Lluis
Un mito literario que encontró su eternidad en el cine
La historia del vampiro que ha inspirado cineastas, artistas y públicos a lo largo
de generaciones, manteniéndose siempre vigente
Desde su publicación en 1897, el Drácula de Bram Stoker se ha convertido en una de las figuras más influyentes de la cultura universal, y es en el cine donde su presencia ha sido más rica, diversa y duradera. Ningún otro monstruo ha generado una tradición cinematográfica tan amplia ni ha reflejado con tanta precisión las obsesiones de cada época. La primera gran mutación cinematográfica del personaje se produjo con Nosferatu (1922) de F.W. Murnau, que convirtió al vampiro en la figura espectral del conde Orlok, asociándolo a la muerte, la peste y el terror primitivo, creando una obra esencial del expresionismo que ha marcado todo el cine posterior. El salto decisivo llegó en 1931 con Bela Lugosi bajo la dirección de Tod Browning, quien definió la iconografía clásica del vampiro: elegante, aristocrático y hipnótico. Ese mismo año, la versión española dirigida por George Melford exploró un dinamismo y sofisticación visual aún mayores.
Durante los años 30 y 40, la Universal consolidó a Drácula como personaje recurrente y adaptable, apareciendo en títulos como La hija de Drácula (1936), El hijo de Drácula (1943), House of Frankenstein (1944) o La mansión de Drácula (1945). En los años 50 y 60, Hammer Films renovó el mito con Christopher Lee, que aportó al personaje fuerza, magnetismo, violencia y sensualidad en películas como Drácula (1958), Las novias de Drácula (1960), Drácula, príncipe de las tinieblas (1966) o Drácula vuelve de la tumba (1968), modernizando el terror gótico y consolidando al vampiro como un icono adulto y sofisticado.
En los años 70, Drácula se convirtió en un personaje versátil capaz de habitar cualquier género: erotismo, parodia, terror clásico, blaxploitation con Drácula negro (1972), o híbridos imposibles como Drácula contra Frankenstein (1972). Europa produjo numerosas reinterpretaciones que mostraron la capacidad del mito para adaptarse a distintos códigos culturales y sociales. La consagración del personaje llegó con Werner Herzog y Nosferatu, Phantom der Nacht (1979), que ofreció una visión profunda y metafísica, y con Francis Ford Coppola y Drácula de Bram Stoker (1992), que combinó fidelidad literaria, romanticismo gótico y teatralidad barroca, con Gary Oldman en una de las interpretaciones más complejas del conde.
En el siglo XXI, Drácula ha seguido transformándose y diversificándose: desde acción moderna con Drácula 2001 (2000) o Van Helsing (2004), hasta animación familiar con Hotel Transylvania (2012–2023), pasando por terror histórico en El último viaje del Demeter (2023) y visiones autorales como Nosferatu (2024) de Robert Eggers o Drácula (2025) de Luc Besson y Radu Jude. Esta diversidad demuestra que el vampiro sigue siendo un terreno fértil para la creatividad y que cada generación encuentra en él un espejo de sus propios temores, deseos y obsesiones.
Drácula no es solo un monstruo, sino un símbolo flexible: lo desconocido, la sexualidad reprimida o transgresora, el poder absoluto, la inmortalidad, la aristocracia decadente o la corrupción. Cada época lo redefine y lo reinventa, manteniendo su vigencia. Con más de un siglo en pantalla y actores como Max Schreck, Bela Lugosi, Christopher Lee, Klaus Kinski, Gary Oldman o Nicolas Cage, Drácula se ha convertido en un mito cinematográfico incomparable, un espejo donde el cine refleja sus cambios, obsesiones y sueños.
Estas son las obras que han marcado la historia del cine de vampiros. Cada una de ellas ha contribuido a consolidar la imagen de Drácula como mito universal, desde el terror gótico clásico hasta reinterpretaciones modernas, manteniendo viva la leyenda del conde en la gran pantalla.
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DRAKULA HALÁLA
1921 | Lajthay Károly
Es una película húngara de 1921 dirigida por Károly Lajthay y considerada una de las primeras adaptaciones cinematográficas del mito de Drácula. Lamentablemente, se trata de un film perdido y sólo se conservan algunos fragmentos y documentos. La historia sigue al conde Drácula, un aristócrata siniestro con sed de sangre que aterroriza a quienes le rodean, sentando las bases visuales y narrativas que definirían al vampiro en el cine. A pesar de su pérdida, la película posee un gran valor histórico, ya que representa el inicio de la presencia de Drácula en la pantalla grande y la experimentación del cine expresionista de la época.
Aunque hoy solo se conservan referencias y materiales escritos, Drakula halála es un testimonio valioso de cómo los primeros cineastas ya exploraban el terror y la fascinación por el vampiro. Es una pieza clave para comprender la evolución del mito de Drácula antes de que Bela Lugosi lo convirtiera en icono universal.
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NOSFERATU: UNA SINFONÍA DEL HORROR
1922 | Friedrich Wilhelm Murnau
Es una obra maestra del cine expresionista alemán dirigida por F.W. Murnau. La película adapta libremente la novela Drácula de Bram Stoker, convirtiendo al conde en el siniestro y cadavérico vampiro Orlok. La historia sigue a Hutter, quien viaja a Transilvania para tratar con Orlok y descubre su naturaleza maligna, llevando el terror a su pueblo natal. Destaca por su atmósfera inquietante, los juegos de luz y sombra, y la construcción del vampiro como criatura aterradora y sobrenatural.
Aunque inicialmente fue objeto de litigio por derechos de autor, Nosferatu se ha convertido en un referente del cine de terror y del mito de Drácula. La imagen de Max Schreck como Orlok ha marcado para siempre al vampiro en la cultura cinematográfica, con su apariencia cadavérica, uñas largas y ojos penetrantes. Es un film que aún hoy conserva su capacidad de generar miedo y fascinación.
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DRÁCULA
1931 | Tod Browning
Ésta es una de las primeras versiones cinematográficas sobre el mítico vampiro. Fue realizada por la Universal, productora especializada en el cine de terror. El conde Drácula abandona los Cárpatos y se traslada a Occidente, llevándose consigo a un sirviente contable. Una vez instalado, se enamora de una joven que ya está prometida y comienza a visitarla por las noches, bebiendo su sangre poco a poco para convertirla en su esposa. El malestar de la joven alerta a su familia, que recurre al doctor Van Helsing para intentar detener al vampiro.
Esta película marcó un antes y un después en el cine de terror. La interpretación de Bela Lugosi definió para siempre la imagen del vampiro elegante y seductor, con capa negra y mirada hipnótica. Su atmósfera sombría, el uso del decorado teatral y la narrativa minimalista sentaron las bases del género y consolidaron a Drácula como un ícono del cine clásico de terror.
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DRÁCULA (Versión española)
1931 | George Melford
Rodada de noche en los mismos decorados que la versión de Tod Browning, esta adaptación española dirigida por George Melford ofrece una lectura más dinámica y visualmente rica del mito. Aquí, el conde Drácula (Carlos Villarías) viaja desde los Cárpatos hasta Londres y, una vez instalado, fija su atención en la joven Eva (Lupita Tovar). La visita en secreto durante la noche para beber su sangre y convertirla en su futura consorte. Alarmados por el progresivo debilitamiento de la muchacha, sus seres queridos acuden al doctor Van Helsing, quien descubre la presencia del vampiro e intenta detenerlo antes de que sea demasiado tarde.
Esta versión es considerada por muchos críticos incluso superior a la producción estadounidense estrenada el mismo año. Melford aprovechó los decorados ya montados para darles una puesta en escena más fluida, atrevida y expresiva, con movimientos de cámara más audaces y un ritmo más vibrante. Las actuaciones, especialmente la de Lupita Tovar, aportan una intensidad emocional notable. Aunque menos conocida, la versión española de Drácula es hoy una pieza fundamental para entender la evolución del cine de terror y una joya del periodo sonoro temprano. Fue el primer y último intento de la Universal de abarcar el mercado hispano con una producción paralela.
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DRÁCULA
1958 | Terence Fisher
En esta célebre adaptación de los estudios Hammer, el conde Drácula (Christopher Lee) aterrorizan los alrededores de su castillo con su sed de sangre. Cuando el bibliotecario Jonathan Harker llega al lugar con la misión secreta de destruirlo, su intento fracasa y desencadena una cadena de acontecimientos que obliga al doctor Van Helsing (Peter Cushing) a intervenir. A medida que Drácula se desplaza para atacar a nuevas víctimas, Van Helsing inicia una carrera contrarreloj para detenerlo antes de que la maldición se propague aún más.
La versión de Terence Fisher revolucionó la figura del vampiro en el cine. El Drácula de Christopher Lee es imponente, físico, de mirada feroz y carga erótica, muy distinto del aristocrático y contenido Lugosi. La fotografía en color, el uso del Technicolor y la mayor explicitud de la violencia redefinieron el terror gótico, convirtiendo este filme en el título fundacional de la etapa más brillante de Hammer. Una película clave que marcó a generaciones y consolidó a Lee y Cushing como un dúo legendario del género.
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LAS NOVIAS DE DRÁCULA
1960 | Terence Fisher
En esta continuación del universo vampírico de la Hammer, el doctor Van Helsing (Peter Cushing) llega a una localidad donde varias jóvenes han desaparecido misteriosamente. Allí descubre que el responsable es Baron Meinster, un vampiro discípulo de Drácula que mantiene a varias mujeres bajo su influencia. Van Helsing deberá enfrentarse a esta nueva amenaza y detener al barón antes de que expanda su dominio a través de sus “novias”.
Aunque Drácula no aparece físicamente, Las novias de Drácula es una de las mejores obras de Terence Fisher y una joya del terror gótico de la Hammer. La película destaca por su atmósfera elegante, su puesta en escena en Technicolor y su imaginario gótico exuberante. Peter Cushing vuelve a ofrecer un Van Helsing enérgico y heroico, mientras que el filme expande el mito vampírico con nuevos personajes y situaciones. Una obra visualmente maravillosa que demuestra que la Hammer podía brillar incluso sin Christopher Lee.
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EL BAILE DE LOS VAMPIROS
1967 | Roman Polanski
El científico Abronsius y su ayudante Alfred hacen un viaje hasta Transilvania para demostrar que los vampiros existen. Cuando llegan allí, se alojan en un hostal de lo más peculiar. Sus paredes están llenas de ristras de ajos, pero, tanto el posadero como los habitantes del pueblo, niegan que en Transilvania haya vampiros o algún lugar donde estén encerrados. Los ajos, según ellos, son un adorno de sus casas y establecimientos. Sin embargo, ninguno de los dos investigadores se cree esa historia y deciden averiguar dónde se encuentran los vampiros. No tardarán mucho en descubrirlo, ya que el rapto de la hija del posadero, convertida poco después en vampiro, será más que suficiente para que encuentren el castillo sin demasiada dificultad.
