JANE CAMPION

Jane Campion
Es la primera mujer nominada en dos oportunidades en la categoría de mejor dirección de los Premios Oscar, y fue la primera mujer en ganar la Palma de Oro en Cannes

Jane Campion es una de las directoras más prestigiosas y respetadas del cine actual. Su cine se caracteriza por los retratos de personajes, en su mayor parte, femeninos, complejos y atormentados, a menudo sometidos a presiones insoportables, así como por su belleza y sentido estético. Estudió Antropología en la Universidad de Victoria en Wellington, graduándose en 1975. Poco después se trasladó a Australia y allí se diplomó en pintura en el Sydney College of the Arts, en 1979. De algún modo la combinación de estas actividades le lleva al cine. A principios de los años ochenta, en el Australian School of Film and Television comienza a realizar una serie de cortometrajes que le proporcionan cierto prestigio. Peel, an exercise in discipline, tiene como argumento una escena familiar: un padre, su hija y su hijo van en coche de camino a casa. El chico empieza a tirar cáscaras de naranja por la ventanilla, hasta que el padre se harta y le pide que baje a recogerlas. Su hermana empieza a ponerse muy nerviosa, porque va a perderse su programa favorito. Este ejercicio de estilo consigue la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Le seguirían A Girl’s Own Story, Passionless Moments, co-dirigida por Gerard Lee, que se centra de nuevo en embarazosos retazos cotidianos y After Hours, donde se adentra en un argumento más elaborado, a partir de las dificultades de separar las fantasías sexuales y la ficción en un caso de acoso sexual. Después de este aprendizaje hace una breve parada en la pequeña pantalla y dirige Two Friends. La crítica, que ya se había emocionado con sus cortometrajes, ensalza este primer largo que narra la historia de dos amigas que se ven obligadas a separarse cuando ambas son admitidas en el mismo instituto, pero a una de ellas no le dejan asistir. Campion se sumerge con gran maestría en el mundo adolescente, mostrando su habilidad para dirigir a actores muy jóvenes. En 1989, dirige su primer largometraje para el cine. Sweetie retrata una vez más la vida familiar, pero Campion añade un elemento inanimado que amenaza peligro, creando así un ambiente desasosegante y único. La propia casa se cierne sobre los personajes ayudada por unos ángulos de cámara novedosos e imprevisibles. Comienza aquí a consolidarse su peculiar narrativa: capaz de adentrarse en el lado más oscuro de los personajes, volcada completamente sobre las sensaciones y el mundo interior.  En 1990 gana el León de Plata del Festival de Venecia con Un ángel en mi mesa, basada en la biografía de Janet Frame y diseñada en un principio como una miniserie de tres capítulos para la Televisión Australiana. Desde su infancia hasta su juventud, Frame es retratada con un especial cariño y respeto. Hoy es autora de veinte novelas, libros de poesía, obras de teatro y biografías, pero publicó sus dos primeros libros mientras estaba interna en un psiquiátrico, ocho años de horror a consecuencia de un diagnóstico desafortunado, de una timidez enfermiza. Campion compensa esta injusticia con una película que es más bien una dedicatoria, centrándose en el genio antes que en la anécdota, defendiendo de un modo feminista una vida castigada y, aun así, brillante. 1992 significa para ella el año de la consagración, del reconocimiento masivo y de la avalancha de premios. El piano, que es una vez más la película de una mujer, se convierte en una obra exquisita, dirigida con sensibilidad y maestría, y que ocupa un lugar muy difícil de sustituir en su cinematografía. No es por tanto extraño que su siguiente título, Retrato de una dama, no estuviese a la altura, a pesar de sus protagonistas y de estar basada en una magnífica novela. En una cosa acierta: en ilustrar aquella creencia de Henry James de que Europa era un nido de serpientes para los inocentes americanos. La trayectoria de Campion está claramente marcada por un tipo de historias muy personales y por un modo de hacer que incluye sus películas dentro del cine de autor. Exceptuando El Piano, su cine no es comercial porque no busca contactar con el público, no pretende que éste se identifique con los personajes de sus historias. El fenómeno de El Piano es el ejemplo de una combinación agraciada de elementos que dio en el clavo con ese tipo de cine que parece de autor pero que acaba resultando un fenómeno de masas. Cuando llegó Retrato de una dama, parecía que la película estaba dotada con los ingredientes que le harían repetir la experiencia. Pero hay circunstancias que un director no puede repetir. El Piano había marcado un hito: era la primera vez desde 1946 que el jurado del Festival de Cannes otorgaba la Palma de Oro a una mujer. En 2021, regresó al cine con El poder del perro, una adaptación de la novela homónima de Thomas Savage. La película contó desde el primer momento con el aplauso de la crítica, y Campion recibió, tras su estreno mundial, el León de Plata a la Mejor Dirección del Festival de Venecia. Con doce nominaciones, es la película que opta a más premios en la 94 edición de los Oscars. Después de recibir el Oscar a mejor directora, se convirtió en la tercera mujer que recibe tal galardón en la historia de la Academia.

