Kerr, Richard Boone
LOS VISITANTES (1972)
Reparto principal | Patrick McVey, Patricia Joyce, James Woods, Steve Railsback
EL ÚLTIMO MAGNATE (1976)
Reparto principal | Robert De Niro, Tony Curtis, Robert Mitchum, Theresa Russell
Premios y nominaciones
Premios Óscar
Año |
Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1948 | Mejor director | La barrera invisible | Ganador |
| 1952 | Mejor director | Un tranvía llamado deseo | Candidato |
| 1955 | Mejor director | La ley del silencio | Ganador |
| 1956 | Mejor director | East of Eden | Nominado |
| 1964 | Mejor director | América, América | Nominado |
| Mejor película | América, América | Nominado | |
| Mejor guion adaptado | América, América | Nominado | |
| 1998 | Óscar honorífico | Ganador | |
| Año | Categoría | Galardonado | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1950 | Premio Internacional | Pánico en las calles | Ganador |
| 1951 | Premio Especial del Jurado | Un tranvía llamado Deseo | Ganador |
| 1954 | León de Plata | La ley del silencio | Ganador |
| Premio Pasinetti | Ganador | ||
| Premio OCIC | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1955 | Mejor película dramática | Al este del Edén | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1958 | Mejor director extranjero | East of Eden | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1964 | Concha de Oro a la mejor película | América, América | Ganador |
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Conferencia de Elia Kazan
sobre la dirección y puesta en escena
Heider Vargas
El siguiente texto corresponde a una charla que Elia Kazan sostuviera con los estudiantes de la Wesleyan University, en Middletown, Connecticut, al final de la retrospectiva que organizaron de su obra en otoño de 1973, acaso sin saberlo, el aclamado realizador de La ley del silencio y Un tranvía llamado deseo plasmó en este texto un verdadero manifiesto sobre lo que significa la realización cinematográfica, contado desde adentro, y con la propiedad y la sabiduría de un verdadero maestro. Este texto, con todos los años que lleva escrito, no ha perdido un ápice de vigencia.
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Enlaces de interés
YouTube: Video de Elia Kazan - Películas: Películas de Elia Kazan
Imágenes: Imágenes de Elia Kazan - Videos: Más videos de Elia Kazan
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José Luis Garci
En 1983 ganó el primer Óscar para una producción española en la categoría
de mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar
Director, guionista y productor de cine español. Nacido en el seno de una familia humilde, desde muy pequeño asistió a los cines de programa doble que había en su barrio, como muchos niños de su época, con el fin de pasar el tiempo de una manera entretenida. Tras finalizar sus estudios de bachillerato y preuniversitario entró como administrativo en una entidad bancaria, actividad que le permitió ampliar sus conocimientos de cine, escribir muchos artículos que no publicó, además de asistir a los principales festivales cinematográficos y dar sus primeros pasos en revistas especializadas como Signo, revista SP, Cinestudio o Reseña, entre otras. A partir de 1969 se inició en la escritura de guiones, siguiendo el consejo que le dieron José María González Sinde y Antonio Mercero. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/garci.htm)
Las películas y cortos dirigidos por José Luis Garci
La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Playcine - Imdb - Wikipedia - wordpress.com - Cineyseries.net
Agradezco la colaboración del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti
¡AL FÚTBOL! (1975)
Corto documental
MI MARILYN (1975)
Corto documental
TIEMPO DE GENTE ACOBARDADA (1976)
Corto
ASIGNATURA PENDIENTE (1977)
Reparto principal | José Sacristán, Fiorella Faltoyano, Antonio Gamero, Silvia Tortosa
Siguiendo la estela de su cortometraje Tiempo de gente acobardada (1976), el cineasta José Luis Garci estrenó en abril de 1977 su primer largometraje, Asignatura pendiente. Más de dos millones de espectadores pasaron por taquilla y la película se convirtió en uno de los mayores éxitos del cine de la Transición.
En la década de los cincuenta, José y Elena vivieron una bonita historia. Los dos eran adolescentes y vivieron este primer amor de la forma más intensa, como solo los adolescentes saben hacer. Después se separaron y continuaron sus vidas por separado, pero el destino les tenía preparado un reencuentro fortuito y agradable. Han pasado 20 años desde que se conocieron cuando los protagonistas vuelven a encontrarse. Ambos están casados y tienen una familia, pero la atracción surge de nuevo como el primer día. Encontrarse uno al otro supone una vía de escape a dos vidas que no terminan de convencerles, así que deciden disfrutar su historia de manera oculta. Por si sus respectivos compromisos no fueran ya suficiente obstáculo, a sus dificultades se suma el contexto socio-político de la época, un periodo entre la dictadura franquista y la transición.
Siguiendo la línea de sus días como guionista de la denominada 'tercera vía' (un término que se usó para describir un tipo de películas del cine español que pretendían quedarse a medio camino entre el cine experimental y la clásica 'españolada'), José Luis Garci debutó como director con esta cinta que se convirtió en uno de los títulos clave de la transición española, amén de conseguir un gran éxito de taquilla. Narrada mediante una larga retrospectiva, "Asignatura pendiente" es una mirada tierna y ácida a la vez de un tiempo pasado que nunca fue mejor, pero que, por suerte o por desgracia, fue el del cineasta.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Se ha hablado mucho de esta película como crónica-retrato-memoria de la Transición, pero más allá de esta evidencia, me ha interesado el dibujo de personajes -muy matizado- y el aire de cine francés que se percibe en el tono y el ritmo. Sacristán y Faltoyano están muy finos y la sorpresa es el soberbio alegato final de la protagonista. |
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SOLOS EN LA MADRUGADA (1978)
Reparto principal | José Sacristán, Fiorella Faltoyano, Emma Cohen, María Casanova
José, periodista y locutor de radio, realiza un programa diario bajo el título 'Solos en la madrugada', que ha conseguido una enorme audiencia nacional. Casado y separado de Elena, José tiene dos hijos, a los que casi no ve. Entonces conoce a Maite, más joven que él, extrovertida y de mentalidad más liberal de lo que él quisiera. El choque emocional de su relación con estas dos mujeres hará cambiar a José, cuya visión pesimista de la vida ha hecho que su programa se convierta en una crónica satírica de la sociedad española en la transición democrática de finales de los años setenta.