Roman Polanski, vuelve a dejar constancia de su maestría a la hora de captar atmósferas amenazantes, sublimando y embelesando la puesta en escena mediante el adecuado aprovechamiento de los excelentes decorados (el del castillo es de lo mejor que se ha visto en el género) y un sobresaliente trabajo de cámara. Con todo ello, la cinta consigue alumbrar algunos momentos imborrables: el descendente y levitante ataque del conde von Krolock (Ferdy Mayne) a Sarah (qué belleza tan perfecta la de la malograda Sharon Tate) mientras la joven disfruta de un baño caliente de espuma, el irónico final y, sobre todo, la alucinante secuencia del baile, en la que un grupo de aristocráticos y pútridos vampiros, ataviados con los restos de lo que otrora debieron ser elegantes galas, ven cómo su decadente y mortuoria danza, acaba siendo interrumpida por dos invitados que no esperaban. (FUENTE: johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com)
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EL CONDE DRÁCULA
1970 | Jesús Franco
Jonathan Harker viaja a los Cárpatos para cerrar unos asuntos inmobiliarios con el misterioso conde Drácula. Una vez en el castillo, Harker descubre que su anfitrión es un vampiro y trata de escapar, quedando atrapado entre las novias del conde. Drácula se traslada después a Londres, donde fija su atención en Lucy y Mina, dos jóvenes cuya pureza despierta su deseo. El profesor Van Helsing inicia la persecución para impedir que el mal se extienda. La película sigue con bastante fidelidad los episodios principales de la novela de Bram Stoker, incluyendo el envejecimiento y rejuvenecimiento del conde a medida que se alimenta de sangre.
El conde Drácula constituye un título singular dentro de la filmografía de Jesús Franco, pues pretende acercarse de manera respetuosa al espíritu de la novela original. Christopher Lee, que en ocasiones lamentaba la libertad creativa de la Hammer respecto al texto de Stoker, encuentra aquí la oportunidad de interpretar a un Drácula más literario: sobrio, hierático e inquietante. A pesar de su modesto presupuesto, la película destaca por sus atmósferas góticas, el buen aprovechamiento de las localizaciones naturales y una fotografía que combina clasicismo con el toque personal de Franco. Klaus Kinski aporta un Renfield silencioso y atormentado que añade un magnetismo particular al conjunto. No obstante, la cinta sufre en algunos momentos de irregularidades rítmicas y de soluciones narrativas precipitadas, rasgos característicos del cine de Franco. Con el tiempo ha sido reivindicada como una obra curiosa y casi única: una lectura seria y crepuscular del mito de Drácula en plena efervescencia del fantaterror europeo.
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DRÁCULA 73
1972 | Alan Gibson
Londres, años 70. Johnny Alucard, un discípulo de Drácula, organiza una ceremonia de magia negra en un desolado cementerio para resucitar al siniestro Conde. Entre las víctimas que Alucard atrae al ritual está Jessica Van Helsing, nieta del más famoso cazador de vampiros de todos los tiempos. Su abuelo intentará salvarla utilizando todos los recursos necesarios para atrapar y destruir a Drácula.
Dracula 73 es uno de los intentos más audaces de la Hammer por modernizar el mito de Drácula y adaptarlo a la estética juvenil de comienzos de los años setenta. La película traslada al conde a un Londres pop, lleno de música, moda psicodélica y ambientes contraculturales, lo que la convierte en un producto muy marcado por su época. Christopher Lee vuelve a encarnar al conde con su habitual presencia imponente, aunque su tiempo en pantalla es limitado. Peter Cushing destaca como el descendiente de Van Helsing, aportando elegancia y energía al enfrentamiento final. A nivel visual, combina atmósferas góticas tradicionales con escenarios urbanos modernos, creando un contraste llamativo. Si bien fue recibida con frialdad en su estreno por su tono poco convencional, hoy se valora como una obra de culto dentro de la saga: atrevida, extravagante y representativa del último periodo de la Hammer, cuando buscaba nuevas fórmulas para revitalizar a su monstruo más emblemático.
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LOS RITOS SATÁNICOS DE DRÁCULA
1973 | Alan Gibson
Londres, años 70. El inspector Murray, de Scotland Yard, investiga una serie de muertes inquietantes y pronto sospecha que podría tratarse de un caso de vampirismo. Para esclarecerlo, recurre al profesor Van Helsing, descendiente del célebre cazador de vampiros. Juntos descubren que los crímenes están vinculados a una peligrosa secta satánica de la que forman parte influyentes miembros del gobierno británico.
Segunda y última aventura contemporánea de Christopher Lee como Drácula para la Hammer, mantiene el tono entre espionaje, terror y culto satánico característico de la productora en los años 70. Aunque menos gótica y más experimental que sus predecesoras, ofrece momentos muy atmosféricos, un villano icónico y una estética setentera que hoy tiene mucho encanto. Ideal para los completistas de la saga Hammer y para quienes disfrutan del Drácula de Lee en todas sus facetas.
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NOSFERATU, VAMPIRO DE LA NOCHE
1979 | Werner Herzog
Jonathan Harker, un empleado de una agencia inmobiliaria, viaja a los Cárpatos para cerrar la compra de una propiedad con el misterioso conde Drácula. Al llegar al castillo, descubre que su anfitrión es en realidad un vampiro que pretende trasladarse a Alemania para extender una plaga de muerte y desesperación. Mientras tanto, en Wismar, su esposa Lucy siente la presencia del mal y se convierte en la única capaz de detener al siniestro conde.
Werner Herzog realiza un homenaje reverencial al Nosferatu de Murnau, manteniendo su atmósfera pesadillesca y su estética expresionista, pero añadiendo su propio sello poético y melancólico. Klaus Kinski ofrece una interpretación inolvidable del vampiro: frágil, trágico y monstruoso a la vez. La película destaca por su belleza visual, su tono hipnótico y su capacidad para combinar terror, romanticismo y fatalismo. Una reinterpretación imprescindible dentro del cine vampírico y una de las obras más personales de Herzog.
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DRÁCULA
1979 | John Badham
A través de la historia, Drácula ha llenado de terror los corazones de los hombres… y de deseo los de las mujeres. En esta formidable adaptación del clásico de Bram Stoker, Frank Langella ofrece una actuación impresionante como el sanguinario Conde Drácula en busca de su amada definitiva. Mientras, el conocido e incansable cazador de vampiros Van Helsing (Laurence Olivier) quiere terminar con el reinado de terror que el Príncipe de las Tinieblas siembra en los ciudadanos de Transilvania. Con un reparto excelente, gran dirección y una soberbia banda sonora, Drácula supone una versión inolvidable de una de las leyendas del terror más eternas de todos los tiempos. El peligroso y seductor Conde Drácula busca una novia inmortal.
La versión de John Badham destaca por su atmósfera gótica renovada y un tono mucho más romántico que otras adaptaciones del personaje. Frank Langella ofrece un Drácula magnético, elegante y carismático, alejado del monstruo tradicional y más cercano a un antihéroe trágico. Visualmente cuidada y con una banda sonora excepcional de John Williams, la película se ha convertido con el tiempo en una de las interpretaciones más distintivas y sofisticadas del vampiro más famoso del cine.
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DRÁCULA, DE BRAM STOKER
1992 | Francis Ford Coppola
La película narra la historia del Conde Drácula (Gary Oldman), un vampiro inmortal que ha perdido a su gran amor a lo largo de los siglos. Cuando descubre a Mina (Winona Ryder), siente que ella es la reencarnación de su amada perdida y decide seducirla. La historia sigue el enfrentamiento entre Drácula y el cazador de vampiros Van Helsing (Anthony Hopkins), que intenta proteger a Mina y detener al vampiro. La película combina elementos de terror, romance y tragedia, con un estilo visual barroco y cinematográficamente exuberante.
Esta versión de Drácula es una obra monumental que equilibra perfectamente el horror y el romanticismo gótico. Gary Oldman ofrece una interpretación compleja y fascinante del personaje, mientras que la dirección de Coppola consigue una atmósfera envolvente, cargada de misterio y sensualidad. La película es un referente moderno del mito de Drácula, que destaca tanto por su fidelidad literaria como por su espectacular puesta en escena y su poderosa carga emocional.
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DRÁCULA 2001
2000 | Patrick Lussier
En el Londres del año 2000, el nieto de Van Helsing descubre por accidente el ataúd de Drácula, liberando al vampiro en Nueva Orleans. A lo largo de la película, Drácula rejuvenece, siembra terror y convierte a varios en vampiros mientras busca a Mary Heller, con quien comparte un vínculo especial. Van Helsing y su aprendiz Simon intentan detenerlo, enfrentándose a los vampiros y protegiendo a Mary. La batalla culmina cuando Mary y Simon consiguen derrotar a Drácula, salvando su vida y evitando que el vampiro resurja.
Dracula 2001 ofrece una reinvención del mito clásico, situando al conde en un contexto contemporáneo. Aunque intenta combinar terror y acción moderna, algunos elementos se sienten más cercanos al cine de serie B. Aun así, la película resulta entretenida para quienes disfrutan de las reinterpretaciones modernas del vampiro más famoso del cine.
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VAN HELSING
2004 | Stephen Sommers
En 1887, Gabriel Van Helsing, un cazador de monstruos que trabaja para la Iglesia, recibe la misión de acabar con el conde Drácula en Transilvania. Acompañado de Anna, una mujer con un misterioso pasado vinculado a Drácula, Van Helsing deberá enfrentarse a vampiros, hombres lobo y otras criaturas sobrenaturales. Entre persecuciones y combates espectaculares, descubrirá secretos antiguos y un destino que lo vincula directamente a los monstruos que persigue.
"Van Helsing" es una película que mezcla aventura, acción y terror clásico con un enfoque moderno y espectacular. Stephen Sommers toma los iconos más conocidos del cine de monstruos —Drácula, el hombre lobo, el Frankenstein y sus criaturas— y los integra en un relato trepidante que no deja un momento de respiro. La película destaca especialmente por su ritmo acelerado, la intensidad de las secuencias de acción y el despliegue visual de efectos especiales, que crean un universo oscuro y gótico lleno de energía. Hugh Jackman ofrece un Van Helsing carismático, valiente y lleno de recursos, mientras que Kate Beckinsale aporta elegancia y misterio en su papel de Anna. La relación entre ambos personajes aporta un contrapunto humano dentro de tanto espectáculo sobrenatural. A pesar de que algunos pueden considerar la historia algo caótica o con excesos de efectos, la película cumple con creces en entretenimiento y homenaje al cine clásico de monstruos, renovando los mitos para un público contemporáneo.