 

    Las películas dirigidas por Jane Campion  

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

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2 friends (1986)
Reparto principal | Kris Bidenko, Emma Coles, Kris McQuade, Peter Hehir

Dos niñas, de 15 años; Louise, en una prestigiosa escuela secundaria para niñas, y Kelly, que fue admitida pero su padre le prohibió asistir. Este es el final de su amistad, y desde aquí la película avanza en una línea de tiempo hacia atrás hasta un cuadro final congelado de las chicas en la cima de su cercanía.

El primer largometraje de Jane Campion trata sobre un par de chicas cuya amistad se está desvaneciendo... y a partir de ahí avanza hacia atrás. La cronología inversa resulta efectista y añade muy poco a la película. Proporciona una nota más optimista para terminar, pero creo que se habría logrado mejor a través de una estructura de flashback. Pero funciona bastante bien y la película es bastante dulce con algunos momentos genuinos. Me gustaría pensar que el título tiene un doble significado, refiriéndose no sólo a Kelly y Louise, sino también a Louise y su madre, una relación sólida que fue agradable de ver. La producción parece un poco plana, pero hay una secuencia fantástica y caprichosa cerca del final y las actuaciones son entrañables. Una película bastante bonita, aunque también podría haber prescindido de la estructura efectista.

 

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SWEETIE (1989)
Reparto principal | Genevieve Lemon, Karen Colston, Tom Lycos, Dorothy Barry

La historia se centra en una familia australiana disfuncional que incluye dos hijas: Dawn (apodada "Sweetie"), una mujer vivaz, a menudo delirante, que se considera actriz, y su delgada, hosca y supersticiosa hermana Kay, una trabajadora de una fábrica que tiene un novio llamado Luis. Sus padres, Flo y Gordon, tienen serios problemas matrimoniales. Kay ama a Louis porque las palabras de un adivino presagiaban que terminaría con él. Sin embargo, la relación de la pareja comienza a mostrar signos de tensión, con Kay arrancando y ocultando un árbol que Louis intenta plantar en su jardín porque siente un profundo presentimiento al respecto. Después de una ausencia, Sweetie regresa a casa con su amante y "gerente" drogadicto Bob; luego procede a intimidar, controlar y abusar de los demás miembros de su familia. Gordon elige ignorar la enfermedad mental y el comportamiento infantil errático de Sweetie porque la ama y piensa en ella como en una niña. A lo largo de la película, hay flashbacks de Sweetie bailando, cantando y realizando pequeños trucos circenses con la ayuda de Gordon. Flo admite que la complace.