El éxito de "Asignatura pendiente", su debut en el cine, llevó a José Luis Garci (siempre con la ayuda del guionista y productor José María González Sinde) a repetir la misma fórmula. "Solos en la madrugada" es, pues, una mezcla entre la nostalgia de los años de la dictadura y una visión satírica de la nueva situación política del momento. En esta ocasión, Garci pretendió rodar el testimonio de la generación nacida poco después de la Guerra Civil, a la que él pertenece, reflejando sobre todo sus frustraciones. El filme, protagonizado por José Sacristán, cuenta con la presencia de conocidos profesionales de la radio, como Bobby Deglané y José Luis Pecker.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Interesante propuesta que va más allá del retrato generacional y del testimonio de la Transición. Quizás peca de un exceso de verborrea en algunos momentos, y de cierta voluntad de pontificar, pero el análisis del factor humano que se esconde tras todo ello hace la película interesante. Sugerente. |
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LAS VERDES PRADERAS (1979)
Reparto principal | Alfredo Landa, María Casanova, Carlos Larrañaga, Ángel Picazo
En la empresa en la que es ejecutivo, José está creando un nuevo spot publicitario que resulta a todas luces un éxito, gracias al talento espontáneo del hombre del pueblo que da con la frase exacta, un talento que José posee. El hombre se ha hecho célebre entre todos y es admirado por grandes y pequeños de la empresa. La publicidad da dinero y los sueños de niño de José han podido ser hoy una realidad: chalet en la sierra, coche importante, todo lo que cualquiera puede soñar.
José Luis Garci describe con espíritu crítico un fenómeno que empezaba a darse en España en la época de finales de los 70, cuando muchos ciudadanos compraban su segunda vivienda. Gran trabajo de Alfredo Landa, que hace gala de su gran naturalidad y compone un José Rebolledo realmente auténtico
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Interesante propuesta, que empieza como una comedia de corte costumbrista, con un humor mesurado y que rehúye la sal gorda, para, poco a poco, ofrecer un retrato durísimo de las aspiraciones de la clase media. Landa y María Casanova están convincentes, y el final de la película es tan salvaje como liberador. Vale la pena. |
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ALFONSO SÁNCHEZ (1980)
Documental
Un documental que Garcí rodó con el periodista y crítico de cine en 1980, justo un año antes de su muerte.
Algunas de las anécdotas y curiosidades de su vida son: Ser director de cine fue su vocación frustrada. Su única incursión en el cine fue como guionista de la película Pacto de silencio, de Antonio Román (1949). Sánchez Martínez fue un fan incondicional de la actriz francesa Anouk Aimée. Veía alrededor de cuatrocientas películas al año. Su cine predilecto estaba formado por las obras maestras de Ford, Keaton, Chaplin, Renoir, Clair, Lubitsch, Hitchcock, Forman o Edwards. Era un fumador empedernido. Fumaba más de 40 cigarrillos al día y sus toses tronaban en las salas de cine y en las redacciones de los periódicos en los que trabajó (de hecho, el documental de Garci, comienza con una de sus inconfundibles toses en la oscuridad de la sala, que lo es de la pantalla también). Permaneció soltero toda su vida. Miguel Mihura le invitó al ensayo de una de sus comedias con la intención de que enseñara a toser a un actor porque lo exigía el personaje. Accedió con la condición de que en el programa debía figurar la nota: "Tos: Alfonso Sánchez". El director José Luís Garci le brindó el Oscar que le concedió la Academia de Hollywood por Volver a Empezar (1982).
(FUENTE: https://www.regmurcia.com/)
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EL CRACK (1981)
Reparto principal | Alfredo Landa, María Casanova, Manuel Tejada, José Bódalo
Germán Areta, es un ex policía que se hace detective. Así recibe el encargo de encontrar a la hija de un poderoso terrateniente de León. Mientras realiza la búsqueda, el detective Areta descubre, gracias al novio de la chica, que ésta huyó de casa al quedarse embarazada y después de que su padre la obligara a abortar. A partir de ese descubrimiento, el detective es presionado para que abandone el caso, a lo que el detective hace caso omiso y prosigue con su investigación.
