Lluis
Algo sobre la fauna de África
Por si quiere ampliar la información
Las boas
La cebra
El chimpancé
El cocodrilo
El elefante africano
La jirafa
El león
El rinoceronte
La tarántula
Por si quiere ampliar la información de los actores de la pelicula
Stewart Granger
Deborah Kerr
Richard Carlson
Khiva
Hugo Haas
Siriaque
Las minas del rey Salomón (1950)
Las minas del rey Salomón (King Solomon's Mines) es una popular novela del escritor victoriano de aventuras y fábulas, Henry Rider Haggard, publicada el 30 de septiembre de 1885. Relata una historia de aventuras en una región inexplorada de África, realizada por un grupo de aventureros liderados por Allan Quatermain en la busca de un hermano de uno de estos exploradores. La importancia de la obra radica en que fue la primera novela de ficción de aventuras situada en África en inglés, y es considerada como la génesis del género literario sobre mundos perdidos.
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Buscando a Nemo es una película estadounidense de animación que se estrenó en noviembre de 2003. El guión está basado en un argumento de Andrew Stanton. Dirigida por Andrew Stanton y Lee Unkrich, y producida por Pixar Animation Studios, este largometraje animado presenta a Nemo, un pez payaso que es el hijo único de su protector padre Marlin. Un día, Nemo es capturado y acaba en la pecera de la oficina de un dentista junto con otros peces que llevan allí más tiempo. Mientras intenta escapar, Nemo no se imagina que su miedoso padre está viviendo su aventura más peligrosa con tal de encontrarlo y regresar juntos a casa.
Pixar ha sabido unir los elementos propios de una película de animación pero lo suficientemente adulta como para que no solamente los niños sean capaces de disfrutar del film, sino también los no tan pequeños e incluso los adultos.
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Monstruos S.A., es la mayor empresa de miedo del mundo, y James P. Sullivan es uno de sus mejores empleados. Asustar a los niños no es un trabajo fácil, ya que todos creen que los niños son tóxicos y no pueden tener contacto con ellos. Pero un día una niña se cuela sin querer en la empresa, provocando el caos.
El afán de superación y competencia entre Dreamworks y la Disney (con Pixar) en el ámbito del cine animado ha provocado la creación de interesantes historias que gustan tanto al público infantil como al adulto: Shrek, Toy Story… Con Monstruos, S. A., Pixar ofrece una imaginativa distracción visual de original diseño y un tierno retrato de personajes que logra conectar en sus emociones y situaciones con los espectadores. (Por AlohaCriticón)
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Los 34 carteles de cine
que se pudieron ver en el
SALÓN DEL CINEMA I LES SÈRIES
los días 17, 18 y 19 de mayo en la Farga de l'Hospitalet
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Playcine - Imdb . - Wikipedia
EL REGADOR REGADO
1895 | Louis Lumière
Está considerada como la primera película de ficción de la historia del cine. Con "L'arroseur arrosé" por título original, este corto de 40 segundos muestra el cine en estado puro. La historia es tan simple como la broma que un chico le gasta a un jardinero pisando la goma cuando éste riega un jardín. En el momento en el que el segundo inspecciona la manguera para ver qué ocurre, el muchacho levanta el pie y el hombre acaba empapado, empezando la persecución para dar el escarmiento que se merece al pillo. Cine en estado puro. Simple, directo y efectivo. Uno de los primeros gags de la historia del celuloide que arrancó la carcajada del entonces inocente y sorprendido público. Fue exhibida en primer lugar en un sótano parisino el 10 de junio de 1895.
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CABIRIA
1914 | Giovanni Pastrone
Nos remontamos 3 siglos antes de Cristo cuando el volcán Etna hace erupción y la ciudad de Sicilia queda sumida en el caos. Unos piratas raptan a una niña llamada Cabiria con la intención de venderla como esclava. Aquí empiezan las desventuras de la pobre chiquilla que es vendida a un grupo que quiere sacrificarla como ofrenda a su dios. Pero en el último instante, un hombre llamado Fulvio Axilla consigue rescatarla y se la entrega a la reina Sophinisbe para que cuide de ella hasta que él consiga escapar de la ciudad donde se encuentran: Cartago. Desde el principio Cabiria fue concebida como la película más grande hecha hasta entonces: se tardó dos años en producirla, su presupuesto llegó a la por entonces increíble suma de un millón de liras y su duración era inusitadamente larga (tres horas en su primer montaje, en una época en que los largometrajes todavía estaban en fase de asentarse). Sin duda, se trataba de uno de los proyectos más ambiciosos de las primeras décadas del cine.
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EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN
1915 | David Wark Griffith
La película arranca con la Guerra de Secesión, donde se muestra la visión de dos familias distintas, enfrentadas políticamente. Los Stoneman, partidarios de la Unión, y los Cameron, sudistas y fieles a la Confederación. El final de la cruel guerra no devuelve la calma a los espíritus, que siguen presentes. Tiempo después, el presidente Abraham Lincoln es asesinado en el Teatro Ford. La corrupción política se ceba en la sociedad estadounidense, la población negra se rebela y un grupo de personas fundan el Ku Klux Klan, como forma justiciera y vengadora. 'El nacimiento de una nación' es considerado uno de los hitos del cine mudo, así como una de las películas más famosas, y polémicas, de su época. Una obra de indiscutible importancia en la historia del cine, que marca un antes y un después tanto por lo que hace a cómo el público ve las películas, como por lo que respecta a su filmación por parte de los cineastas. Y es que en este filme, David W. Griffith inventó parte del lenguaje cinematográfico que hoy todos asumimos como algo normal (como, por ejemplo, la acción paralela).