Sweetie es un filme que juega a provocar, a descolocar al espectador. Es una película pensada para llamar la atención. Algo que ocurre gracias a una de sus protagonistas, la Sweetie del título, una joven con problemas mentales empeñada en hacer la vida imposible a todos los que le rodean, sobre todo a su hermana pequeña. Con la licencia que le da ese personaje, Campion juega a superar las fronteras de la corrección política, firmando un filme extraño y curioso sobre una familia disfuncional que vive a las afueras de las grandes urbes australiana

 

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UN ÁNGEL EN MI MESA (1990)
Reparto principal | Kerry Fox, Kevin J. Wilson, Natasha Gray, Alexia Keogh

Janet, hija de una numerosa familia campesina de Nueva Zelanda, está fascinada desde pequeña por la poesía. Pero tras la muerte accidental de su hermana mayor, se encierra en su mundo. Así, la difícil adolescencia de Janet, acomplejada y excepcionalmente tímida, se convierte en una tragedia con la muerte de otra de sus hermanas, que fallece ahogada. Finalmente, considerada como esquizofrénica, Janet es ingresada en un manicomio durante ocho años, donde sólo conseguirá evitar que le hagan una lobotomía gracias a la publicación de sus poemas.

Originalmente concebida como una miniserie de tres capítulos, la película recoge la vida de Janet Frame, que tras ser diagnosticada equivocadamente de esquizofrénica, se convirtió en una de las más admiradas escritoras de cuentos y poesía de Nueva Zelanda. A partir de la autobiografía de Janey Frame, que antes de la película tuvo bastante repercusión, Campion ya muestra en esta obra algunas señas de identidad de su cine, para bien y para mal. Sin duda alguna, posee una buena capacidad para la concepción escénica y la puesta en escena –otra cosa es que guste más o menos– pero también una tendencia, aunque intente controlarla, hacia cierta cursilería de corte feminista y a la superficialidad –enmascarada bajo una presunta continua reflexión sobre temas relevantes–. Aun así, Un ángel en mi mesa supone una experiencia simpática en la que la crudeza de la narración de la vida de Frame acaba diluyéndose en una suerte de cuento amable que, bajo su superficie, se esconden algunas realidades crudas y desagradables del ser humano en general.

 

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EL PIANO (1993)
Reparto principal | Holly Hunter, Anna Paquin, Sam Neill, Harvey Keitel

Ada McGrath (Holly Hunter) hace años que perdió la voz. Su hija Flora se comunica con ella a través de signos y además, gracias a su pasión por la música, Ada expresa sus sentimientos a través de un piano. Un día, su padre entrega a la mujer en matrimonio a Alistair Stewart y tanto ella como la hija tienen que emprender un largo viaje a Nueva Zelanda. Les acompaña, como siempre, su piano. Al llegar a la isla, Alistair obliga a Ada a abandonar el piano en la playa y posteriormente lo vende a George Baines (Harvey Keitel). La nostalgia que siente Ada por las notas hace que busque su objeto más preciado y llega a un acuerdo con Baines para poder ir a tocar el piano a su casa. A cambio, él la tocará a ella. Entre ellos, y siempre sin mediar palabra, empieza a surgir una conexión especial, pero Ada no es feliz y esto precipita un trágico final.

Ambientada en el año 1851, el relato comienza con la voz en off de una niña. Sin embargo, esa voz que oímos sólo existe en la mente de Ada, (Holly Hunter) una viuda de mediana edad que quedó muda a los seis años. Se ha valido de la música, de su forma de tocar su piano como principal medio de expresión. Para comunicarse con los que la rodean cuenta con su pequeña hija Flora (Anna Paquin) y un cuadernillo para escribir que cuelga de su cuello. Un matrimonio concertado la obliga a abandonar su Escocia natal para viajar hacia Nueva Zelanda, donde la espera un marido granjero, un colono bien educado y piadoso, Stewart (Sam Neill) el cual no teme a la discapacidad de Ada, pero carece de la sensibilidad necesaria para apreciar su música y lo que para ella representa. Su sufrimiento comienza en el mismo momento del desembarco en el nuevo continente, cuando su abundante equipaje no puede ser trasladado desde la playa hasta la granja por ningún medio de transporte y son los propios aborígenes los encargados de dicha tarea. Stewart obliga a Ada a abandonar el piano en la misma playa por ser una carga demasiado difícil y pesada. El vecino y amigo de su marido George (Harvey Keitel) será el único que intente ayudar a Ada para que pueda volver junto a su piano, iniciándose entre ambos una relación especialmente intensa e inesperada. Esta exitosa película de la directora Jane Campion suele ser comentada por la deliciosa banda sonora original de Michael Nyman, que consiguió ser un éxito por sí misma, y por las colosales actuaciones de cuatro actores en estado de gracia, incluyendo el debut infantil de Anna Paquin. (FUENTE: https://www.lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine.com/)