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DRÁCULA 3D
2012 | Dario Argento
Ambientada en la Transilvania del siglo XIX, Drácula 3D narra la historia de Jonathan Harker, un bibliotecario que viaja hasta Passo Borgo para trabajar en la enorme biblioteca del castillo del Conde Drácula. Pronto, Jonathan descubre las extrañas costumbres del Conde y de las mujeres que viven con él. Sin embargo, los verdaderos intereses de Drácula se centran en Mina, la joven esposa de Jonathan, con quien cree estar unido a través del tiempo. Su obsesión lo lleva a propagar la muerte a su alrededor, revelando poco a poco su verdadera naturaleza vampírica. Rodada en 3D, esta versión del mito de Drácula incluye escenas impactantes, grandes dosis de sangre y colmillos afilados, combinando el terror gótico clásico con el espectáculo visual moderno. La película intenta mantener el suspense y la atmósfera oscura propias del género, mostrando a un Drácula seductor, letal y obsesivo, mientras los descendientes de Van Helsing intentan detenerlo antes de que su reinado de terror se extienda.
Drácula 3D de Dario Argento es un intento de renovar el mito del vampiro con la tecnología del cine en tres dimensiones. Argento mantiene su estilo característico, con una atmósfera oscura, colores saturados y un enfoque visual estilizado. Sin embargo, la película ha recibido críticas por un guion poco sólido y una historia que a veces se pierde en exceso de efectos visuales. Aun así, para los amantes del horror gótico y del cine del maestro italiano, ofrece momentos de terror puro y secuencias memorables que rinden homenaje al mito de Drácula.
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HOTEL TRANSYLVANIA
2012 | Genndy Tartakovsky
Nos traslada al mundo secreto de los monstruos, donde el Conde Drácula ha construido un lujoso hotel para proteger a su familia y amigos de los humanos. Este refugio exclusivo permite a vampiros, hombres lobo, momias y otras criaturas disfrutar de su vida sin temor a ser perseguidos. Todo se complica cuando Jonathan, un joven humano despreocupado, llega al hotel por accidente. Pronto se enamora de Mavis, la hija adolescente de Drácula, lo que desencadena una serie de situaciones cómicas y confusiones. La película combina aventuras, acción y momentos tiernos mientras los personajes aprenden sobre la amistad, la confianza y la aceptación mutua entre mundos diferentes.
Hotel Transylvania destaca por su originalidad y creatividad al presentar a los monstruos clásicos de la literatura y el cine en un entorno cómico y familiar. La animación es vibrante, con un diseño de personajes expresivo que potencia el humor y la ternura de la historia. Adam Sandler aporta su característico toque cómico al Drácula sobreprotector, mientras que Selena Gomez da vida a Mavis con simpatía y energía. La película no solo entretiene a los más pequeños con sus gags y situaciones absurdas, sino que también ofrece mensajes sobre la familia, la aceptación y el respeto hacia quienes son diferentes. Es una obra que logra equilibrar comedia y corazón, convirtiéndose en un referente moderno de cine de animación familiar.
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DRÁCULA: LA LEYENDA JAMÁS CONTADA
2014 | Gary Shore
La película nos sitúa en el siglo XV, en Transilvania, donde Vlad Tepes, un príncipe joven y valiente, lucha por proteger a su familia y a su pueblo de la amenaza del Imperio Otomano. Desesperado por salvar a su gente, Vlad hace un pacto oscuro y obtiene poderes sobrenaturales que le transforman en el temido vampiro Drácula. A partir de ese momento, su fuerza y sed de sangre se convierten en armas contra los invasores, mientras su humanidad y su amor por su esposa e hijo se ven amenazados por su nueva naturaleza. La película combina acción, terror y drama histórico, explorando los orígenes del mito del vampiro desde una perspectiva épica y trágica.
Esta versión de Drácula destaca por intentar humanizar al mítico vampiro, mostrando a Vlad como un héroe trágico que sacrifica su moral por un bien mayor. Luke Evans aporta intensidad y carisma al personaje, transmitiendo tanto su vulnerabilidad como su lado oscuro. La ambientación, la fotografía y la recreación de batallas medievales aportan un tono épico que distingue la película de otras versiones más tradicionales de terror. Aunque algunos elementos fantásticos y de acción puedan parecer exagerados, la película logra ofrecer una nueva mirada al origen de Drácula, combinando mitología, historia y drama familiar de manera entretenida y visualmente atractiva.
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EL ÚLTIMO VIAJE DEL DEMETER
2023 | André Øvredal
Basada en el Captain's Log de Drácula (1897) de Bram Stoker, la historia se desarrolla a bordo de la goleta rusa Demeter, fletada para transportar carga privada: veinticuatro cajas de madera sin marcar, desde Carpatia hasta Londres. Durante la travesía, la tripulación experimenta sucesos extraños e inexplicables mientras intenta sobrevivir al viaje por el océano. Cada noche, una presencia aterradora acecha en el barco, sembrando miedo y muerte. Cuando finalmente la goleta llega cerca del puerto de Whitby, se encuentra completamente derruida, sin rastro de la tripulación, dejando atrás un misterio aterrador.
La película ofrece un enfoque claustrofóbico y lleno de suspense, centrándose en la atmósfera de horror y el miedo a lo desconocido. Øvredal consigue mantener la tensión durante todo el viaje, combinando elementos góticos con un ritmo moderno. Las actuaciones son sólidas, y la ambientación del barco contribuye a la sensación de encierro y peligro inminente. Un homenaje intenso y eficaz al mito de Drácula, que transforma un breve capítulo literario en una experiencia cinematográfica llena de suspense.
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RENFIELD
2023 | Chris McKay
En Renfield, Chris McKay ofrece una mirada fresca y oscura al universo de Drácula, centrando la historia en el personaje homónimo, el fiel sirviente del legendario vampiro. Renfield ha pasado siglos bajo el control y la manipulación del Conde, convirtiéndose en su subordinado obligado, entre la sumisión y la obsesión. La película sigue sus intentos de liberarse de la influencia de Drácula, mientras se enfrenta a sus propios deseos, miedos y la violencia inherente a la vida al servicio del vampiro. La narrativa combina humor negro, acción y terror, mostrando la relación codependiente y enfermiza entre maestro y esclavo.
Renfield destaca por su enfoque original dentro del mito de Drácula, explorando la psicología de un personaje secundario que tradicionalmente ha sido solo un sirviente. La película mezcla géneros de forma eficaz, combinando comedia negra con elementos de terror y acción moderna. Nicholas Hoult ofrece una interpretación convincente de Renfield, mostrando la vulnerabilidad y la rebeldía del personaje, mientras que Nicolas Cage encarna un Drácula teatral y carismático. La cinta logra aportar frescura a un mito clásico, sin perder la esencia del terror y la fascinación por el vampiro.
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NOSFERATU
2024 | Robert Eggers
En Nosferatu, Robert Eggers reimagina el clásico del cine de terror expresionista, trasladando al espectador a un mundo oscuro y meticulosamente ambientado en la Europa de principios del siglo XX. La película sigue a Thomas Hutter, un joven viajante de comercio, quien se traslada a Transilvania para cerrar un trato con el misterioso conde Orlok. Pronto descubre que Orlok no es un hombre común, sino un vampiro aterrador que amenaza con extender la muerte y el terror a su ciudad natal. La historia profundiza en la relación entre víctima y monstruo, el miedo a lo desconocido y la presencia ominosa de Nosferatu, un ser que encarna la pura amenaza sobrenatural.
La versión de Robert Eggers se distingue por su fidelidad al horror atmosférico y psicológico del original, combinando un riguroso diseño de producción con una narrativa pausada y tensa. Eggers mantiene el estilo oscuro y opresivo que caracterizó al Nosferatu de 1922, pero lo enriquece con técnicas modernas de cinematografía y un enfoque más introspectivo sobre el miedo. La actuación de los protagonistas captura perfectamente la mezcla de fascinación y terror frente a Orlok, y la película logra un equilibrio admirable entre respeto al mito clásico y renovación visual y narrativa.
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DRÁCULA
2025 | Luc Besson
En Drácula, Luc Besson ofrece una visión moderna y espectacular del legendario vampiro de Bram Stoker. Al morir su esposa, a la que amaba locamente, un joven príncipe del siglo XV decide renunciar a Dios y a todo lo relacionado con él, lo que provoca que se transforme en vampiro. Con esta nueva forma, vaga a través de los siglos. Varios siglos más tarde, en la ciudad de Londres del siglo XIX, se encuentra con una mujer que se parece mucho a su difunta esposa. Esto despierta los sentimientos enterrados del vampiro, que decide perseguir a esta mujer, sellando así su destino para siempre. Ambientada en un mundo oscuro y lujosamente recreado, la película explora tanto la sed de sangre como la pasión del vampiro, enfrentándolo a cazadores expertos, intrigas políticas y fuerzas sobrenaturales que desafían su poder. Drácula se muestra no solo como un depredador temible, sino también como un ser cargado de emoción, conflicto y misterio.
La película de Luc Besson destaca por su enfoque visualmente impactante y estilizado, con efectos especiales de última generación que realzan la atmósfera gótica y opresiva. La narrativa combina acción, drama y romance, ofreciendo un Drácula más humano y complejo que en versiones anteriores. La dirección de Besson logra equilibrar la espectacularidad con la esencia del mito, haciendo de esta adaptación una experiencia intensa y atractiva tanto para los fans del terror clásico como para un público contemporáneo.
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DRÁCULA
2025 | Radu Jude
En Drácula, Radu Jude ofrece una reinterpretación del mítico vampiro, alejada de la espectacularidad habitual y centrada en la tensión psicológica y la crudeza histórica. La historia sigue al legendario Conde Drácula mientras sus acciones y su presencia generan miedo, fascinación y conflictos entre los que lo rodean. La película se adentra en la relación entre el vampiro y sus víctimas, explorando el poder, la obsesión y la tragedia que acompañan a su inmortalidad. Al morir su esposa, a quien amaba locamente, un joven príncipe del siglo XV decide renunciar a Dios y todo lo relacionado con él, convirtiéndose en vampiro y vagando a través de los siglos. Varios siglos después, en la ciudad de Londres del siglo XIX, se encuentra con una mujer que se parece mucho a su esposa fallecida, despertando sentimientos enterrados que sellan su destino. Una película de Drácula rodada en Transilvania que contiene múltiples capas: una cacería de vampiros, una historia de ciencia-ficción sobre el regreso de Vlad el Empalador, una adaptación de la primera novela de vampiros rumanos, una historia de amor, un montaje que reutiliza una película clásica de vampiros, un vulgar cuento popular, historias kitsch generadas por inteligencia artificial y muchas otras delicias que exploran este mito del cine.