Posiblemente, uno de los mejores filmes de serie negra de la historia del cine español, en el que Alfredo Landa demostró su capacidad para interpretar personajes muy lejos de los que le hicieron famoso en los 60. Uno de los mayores éxitos de taquilla de su director, el oscarizado José Luis Garci. Tanto, que este no resistió la tentación de rodar una secuela un par de años más tarde, con resultados menos destacables.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Impecable. Film "noir" con todas las de la ley, con el ritmo y las elipsis precisas, con el tono sombrío y amargo que se requiere en esta mirada cruda sobre la realidad. Y un Alfredo Landa que habla poco y lo dice todo con su presencia y su mirada. Vale la pena verla de nuevo. O descubrirla. |
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VOLVER A EMPEZAR (1982)
Reparto principal | Antonio Ferrandis, Encarna Paso, José Bódalo, Agustín González
En 1981, el escritor Antonio Miguel Albajara, que acaba de recibir en Estocolmo el Premio Nobel de Literatura, regresa a España tras su exilio en Estados Unidos para pasar unas vacaciones en Gijón, su ciudad natal. Albajara es un reputadísimo profesor de Literatura Medieval en la Universidad de Berkeley, cargo que ha ejercido durante cuatro décadas, y a través de las cuales ha ido granjeándose un prestigio enorme. Ahora, el escritor acaba de descubrir que le quedan seis meses de vida, y ese hecho ha acabado provocando que se replantee qué es lo que ha conseguido a lo largo de todos esos años. Por ello, vuelve con el ánimo de reencontrarse con Elena, un amor de juventud y disfrutar de algunos de los placeres que debió dejar atrás por culpa de su huida de la dictadura franquista. Así, el literato recorre Asturias junto a Elena y asiste a un partido del Sporting de Gijón, equipo de fútbol en el que jugó durante su juventud.
Primera película española que ganó un Óscar a la mejor producción de habla no inglesa. Fue dirigida, escrita y producida por José Luis Garci, quien dedicó "Volver a empezar" a "esa generación interrumpida" por la Guerra Civil. Es una de las tres cintas que se engloban en la llamada trilogía de la melancolía dentro de su filmografía, junto a "Sesión continua" y "Asigantura aprobada", con la que también fue candidato al Óscar. El reparto de este melodrama nostálgico estuvo encabezado por Antonio Ferrandis, Encarna Paso, José Bódalo y Agustín González.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Han pasado cuarenta años de la concesión del Óscar y la película no ha aguantado bien el paso del tiempo. Previsible e inverosímil en aspectos esenciales, busca un tono crepuscular que no acaba de conseguir, quizás porque los personajes son algo endebles. Lo mejor, los secundarios como Bódalo o Agustín González. |
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EL CRACK II (1983)
Reparto principal | Alfredo Landa, María Casanova, Miguel Rellán, José Bódalo
Germán Areta, investigador privado, es encargado por un antiguo jefe de un asunto que, en principio, parece ser cosa rutinaria: averiguar detalles de la vida de un hombre que ha abandonado a otro. Pero la cosa se complica cuando ambos aparecen muertos. Aparentemente, uno mató al otro y después se suicidó. Germán no lo cree así y sigue sus averiguaciones. Su ayudante, Cárdenas, es también asesinado, y Germán lucha entonces entre su deseo de continuar la investigación y el miedo de morir inútilmente.
Secuela de "El crack", realizada por el mismo equipo técnico y artístico de ésta, a raíz de su gran éxito de crítica y público. Pese a ello, en esta ocasión la recepción a todos los niveles fue mucho menos cálida.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Magnífica muestra de cine negro. Landa, Rellán y Bódalo están magníficos y la atmósfera se desarrolla en un Madrid tan incómodo como sugerente. Es inevitable compararla con el primer "El Crack", y quizás es algo inferior, pero sigue siendo excelente; y con algunos diálogos memorables. |
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SESIÓN CONTINUA (1984)
Reparto principal | Adolfo Marsillach, Jesús Puente, Encarna Paso, Emma Suárez
José Manuel, un director de cine, y Federico, un escritor de novelas, son amigos desde la infancia cuando descubrieron juntos su misma pasión por el cine. Ambos emprenden juntos la escritura del guión de la que será la séptima película de José Manuel. Esto les absorbe alejándoles de sus problemas cotidianos: José Manuel apenas se comunica con sus hijas, mientras que Fede es abandonado por su mujer. José Luis Garci empieza esta reflexión nostálgica sobre el cine con una dedicatoria a los directores más famosos del séptimo arte.
José Luis Garci empieza esta reflexión nostálgica sobre el cine con una dedicatoria a los directores más famosos del séptimo arte. Garci dirige una historia con tintes autobiográficos, interpretada por Adolfo Marsillach y Jesús Puente quienes, por problemas económicos, sustituyeron a los inicialmente previstos: Alfredo Landa y José Sacristán. Completan el reparto José Bódalo y Encarna Paso (quienes ya habían trabajado con Garci), más Emma Suárez, en una de sus primeras películas. "Sesión continua" fue el segundo filme de Garci nominado al Oscar como mejor película extranjera. Pese a ello, no consiguió repetir el impacto comercial de "Volver a empezar".
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ASIGNATURA APROBADA (1987)
Reparto principal | Jesús Puente, Victoria Vera, Teresa Gimpera, Pastor Serrador
El protagonista es José Manuel Alcántara, un hombre de más de cincuenta años, profesional del mundo del teatro. Su última obra ha resultado ser un auténtico fracaso, igual que su matrimonio. Cansado y abatido, decide marcharse de Madrid a un pequeño pueblo de la costa asturiana para colaborar en una radio. Su hijo, un músico rockero, irá a visitarle y un amor del pasado se presentará en su nueva vida para devolverle la ilusión que creía perdida.
Jose Luis Garci regresó tres años después de "Sesión continua", con este melodrama que recibió una nominación a los Oscar como Mejor película de habla no inglesa, y con la que se alzó con el Goya de la Academia a Mejor director en la edición de 1988. La cinta está escrita, producida y dirigida por el mismo Garci, uno de los nombres propios de la historia del cine español. Además de director, productor y guionista, el polifacético personaje también desempeñó labores de crítico, presentador de televisión y autor literario.
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CASABLANCA REVISITADA (1992)
Documental
Este documental, escrito y dirigido por el propio Jose Luis Garci, explora el mito alrededor de este clásico, que llega a ser más grande que la propia cinta en sí. Compuesto de fotografías y fotogramas de la película examina una, que, como se dice en el documental, es muchas películas. Una película de guerra, un melodrama amoroso, cine de aventuras, una comedia irónica y cínica, un musical en el que de manera espontánea los personajes reunidos en el bar comienzan a cantar, una cinta que lo es todo (Pablo Tornel).