 

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RETRATO DE UNA DAMA (1996)
Reparto principal | Nicole Kidman, John Malkovich, Barbara Hershey, Martin Donovan

Isabel Archer es una joven estadounidense que, después de la muerte de sus padres, ha sido enviado a Inglaterra para visitar a sus familiares. La tragedia de su familia la ha dejado sin un centavo, pero la belleza de Isabel ha llamado la atención de un número de hombres elegibles. Cuando Isabel rechaza una propuesta de matrimonio del rico Señor Warburton, porque ella no lo ama. Lo que desconoce es que su primo Ralph, también está locamente enamorado de ella. Todo se pone patas arriba cuando, Isabel toma una gira por Europa, donde se encuentra con madame Merle, una sofisticada casamentera que le presenta a Gilbert Osmond, un artista viudo extranjero del que Isabel se enamora perdidamente.

"Retrato de una dama" es una de las mejores novelas de Henry James, en la que retrató a la sociedad europea del siglo XIX. La directora Jane Campion adaptó este material para ofrecer la historia de una mujer adelantada a su época. Para protagonizarla contó con un trío de lujo formado por Nicole Kidman, en una de las interpretaciones más aclamadas de su carrera; John Malkovich, un actor familiarizado con personajes oscuros y odiosos, y Barbara Hershey, que fue nominada al Oscar a la mejor secundaria por su interpretación como la malévola Madame Merle.

 

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HOLY SMOKE (1999)
Reparto principal | Kate Winslet, Harvey Keitel, Julie Hamilton, Tim Robertson

Apasionante historia que habla sobre las nuevas y emocionantes aventuras que vive uno fuera de su país de origen, unas experiencias que reajustan el pensamiento y cambian, a veces, hasta la propia identidad del viajero. Ruth Barron es una inteligente y atractiva mujer que, después de viajar a la exótica India con su amiga Yvonne, queda gratamente sorprendida por la cultura del lugar, por lo que decide unirse a las enseñanzas del gurú Baba. Cuando Yvonne regresa a Australia se pone en contacto con los padres de su amiga, a quienes comenta en qué situación se encuentra Ruth. Estos, inmediatamente, van en su búsqueda, con la intención de hacer que su hija regrese a casa. Una vez conseguido dicho objetivo contratan a P.J. Waters, un consejero norteamericano que trabaja con aquellos que han sido atrapados por sectas religiosas, con la intención de que éste consiga que su hija sea la que era antes. En la soledad de una cabaña en medio del desierto australiano, el enfoque racional llevado a cabo por P.J. va, poco a poco, haciendo añicos las certezas de Ruth, incrementando así las posibilidades de recuperación.

Después de “El piano” y “Retrato de una dama”, la realizadora neozelandesa Jane Campion presentó este relato cargado de erotismo, cuya mejor baza reside en el pulso interpretativo entre Kate Winslet y Harvey Keitel. Y es que, pese a su punto de partida, el filme está concebido más como una reflexión en tono de comedia descabellada de la guerra de sexos que como un estudio de la problemática de las sectas. La película pretende ser satírica, irónica, pero se queda en un cúmulo de chistes presuntamente excéntricos, peroratas pesadas de bajo interés y trazos de esperpento sobre una relación de edad dispar con artificiosa batalla de sexos. Incluye imágenes de documental con Charles Manson y “angelitos” similares, desperdicia el potencial del simpático personaje de Julie Hamilton (la madre de ficción de Kate Winslet), hace aparecer de forma escasa a Pam Grier y termina su ambicioso delirio desértico de forma muy blandengue.