Esta versión de Radu Jude destaca por su audacia al despojar al mito de ornamentos innecesarios, centrándose en la psicología y las consecuencias de la inmortalidad. La dirección austera y precisa genera un ambiente de tensión constante, donde el terror surge de los personajes, sus decisiones y la violencia latente en cada escena. Es un Drácula más sombrío y reflexivo, que combina elementos históricos con horror psicológico, ofreciendo al espectador una experiencia intensa y diferente a la de cualquier otra adaptación cinematográfica del legendario vampiro.
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En esta lista se incluyen producciones que, aunque tratan al personaje de Drácula, lo hacen de manera torpe, experimental o con fines claramente comerciales o paródicos. Su interés es más anecdótico o histórico que artístico, mostrando la amplitud y diversidad de interpretaciones del mito.
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La mayoría de sinopsis que se muestran en este apartado son reproducidas de las webs:
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LA HIJA DE DRÁCULA
1936 | Lambert Hillyer
Continúa la historia inmediatamente después de los hechos de Dracula (1931). Tras la destrucción del cuerpo del Conde, aparece la Condesa Marya Zaleska (interpretada por Gloria Holden), que asegura ser su hija. Deseosa de liberarse de la maldición vampírica que la atormenta, busca la ayuda del psiquiatra Dr. Jeffrey Garth. A pesar de su esfuerzo por recuperar la humanidad, la Condesa siente una poderosa atracción hacia la oscuridad y hacia el legado de su padre, lo que la lleva a secuestrar a la amada del doctor y precipitar un desenlace trágico.
Aunque ofrece una atmósfera elegante y una interpretación muy sólida de Gloria Holden, La hija de Drácula suele considerarse una película de calidad irregular. El film arranca con un tono sofisticado y casi psicológico, pero pronto pierde cohesión narrativa. La ausencia del magnetismo de Bela Lugosi, los cambios de ritmo y una dirección algo funcional reducen su impacto. Aun así, conserva interés por su mirada diferente al mito del vampiro y por ciertos matices muy atrevidos para la época.
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EL HIJO DE DRÁCULA
1943 | Robert Siodmak
La misteriosa llegada del Conde Alucard —un noble europeo de inquietante presencia— altera la tranquila vida del sur profundo de Estados Unidos. La joven Katherine Caldwell, fascinada por el ocultismo y obsesionada con la idea de la vida eterna, invita al conde a la mansión familiar. Su conexión con él despierta el recelo de su prometido, Frank, y del doctor Harry Brewster, que observan cómo una serie de sucesos sobrenaturales comienzan a acechar al entorno. Pronto descubrirán que Alucard no es otro que Drácula bajo un nombre invertido y que sus intenciones con Katherine podrían arrastrarlos a todos hacia un destino mortal.
El hijo de Drácula es una obra curiosa dentro del ciclo clásico de monstruos de Universal. Tiene puntos muy interesantes —como la atmósfera sureña, el tono más oscuro y la dirección expresionista de Siodmak, que más tarde brillaría en el cine negro—, pero el resultado final es irregular. Lon Chaney Jr., pese a su carisma, no encaja plenamente como Drácula, ofreciendo una interpretación rígida y poco magnética en comparación con Lugosi. El guión, además, mezcla ideas atractivas (el vampirismo integrado en un melodrama gótico sureño) con situaciones algo confusas y un ritmo desigual. Aun así, la película aporta elementos visuales potentes, como los efectos de niebla, los trucos de transformación y la figura de Katherine, probablemente lo más interesante del film: una mujer con voluntad propia que dirige su destino, incluso a través de la oscuridad. En conjunto, es una película con destellos brillantes pero marcada por altibajos, lo que la coloca justamente en la categoría de calidad irregular, aunque sigue siendo una pieza valiosa dentro del canon vampírico de Universal.
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LA ZÍNGARA Y LOS MONSTRUOS
También conocida como
LA MANSIÓN DE FRANKENSTEIN o LA GUARIDA DE FRANKENSTEIN
1943 | Erle C. Kenton
El científico loco Gustav Niemann logra escapar de prisión junto a su asistente Daniel. Durante su huida se apropian del carruaje de espectáculos macabros del conde Latos —en realidad, Drácula—, a quien liberan con la intención de utilizarlo como herramienta en un plan de venganza. Tras la caída del vampiro, Niemann continúa su viaje hasta el castillo de Frankenstein, donde encuentra al Monstruo y al Hombre Lobo atrapados en el hielo. Obsesionado con devolverlos a la vida y controlarlos, desencadena una sucesión de desastres que se vuelven imposibles de manejar. La película reúne a varias de las criaturas más icónicas de la Universal en una historia llena de atmósfera gótica y acción fantástica.
House of Frankenstein es un título emblemático dentro de la etapa final de los monstruos de la Universal, pero también un ejemplo claro de película de calidad irregular. Su ambición es enorme —juntar a Drácula, el Hombre Lobo y el Monstruo de Frankenstein en un mismo film—, pero la ejecución resulta dispersa. La trama avanza a saltos, los personajes aparecen y desaparecen sin desarrollo, y algunos monstruos quedan prácticamente desaprovechados. Aun así, conserva un encanto especial: el reparto es magnífico, la atmósfera gótica funciona y el ritmo es entretenido. No alcanza la solidez de los grandes clásicos de los años 30, pero sí ofereix una diversió pulp absoluta. Una obra menor, però molt simpàtica, dins la saga.
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LA MANSIÓN DE DRÁCULA
1945 | Erle C. Kenton
Reúne nuevamente a varias de las criaturas más icónicas del universo Universal. La historia sigue al misterioso Dr. Edelmann, un científico bondadoso que intenta curar a tres visitantes muy peculiares: el Conde Drácula, que asegura desear librarse de su vampirismo; Lawrence Talbot, que busca desesperadamente una cura para su licantropía; y el monstruo de Frankenstein, que aparece atrapado en una cueva tras un derrumbe. A medida que Edelmann intenta ayudarlos con métodos científicos avanzados, el poder corruptor de Drácula desata una espiral de tragedias y transforma al doctor en una versión monstruosa de sí mismo. El caos se apodera de la mansión cuando todas las criaturas colisionan en un clímax típico del terror clásico de Universal.
La mansión de Drácula forma parte de la etapa final de los “monster rally films” de Universal, y eso se nota tanto en sus virtudes como en sus limitaciones. Aunque la premisa es atractiva —reunir a Drácula, el Hombre Lobo y el monstruo de Frankenstein en una sola historia— el resultado es irregular por varias razones. En primer lugar, el guion parece más una sucesión de episodios que una narración realmente cohesionada; cada criatura tiene su subtrama, pero pocas están desarrolladas con profundidad. Además, la figura de Drácula queda algo deslucida, con una presencia breve y un tratamiento menos imponente que en entregas anteriores. La producción también refleja el desgaste de Universal en esa época: presupuestos modestos, decorados reutilizados y un ambiente más cercano a la serie B que al terror gótico de los años treinta. A pesar de todo, conserva cierto encanto: ritmo ágil, atmósfera clásica y la mezcla de monstruos que tanto atrae a los aficionados. Por eso es una película interesante dentro del ciclo, pero claramente calidad irregular si se compara con las obras más emblemáticas del mito vampírico.
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AGÁRRAME ESE VAMPIRO
1959 | Steno (Stefano Vanzina)
Es una comedia fantástica italiana protagonizada por el dúo humorístico Franco y Ciccio. La historia sigue a los dos personajes mientras se ven atrapados accidentalmente en un viejo castillo en el que supuestamente habita un vampiro. Entre malentendidos, sustos exagerados y enredos absurdos, la pareja deberá descubrir si realmente existe una amenaza sobrenatural o si todo es fruto de su desbordante imaginación.
La película se considera de calidad irregular porque mezcla buenas intenciones humorísticas con un resultado desigual. El humor de Franco y Ciccio, basado en la gestualidad exagerada y el slapstick, no siempre se integra bien en una trama que pretende parodiar el cine de vampiros. El guion es sencillo, a veces repetitivo, y la dirección de Steno prioriza los gags por encima de la coherencia narrativa. Aun así, el film tiene su encanto: es una muestra clara del cine cómico italiano de finales de los 50 y mantiene momentos divertidos para quienes disfrutan del humor del dúo protagonista. Sin embargo, su tono irregular y su falta de solidez la sitúan como una obra menor dentro de las versiones humorísticas del mito de Drácula.
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DRÁCULA: PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS
1966 | Terence Fisher
Dos parejas deciden realizar una expedición a las montañas y viajar al este de Europa para visitar Carlsbad a pesar de que el Padre Sandor y muchos otros ciudadanos que residen en los alrededores les han advertido de que puede ser peligroso. Sin importarles las habladurías que tratan de crearles temor, optan por continuar con la aventura y es entonces cuando empiezan a sucederse extraños episodios que aterrorizan al grupo hasta tal punto que, al anochecer, el cochero que les acompaña decide huir llevado por el miedo y los deja abandonados en mitad del bosque. En aquel instante, aparece otro carruaje negro que les conduce hasta un enorme y misterioso castillo, donde les recibe el Conde Drácula.
Aunque es una de las secuelas más recordadas de la Hammer, Drácula: príncipe de las tinieblas (1966) de Terence Fisher presenta una calidad regular, marcada por luces y sombras. La película brilla por su magnífica atmósfera gótica, su ambientación clásica y la imponente presencia de Christopher Lee, que consigue transmitir misterio y amenaza sin pronunciar una sola palabra. Estos elementos mantienen viva la esencia del mito vampírico. Sin embargo, el film también evidencia ciertas limitaciones: un ritmo irregular, un guion muy básico y personajes poco desarrollados que hacen que algunas escenas resulten previsibles. Aunque Fisher aporta momentos visualmente memorables, la estructura narrativa muestra el desgaste de la fórmula vampírica de la Hammer en esa etapa.