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NOSFERATU
1922 | Friedrich Wilhelm Murnau
En 1838, Hutter, un joven ayudante de notario, viaja hasta Transilvania para concluir una venta con el dueño de un castillo de Los Cárpatos. Después de los amenazadores encuentros y los funestos presagios que ha ido encontrando a lo largo del camino, es recibido por el extraño conde Orlock. Tras la primera noche, Hutter se levanta con una marca de colmillos en su cuello, pero prefiere pensar que son simples picaduras de insectos. Sin embargo, el conde resulta ser la reencarnación del vampiro Nosferatu. Tras el humillante Tratado de Versalles, que puso fin a la I Guerra Mundial, Alemania se sumió en una profunda crisis económica y social. Este lúgubre periodo se reflejó en el cine con la corriente del expresionismo, de la que “Nosferatu” es uno de sus símbolos. Fue dirigida por uno de los genios del cine germánico, F. W. Murnau, que, al no disponer de presupuesto para pagar los derechos, adaptó el “Drácula” de Bram Stoker sin autorización y cambiando los nombres de los personajes. Esto no engañó a la viuda de Stoker, que acabó poniéndole un pleito a Murnau. Así, muchas de las copias de la cinta se destruyeron, pero, por fortuna, no todas.
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EL ACORAZADO POTEMKIN
1925 | Serguéi Eisenstein
La tripulación del acorazado Potemkin se niega a comer carne en mal estado y llena de gusanos. La situación llega a un punto insostenible y finalmente se desarrolla un amotinamiento en el que muere su líder, Vakulinchuk. Cuando el barco llega al puerto de Odessa, con los rangos de grado superior destronados, la gente quiere saber la causa de la rebelión. Uno de los hitos de la historia del cine, planeado para ser exhibido en las celebraciones del 20º aniversario de la Revolución Rusa, movimiento que acabó con el poder zarista y dio paso a la URSS. Encargaron el proyecto al joven realizador Sergei Eisenstein, a quien aleccionaron para que la película plasmara la situación de insostenibilidad del pueblo ruso durante la época zarista. Independientemente del contenido ideológico, el trabajo de Eisenstein dio lugar a uno de los filmes que más ayudaron a definir el lenguaje cinematográfico, sobre todo por lo que hace referencia al montaje. Una película fundamental en la historia del cine, con una de las escenas más famosas (la de las escaleras de Odessa).
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AMANECER
1927 | Friedrich Wilhelm Murnau
El protagonista vive junto a su esposa y su hijo pequeño. El día a día no es fácil en un ambiente tan rural, pero el matrimonio se siente afortunado. Un día, llega al pueblo una hermosa mujer de ciudad y la vida de la familia cambiará por completo. El director "Amanecer" F.W. Murnau trajo el expresionismo alemán al cine estadounidense. En el filme se puede ver un triángulo amoroso, una infidelidad, y el deseo peligroso como temas centrales de esta historia. Fue la primera y única película en ganar el premio de Mejor película de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en la categoría de "Calidad artística de producción". Fue el único año en que se otorgó este premio. Los negativos originales de la película fueron destruidos en un incendio en los estudios Fox originales en Nueva Jersey en 1937.
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EL CANTOR DE JAZZ
1927 | Alan Crosland
El señor Rabinowitz es el rabino de una sinagoga de Nueva York y quiere que, al dejar su trabajo después de jubilarse, su hijo ocupe su puesto, convirtiéndose así en la quinta generación de rabinos en su familia. Sin embargo, él no quiere hacerlo porque lo que de verdad le gusta es el jazz. Por eso, a pesar de la oposición de su padre, abandona la Gran Manzana y traslada su hogar a la Costa Oeste, en la ciudad de Los Angeles. Allí intenta hacerse un hueco como cantante de jazz tocando en bares. Pronto conocerá a Mary Dale, una bailarina que le dará todo el apoyo que necesita para llegar a los escenarios de Broadway. 'El cantor de jazz' se convirtió en todo un hito en la historia del cine al ser la primera película con diálogos sonoros. Es la adaptación de la obra teatral homónima que fue todo un éxito en Broadway en 1925.
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EL CIRCO
1928 | Charles Chaplin
Charlot es un vagabundo arruinado, hambriento y con tendencia a enamorarse locamente sin conseguir a la chica. Confundido por un ladrón y perseguido por John Law, una agente de policía, hasta una carpa de circo. Charlot se transforma inesperadamente en una estrella cuando los jefes del circo creen que esta persecución no es sino una farsa. Momentos inolvidables incluyen la frenética secuencia de la casa de la risa, al vagabundo arruinando un espectáculo de magia y su paso al andar por la cuerda floja mientras unos monos trepan por su cabeza. "El circo", uno de los últimos filmes mudos de Charles Chaplin, es también una de sus comedias más desenfrenadas, un 'slapstick' con una trama muy simple que sirve como pretexto para una sucesión interminable de hilarantes tortazos al estilo de Buster Keaton.