 

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EN CARNE VIVA (2003)
Reparto principal | Meg Ryan, Mark Ruffalo, Jennifer Jason Leigh, Nick Damici

Frannie Avery lleva una vida muy normal. Trabaja como profesora y vive en Nueva York. Sus días transcurren entre el trabajo, su vida en solitario y algún encuentro con su hermana, pero un día su rutina se ve alterada de repente. Sin quererlo, Frannie presencia una escena sexual muy subida de tono entre un hombre y una mujer, aunque no consigue ver el rostro de ninguno de ellos. Poco después se entera de que se ha cometido un crimen cerca de su casa y el detective Malloy, sospechosamente, cree que ella puede saber algo, pero ¿por qué habria de saberlo? o más imporante aún ¿por qué debería sospechar el atractivo detective de ella?

Meg Ryan, en un intento de relanzar su carrera y dejar de lado el género de la comedia romántica en el que siempre había estado encasillada, protagoniza este ‘thriller’ pseudo erótico en el que, además, realiza su primer desnudo para la pantalla. La historia, basada en una novela de Susanna Moore, que también coescribe el guión, cayó en gracia a Nicole Kidman, que compró los derechos con la intención de producirla y protagonizarla. Pero problemas de agenda de la australiana hicieron que ésta se limitara sólo a producirla, mientras que Ryan fue la escogida para protagonizarla.

 

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CHACUN SON CINÉMA (2007)

La película es una colección de 34 cortometrajes, cada uno de tres minutos de duración, dirigidos por 36 reconocidos cineastas. Representando a cinco continentes y 25 países, los realizadores fueron invitados a expresar "sus estados mentales del momento inspirado por la sala de cine

Lista de directores | JANE CAMPION, Theodoros Angelopoulos, Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Youssef Chahine, Chen Kaige, Michael Cimino, Ethan Coen, Joel Coen, David Cronenberg, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Manoel de Oliveira, Raymond Depardon, Atom Egoyan, Amos Gitai, Alejandro González Iñárritu, Hou-Hsien Hsiao, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Andrey Konchalovskiy, Claude Lelouch, David Lynch, Ken Loach, Nanni Moretti, Roman Polanski, Raoul Ruiz, Walter Salles, Elia Suleiman, Tsai Ming-liang, Gus Van Sant, Lars von Trier, Wim Wenders, Wong Kar-Wai y Zhang Yimou.

En 2007 se celebró el 60 aniversario del Festival de Cannes y, para celebrarlo, se reunieron en esta película 33 cortometrajes dirigidos por cineastas de todo el mundo. Como suele suceder en estos casos el resultado varía mucho de una pieza a otra. El punto de partida del proyecto, sin embargo, hace que se trate de una película casi ineludible para los amantes del cine pues el nexo que une a todos los cortos es precisamente este: el amor por el cine.

Todas las historias cuentan con un nexo común, que es el hecho de tener como trasfondo una sala de cine, con una temática que obviamente está relacionada con lo cinematográfico y desde la que a veces se homenajean ciertos títulos memorables de la historia del séptimo arte, se hacen alusiones directas al Festival de Cannes, recuerdan actores o directores, o se intenta recrear el sentido más profundo de la relación del espectador con el cine, algo que desde varios cortometrajes se consigue transmitir.
 

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8 (EIGHT) (2008)
Una película antológica compuesta por ocho cortometrajes centrados en los
Ocho Objetivos de Desarrollo del Milenio.

En la Declaración del Milenio se recogen ocho Objetivos referentes a la erradicación de la pobreza, la educación primaria universal, la igualdad entre los géneros, la mortalidad infantil, materna, el avance del VIH/sida y el sustento del medio ambiente. Para objetivos, y en respuesta de aquellos que demandaban un cambio hacia posturas más sociales de los mercados mundiales y organizaciones financieras se añade el Objetivo 8, ‘Fomentar una Asociación Mundial para el Desarrollo’. En otras palabras, el objetivo promueve que el sistema comercial, de ayuda oficial y de préstamo garantice la consecución en 2015 de los primeros siete Objetivos y, en general, un mundo más justo. Cada Objetivo se divide en una serie de metas, un total de 28, cuantificables mediante 48 indicadores concretos. Por primera vez, la agenda internacional del desarrollo pone una fecha para la consecución de acuerdos concretos y medibles.