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DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA
1968 | Freddie Francis
Tercera película de la saga del Conde Drácula en la que se planea una gran venganza contra el monseñor que llevó a cabo los ritos con la intención de conseguir que la joven sobrina del santo fuera su novia. En las tinieblas y sombras de su enorme castillo, Drácula resucita gracias a la sangre que cae de la cabeza de un viejo sacerdote que ha quedado herido e inconsciente, justo cuando este intentaba practicar un exorcismo. Con el resurgimietno del Conde de entre los muertos, una vez más, vuelvá a extenderse el terror entre los habitantes de Transilvania.
Aunque la película tiene momentos de atmósfera efectiva y algunos pasajes visualmente atractivos, su calidad es irregular. La trama es bastante previsible y algunas actuaciones resultan exageradas, restando credibilidad a la historia. Además, ciertos efectos y transiciones parecen improvisados, lo que genera un desequilibrio entre la tensión que intenta crear y la sensación de artificio. Por eso se la considera dentro del grupo de películas de Drácula de calidad irregular, interesante para los fanáticos del género, pero lejos de los clásicos más sólidos.
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LAS CICATRICES DE DRÁCULA
1970 | Roy Ward Baker
La cinta se enmarca como la quinta película de la saga del Conde Drácula producida por Hammer Productions. La historia se centra en un chico llamado Simon y su novia Sarah. Cuando toman la decisión de salir en la búsqueda del hermano de Simon, un apuesto mujeriego que ha desaparecido, el destino les llevará hasta un castillo en el que vive un misterioso Conde. Drácula se encaprichará de Sarah y tratará de seducirla ante la perplejidad de su novio, que se dará cuenta de que oculta algo extraño. Cuando comiencen los asesinatos entre los residentes del castillo y Simon descubra que los sirvientes del Conde sufren torturas extremas, el joven luchará desesperadamente por salir del castillo, pero todo se complicará cuando el Conde retiene a Sarah contra su voluntad.
Aunque Las cicatrices de Drácula cuenta con Christopher Lee y Peter Cushing y conserva la atmósfera gótica de Hammer, se considera de calidad irregular por varios motivos. La trama es más lineal y previsible que en entregas anteriores, con escasos giros argumentales que sorprendan al espectador. Algunos críticos señalan una falta de tensión sostenida y un ritmo desigual, con escenas de terror que alternan momentos intensos con otros más triviales o redundantes. Además, ciertos efectos y maquillajes, aunque eficaces en la época, resultan algo menos impactantes que en películas anteriores, lo que hace que la obra no alcance la misma solidez ni la intensidad de terror de las entregas más emblemáticas de Drácula.
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EL PODER DE LA SANGRE DE DRÁCULA
1970 | Peter Sasdy
Drácula ha sido derrotado temporalmente, pero su influencia maligna sigue extendiéndose. La historia sigue a una joven pareja que se ve envuelta en los oscuros planes del vampiro, mientras Van Helsing intenta intervenir para detenerlo. La película mantiene los elementos clásicos de las producciones Hammer: castillos lúgubres, atmósferas góticas y escenas de terror estilizadas, con momentos de sangre y suspense.
Se considera de calidad irregular porque, aunque cuenta con los habituales recursos visuales de Hammer y la presencia del vampiro icónico, la narración resulta forzada y previsible. El ritmo es desigual, alternando escenas de tensión con otras de escaso interés, lo que rompe la continuidad del suspense. Además, algunos personajes secundarios carecen de profundidad y las motivaciones del villano no siempre resultan convincentes, lo que disminuye la intensidad dramática. En conjunto, ofrece entretenimiento para los aficionados de Drácula, pero no alcanza la fuerza ni la originalidad de las entregas más destacadas de la saga.
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DRÁCULA Y LAS MELLIZAS
1971 | John Hough
En el siglo XIX, en Europa del Este, las voluptuosas mellizas Maria Gellhorn (Mary Collinson) y Frieda Gellhorn (Madeleine Collinson) se quedan huérfanas y son enviadas a vivir con su opresivo tío en una casa cerca del siniestro castillo de Karnstein donde vive un misterioso conde. La curiosad hace que una de las mellizas acuda al castillo y conozca al conde, quien resulta ser un vampiro que ve la oportunidad de usar la sangre de la joven para despertar de la muerte a su poderoso antecesor. Cuando el tío de ambas hermanas se da cuenta de la desaparción de una de ellas decide dar caza al siniestro conde.
Se considera una película de calidad irregular porque, aunque conserva la atmósfera gótica y la presencia de Drácula, la historia resulta repetitiva y poco convincente. El guion se apoya demasiado en clichés del género, y la caracterización de los personajes principales, incluyendo a las gemelas, carece de profundidad. Además, el ritmo es desigual y algunas escenas de terror pierden fuerza por su previsibilidad. A pesar de contar con elementos visuales atractivos para los seguidores de Hammer, la película no alcanza la intensidad ni la originalidad de las entregas más emblemáticas de Drácula.
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DRÁCULA CONTRA FRANKENSTEIN
1972 | Jesús Franco
Jonathan Seward viaja hasta Transilvania para acabar con el conde Drácula. Tras encontrarlo en su castillo, le asesta una estaca en el corazón y acaba con él. Sin embargo, el doctor Frankenstein devuelve a la vida a Drácula, utilizando la sangre de una cantante. El doctor Frankenstein, su monstruo y un ayudante, y Drácula aunarán fuerzas para crear un gran ejército. Una de las películas más experimentales del conocido director Jesus Franco.
Esta película se considera de calidad irregular debido a su producción apresurada y presupuesto limitado, que se refleja en efectos especiales rudimentarios, actuaciones desiguales y una narrativa confusa. Aunque tiene momentos de entretenimiento y es interesante para los aficionados al cine de terror de serie B, no alcanza la coherencia ni el impacto dramático de otros films de la saga de Drácula o Frankenstein. Su valor reside más en el curiosidad de ver a estos monstruos juntos que en su ejecución cinematográfica
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DRÁCULA NEGRO
1972 | William Crain
En pleno siglo XVIII, un príncipe africano es transformado en vampiro por el mismísimo Drácula (Charles Macaulay) en Transilvania, cuando viaja hasta allí para pedir ayuda. Por lo que el Conde considera una insolencia, es metamorfoseado y confinado en un ataúd para siempre. Pero dos siglos más tarde, el ataúd es trasladado a los Los Ángeles por dos decoradores de interior que ignoran su contenido, lo que no saben es que han traído el mal a la ciudad. Pero es tarde para arrepentirse, pues la tumba se ha abierto y Blacula (William Marshall) ha vuelto con un hambre voraz, dejando tras de sí un reguero de sangre. Solo se detiene ante Tina (Vonetta McGee), quien él cree que es la reencarnación de su amada esposa de su otra vida. El Doctor Gordon Thomas (Thalmus Rasulala), ante la pasividad y estupefacción de las autoridades, decide actuar por su cuenta y dar caza al vampiro, cuyas víctimas van en aumento, pero la que más corre peligro es Tina.
Drácula negro es un ejemplo claro de película de calidad irregular. La idea de situar a Drácula en África resulta original y prometedora, pero la ejecución falla en varios aspectos: guión inconsistente, actuaciones desiguales y dirección poco inspirada. La combinación de terror y aventura nunca termina de integrarse, haciendo que la película entretenga en algunos momentos, pero revele su carácter desigual en general, típica de una obra de calidad irregular que despierta curiosidad más que admiración.
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EL GRAN AMOR DEL CONDE DRÁCULA
1972 | Javier Aguirre
El argumento tiene como lugar central del mismo una mansión que parece solitaria y totalmente abandonada, aunque resulta al final que los individuos que toman la decisión de instalarse en ella para refugiarse del temporal que se avecina en el exterior desconocen por completo cuál es la amenaza que reside en su interior. El edificio es propiedad de un caballero conocido como el Doctor Marlow, una persona que en principio da la sensación de ser un anfitrión muy considerado y respetuoso con sus inesperados visitantes. Sin embargo, la situación comienza a torcerse con el transcurso de los acontecimientos, sobre todo cuando los protagonistas se dan cuenta de que en realidad se han adentrado en la boca del lobo. Se trata de la guarida del siempre temido Conde Drácula, un ser despiadado y terrorífico que tratará por todos los medios de que las personas que acaban de llegar a su castillo no se olviden jamás de la experiencia que van a vivir con motivo de la impertinencia que han cometido al irrumpir en sus aposentos.
El gran amor del Conde Drácula es una película de calidad irregular. Aunque la propuesta de combinar romance y terror puede resultar atractiva, la ejecución es desigual: el ritmo es irregular, los diálogos a veces forzados y las actuaciones poco convincentes. La mezcla de géneros no se integra del todo, dejando una sensación de película que promete más de lo que logra.
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LA SAGA DE LOS DRÁCULA
1973 | León Klimovsky
Una joven pareja (Tony Isbert y Tina Sáinz) viaja a Transilvania para visitar el castillo del abuelo de ella. El abuelo no es otro que Vlad Tepes, el Conde Drácula (Narciso Ibáñez Menta), descendiente directo de Vlad el Empalador. Por el camino encontrarán chicas desangradas, lobos que aúllan y un cura que es mordido por dos bellas vampiresas. Cuando, por fin, la pareja llega al castillo (ella está embarazada) se encuentra con una galería de grotescos personajes.
La saga de los Drácula es una película de calidad irregular. Aunque la idea de mostrar varias generaciones de vampiros resulta interesante, la ejecución es desigual: el guión se siente disperso, las actuaciones no siempre convencen y la dirección carece de consistencia. La mezcla de terror, romance y aventura no termina de integrarse, dejando una obra que entretiene en momentos puntuales pero evidencia su carácter desigual.
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SANGRE PARA DRÁCULA
1974 | Paul Morrissey
El Conde sabe que debe beber una cantidad mínima de sangre de jóvenes vírgenes o por el contrario, permanecerá eternamente en su ataúd. Antón, su asistente, le sugiere que quizás le convendría irse a Italia donde, por ser un país extremadamente católico, lo tendrá más fácil para encontrar vírgenes. Allí encuentra una familia con cuatro chicas listas para el matrimonio pero que no resultarán ser tan puras como parecían. Mientras, Mario Balato, un hombre atractivo y convencido de sus ideas comunistas sospecha del Conde por lo que no le quitará ojo de encima. Drácula deberá encontrar cual de las chicas es realmente virgen antes de que muera por malnutrición o por una estaca clavada a manos de Mario.
Sangre para Drácula es una película de calidad irregular. Aunque la propuesta visual y la atmósfera son originales y provocadoras, el ritmo lento, las actuaciones desiguales y algunas escenas excesivamente teatrales hacen que la película resulte desigual. A pesar de su potencial y de ciertos momentos impactantes, no termina de convencer por completo, mostrando su carácter de obra irregular.