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EL DESFILE DEL AMOR
1929 | Ernst Lubitsch
Los súbditos de la princesa Louise, de un imaginario país llamado Sylvania, están preocupados debido a que su soberana no encuentra una persona adecuada para compartir el trono. Hasta que conoce a su emisario en París, por el que sentirá una fuerte atracción. Fue el primer trabajo sonoro de Lubitsch, una de sus muchas obras maestras, y un ejemplo que suele olvidarse a la hora de enumerar los films que desafiaron (y vencieron) las limitaciones técnicas de los nuevos equipos.
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SIN NOVEDAD EN EL FRENTE
1930 | Lewis Milestone
Alentados por las palabras de su profesor, un grupo de jóvenes alemanes se enlistan para ir a la guerra, sin ser conscientes de que en el frente les esperan los más terribles horrores. Mítica película antibélica que plasma los sentimientos, sensaciones y desilusiones de un grupo de jóvenes estudiantes que son enviados al frente en la Primera Guerra Mundial. Es una adaptación de la novela homónima del escritor alemán Erich María Remarque, y está dirigida por Lewis Milestone, quien ganó el Óscar como Mejor Director por su trabajo en el filme. En la película hay mucha violencia, algo que sirve para demostrar la realidad de una guerra. Esto, Milestone lo acompaña con la falta de banda sonora.
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KING KONG
1933 | Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
Carl Denham es un director de cine que quiere rodar su próxima obra en la isla de Sumatra. Una vez allí, los nativos raptan a la actriz principal, Ann Darrow, para ofrecérsela a un enorme gorila llamado Kong. Clásico indiscutible del cine fantástico de todos los tiempos, epítome de la trágica historia de amor entre la bella y la bestia. "King Kong" se estrenó el 2 de marzo de 1933 simultáneamente en el Radio City Music Hall y en RKO Roxy, cines que tenían una capacidad para 10.000 espectadores. Su reacción ante el espectáculo fue unánime: quedaron a la vez aterrorizados y fascinados por el gigantesco gorila ideado por el novelista Edgar Wallace y los cineastas Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper. Ello también fue gracias al genio de los efectos especiales Willis H. O'Brien.
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EL MAGO DE OZ
1939 | Victor Fleming
Dorothy, es una niña huérfana que se siente infeliz en la granja de sus tíos en Kansas. Desea viajar y su sueño se hace realidad cuando es arrastrada por un torbellino mágico al mundo de Oz. Ahí con la ayuda de un espantapájaros, un hombre de hojalata y un león cobarde tratará de encontrar al Mago de la Ciudad Esmeralda. Eso si la malvada bruja del Oeste se lo permite. Segunda adaptación del libro de Frank L. Baum y la película considerada como el modelo de los musicales de cuentos de hadas. Lanzó al estrellato a Judy Garland, la segunda opción de los estudios MGM, después de que Shirley Temple abandonara el proyecto.
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LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ
1939 | Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
Escarlata O'Hara, hija de un rico plantador de algodón del sur, une a su belleza una caprichosa personalidad. Enamorada de Ashley, un terrateniente vecino, verá cómo éste se casa con Melania. Despechada, Escarlata se casa, a su vez, con un joven que no le importa, aunque el comienzo de la guerra civil y la entrada en escena del cínico Rhett Butler cambiarán su vida radicalmente. Esta adaptación cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell recibió ocho Oscars más uno honorífico por su uso del color en la película. Mientras estaba clarísimo que el papel de Rhett Buttler iba a ser interpretado por Clark Gable, para encontrar a la intérprete de Escarlata O'Hara se emprendió una búsqueda por los Estados Unidos que culminó con el descubrimiento de una joven y entonces desconocida actriz británica: Vivien Leigh. La decisión del director también fue confusa y fueron varios los que pasaron por este cargo. Aunque Victor Fleming es el único que figura en los créditos, George Cukor, William Cameron Menzies y el propio productor, David O.Selznick, rodaron buena parte del metraje del filme que, aún hoy, permanece como el más mítico y taquillero de toda la historia del cine.
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EL LADRÓN DE BAGDAD
1940 | Ludwig Berger, Michael Powell, Tim Whelan,
sin acreditar: William Cameron Menzies, Alexander Korda, Zoltan Korda
sin acreditar: William Cameron Menzies, Alexander Korda, Zoltan Korda
El príncipe Achmad es el sucesor al trono de Bagdad. Pero el malvado visir Jaffar lo ha expulsado del palacio. Éste pretende casarse con la princesa y así quedarse con el reino. Achmad se mueve entre los mendigos hasta que es encarcelado. En los calabozos se hace amigo del ladrón Abú. Consiguen huir y en una playa encuentran a un genio en una botella que les concederá tres deseos. 'Remake' de una famosa película del cine mudo de Raoul Walsh. Está considerada como una de las obras maestras del cine fantástico gracias al alarde de imaginación tanto en sus diálogos como en su puesta en escena. Onírica e imaginativa en el resultado, sin embargo, las condiciones en las que fue rodada no fueron las idóneas, ya que se produjo en plena Segunda Guerra Mundial.