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CANCIÓN DE CUNA (1994)
Reparto principal | Alfredo Landa, Fiorella Faltoyano, Amparo Larrañaga, Maribel Verdú
Castilla a finales del siglo XIX: una niña es dejada en la puerta de un convento. Aunque al principio hay reticencias por parte de alguna monja, la madre priora y el médico consiguen que la niña se quede para ser criada y educada entre ellas. Pasados los años y siendo ya la niña una mocita, abandonará el convento para contraer matrimonio, sembrando la tristeza en los corazones de las que han sido para ella verdaderas madres, pese a que todas sabían que era algo inevitable.
Adaptación cinematográfica de la obra teatral homónima de Gregorio Martínez Sierra, estrenada en 1921 y llevada en varias ocasiones a la gran pantalla. Después de siete años sin dirigir, dedicado a la televisión y a editar libros sobre cine, el guionista, productor y realizador José Luis Garci regresa al cine para hacer la primera adaptación de su carrera. Se trata del principio de una trilogía dramática, completada por 'La herida luminosa' (1996) y 'El abuelo' (1998). El filme presenta una historia radicalmente diferente de las otras proposiciones cinematográficas del momento y cuenta con un cuadro de prestigiosos actores. Entre ellos, María Luisa Ponte recibió el Goya a la mejor actriz de reparto.
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LA HERIDA LUMINOSA (1997)
Reparto principal | Fernando Guillén, Mercedes Sampietro, Julia Gutiérrez Caba
El doctor Molinos y su mujer Isabel hace tiempo que forman un matrimonio en franca crisis, que con el paso de los días no deja de agravarse. Ambos viven en una capital de provincias, inmersos en la rutina de la asfixiante España de la década de los 50, y en su día a día están acompañados únicamente de dos criadas, ya que su única hija hace tiempo que ingresó en un monasterio. El médico cada vez se encuentra más desesperado con su situación, pero todo cambiará cuando de repente conozca a Julia, una joven colega de la profesión, que cambiará su vida de arriba abajo. De pronto, Molinos se encuentra ilusionado con algo, y quiere que su relación con ella llegue a ser algo serio. Para ello, se tendrá que separar, pero su mujer Isabel no está dispuesto a ello. La negativa de su esposa impulsará al médico a pensar algún tipo de plan B.
Este drama está basado en la obra teatral homónima de Josep Maria de Sagarra y el director, José Luis Garci le da el toque clásico que le es habitual. Para llevarlo a la gran pantalla, Garci se rodeó de actores que en mayor parte provienen del teatro: Fernando Guillén, Mercedes Sampietro y Julia Gutiérrez Caba. Complementan el reparto unas espléndidas Neus Asensi y Cayetana Guillén-Cuervo, que aquí comparte escenas con su padre (Fernando).
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EL ABUELO (1998)
Reparto principal | Fernando Fernán Gómez, Rafael Alonso, Cayetana Guillén Cuervo
Comienza el siglo XX en una pequeña villa del Norte. Y las gentes aún se preguntan: ¿El honor familiar... Qué es?. Don Rodrigo de Arista Potestad, Conde de Albrit, Señor de Jerusa y de Polán, creía saberlo. Hasta que regresó de América viejo, casi ciego y arruinado. Con motivo de la muerte de su único hijo, entra en conocimiento amargo de que una de sus dos nietas - Nelly y Dolly - es ilegítima, no lleva la sangre noble de Albrit. Sus días se acaban y don Rodrigo quiere, necesita saber la verdad, cuál de las dos niñas pertenece a la rama auténtica de su estirpe, pues de ella quiere hacer su herencia moral. Como su nuera se niega a revelar el secreto, don Rodrigo habrá de emplear toda su astucia en averiguar cuál es su verdadera nieta.
Con "El abuelo", José Luis Garci culminó su trilogía melodramática sobre temas morales y religiosos, iniciada con "Canción de cuna" y "La herida luminosa". En esta ocasión, el punto de partida fue una libre adaptación de la obra del mismo nombre de Benito Pérez Galdós. La película, que sufrió una fuerte polémica a raíz de una supuesta compra de votos por parte de Garci para que fuera nominada al Oscar, estuvo protagonizada por Fernando Fernán-Gómez, Cayetana Guillén Cuervo y Rafael Alonso. Además, la cinta logró doce nominaciones al Goya, obteniendo sólo uno: el de mejor actor para Fernán-Gómez.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Textura algo envejecida, con dos niñas -las nietas- que son mal dobladas y actúan mal; a pesar de ello, imponentes los actores, soberbio Rafael Alonso y sublime Fernando Fernán Gómez. Y Agustín González no les va a la zaga. No ha aguantado muy bien el paso del tiempo, pero me han venido ganas de leer la novela de Galdós. |
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YOU'RE THE ONE (UNA HISTORIA DE ENTONCES) (2000)
Reparto principal | Lydia Bosch, Julia Gutiérrez Caba, Juan Diego, Ana Fernández
Para remediar la profunda depresión en la que está sumergida, Julia se refugia en la casona familiar situada en un pueblecito de Asturias, donde vivió los veranos más felices de su infancia. En Madrid ha dejado a su novio, José Miguel, un pintor que ha sido encarcelado por el régimen franquista. La relación de Julia con los habitantes del pueblo hará que no se sienta sola por primera vez en mucho tiempo.