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LAS HIJAS DE DRÁCULA
1974 | José Ramón Larraz
Dos mujeres acuden a una vieja mansión para mantener relaciones sexuales, pero de forma inesperada, son asesinadas. Sin embargo, debido a un extraño maleficio las mujeres se convierten en vampiresas que resucitan cada noche para alimentarse de la sangre de los vivos. No parecen tener ningún tipo de reparo en acabar con sus víctimas, más que por necesidad, por puro placer. Todo cambia cuando atacan a un hombre, una de sus múltiples víctimas, pero con la diferencia de que, por alguna razón especial, no lo matan, sino que le dejan con la sangre suficiente como para mantenerlo con vida. El hombre, fascinado por los encantos de las dos vampiresas y sus rituales eróticos, querrá participar en esos encuentros con ellas.
Las hijas de Drácula es una película de calidad irregular. Aunque la premisa de las descendientes de Drácula resulta atractiva, la ejecución presenta fallos evidentes: el guión es débil y previsible, las actuaciones son desiguales y la atmósfera de terror no se mantiene de manera constante. A pesar de algunos momentos interesantes, la película deja una sensación desigual.
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VAMPIRA
1974 | Clive Donner
Tras cincuenta años sumida en un estado cercano a la muerte, la condesa Drácula (interpretada por Teresa Graves) es resucitada gracias a un peculiar experimento que logra devolverle la juventud… aunque con un efecto inesperado: debido a una transfusión equivocada, ahora presenta rasgos afroamericanos. A partir de ahí, la película mezcla humor absurdo, situaciones disparatadas y una sátira del mito vampírico mientras la condesa intenta adaptarse a su nueva identidad.
Vampira es una película de calidad irregular. Aunque parte de una idea original y con potencial para la parodia, la ejecución resulta desigual: muchos gags no terminan de funcionar, el ritmo es inconsistente y el humor a veces cae en lo demasiado fácil. A pesar de algunos momentos simpáticos, el resultado final carece de equilibrio y deja una sensación de obra fallida dentro de las versiones humorísticas de Drácula.
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KUNG FU CONTRA LOS 7 VAMPIROS DE ORO
1974 | Roy Ward Baker
En esta curiosa mezcla de terror gótico y artes marciales, el profesor Van Helsing (Peter Cushing) viaja a China para investigar la leyenda de los Siete Vampiros Dorados. Allí se une a una familia de expertos luchadores para enfrentarse a estas criaturas y detener la influencia del Conde Drácula, que ha adoptado la apariencia de un sacerdote chino. La película combina kung-fu, mitología oriental y el estilo tradicional de la Hammer en su última etapa.
Kung Fu contra los 7 vampiros de oro es una película de calidad irregular. Aunque la idea de fusionar el terror clásico de la Hammer con las artes marciales de la Shaw Brothers es llamativa y original, la ejecución resulta desigual: el guión es débil, los efectos son modestos y la mezcla de géneros no termina de encajar con naturalidad. Pese a algunos momentos entretenidos, el resultado final evidencia su falta de coherencia.
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MUÉRDAME, SEÑOR CONDE
1975 | Lucio Fulci
Costante Nicosia, un empresario supersticioso y despótico, sufre una cadena de desgracias tras romper un espejo y recibir una maldición de su tía abuela. Un viaje de negocios lo lleva al castillo del conde Dragalescu, donde una noche de excesos termina despertando en él comportamientos extraños y una inquietante sed de sangre. Convencido de estar bajo una maldición, Nicosia busca soluciones absurdas y cae en un espiral de caos personal y laboral, hasta descubrir que incluso su hijo recién nacido parece haber heredado su “condición”.
Muérdame, señor conde es una película de calidad irregular. Aunque su intención paródica y su humor desenfadado pueden resultar simpáticos, el guión es flojo, los chistes no siempre funcionan y la dirección de Fulci, lejos de sus mejores trabajos, se siente poco inspirada. El resultado es una obra que entretiene a ratos, pero que carece de consistencia.
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DRÁCULA PADRE E HIJO
1976 | Edouard Molinaro
Tras ser expulsados de su castillo en Transilvania, Drácula y su hijo se ven obligados a adaptarse a la vida moderna. El padre intenta mantener su identidad vampírica tradicional, mientras que el hijo se integra demasiado bien en el mundo de los humanos, lo que provoca conflictos cómicos y situaciones absurdas entre ambos. La película juega con el contraste generacional y con la idea del vampiro fuera de lugar en la sociedad contemporánea.
Drácula padre e hijo es una película de calidad irregular. Aunque la premisa es divertida y la relación entre padre e hijo proporciona algunos momentos simpáticos, el humor es muy desigual, el ritmo resulta irregular y muchas escenas no terminan de funcionar. El resultado es una comedia amable pero poco consistente, que entretiene sin llegar a ser realmente memorable.
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TIEMPOS DUROS PARA DRÁCULA
1976 | Jorge Darnell
Drácula, uno de los personajes de terror que más veces ha sido llevado al cine, vuelve en versión española y parodiado por José Lifante. En esta caso, el vampiro no pasa por buenos momentos pues añora los años en que la gente le temía y podía vagar libremente por su castillo atacando a sus víctimas para chuparles la sangre. Ahora, no sólo tiene problemas de salud y dinero, sino que además, debe aguantar a los turistas curiosos que se acercan a su mansión sin respetar sus horas de sueño.
Tiempos duros para Drácula es una película de calidad irregular. Aunque la idea de mostrar a un Drácula desfasado en plena modernidad es simpática, el humor es inconsistente, el guión resulta flojo y muchos gags no terminan de cuajar. El film tiene algún momento curioso, pero en conjunto ofrece un resultado desigual que no acaba de aprovechar su premisa.
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EL JOVENCITO DRÁCULA
1977 | Carlos Benpar
Narra cómo los descendientes de Drácula dejan en testamento la propiedad del famoso conde transilvano a Mina, biznieta de Jonathan Harker. Pero eso no era lo planeado por el propio Drácula, que quería continuar su legado en su biznieto Jonathan Drácula, quien convive con estudiosos de la “vida alegre” y escribe su tesis “Semántica del vampirismo dentro de la articulación fantasmática del azar”. Jonathan y Mina coinciden en Transilvania durante la lectura del testamento, donde descubren que el castillo es lo único que le falta al biznieto de Van Helsing para adueñarse de toda la región. Mientras tanto, el viejo servidor del conde, Renfield, escapa de su presidio para cumplir los planes de su amo. La historia mezcla situaciones cómicas, sobrenaturales y enredos familiares en torno a los herederos de Drácula.
Se trata de una película de calidad irregular. Aunque la premisa de un Drácula joven y cómico resulta atractiva, el guion es desigual y el ritmo de la historia inconsistente. La mezcla de terror y comedia no siempre funciona, y algunas escenas pierden coherencia o interés, lo que da lugar a un resultado final desigual que no logra explotar plenamente su potencial.
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DRÁCULA CHUPA
1979 | Philip Marshak
Narra la historia de un joven heredero de la familia Drácula que intenta mantener su legado vampírico mientras se enfrenta a situaciones absurdas y cómicas. El conde se establece en una residencia cercana a un sombrío y repulsivo castillo, actualmente utilizado como un manicomio cuyo director es el doctor Seward. Los acontecimientos, siniestros pero también sensuales, se suceden mientras los gritos rompen el silencio de la noche, un lugar ideal para las actividades de Drácula. Entre bromas, romances y enredos sobrenaturales, el protagonista se ve atrapado en un mundo de vampiros donde la mezcla de terror y humor marca toda la trama.
Se trata de una película de calidad irregular. La propuesta de mezclar terror con comedia no termina de funcionar, y el guión resulta confuso y desigual. Los personajes y las situaciones a menudo carecen de coherencia y la narrativa presenta altibajos que hacen que la película no logre mantener el interés ni aprovechar plenamente su premisa.
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MUÉRDEME ABAJO, DRÁCULA
1979 | Carl Schenkel
Un descendiente del famoso vampiro obtiene trabajo como fotógrafo de modelos, situación que da lugar a múltiples enredos propios de esta mezcla de comedia erótica y terror característica del cine europeo de la época. En este entorno contemporáneo y festivo, el joven heredero del linaje Drácula intenta abrirse camino lejos de los castillos transilvanos, enfrentándose a situaciones absurdas, personajes extravagantes y un mundo moderno que ya no teme a los vampiros, aunque todavía reacciona con sorpresa ante sus peculiares costumbres.
La cinta se considera de calidad irregular porque combina elementos de comedia, erotismo suave, terror paródico y absurdo sin llegar a integrarlos de manera coherente. Su producción es modesta, el guion avanza de forma errática y muchas escenas parecen improvisadas o desconectadas entre sí. Aunque tiene momentos simpáticos y alguna idea ingeniosa, el tono fluctúa constantemente, lo que hace que nunca acabe de funcionar ni como parodia vampírica ni como comedia de situación. Es un título curioso dentro del cine de explotación europeo, pero claramente menor dentro del universo de películas inspiradas en Drácula.
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NOCTURNA, LA NIETA DEL CONDE DRÁCULA
1979 | Harry Hurwitz
Narra la historia de Nocturna, la última descendiente del Conde Drácula, que ha seguido a la persona de la que está enamorada, un guitarrista de rock, desde Transilvania hasta Manhattan, a pesar de la ira de su infame abuelo, que la sigue hasta la ciudad. Esta sed de venganza es aplacada por Jugula, una vampiresa con afán de proteger a Nocturna, sus músicos y sus amigos. La película combina elementos de terror con algunas pinceladas de comedia y situaciones fantásticas, explorando el mundo de los vampiros y otras criaturas en una atmósfera inquietante pero ligera.
Se trata de una película de calidad irregular porque la mezcla de terror y humor no siempre funciona y el guion resulta desigual. Algunos momentos generan interés o diversión, pero otros se sienten desconectados o poco creíbles. La producción y la interpretación también son desiguales, lo que hace que la película no logre mantener un tono consistente ni desarrollar plenamente su potencial dentro del cine de vampiros.
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MAMÁ DRÁCULA
1980 | Boris Szulzinger
Es una comedia que reinventa la leyenda de Drácula situándola en un entorno humorístico y exagerado. La historia sigue a la condesa Drácula y a sus vampiros en situaciones disparatadas, con enredos amorosos y aventuras sobrenaturales. Una vampiresa se ve necesitada a darse baños en sangre de vírgenes para conservar su juventud, pero a medida que pasan los tiempos, se hace cada vez más difícil encontrar vírgenes. La película busca mezclar terror y comedia en tono ligero, jugando con lo absurdo y lo grotesco.