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REBECA
1940 | Alfred Hitchcock
Una tímida dama de compañía conoce en Montecarlo al acaudalado Maxim de Winter, que parece vivir atormentado por la muerte accidental de su esposa, Rebeca. Ambos se enamoran y acaban casándose ante el asombro de todos. Al volver a Inglaterra, la inquietante señora Danvers, el ama de llaves de la mansión Winter, sigue manteniendo vivo el recuerdo de su antigua señora y hace la vida imposible a su nueva ama. Fiel adaptación de la novela de Daphne du Maurier, que conserva la tenebrosidad y el dramatismo del libro en el que se basa. Fue la primera producción estadounidense de Alfred Hitchcock, que la dirigió con asombroso aplomo y con una comprensión excepcional del tono esencial de la novela, sin dejar por ello de imprimir su huella personal a la hora de regalar dosis de suspense. Destacan las impresionantes interpretaciones de Laurence Olivier, Joan Fontaine y Judith Anderson --como la retorcida ama de llaves--.
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EL SARGENTO YORK
1941 | Howard Hawks
Alvin York es un granjero pacifista obligado alistarse durante la I Guerra Mundial, a pesar de haberse declarado objetor de conciencia. Cuando llega al frente trata de mantener su postura. Pero la realidad y sobre todo, la muerte de su mejor amigo en una emboscada le hacen cambiar de actitud. Con su extraordinaria puntería llegó a convertirse en el soldado más condecorado de los Estados Unidos. Película basada en la vida de Alvin C.York, quien aceptó vender los derechos de su historia a la Warner Bros a cambio de una serie de condiciones. Dos de ellas fueron que su esposa no podía ser interpretada por una actriz excesivamente glamorosa y que su personaje debía ser encarnado por Gary Cooper. Y así fue. El filme de 1941, estrenado en plena contienda bélica, fue dirigido por Howard Hawks. El guión, en el que participó John Huston, divide el argumento en dos partes: la plasmación de la América rural y la concienciación del personaje en la guerra.
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UN TRANVÍA LLAMADO DESEO
1951 | Elia Kazan
Blanche DuBois es una mujer madura y desequilibrada que arrastra un escabroso pasado. Se refugia en Nueva Orleans con su única hermana Stella y su marido Stanley Kowalski, un hombre rudo y violento. Stanley no tendrá ninguna consideración con el delicado estado de Blanche, a la que maltratará psicológicamente hasta destruirla. Primera adaptación al cine del premio Pulitzer de Tennesse Williams. Dirigida por Elia Kazan, la película respetó la estructura teatral original, recreando la atmósfera opresiva y de emociones intensas que exigía el texto. El filme fue galardonado con cuatro Oscar. Vivien Leigh ganó el de mejor actriz principal y Kim Hunter y Karl Malden vencieron en la categoría de secundarios. Marlon Brando, sin embargo, se quedó sin estatuilla, ya que esta recayó en Humphrey Bogart por "La reina de África". Salvo Vivian Leigh, los tres actores ya habían representado la obra en Broadway, consiguiendo todo un éxito de taquilla y alcanzando la cifra récord de 855 representaciones consecutivas.
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SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS
1954 | Stanley Donen
El mayor de siete hermanos leñadores, Adán, baja al pueblo para casarse. Su nueva esposa, Molly, tendrá que hacerse cargo de la casa y los seis hermanos de él. Molly se encargará de pulir a los cuñados para que puedan encontrar a sus propias esposas. El primer día que ven a las chicas, quedan enamorados de ellas, así que deciden raptarlas y llevarlas a su casa, a las montañas. El rescate de las chicas resulta imposible porque el camino que lleva a la casa queda bloqueado por la nieve. Mientras esperan el deshielo, va surgiendo el amor entre ellos. Se trata de uno de los grandes musicales de Hollywood, dirigido por uno de los grandes, Stanley Donen, y cuya historia es una adaptación de "El rapto de las Sibilas" (un episodio romano). La banda sonora fue recompensada con un Oscar. Aunque lo que más ha quedado en el recuerdo son los bailes acrobáticos de ritmo frenético, la mayor parte de ellos realizados por el bailarín Russ Tamblyn, que más tarde interpretaría a Riff, el líder de los Jets de "West Side Story".
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BEN-HUR
1959 | William Wyler
Judá Ben-Hur, príncipe de Judea, se reencuentra con su amigo de la infancia, Messala, que acaba de tomar el control de la guarnición de Jerusalén. Pero su amistad no puede resistir sus diferencias de carácter y pronto entran en conflicto. Cuando una piedra cae del balcón de la casa familiar de Ben-Hur, casi matando al gobernador que desfilaba por debajo, Messala traiciona a su amigo, al que sabe inocente, enviándolo a galeras y mandando a prisión a su madre y su hermana. Ben-Hur jura entonces recuperar su libertad y planea su venganza. Una de las películas más espectaculares de la historia del cine, modélica a la hora de ilustrar lo aparatosos que eran los sistemas de producción de los grandes estudios. Considerada como la cima del género del péplum, se trata de un 'remake' de un clásico del cine mudo de 1929. Curiosamente, la novela original fue escrita a finales del siglo XIX por Lewis Wallace, un general ejército federal que nunca había pisado Roma, pero que planteó la cinta como una historia de Dios. Sin embargo, lo que la gente de hoy en día más recuerda es la carrera de cuadrigas espectacular. Durante su rodaje murió uno de los especialistas aplastado por los caballos, cuya muerte fue conservada en el montaje final.