Destaca la excelente fotografía de Raúl Pérez Cubero, que fue recompensado por su labor con el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín y con un Goya. Esta es la tercera ocasión en que Pérez Cubero y Garci colaboran juntos (tras “La herida luminosa” y “El abuelo”. La dirección artística de Gil Parrondo también es digna de mención. El filme obtuvo cinco Goya –uno de ellos fue para Julia Gutiérrez Caba-y fue candidato a obtener el Oscar como filme de habla no inglesa.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: De las mejores películas de este ciclo cinematográfico. Sobria, elegante, con silencios que lo dicen todo y con el ritmo cauto y necesario que exige la historia. Julia Gutiérrez Caba está espléndida y Lydia Bosch borda una gran interpretación; todo encaja a la perfección en una película que no vi en su momento y que ha resultado una muy, muy agradable sorpresa. |
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HISTORIA DE UN BESO (2002)
Reparto principal | Alfredo Landa, Ana Fernández, Carlos Hipólito, Agustín González
Invierno de 1948. En un pequeño pueblo de Asturias muere su vecino más importante, el famoso escritor Blas Otamendi. Su sobrino Julio, hoy profesor en Francia, viene al entierro. El encuentro con los amigos de su tío, la antigua criada y la casa grande en la que de niño convivió con el escritor, despiertan en Julio sus recuerdos de infancia. El tiempo pasado se hace presente cuando sobrino y tío vuelven a vivir sus respectivos amores de aquel mágico verano de 1925.
"Historia de un beso" es la segunda entrega de lo que el cineasta José Luis Garci ha denominado su 'tríptico del amor', iniciado con "You're the One" y todavía por concluir. Fiel al estilo retórico, perfeccionista y nostálgico de su autor, el filme cuenta una historia de amor que tiene lugar entre los felices años 20 y la terrible posguerra de los 40. En el reparto participan los veteranos Alfredo Landa y Agustín González, además de Ana Fernández -que fue nominada al Goya por su trabajo- y Carlos Hipólito, que ya trabajó con Garci en la mencionada "You're the One".
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TIOVIVO C. 1950 (2004)
Reparto principal | María Adánez, Francisco Algora, Jorge Roelas, Manuel Andrés
Una visión de la posguerra en la capital española a través del punto de vista decenas de personajes. Entre ellos, unos mecánicos, trabajadores del banco, de metro, bailarines, profesoras, y muchos otros que nos muestran la dureza de los 50. Una época tocada, en proceso de recuperación, pero a la vez de felicidad. En definitiva un tiovivo de sensaciones, experiencias e historias.
Una arriesgada apuesta del incombustible José Luis Garci en la que no existe una trama principal, sino que se desarrolla a través de las vivencias de sus pintorescos personajes. Sin un protagonista definido, el filme se convierte en un desfile de rostros más que conocidos de la cinematografía española, entre ellos Ángel de Andrés López, Luisa Martín, Elsa Pataky o Fernando Guillén Cuervo, por citar sólo algunos de los más de 30 actores que forman el elenco. Ante tal panorama cobró una especial importancia la figura del director artístico, Gil Parrondo.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Costumbrista y poliédrico retrato de la vida cotidiana en años duros. Algo deslabazada en su estructura, sorprende por la presencia del humor, tan raro en el cine de este director. Quizás no es una obra maestra, pero tiene algo de "La colmena" y de "Días de radio"; muy interesante. |
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NINETTE (2005)
Reparto principal | Elsa Pataky, Carlos Hipólito, Enrique Villén, Beatriz Carvajal
Con su naturalidad y belleza, una joven vendedora parisina tiene hipnotizado al personal del centro donde trabaja, especialmente a un tímido y humilde vendedor español, que cae rendido a sus múltiples encantos. José Luis Garci entra una vez más en el escenario teatral para mirarlo a través de la cámara de cine. En esta ocasión lo hace con la visión romántica y divertida que requiere una comedia como "Ninette".
La actriz Elsa Pataky protagoniza, una comedia realizada por José Luis Garci, que adapta las dos obras que el dramaturgo Miguel Mihura dedicó a su personaje favorito: la inteligente, sexi, graciosa y espontánea joven parisina que trabaja en las Galerías Lafayette. Carlos Hipólito, habitual en las películas de Garci, coprotagoniza la cinta, acompañado de Enrique Villén, quien fue candidato al Goya por este trabajo. Aún no siendo uno de los mejores trabajos de Garci, "Ninette" optó a siete premios Goya, pese a que finalmente solo consiguió el de mejor dirección artística para Gil Parrondo, que también destacó por componer la banda sonora del filme. Además, las interpretaciones de Pataky e Hipólito también fueron bien acogidas.
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LUZ DE DOMINGO (2007)
Reparto principal | Álex González, Paula Echevarría, Alfredo Landa, Carlos Larrañaga
Estamos a comienzos del siglo XX en un pequeño pueblo de Asturias llamado Cenciella. Hasta allí, se traslada Urbano para empezar a trabajar como secretario del ayuntamiento. Este pronto descubre que existe una lucha constante de dos bandos políticos y que se ha enamorado de una bella e ingenua joven, Estrella. Entre ellos surge un amor puro que se verá amenazado por el rencor y la venganza. Aunque el nuevo secretario intenta mantenerse al margen considerándose totalmente neutral, uno de los bandos decide acabar con su actitud violando a su novia una semana antes de su propia boda. La horrible tragedia ha tenido lugar un domingo, cuando la luz es diferente y el sol mira de forma distinta a la tierra, y ha sido producto del egoísmo del hombre y de los designios del destino.