Los títulos de los ocho objetivos, con sus metas específicas, son dirigidos poe los siguientes directores:

 

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BRIGHT STAR (2009)
Reparto principal | Ben Whishaw, Abbie Cornish, Paul Schneider, Kerry Fox

Ambientada en 1818, 'Bright Star' trata sobre la historia de amor entre un poeta inglés, John Keats, y su vecina, Fanny Brawne. Los inicios de la relación no fueron buenos, demasiados perjuicios les separaban. Un día, Fanny descubre que John cuida de su hermano enfermo y le conmueve tanto la situación que quiere saber todo acerca de la poesía, eso con lo que entretiene a su hermano. La poesía será el motor de un bonito romance entre ambos

Una historia hiperromántica basada en la relación real que mantuvo el poeta John Keats en sus últimos años de vida. El filme construye parte de sus diálogos a partir de las cartas que se enviaron los dos amantes y debe su título a uno de los sonetos escritos por Keats cuando estaba con Fanny. Las dosis de realidad no acaban aquí, puesto que el equipo rodó una de las secuencias en Roma, en la auténtica vivienda que vio a Keats morir. Todo ello es obra de la cineasta neozelandesa Jane Campion, quien ya había descrito amores decimonónicos en "El piano". En esta ocasión vuelve a embellecer un argumento lleno de amor con una notable dirección artística y un destacado vestuario. De hecho, "Bright Star" estuvo nominada en este último apartado a un Oscar, aunque recorrió sin éxito las salas de cine españolas.

 

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EL PODER DEL PERRO (2021)
Reparto principal | B. Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee

Dos hermanos que son algo más que socios, son los propietarios conjuntos del rancho más grande de Montana. Phil es el hermano brillante, un lector voraz, narrador elocuente y sagaz jugador de ajedrez. George en cambio es el ganso, el silencioso, el que aprende lentamente y se dedica al negocio. Claro que Phil es cruel, siente una gran sed de dominio y desprecia la debilidad de los demás, George por su parte tiene un alma amable y amorosa. Cuando este se case inesperadamente con una joven viuda y la lleve a vivir al rancho, Phil comenzará una campaña implacable para destruir a la nueva esposa de su hermano y también al hijo de ella.

Western feminista y antihomófobo para los tiempos que corren, lo dirige y firma el guión la australiana Jane Campion, que adapta una novela de Thomas Savage. Ambientada en 1925 en Montana, sigue a los hermanos Phil y George Burbank, ganaderos propietarios de un rancho, que representan dos polos opuestos de modos de vida que pugnan cuando la sociedad está cambiando. Estamos ante una cinta decididamente irregular, quizá por su pretensión de buscar tres pies al gato revisionista de un género considerado tradicionalmente masculino, introduciendo variantes rosas a lo Brokeback Mountain, y sugiriendo que una mujer en aquella época poco más podía hacer que engatusar a un hombre con un mínimo de decencia y refugiarse en el alcohol. Así que se cargan las tintas en las burlas que recibe el petimetre Pete, y los elementos de la homosexualidad resultan muy forzados, cuando no sencillamente increíbles. Los giros sorpresivos quedan poco justificados, aunque se recurra a la metáfora del perro que esconde la forma de las montañas del entorno, que tal vez alguno las vea a la primera, y otros no sepan leer esas señales.

 

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Premios y distinciones

Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
1994​ El piano Mejor dirección Nominada ​
Mejor guion original Ganadora ​
2022 El poder del perro Mejor película Nominada
Mejor dirección Ganadora  
Mejor guion adaptado Nominada  

Festival de Cannes

Año Obra Categoría Resultado  
1986 Peel Palma de Oro a mejor cotrometraje Nominación  
1989 Sweetie PPalma de Oro a mejor película Nominación  
1993 El piano Ganadora  
2009 Bright Star Nominación  