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CON FALDAS Y A LO LOCO
1959 | Billy Wilder
Joe y Jerry, dos músicos sin trabajo, deben esconderse de unos gángsters que quieren liquidarlos porque han presenciado, involuntariamente, la matanza del día de San Valentín. Se disfrazan de mujer, se hacen llamar Josephine y Daphne y entran a formar parte de una orquesta de mujeres que va hacia Florida. La cantante de la orquesta es la dulce Sugar Kane, que se hace muy amiga de las dos nuevas chicas. Joe, enamorado de Sugar, se hace pasar por un millonario, mientras que Jerry maneja de bólido Osgood, un millonario en serio. Basada en una farsa de origen alemán, un Billy Wilder en plena forma rodó una de sus mejores comedias, en la que Marilyn Monroe luce con especial intensidad, junto a Jack Lemmon y Tony Curtis en sus papeles de mujeres. El director optó por utilizar deliberadamente el blanco y negro para evitar el impacto del color del travestismo y realzar los brillantes diálogos y las divertidas situaciones. Una obra maestra del humor que termina con una de las frases más conocidas de la historia del cine.
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LA DOLCE VITA
1960 | Federico Fellini
Marcello Rubini es un cronista de los escándalos sociales de la Via Veneto romana que se dedica a deambular por diversos ambientes de la ciudad, desde los barrios populares hasta las suntuosas villas donde se celebran orgías de aristócratas. En este deambular, Marcello se debate entre el instinto posesivo de su novia y el mito sexual femenino, representado por una rotunda actriz nórdica. Tras haber obtenido dos años consecutivos el Oscar a la mejor película extranjera por "La strada" y "Las noches de Cabiria", Federico Fellini se vio capaz y con los medios suficientes para abordar un filme sobre la Roma que le había fascinado toda la vida. No lo hizo a través de un argumento al uso, sino con una serie de escenas representativas, organizadas alrededor de un eje principal: las correrías de un periodista donjuanesco y desencantado. De entre estas escenas, las hay que han quedado como iconografías dentro de la historia del cine, como la del famoso baño de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi. Premiada con la Palma de Oro en Cannes, la película representó la definitiva consagración de Marcello Mastroianni.
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ADIVINA QUIÉN VIENE ESTA NOCHE
1967 | Stanley Kramer
Joey Drayton pertenece a una familia adinerada. Ésta se ha enamorado perdidamente de John Prentice, un médico de raza negra y su única ilusión es casarse con él. Pero antes de la boda, Joey decide presentar, de manera oficial, a su prometido. Aunque la familia de la novia tiene ideas liberales, el padre de la joven cree que ese matrimonio se terminará por la culpa del qué dirán y la presión social. La película que se desarrolla en un ajetreado día en la casa de los Drayton, nos mostrará cómo es ese primer contacto entre los padres de la joven y la pareja, además una simple cena se ampliará para recibir a los padres del doctor. "Adivina quien viene esta noche" fue la última película de la carrera de Spencer Tracy. Cuando empezó a rodarla, el actor estaba ya gravemente enfermo y parecía poco probable que pudiera terminarla. Stanley Kramer, el director y amigo personal de Tracy, organizó la filmación para hacerla lo más llevadera posible para él, colocando todas sus secuencias al principio y haciendo que Tracy solo tuviera que trabajar unas pocas horas al día. De esta forma, el actor consiguió concluir el filme, aunque murió pocas semanas más tarde. La película fue también la última de las siete que rodaron juntos la mítica pareja formada por Tracy y Katharine Hepburn.
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EL PADRINO
1972 | Francis Ford Coppola
Las familias mafiosas de Nueva York entran en conflicto cuando el capo de una de las más poderosas, Vito Corleone, se opone a que la Cosa Nostra entre en el negocio del tráfico de drogas. Como consecuencia, sufre un atentado que le deja al borde de la muerte. Para vengar el golpe y salvar a la familia, Michael Corleone, su hijo predilecto, quien siempre había estado al margen de los negocios de la familia, debe meterse de lleno en el sucio mundo del crimen. Primera entrega de la célebre trilogía de "El padrino", que Francis Ford Coppola dirigió basándose en la novela homónima de Mario Puzo, con la intención de plasmar el mundo del crimen organizado en Estados Unidos. La historia de la familia Corleone se ha convertido en uno de los mayores clásicos de la historia del cine, amén de cosechar un gran éxito de taquilla.
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ANNIE HALL
1977 | Woody Allen
La cinta narra la situación amorosa de Alvy Singer. Un cuarentón de Nueva York que trabaja como humorista en un club nocturno. Tras divorciarse en dos ocasiones, un buen día conoce a una alocada aspirante a cantante llamada Annie Hall. En un principio la relación va viento en popa y ambos parecen estar muy compenetrados pero pronto surgen problemas. Los celos y las diferencias entre ambos se hacen cada vez más latentes por lo que la ruptura tarda poco en llegar. Una vez más, Alvy vuelve a quedarse sólo a causa de su neurótico carácter y su extraña forma de ser. Tras ello, el cómico empieza a recordar su vida centrándose en sus relaciones sentimentales y las causas que las llevaron al fracaso. La película, que en un principio tenía que ser un misterio, terminó sirviendo a Allen como un análisis de su historia de amor con la actriz Diane Keaton, con quien mantuvo una relación tras el divorcio de su segunda esposa y que da nombre a la película, como su apodo es Annie y su verdadero apellido, Hall.