José Luis Garci adapta en esta ocasión una obra de Ramón Pérez de Ayala con un guión escrito junto a su colaborador habitual, Horacio Valcárcel. Con un planteamiento similar a los clásicos wésterns –un pueblo pequeño con dos bandos enfrentados–, Garci vuelve a exhibir algunos de los rasgos que han hecho tan característico su cine, como el costumbrismo, la cuidada banda sonora y una fotografía excelente. Pese a que no llega a sorprender, la película fue nominada a cinco premios Goya, entre los que destacan los candidatos a mejor actor principal, Alfredo Landa, y mejor actor de reparto, Carlos Larrañaga, ambos intérpretes habituales del cineasta.
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SANGRE DE MAYO (2008)
Reparto principal | Quim Gutiérrez, Manuel Galiana, Paula Echevarría, Lucía Jiménez
Gabriel Araceli se gana la vida como cajista en una imprenta de Madrid. Cuando marcha a Aranjuez para visitar a su novia Inés y al tío de esta, el sacerdote don Celestino, que alardea de ser pariente del valido Godoy, el motín de Aranjuez les sorprende. Ante los cambios que se preparan, Celestino manda a Inés con unos familiares de la capital, que regentan una tienda. Conocedor de que Inés no está siendo bien cuidada, Gabriel se las apaña para trabajar también en la tienda y así poder pasar más tiempo con ella, con el plan futuro de marchar juntos a Cadiz. Mientras esto pasa, Madrid recibe a su nuevo rey, Fernando VII. La presencia de tropas napoleónicas en la capital incomodan a la población, que las ven como enemigas. Toda esa tensión acumulada despertará en feroces combates contra las tropas francesas por la calle Mayor, en el parque de Monteleón y en la montaña del Príncipe Pío el lunes 2 de mayo de 1808.
Rodada como un encargo de la Comunidad de Madrid para conmemorar el segundo centenario del 2 de mayo, José Luis Garci construye este drama histórico basado en los "Episodios Nacionales" de Benito Pérez Galdós. Gracias a 15 millones de euros de presupuesto, Garci se enfrentó a su proyecto más ambicioso, de más de dos horas de duración. La cinta, una versión libre de los relatos de Galdós, cuenta con un reparto habitual en los filmes de Garci e incorpora además a Quim Gutiérrez. "Sangre de mayo" tuvo una acogida fría de taquilla y crítica, que echaron en falta una mayor definición en la idea global del filme, una espectacular apuesta que se mueve entre las verdaderas intenciones intimistas de Garci y la épica conmemorativa que le exigieron las instituciones.
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HOLMES & WATSON. MADRID DAYS (2012)
Reparto principal | Gary Piquer, José L. García-Pérez, Leticia Dolera, Macarena Gómez
Madrid, 1890. El imaginario literario creado por el escritor Sir Arthur Conan Doyle se traslada a nuestro país a través de las figuras de Sherlock Holmes y el doctor John H. Watson. El director José Luis Garci convierte Madrid en la escena de toda una serie de intrigas detectivescas con visos de folletín, en las que incluso estará involucrado Jack, el Destripador. Todo el ambiente castizo del Madrid de finales del siglo XIX, se mezclará con las brumas victorianas del Londres finisecular. Una arriesgada propuesta en la que el director ha querido homenajear a los relatos detectivescos de la época, pero dándoles una nueva vida en un espacio diferente, inédito hasta el momento.
Con este film José Luís Garci se aleja del universo realista habitual en el director para reinterpretar a los dos famosos personajes de la literatura inglesa. Aún así, Garci no pierde la oportunidad de anclarlo en la realidad nacional, ya que enfoca la historia con una óptica costumbrista, concediéndole una gran importancia a la capital española. Esta película, cuenta con la intervención de Alberto Ruiz-Gallardón, por aquél entonces alcalde de la ciudad de Madrid. Esta aparición no es baladí, ya que interpreta al compositor Isaac Albéniz, pariente suyo. Fue al pedir los permisos para grabar en la ciudad cuando Gallardón leyó el guión y mostró interés por el papel, lo que desembocó en esta participación.
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EL CRACK CERO (2019)
Reparto principal | Carlos Santos, Miguel Ángel Muñoz, Luisa Gavasa, Patricia Vico
Seis meses después del suicidio del afamado sastre Narciso Benavides, una misteriosa y atractiva mujer casada visita a Germán Areta, prestigioso ex policía de la Brigada Criminal y ahora detective privado, para que inicie una investigación sobre el Caso Benavides. La mujer está convencida de que el sastre, que además era su amante, fue asesinado. Aunque su instinto le dice a Areta que la gente sólo mata por amor o por dinero, el detective irá descubriendo que hay otros motivos ocultos, y más de un sospechoso relacionados con la muerte del sastre.
Casi 40 años después, José Luis Garci cierra la trilogía de "El crack", iniciada en 1981, con esta nostálgica precuela filmada en blanco y negro. La cinta, todo un homenaje al 'noir' clásico, está ambientada en los escenarios más tenebrosos del Madrid de los años 70, y se centra en las investigaciones del agente Areta durante su primera etapa. A modo de curiosidad, la idea de realizar "El crack cero" surgió como una propuesta de Maite Imaz, la viuda de Landa.