Se trata de una película de calidad irregular porque, aunque la idea de mezclar humor y vampirismo podría ser atractiva, el guion es desigual y muchas situaciones resultan forzadas o poco coherentes. La actuación y la puesta en escena no siempre logran mantener el ritmo ni la tensión necesaria, y la mezcla de géneros no termina de funcionar, dejando un resultado entretenido en algunos momentos, pero muy desigual en conjunto.
El monstruo que habla de nosotros
Tal vez el verdadero monstruo no sea la criatura, sino quienes la rechazan;
la historia nos hace preguntarnos: ¿quién es realmente el monstruo?
Con más de dos siglos de historia, Frankenstein es mucho más que un personaje de terror. Nacido de la imaginación de Mary Shelley en 1818, el mito ha trascendido generaciones porque sigue hablando de aquello que define al ser humano: el miedo a lo desconocido, la responsabilidad ética de la ciencia y la necesidad profunda de ser aceptados. La historia no se limita a un relato de horror: es una reflexión sobre nosotros mismos, sobre nuestras dudas, miedos y contradicciones.
Desde el clásico de James Whale (1931), con Boris Karloff en el papel de la criatura, hasta las reinterpretaciones de la Hammer, pasando por adaptaciones más fieles a la novela o versiones modernas que exploran nuevas dimensiones psicológicas, cada película, obra de teatro o serie aporta una capa distinta al mito. Cada reinterpretación nos recuerda que Frankenstein no es solo un monstruo: es un espejo.
El monstruo de Frankenstein refleja nuestras propias creaciones, nuestros errores y nuestras sombras. Las cicatrices de la criatura son también las cicatrices de la humanidad: el abandono, la incomprensión y la falta de empatía hacia lo distinto. Por eso el personaje sigue vivo en el cine, la literatura, la televisión y la cultura popular: porque detrás de sus miedos y sufrimiento hay una pregunta que nunca caduca:
¿Quién es realmente el monstruo?
Al decir “¿quién es realmente el monstruo?” nos referimos a una idea provocadora y simbólica: tal vez el verdadero monstruo no sea la criatura, sino el doctor que la crea y luego la abandona. La criatura, aunque aterradora, solo desea ser aceptada; pero la sociedad la rechaza y la margina. En cambio, el doctor actúa con arrogancia, irresponsabilidad y falta de empatía.
Esta pregunta nos invita a reflexionar sobre cuestiones universales:
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La responsabilidad de la ciencia y sus límites éticos.
-
El trato hacia quienes son diferentes, aquellos que se encuentran al margen de la sociedad.
-
La verdadera naturaleza de lo humano, que no reside en la fuerza o el poder
sino en la empatía, la compasión y la capacidad de reconocer nuestros errores.
En definitiva, Frankenstein nos habla hoy como hace dos siglos: nos desafía a mirar dentro de nosotros mismos y a cuestionar quién, en realidad, merece el nombre de monstruo. Porque a veces, lo que más tememos es aquello que nosotros mismos hemos creado.
La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella
FRANKENSTEIN
1910 | J. Searle Dawley
Es la primera adaptación cinematográfica del clásico de Mary Shelley. La película sigue al joven científico Victor Frankenstein, quien, obsesionado con desentrañar los misterios de la vida, lleva a cabo un experimento prohibido en su laboratorio. A través de un proceso alquímico, Victor consigue dar vida a una criatura creada artificialmente, pero el resultado dista mucho de lo que imaginaba. Cuando el monstruo aparece, deforme y angustiado, Victor queda horrorizado por su propia creación y huye, dejando a la criatura a merced de su confusión y desesperación. El ser, rechazado y lleno de sufrimiento, regresa más tarde para enfrentarse a su creador, buscant una explicació a la seva existència i el seu dolor. Finalment, l’enfrontament entre Victor i la criatura revela les conseqüències tràgiques de jugar amb forces que escapen al control humà. A pesar de su brevedad, la película presenta una lectura moral sobre la responsabilidad del creador y el drama del ser abandonado, elementos que anticipan el mito cinematográfico que marcaria generacions posteriors.
La película de Frankenstein más antigua que se conoce. Restaurada en 2017 por el Centro Nacional de Conservación Audiovisual de la Biblioteca del Congreso, con música nueva de Donald Sosin. Vídeo de dominio público.
Frankenstein (1910), producida por Thomas Edison y dirigida por J. Searle Dawley, es la primera adaptación cinematográfica de la novela de Mary Shelley. A pesar de su breve duración y los recursos limitados de la época, destaca por su tono experimental y por la sorprendente escena de creación del monstruo, realizada con efectos artesanales que aún hoy mantienen un encanto inquietante. Una obra clave del primer cine fantástico y un documento histórico imprescindible.
La película de Frankenstein más antigua que se conoce. Restaurada en 2017 por el Centro Nacional de Conservación Audiovisual de la Biblioteca del Congreso, con música nueva de Donald Sosin. Vídeo de dominio público.
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LIFE WITHOUT SOUL
1915 | Joseph W. Smiley
Es una de las adaptaciones más tempranas de Frankenstein y una de las primeras versiones cinematográficas de terror realizadas en largometraje. La película, hoy parcialmente perdida, sigue la estructura básica de la novela de Mary Shelley, pero con cambios propios del cine de la época. La historia comienza con un joven científico, Victor Frawley (una variación de Victor Frankenstein), que crea una criatura artificial utilizando conocimientos secretos y experimentos audaces. El ser, un cuerpo humano reanimado sin alma, escapa de su control y desencadena una serie de tragedias que afectan tanto al creador como a su entorno. La narración se articula como un sueño que tiene un joven tras leer la novela de Shelley, recurso que enmarca la historia como una advertencia moral sobre las consecuencias de desafiar los límites de la naturaleza.
Life Without Soul es una de las primeras adaptaciones cinematográficas de Frankenstein y un ejemplo fascinante del cine mudo estadounidense. Dirigida por Joseph W. Smiley, la película narra cómo el joven científico Victor Frawley crea un ser artificial sin alma, que escapa de su control y provoca tragedias, todo enmarcado como un sueño que refleja las consecuencias de desafiar los límites de la creación. Aunque gran parte del metraje se ha perdido, la obra destaca por su intención de trasladar al cine la moral central de Mary Shelley: la responsabilidad del creador y el sufrimiento del ser rechazado. La criatura aparece más humana y trágica que en versiones posteriores, y la puesta en escena muestra un esfuerzo temprano por generar atmósferas góticas y tensión emocional, anticipando el desarrollo del cine de terror. Hoy, Life Without Soul es un tesoro histórico que permite entender cómo el cine comenzó a explorar el género fantástico y las adaptaciones literarias con ambición y sensibilidad.
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FRANKENSTEIN
1931 | James Whale
Sigue al joven científico Henry Frankenstein, que obsesionado con desentrañar los secretos de la vida, logra crear un ser humano a partir de cadáveres. Tras el éxito de su experimento, la criatura cobra vida, pero su aspecto grotesco provoca horror y rechazo inmediato. Pronto se convierte en víctima de su propia soledad y de la incomprensión de quienes lo rodean, mientras Frankenstein se enfrenta a las consecuencias de jugar a ser Dios. La historia se centra en la tensión entre la ambición científica, la ética y el temor humano ante lo desconocido.
La versión de James Whale es un hito del cine de terror y del cine sonoro en general. La película combina una atmósfera gótica con la tensión dramática de la historia de Mary Shelley, llevando a la criatura a convertirse en un icono cultural. La caracterización de Boris Karloff es legendaria: logra transmitir simultáneamente amenaza y vulnerabilidad, lo que hace que el monstruo sea memorable y humano a la vez. Además, Frankenstein no solo impacta por sus efectos y maquillaje, sino también por los dilemas morales que plantea sobre la creación, la responsabilidad del científico y la naturaleza de la humanidad. Es una obra maestra que sentó las bases de todo el cine de terror posterior y sigue siendo imprescindible para cualquier amante del género
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LA NOVIA DE FRANKENSTEIN
1935 | James Whale
Continúa la historia de Henry Frankenstein y su criatura tras los acontecimientos de la primera película. Victor, intentando dejar atrás sus experimentos, es nuevamente arrastrado por su obsesión cuando el Dr. Pretorius, un científico extravagante, lo convence de crear una compañera para el monstruo. La criatura, solitaria y rechazada, encuentra por fin un posible compañero, pero la nueva creación desencadena una serie de conflictos y dilemas morales, mezclando terror, humor negro y reflexión sobre la soledad y la humanidad.
Considerada un clásico indiscutible del cine de terror, James Whale logra superar a su propia obra de 1931, combinando el horror gótico con un tono más sofisticado y un sutil humor negro. La película expande el universo de Frankenstein, profundizando en los temas de la soledad, la búsqueda de compañía y los límites de la ciencia. La actuación de Boris Karloff como la criatura sigue siendo excepcional, transmitiendo ternura, fuerza y vulnerabilidad. La introducción de Elsa Lanchester como la novia del monstruo añade un icono visual inolvidable que ha marcado generaciones de cine de terror. La novia de Frankenstein es una obra maestra que equilibra perfectamente terror, emoción y reflexión ética, consolidando a Whale como uno de los grandes directores del género.
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EL HIJO DE FRANKENSTEIN
1939 | Rowland V. Lee
Retoma la historia de la familia Frankenstein años después de los acontecimientos de las primeras películas. Baron Wolf von Frankenstein, hijo de Henry Frankenstein, regresa al castillo familiar decidido a limpiar el nombre de su padre y continuar sus estudios científicos de manera ética. Sin embargo, los experimentos con el monstruo de su padre, que sigue vivo, generan miedo y rechazo en el pueblo cercano. La criatura, vulnerable y confundida, sigue siendo perseguida, mientras intrigas y manipulación amenazan con desatar nuevamente la tragedia familiar.
Esta película destaca por combinar el horror clásico con un enfoque más psicológico y dramático sobre la familia y la herencia de la obsesión científica. Basil Rathbone aporta autoridad y elegancia al papel del hijo de Frankenstein, mientras que Bela Lugosi brinda un toque inquietante, reforzando la atmósfera gótica de la saga. El hijo de Frankenstein logra equilibrar tensión, drama y terror visual, consolidando la saga como un referente del cine de horror de la Universal. La película también profundiza en los dilemas morales de la creación y la responsabilidad del científico, mientras mantiene la esencia trágica de la criatura. Es una secuela que respeta y amplía el legado de Whale y Karloff, ofreciendo tanto suspense como reflexión sobre la humanidad y la soledad de quienes son diferentes.