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LA GUERRA DE LAS GALAXIAS
1977 | George Lucas
La nave en la que viaja la princesa Leia es asaltada por las tropas imperiales que dirige el temible Darth Vader. Antes de ser capturada, la princesa consigue introducir un mensaje de socorro en el droide R2-D2, el cual logra escapar del asalto acompañado de su inseparable C-3PO, un droide especialista en protocolo. Tras aterrizar en el planeta Tattooine, los dos droides son capturados y vendidos a un joven granjero llamado Luke Skywalker. Cuando el joven se dispone a limpiar la unidad R2-D2, descubre accidentalmente el mensaje oculto de la princesa, el cual está destinado a un viejo ermitaño llamado Obi Wan Kenobi. Luke deberá encontrar a dicho ermitaño para ayudar a la enigmática princesa. Convertida en todo un clásico del cine, con una legión de fieles seguidores e icono de toda una generación, la cinta se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la historia del cine y dio pie a una saga magna. Lucas, director y guionista de esta fantástica historia, y su amigo Steven Spielberg idearon otro personaje que quedaría grabado en la memoria del gran público: Indiana Jones.
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EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA
1981 | Steven Spielberg
El gobierno de Estados Unidos reclama al intrépido arqueólogo Indiana Jones para participar en la búsqueda del Arca de la Alianza, que se cree que todavía guarda en su interior las tablas de los Diez Mandamientos. La tarea no es fácil, especialmente porque los agentes nazis de Hitler también andan tras la preciada reliquia y están dispuestos a todo para conseguirla. Lo que empezó siendo un filme de encargo terminó como un proyecto personal que relanzó la carrera de Spielberg hasta límites insospechados. Uno de los problemas a los que se enfrentó Spielberg fue la elección del protagonista. El actor inicialmente previsto, Tom Selleck, tuvo que renunciar al papel a causa de sus compromisos televisivos. Tras darle muchas vueltas, el elegido fue Harrison Ford, viejo amigo de Lucas desde "La guerra de las galaxias". Una elección que se acabó revelando acertada.
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CINEMA PARADISO
1988 | Giuseppe Tornatore
En esta historia de amor por el cine. Salvatore Di Vita, un director de cine, sufre una fuerte conmoción cuando le comunican la muerte de Alfredo, su viejo amigo proyeccionista. Salvatore, al que todos conocen como Totó, era un niño al que le encantava disfrutar de las películas que se proyectan en el cine local, el ‘Cinema Paradiso’. Cuando conoció a Alfredo, el encargado de las proyecciones en el cine, empieza a entablar una estrecha relación con él, afincada en la pasión de ambos por el séptimo arte. Así mismo, Alfredo le enseña al joven Totó todos los secretos, entresijos y misterios ocultos que guardan las peliculas. Pasan los años y Salvatore crece, decidiendo abandonar su pequeño pueblo siciliano, Giancaldo. El director italiano Giuseppe Tornatore consiguió su mayor éxito de crítica y público con esta cinta. A destacar las interpretaciones del veterano Philippe Noiret y del niño debutante Salvatore Cascio. A modo de curiosidad, Tornatore ideó la película para que sirviera como obituario de las salas de cine tradicionales, y de la industria en general. Aunque tras el impacto de su trabajo, jamás volvió a mencionar el tema.
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EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS
1989 | Peter Weir
Enmarcada a finales de los años cincuenta, la historia transcurre en la prestigiosa universidad estadounidense de Welton. El principio básico del centro es la disciplina, la cual es llevada a rajatabla por todo el claustro de profesores. El curso se acaba de inaugurar y un nuevo profesor llamado John Keating pretende emplear otros métodos más amenos para educar a sus alumnos. Entre el grupo de compañeros se encuentran cuatro jóvenes que acaban de conocerse y en torno a los cuales girará el relato. Sus sueños e inquietudes pronto se verán hechos realidad gracias al profesor Keating quien les enseña que en la vida hay que vivir el momento. Para ello, crearán un lugar donde expresar sus ideas libremente al que llamarán "el club de los poetas muertos". Esto provocará una revolución en la estricta universidad que les traerá problemas a los chicos y al propio profesor. Una exaltación de las ideas de la filosofía romántica, como el derecho a ser diferente, la libertad, o el mismo 'carpe diem', recogida por el guionista Tom Schulman a través de citas de poetas como Whitman o Thoreau. Schulman, que ganó un Oscar por su trabajo, evocó su juventud con esta película, ya que él estudió en un colegio similar a Welton.
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LA BELLA Y LA BESTIA
1991 | Gary Trousdale, Kirk Wise
Un apuesto y arrogante príncipe es víctima de una maldición por parte de una hechicera a quien niega hospitalidad: vivirá en el cuerpo de una horrible bestia hasta que sea capaz de despertar en una joven el amor verdadero. Los años pasan y la bestia no consigue romper el hechizo. Pero cuando ya ha perdido toda esperanza, a su castillo llega un anciano perseguido por los lobos. La bestia lo encierra en una mazmorra, pero cuando su hija, la joven Bella, se presenta en su busca, él le ofrece un pacto: le dejará marchar a cambio de que ella se quede para siempre. Puede que no sea la película Disney preferida de los niños, pero, sin duda, es una de las más alabadas por la crítica y el primer filme animado que fue nominado al Oscar a la mejor película. Está basada en el cuento de hadas clásico, recogido por Leprince de Beaumont, al que se sometió a varias modificaciones. Por un lado, se cambiaron algunos aspectos del argumento, y por otro, se le añadió una banda sonora repleta de canciones que cosechó dos estatuillas.