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La opinión del profesor Joan Manuel Soldevilla Alberti: Correcta propuesta, con aciertos indudables y con un Carlos Santos que lleva a cabo un papel digno, aunque la sombra de Landa es alargada. Lo que en los otros "cracks"era retrato implacable de la realidad implacable, aquí se pierde bastante en el esteticismo; antaño el estilo era natural, pero aquí suena impostado. Pero algo bueno aún queda, que quien tuvo, retuvo. |
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1983 | Mejor película extranjera | Volver a empezar | Ganador |
| 1985 | Mejor película extranjera | Sesión continua | Nominado |
| 1988 | Mejor película extranjera | Asignatura aprobada | Nominado |
| 1998 | Mejor película extranjera | El abuelo | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1987 | Mejor dirección | Asignatura aprobada | Ganador |
| 1994 | Mejor película | Canción de cuna | Nominada |
| Mejor dirección | Nominado | ||
| Mejor guion adaptado | Nominado | ||
| 1998 | Mejor película | El abuelo | Nominada |
| Mejor dirección | Nominado | ||
| Mejor guion adaptado | Nominado | ||
| 2000 | Mejor película | You're the One (una historia de entonces) | Nominada |
| Mejor dirección | Nominado | ||
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 2004 | Mejor película | Tiovivo c. 1950 | Nominada |
| 2005 | Mejor guion adaptado | Ninette | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1968 | Labor literaria José de la Cueva | Ganador | |
| 1975 | Mejor cortometraje | Mi Marilyn | Ganador |
| 1981 | Mejor guion | El crack | Ganador |
| 1983 | Premio especial | Ganador | |
| 1994 | Mejor película | Canción de cuna | Ganador |
| Mejor director | Ganador | ||
| 1998 | Mejor película | El abuelo | Ganador |
| Mejor guion adaptado | Ganador | ||
| 2000 | Mejor director | You're the One (una historia de entonces) | Ganador |
| 2004 | Mejor película | Tiovivo c. 1950 | Nominado |
| Mejor director | Nominado | ||
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 2005 | Mejor guion adaptado | Ninette | Nominado |
| 2007 | Mejor guion adaptado | Luz de domingo | Ganador |
| 2008 | Mejor director | Sangre de mayo | Nominado |
| Mejor guion adaptado | Nominado | ||
| 2019 | Mejor director | El crack cero | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2023 | Premio a la trayectoria | Ganador | |
- Otros premios y distinciones
- Junto a Antonio Mercero fue galardonado con un Premio Emmy por el mediometraje La cabina (1972).
- Premio Nacional de Cinematografía (1992).
- Antena de Oro-Cine (2003).
- Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
- Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras (2013).
- Premio UIMP a la Cinematografía (2013).
- Premio ABC Cultural & Ámbito Cultural (8 de noviembre de 2013).
- Hijo Adoptivo de Gijón (2017).
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Carmina Gustrán Loscos
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Enlaces de interés
YouTube: Video de José Luis Garci - Películas: Películas de José Luis Garci
Imágenes: Imágenes de José Luis Garci - Videos: Más videos de José Luis Garci
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RESUMEN FOTOGRÁFICO
ALGUNAS DE LAS PELÍCULAS VISTAS EN LA SALLE
Entrevista en el programa magazine LA PLAZA de la emisora RADIO LLANÇÀ conducido por Teresa Ros y Quim Agustí el día 13 de Abril de 2013 para conversar sobre el archivo de cine que estás haciendo.
Inició su camino en la industria del cine de la mano de Elvis Presley con un pequeño papel en El trotamundos. El 15 de febrero de 2023 murió a los 82 años, una leyenda cinematográfica que fue considerada una de las mujeres más bellas del mundo.
Nació el 5 de septiembre de 1940 en Chicago, (Estados Unidos). Estudió ballet desde los siete hasta los diecisiete años, aunque abandonó después de que su instructor le dijera que no reunía condiciones. A los catorce años, ganó un título de belleza como Miss fotogénica, Miss Contour. Mientras asistía a La Jolla High School ganó el título de Miss Fairest of the Fair en la Feria del Condado de San Diego. Welch lamentó en reiteradas ocasiones no hablar en español, una lengua que le fue prohibida por su padre. «Lo que hizo mi padre, por un lado, fue muy cruel por rechazar sus raíces, pero al mismo tiempo fue muy inteligente, porque no hubiera podido surgir (como actriz) en Estados Unidos». Trabajó como modelo de ropa interior y trajes de baño apareciendo en portadas de revistas estadounidenses que le conseguirían hacer un hueco en varias series de televisión. Fue una de la sex-symbols más importantes del cine británico y de Hollywood. En 1966, la estadounidense "Life" la coronó "la mujer más fotografiada del año". Posteriormente, intentó sin éxito desprenderse de esa imagen de reina erótica. Llegó a cobrar hasta un millón de dólares en los años 60 por sus contratos e invirtió el dinero en una productora propia. En 1986 es indemnizada con 11 millones de dólares por la Metro Goldwyn-Mayer, según el fallo de un jurado de Los Ángeles, por haber sido excluida del reparto del filme Destino sin rumbo, en 1980. Se dio a conocer por sus papeles en Viaje alucinante y Hace un millón de años, ambas estrenadas en 1966 Raquel Welch fue un icono de la edad dorada de Hollywood, considera incluso como la auténtica sucesora de Marilyn Monroe Inició su camino en la industria del entretenimiento de la mano de Elvis Presley con un pequeño papel en El trotamundos. Murió a los 82 años Raquel Welch, una leyenda cinematográfica que fue considerada una de las mujeres más bellas del mundo. (FUENTE: https://buscabiografias.com/
Las películas interpretadas por Raquel Welch
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La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - Filmin - Cineyseries.net
Charlie Rogers (Elvis Presley) es un motociclista de aspecto desenfadado que debido a haber participado en una agria pelea con un grupo de matones, acaba de ser despedido de un evento en el que iba cantar. Mientras conduce su moto para el próximo concierto, un padre furioso le persigue tras haberle visto coquetear con su hija. Él está obligado a parar en una feria ambulante tratando de huir hasta que su moto queda estropeada. En el camino, Charlie (quién tiene un chip en su hombro de ser un huérfano) se entera empieza a ser consciente de los valores familiares y reflexiona sobre ellos.