 Festival Internacional de Cine de Venecia

Año Película Categoría Resultado
1990​ Un ángel en mi mesa Premio especial del jurado Ganadora
Premio OCIC Ganadora
Pequeño León de Oro Ganadora
Premio Elvira Notari Ganadora
Premio Bastone Bianco Ganadora
1996​ Retrato de una dama Premio Pasinetti-Mejor película Ganadora
1999​ Holy Smoke! Premio Elvira Notari Ganadora

Premios Bafta de la Academia Británica de Artes Cinematográficas y de Televisión

Año Película Categoria Resultado  
1994 El Piano Mejor película Nominación  
Mejor dirección Nominación
Mejor guion original Nominación
2022 El poder del perro Mejor película Ganadora  
Mejor dirección Ganadora
Mejor guion adaptado Nominación

Premios AACTA, presentados por la Academia Australiana de Artes Cinematográficas y de Televisión

Year Obra Categoría Resultado  
1983 PEEL Mejor cortometraje de ficción Nominación ​
Mejor edición Nominación
1989 Sweetie Mejor guion original Ganadora
Ella misma Premio Byron Kennedy Ganadora
1993 The Piano Mejor película Ganadora
Mejor dirección Ganadora
Mejor guion original Ganadora
2010 Bright Star Mejor dirección Nominación
Mejor guion original Nominación
2013 Top of the Lake Mejor miniserie Ganadora
2017 Top of the Lake: China Girl Mejor serie dramática Ganadora
Mejor dirección en un drama o comedia Nominación
  • 1984 - FCCA Awards (Premio del círculo de críticos de cine de Australia):
    • Mejor película experimental por Passionless Moments (compartido con Gerard Lee)
    • Mejor guion de corto por A Girl's Own Story
  • 1989 - FCCA Awards (Premio del círculo de críticos de cine de Australia) al mejor guion original por Sweetie (compartido con Gerard Lee)
  • 1994 - FCCA Awards(Premio del círculo de críticos de cine de Australia)
    • Mejor director por El piano
    • Mejor película por El piano
    • Mejor guion original por El piano
       
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Mundos arrebatados: de El piano a El poder del perro
Mariona Borrull

En sus primeros meses los bebés abren mucho los párpados, miran las cosas a su alrededor como idos. Absorben hasta el último detalle de un entorno que, por lo que sé, aún está desenfocado. No es para menos: acaban de llegar a un mundo nuevo, un planeta extraterrestre. Al principio de El piano, los dedos de Ada (Holly Hunter) nos descubren, sin prisas, un universo que también sentimos antes de entender. Del vaivén arrebolado de la música orquestal sobre unos créditos en negro, pasamos a unas pocas manchas de luz y, finalmente, a la imagen, a la película. Lo más sabio es, entonces, obedecer el método del recién nacido: abrir los ojos como platos y aprender de ello.

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El piano
Teresa Sorolla-Romero

Enrocado bajo las profundidades oceánicas reposa un piano destartalado, firmemente sumergido entre el vaivén de las algas y peces que lo circundan. Atado a él se mecen, tendiendo hacia la superficie, los abultados ropajes victorianos que encubren un cuerpo femenino presuntamente inerte, que se balancea en vertical. El azul oceánico lo invade todo desdibujando los elementos, que van quedando lejos progresivamente, hasta que la última imagen de El piano funde a negro, acompañada de la locución de unas palabras –significativamente, versos–: “Hay un silencio donde nunca ha habido sonido / Hay un silencio donde no puede haber sonido / En la fría tumba –bajo el profundo, profundo mar”. Ese último plano desencadena una imagen terriblemente poética que se emplaza en la imaginación más íntima de Ada, quien, habiendo desestimado una tentativa de suicidio, se imagina muerta. Si el filme se abre con un plano subjetivo de la protagonista, cuyos dedos entorpecen durante los primeros segundos la visibilidad y orientación del espectador, la última vuelve para desestabilizarlo desde una paradójica y oscura calma.

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Enlaces de interés

YouTube:  Video de Jane Campion    -    Películas:  Películas de Jane Campion

Imágenes:  Imágenes de Jane Campion   -   Videos:  Más videos de Jane Campion

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