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FORREST GUMP
1994 | Robert Zemeckis
Al tener el coeficiente intelectual de un niño, Forrest Gump siempre ha sido considerado el “tonto” de clase. Bajo las faldas de su madre se siente protegido y junto a su amiga Jenny es feliz, aunque en su propio mundo. Un problema en su columna vertebral no le impide convertirse en un ágil corredor. Ya más mayor, Forrest luchará en la guerra de Vietnam y conocerá al mismísimo presidente de los Estados Unidos. Llegará a ser muy rico, pero para Forrest hay algo que no cambia: el amor de su vida es y será Jenny. Con la interpretación de este personaje singular, Tom Hanks consiguió su segundo Oscar al mejor actor, a la vez que hacía popular una de las frases más conmovedoras de la película: "La vida es como una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar".
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TITANIC
1997 | James Cameron
En abril de 1912, dos jóvenes cruzan sus destinos en el viaje inaugural del Titanic. A pesar de que ambos pertenecen a diferentes clases sociales y de que ella viaja con su prometido, nada puede impedir que nazca el amor. Sin embargo, el transatlántico choca contra un iceberg y su apasionado encuentro se convierte en una desesperada carrera por sobrevivir. Con un presupuesto de casi 150 millones de euros, James Cameron se arriesgó a filmar la película más cara de la historia hasta esa fecha para recrear la tragedia real del transatlántico. Un desastre que el cineasta supo convertir en una de las películas más taquilleras de la historia del cine, amén de acumular once premios Óscar, una marca solo igualada en ese momento por "Ben-Hur" y que años después repetiría Peter Jackson con "El señor de los anillos: El retorno del rey". La Fox construyó un tanque capaz de almacenar 76 millones de litros de agua, donde colocó una réplica del transatlántico a una escala del 90%. La productora tuvo que compartir gastos con Paramount para poder hacer frente a la astronómica inversión necesaria para terminar este titán del celuloide.
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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, LA COMUNIDAD DE LOS ANILLOS
2001 | Peter Jackson
El joven hobbit Frodo Bolsón hereda un anillo que resulta ser el instrumento de poder absoluto que permitiría a Sauron, el Señor Oscuro de Mordor, gobernar la Tierra Media. Para evitarlo, Frodo y su leal Comunidad deben destruirlo arrojándolo al fuego donde fue forjado. Primera entrega de la colosal trilogía basada en la novela homónima de J.R.R. Tolkien, dirigida por el neozelandés Peter Jackson. Atendiendo a la extensión de la obra original, Jackson decidió rodarla en tres entregas, lo que le permite un metraje total de más de 9 horas, suficiente para narrar correcta y fielmente la historia imaginada por Tolkien. Las tres cintas se filmaron simultáneamente en Nueva Zelanda, en un rodaje que duró más de un año. Los resultados cosechados por esta primera entrega fueron tan espectaculares como sus efectos especiales. Más de siete millones de espectadores acudieron a las salas españolas y se recaudaron casi 650 millones de euros en todo el globo. Además, el filme obtuvo trece candidaturas a los premios Óscar. Logró cuatro, la mayoría por méritos técnicos, exceptuando el galardón para Howard Shore por su recordada banda sonora.
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MOULIN ROUGE
2001 | Baz Luhrmann
Christian es un joven poeta del París de 1890 que abandona el hogar para trasladarse al barrio de Montmatre, cuna de la bohemia romántica de finales del siglo XIX y donde viven curiosos personajes como Toulouse-Lautrec. En este depravado y glamouroso refugio de sexo y drogas, el inocente poeta conoce a Satine, la estrella del famoso cabaret Moulin Rouge y la cortesana más deseada del lugar. Juntos iniciarán una apasionada historia de amor marcada por la tragedia, ya que ella está prometida a un poderoso hombre de negocios apodado el Duque. Original drama musical dirigido por el australiano Baz Luhrman (responsable de la también curiosa adaptación de "Romeo y Julieta de William Shakespeare"). En esta ocasión, el realizador construyó una historia que emana directamente del mito de Orfeo y Eurídice. Para ello, utilizó una banda sonora muy cuidada, que homenajea a la música pop del siglo XX y que contiene, entre otros, temas de John Lennon, Paul McCartney, Sting, Elton John y David Bowie. La australiana Nicole Kidman y el escocés Ewan McGregor supieron estar a la altura en esta barroca cinta del género musical que obtuvo un gran éxito de crítica y público.