UNA CASA NO ES UN HOGAR
1964 | Russell Rouse
Basada en el 'best-seller' de Polly Adler, la película cuenta la historia de la legendaria 'madam' que en los años veinte se hizo un nombre entre la sociedad más alta estadounidense. Desde sus duros inicios como una inmigrante ilegal que llegó al país del sueño americano, ella quería labrarse una vida costosa. Lo consiguió gracias a la relación que tenía con los peces gordos del país, así como con líderes sociales o políticos. Raquel Welch, en el primer film acreditada, hizo su debut con un pequeño papel como trabajadora sexual.
A SWINGIN' SUMMER
1965 | Robert Sparr
Un trío de universitarios, todos amigos entre sí, intentan asegurarse trabajos de verano convirtiéndose en promotores de conciertos en un pabellón de baile junto al lago que está en peligro de cerrar. Un salvavidas local, Turk, celoso de Rick y Mickey, intenta arruinar su plan y al mismo tiempo intenta robar a la chica de Rick, Cindy, quien en secreto ha arreglado que su padre rico financie el pabellón. Rick se vuelve loco cuando se entera del padre de Cindy, y Turk intenta sabotear el salón de baile con algunos matones contratados, quienes, después de fallar, intimidan a Turk para que saquee el lugar. Mientras tanto, el ratón de biblioteca Jeri se quita las gafas, se suelta el pelo y causa nuevos problemas. A pesar de todo el drama, los niños realmente logran asegurar una impresionante lista de talentos de marca para el pabellón.
LAS CUATRO BRUJAS
Raquel Welch, es la protagonista del episodio “La reina Elena”
1966 | Mauro Bolognini, Mario Monicelli, Antonio Pietrangeli, Luciano Salce
Cuatro historias, independientes entre ellas, protagonizadas por cuatro mujeres que usan sus encantos para manejar a los hombres. El primer relato, “La reina Sabina”, narra los incidentes sexuales de una adolescente de camino a su casa. El segundo, “La reina Armenia”, se centra en una oportunista gitana que cuida niños y utiliza a los hijos de empresarios para sus propios beneficios. El tercer episodio, “La reina Elena”, cuenta la historia de un marido que aprende la lección sobre los peligros de la infidelidad, tras sucumbir a los encantos de su vecina. La última historia, “La reina Marta”, se centra en una acaudalada mujer que, cuando bebe, usa a su mayordomo para complacer sus deseos sexuales.
VIAJE ALUCINANTE
1966 | Richard Fleischer
Los Estados Unidos de América y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) han conseguido un hito en la historia de la ciencia. Un equipo encabezado por el científico James Bennet ha logrado hallar una fórmula con la que cualquier objeto e incluso las personas pueden ser miniaturizadas hasta un tamaño ínfimo, prácticamente microscópico. En principio, el tiempo estaba limitado a 60 minutos, tras los cuales los objetos volvían a su estado original. Sin embargo, Bennet ha conseguido que el tiempo sea ilimitado. Cuando el científico se dispone a presentar su hallazgo ante las autoridades norteamericanas, sufre un intento de asesinato y queda en coma. Un equipo multidisciplinar encabezado por pilotos, médicos y cirujanos serán miniaturizadas y, a bordo del submarino Proteus, tratarán de salvar la vida al profesor desde el interior de su propio cuerpo, navegando a través del torrente sanguíneo.
HACE UN MILLÓN DE AÑOS
1966 | Don Chaffley
En plena prehistoria, Tumak es expulsado de su clan tras una pelea con su propio padre, que es el jefe de la tribu. Los instintos de supervivencia en esta época guían el devenir de las manadas de cavernícolas. Después de deambular durante varios días, de sortear todo tipo de dificultades y enfrentarse con alimañas y criaturas varias, Tumak acaba rendido en una playa. Allí es encontrado por las mujeres de Tribu de la Concha. El protagonista pronto se sentirá atraído por Loana y se integrará en el nuevo clan. Éste se encuentra bastante más avanzado que el suyo, y Tumak deberá aprender a comunicarse de manera oral o a realizar pinturas rupestres, entre otras actividades. Sin embargo, las dificultades dentro de la tribu y las disputas harán que los protagonistas tengan que marcharse. Loana deberá decidir entre su clan o el amor de Tumak
DISPARA FUERTE, MÁS FUERTE... NO LO ENTIENDO
1966 | Eduardo De Filippo
Como protesta contra la humanidad, el napolitano anciano Nicola, artificiero con 50 años de carrera a sus espaldas, decide dejar de hablar. Para comunicarse su único medio de expresión son los petardos, que al estallar en distintas secuencias quieren decir una cosa u otra. Su hijo Alberto, un excéntrico escultor con un complejo mundo interior, es el único intérprete de la curiosa forma de expresión de su padre. Todo funciona en el mundo de Alberto y de su padre, hasta que ambos conocen a Tania, una bellísima mujer que trastocará la percepción de Alberto.
EL OFICIO MÁS VIEJO DEL MUNDO
1967 | Claude Autant-Lara, Mauro Bolognini, Philippe de Broca,
Jean-Luc Godard, Franco Indovina, Michael Pfleghar
Comedia compuesta de varios episodios sobre la historia de la prostitución que abarca desde la prehistoria hasta nuestros días.Raquel Welch protagonizo el segmento La Belle Époque (dirigida por Michael Pfleghar): Durante la Belle Époque, la joven y bella prostituta Nini logra convencer a su cliente, un anciano y rico banquero, haciéndole creer que se ha enamorado de el, impactada por su irresistible encanto.