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EL GRAN HOTEL BUDAPEST
2014 | Wes Anderson
Cuenta las aventuras de Gustave H, un conserje de un famoso hotel europeo en el período de entreguerras, y las de Zero Moustafa, el botones que se convierte en el amigo en el que más confía y en su protegido. Todo marchaba en un relativo orden a pesar de la complicada situación económica y la inestabilidad política, hasta que se produce un serio robo, el de una valiosa pintura renacentista. La pintura es muy importante, por lo que se ocasiona un gran revuelo en el hotel y aparece la imperiosa necesidad de encontrarla. Además al mismo tiempo, también se produce en el hotel una gran disputa familiar por una fortuna. Todos los miembros se enfrentan entre sí, sin que ninguno de ellos esté dispuesto a ceder en su empeño. El universo colorido y extravagante de Wes Anderson, que ya se había ganado a la crítica con su anterior propuesta, "Moonrise Kingdom", volvió a aparecer con esta mezcla de comedia, drama y aventuras, narrada como si de un cuento de hadas se tratase. Para ello, el cineasta se basó en varios trabajos del autor austríaco Stefan Zweig. Además de la larga lista de caras conocidas que poblan el reparto, esta original y dinámica propuesta destaca por la sugerente fotografía de Robert D. Yeoman y una brillante banda sonora de Alexandre Desplat, que recrea el folk ruso de esta Europa del Este imaginaria.
Vista hoy, Toy Story permanece tan fresca, divertida y sorprendente como lo fue en su día. Que las películas posteriores de Pixar hayan bebido, en mayor o menor medida, de su estética, su estructura argumental y sus personajes, demuestra hasta qué punto la primera película de la compañía fue influyente y fundacional en muchos sentidos. Y eso teniendo en cuenta que, tecnológicamente, su proceso creativo ha perdido todo rastro de sofisticación, y hoy es una reliquia del pasado como lo son las primeras tentativas de otras técnicas como el rotoscopio o el stop-motion. La clave de la animación de Toy Story es RenderMan, un software propiedad de Pixar para el renderizado 3D que desarrolló desde mediados de los ochenta. Además de usarlo en sus propias películas, la compañía lo pone a disposición de terceros, como hizo, con el software aún en pañales, en películas como The Abyss en 1989 (en la escena del tentáculo de agua que le brindó un Oscar a la película) o Terminator 2 en 1991 y sus efectos de metal líquido. (por JOHN TONES)
Woody lleva el nombre de Woody Strode. Fue revelado en agosto de 2009 por Lee Unkrich, director de Toy Story 3, que el apellido oficial de Woody es "Pride". Unkrich declaró en su cuenta de Twitter que "el nombre completo real de Woody es 'Woody Pride', y lo ha sido desde los primeros días en el desarrollo de Toy Story original.
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Basada en la novela gráfica de Frank Miller “The Dark Knight Returns”, Batman sigue las aventuras de un misterioso luchador que combate el crimen. Bruce Wayne (Michael Keaton), traumatizado por el asesinato de sus padres cuando era niño, se disgusta al ver como Gotham, su ciudad natal, se ha convertido en un lugar del pecado. Gotham se ha convertido en un lugar oscuro, peligroso, lleno de delincuentes y maleantes, teóricamente protegido por un departamento de policía corrupto, en su mayoría. Por este motivo, Wayne inventa el personaje de Batman, con el fin de infundir miedo en los corazones de los criminales. Al hacerlo Batman gana un enemigo: el Joker (Jack Nicholson), un criminal demente y desfigurado, con un gran gusto por lo teatral. Además, una curiosa periodista, Vicky Vale (Kim Basinger), tratará de descubrir quién se oculta tras ese traje negro con forma de murciélago. A pesar de los mejores esfuerzos del fiscal del distrito, Harvey Dent (Billy Dee Williams), y del comisario de la policía, James Gordon (Pat Hingle), la ciudad se convierte cada vez en más insegura. La única esperanza de Gotham parece ser el caballero oscuro…
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Entre el 9 de septiembre de 1934 y el 19 de julio de 1936 se publicaron en Madrid un total de 97 números correspondientes a una nueva revista cinematográfica dirigida por Antonio Valero de Bernabé que llevaba por título Cinegramas. Revista semanal. En la cabecera de cada uno de los ejemplares se especificaba de forma escueta el título, año de edición, número, fecha, y nombre del director. Aparte, sólo y no siempre se manifestaba que la correspondencia debía ser dirigida a Prensa Gráfica, Hermosilla, 73, Madrid, nombre y dirección del grupo editorial que respaldaba su publicación.
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Primer Plano Dirigido por Fotogramas Fantastic Magazine (2 época) Música de cine
Disney pretendía conseguir otro éxito similar a La Bella y la Bestia, que fue la primera película animada en ser nominada como mejor película en los premios de la academia, y por ello es que la producción de Pocahontas contó con un presupuesto mayor a El Rey León, además de que muchos de sus animadores principales también formaron parte del proyecto. Aunque es una historia contada en repetidas ocasiones, esta película es, a mi parecer, una de las mejores versiones. Mantiene ciertos elementos que uno se espera, pero hace varios cambios importantes. Ninguno de los dos bandos es retratado como bueno o malo por completo, ambos tienen prejuicios y esto es lo que lleva al conflicto. La animación es hermosa y las canciones muy bien realizadas, siendo un deleite para los ojos y los oídos. Si no tuviera villano, el mensaje y la película resultarían más fuertes, pero así como lo veo, es una de las mejores opciones para que los espectadores más jóvenes aprendan sobre los peligros de los prejuicios, que nadie por pertenecer a un grupo determinado es bueno o malo y lo importante de abrir el corazón. (por José Emilio Reyes Rocher)
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