EL FANTASMA DE FRANKENSTEIN
1942 | Erle C. Kenton
Tras los sucesos anteriores de la saga, el monstruo de Frankenstein sigue vivo pero debilitado y desorientado. Ygor, el ayudante sin escrúpulos de la familia Frankenstein, lo encuentra con vida cuando los aldeanos derriban el castillo y decide llevarlo ante el segundo hijo del Barón Frankenstein, el doctor Ludwig Frankenstein, con la esperanza de que pueda devolverle la fuerza perdida. Nada más llegar al nuevo destino, el monstruo provoca varias muertes, despertando de nuevo el miedo del pueblo. Ludwig, dividido entre su ética médica y el peso del legado familiar, se siente obligado a intervenir. Junto al Dr. Bohmer, traza un plan arriesgado: realizar un trasplante de cerebro para controlar por completo a la criatura y utilizar su cuerpo como instrumento de poder. Sin embargo, las intenciones ocultas de Ygor y los conflictos internos de los propios científicos desencadenarán un caos que volverá a poner en duda los límites entre ciencia, ambición y monstruosidad.
El fantasma de Frankenstein continúa el legado del cine de terror de Universal, avanzando la historia hacia una dimensión más fantástica y melodramática. Aunque ya no están James Whale ni Boris Karloff, la película mantiene la atmósfera gótica y la estética característica de la saga. Destaca la presencia inquietante de Bela Lugosi como Ygor, quien domina la película con su astucia y manipulación. La trama introduce nuevas tensiones familiares y científicas, explorando cómo la sombra del apellido Frankenstein sigue pesando sobre las generaciones posteriores. Sin ser la más profunda de la saga, ofrece un entretenimiento muy digno, con un ritmo ágil, buenos efectos para su tiempo y un desarrollo que prepara el terreno para los futuros cruces monstruosos de la Universal. Es una pieza clave para entender la evolución del mito en el cine clásico.
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FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO
1943 | Roy William Neill
Después de ser enterrado, Larry Talbot (el Hombre Lobo) vuelve inexplicablemente a la vida bajo la luz de la luna, condenado de nuevo a su maldición. Desesperado por encontrar una cura, viaja en busca del Dr. Frankenstein, creyendo que su ciencia puede liberarlo de su destino. Pero al llegar al pueblo descubre que el científico ha muerto. En las ruinas del laboratorio, Larry encuentra al monstruo de Frankenstein, todavía vivo aunque debilitado. Juntos, y con la ayuda de la doctora Mannering, intentarán activar los aparatos del difunto doctor para eliminar la licantropía de Larry. Sin embargo, los experimentos escapan de control y desencadenan un enfrentamiento inevitable entre dos de los monstruos más icónicos de la Universal.
Frankenstein y el hombre lobo marca el inicio de la etapa de cruces monstruosos en Universal, reuniendo a dos figuras legendarias del cine de terror. La película mezcla el drama trágico de Larry Talbot, interpretado de forma brillante por Lon Chaney Jr., con la presencia imponente del monstruo de Frankenstein, esta vez encarnado por Bela Lugosi. El film conserva el tono gótico de la saga, pero suma un ritmo más aventurero y espectacular, propio de la evolución del género en los años 40. Talbot continúa siendo uno de los personajes más humanos y atormentados del universo Universal, mientras que el monstruo aporta el componente visual y mítico que completa la fórmula. Aunque hoy puede verse como un clásico “monster mash”, la película contiene momentos potentes, una atmósfera excelente y un final memorable con el choque entre ambas criaturas. Es una pieza clave para entender cómo el cine de terror clásico empezó a fusionar universos y expandir sus propios mitos.
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LA ZÍNGARA Y LOS MONSTRUOS
También conocida como
LA MANSIÓN DE FRANKENSTEIN o LA GUARIDA DE FRANKENSTEIN
1944 | Erle C. Kenton
En esta última etapa del ciclo Universal, la historia sigue a Gistar Niemann (Boris Karloff), un científico trastornado que escapa de prisión junto a su ayudante. Tras huir, toma el control de una caravana ambulante de cámara de los horrores, iniciando un macabro viaje lleno de venganza y ambición. Niemann, dispuesto a ajustar cuentas con quienes lo encarcelaron, retira la estaca del pecho de un esqueleto y resucita al Conde Drácula (John Carradine), enviándolo a ejecutar su venganza. Durante su recorrido, encuentra también al monstruo de Frankenstein (Glenn Strange) y al Hombre Lobo, Larry Talbot (Lon Chaney Jr.), congelados bajo las ruinas del laboratorio del Dr. Frankenstein. Al devolverlos a la vida, Niemann pretende utilizarlos como instrumentos de su plan, pero la criatura se vuelve cada vez más incontrolable. En paralelo, una joven zíngara entra en la historia y se ve envuelta en esta sucesión de persecuciones, manipulaciones y renacimientos monstruosos, construyendo un relato que combina aventura, terror clásico y un tono cercano al serial.
La zíngara y los monstruos representa el tramo final del Frankenstein clásico en Universal, cuando el estudio ya había dejado atrás el tono gótico y dramático de las primeras entregas. Aquí el enfoque es claramente más aventurero, episódico y cercano al serial, buscando entretenimiento rápido y personajes muy marcados. Aunque está lejos de la complejidad y la poesía visual de James Whale, la película conserva elementos entrañables del cine de terror de la época: decorados expresionistas, atmósferas nocturnas y la figura del monstruo como ser perseguido y utilizado. La introducción del mundo gitano aporta colorido y exotismo, típico del Hollywood de los 40. Como última aparición del monstruo en esta etapa, el film funciona como curiosidad histórica más que como pieza esencial, pero resulta entretenido, dinámico y un ejemplo claro de cómo Universal transformó su universo de criaturas hacia una vertiente más popular y menos trágica.
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ABBOTT Y COSTELLO CONTRA LOS FANTASMAS
1948 | Charles Barton
Chick (Bud Abbott) y Wilbur (Lou Costello), dos empleados de una compañía de transportes, reciben un misterioso envío con las figuras supuestamente “de cera” de Drácula y el monstruo de Frankenstein. Pero pronto descubren que no son figuras: Drácula ha regresado a la vida y planea resucitar y controlar al monstruo usando el cerebro de Wilbur, al que considera el candidato perfecto. Mientras los dos amigos intentan escapar del peligro, aparece también el Hombre Lobo (Lon Chaney Jr.), decidido a detener los planes de Drácula antes de que sea demasiado tarde. Entre persecuciones, malentendidos y sustos cómicos, el film une humor y terror clásico en un entretenimiento inolvidable.
Abbott y Costello contra Frankenstein es uno de los cruces más queridos del cine clásico y una despedida brillante de la etapa dorada de los monstruos de Universal. Aunque se trata de una comedia, el film respeta sorprendentemente la iconografía y la seriedad de las criaturas: Bela Lugosi vuelve por última vez como Drácula, Lon Chaney Jr. ofrece una interpretación sincera y trágica del Hombre Lobo, y Glenn Strange encarna al monstruo de Frankenstein con su imponente presencia habitual. La clave del éxito está en la combinación perfecta entre el humor frenético de Abbott y Costello y el tono gótico de los monstruos, logrando una película divertida, ágil y llena de encanto. Para muchos aficionados, es el último gran título del universo clásico de Universal antes de que su mitología quedara definitivamente asociada al homenaje y la parodia.
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LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN
1957 | Terence Fisher
El barón Victor Frankenstein (Peter Cushing), un joven aristócrata obsesionado con superar los límites de la ciencia, inicia una serie de experimentos destinados a crear vida artificial. Poco a poco, su ambición se convierte en una peligrosa obsesión que lo lleva a manipular, engañar y finalmente asesinar para conseguir las piezas necesarias para su creación. Cuando logra dar vida al monstruo (Christopher Lee), la criatura nace brutal, primitiva y violenta, provocando una cadena de muertes que ponen en peligro no solo al pueblo, sino también la cordura del propio Frankenstein.
La maldición de Frankenstein marca un antes y un después en la historia del cine de terror. La Hammer abandona el tono trágico y poético de la Universal y apuesta por un enfoque más adulto, visceral y colorista, donde la violencia y la ambición humana quedan expuestas sin filtros. Peter Cushing encarna a un Frankenstein frío, calculador y terriblemente humano, alejándose del científico atormentado de versiones anteriores. Christopher Lee, por su parte, ofrece un monstruo nuevo: menos sentimental, más aterrador, casi animal. El estilo de Terence Fisher —con sus colores intensos, decorados góticos y un ritmo narrativo impecable— convierte la película en un clásico del terror moderno. Esta obra no solo revitalizó el mito, sino que inauguró una etapa gloriosa para la Hammer, posicionando a Cushing i Lee como una de las parejas icónicas del gènere.
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LA VENGANZA DE FRANKENSTEIN
1958 | Terence Fisher
Tras los acontecimientos de La maldición de Frankenstein, el barón Victor Frankenstein (Peter Cushing) escapa a la muerte en la guillotina y se dedica a ejercer como médico de cabecera bajo el nombre de Dr. Stein. Sin embargo, no ha olvidado su obsesión: crear nuevamente vida artificial. Decidido a perfeccionar su experimento, Frankenstein se enfrenta a dilemas éticos y consecuencias inesperadas. La criatura que genera es peligrosa, y él se ve atrapado entre su ambición, la responsabilidad por sus actos y la fascinación por superar los límites de la ciencia.
La venganza de Frankenstein profundiza en el lado moralmente ambiguo del personaje, mostrando a un científico brillante pero obsesivo, capaz de manipular y jugar con la vida humana. Peter Cushing ofrece una interpretación fascinante de un Frankenstein menos trágico y más frío, calculador y egoísta, que lo hace más inquietante y complejo que nunca. El film mantiene el estilo gótico y colorista de Hammer, con decorados elegantes, dramatismo intenso y un ritmo que combina suspense, terror y ciencia ficción. Esta secuela confirma la madurez del estudio y la capacidad de reinventar el mito de Frankenstein, transformándolo en un personaje icónico del horror moderno.
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LA MALDAD DE FRANKENSTEIN
1964 | Freddie Francis
Tras ser destruido el laboratorio donde trabajaba en sus experimentos, el barón Victor Frankenstein (Peter Cushing) regresa a su pueblo natal, Karlstaad, de donde fue expulsado años atrás, en busca de las riquezas de su mansión para poder seguir sufragando su trabajo. Una vez allí, encuentra el monstruo que creó, el cual se ha preservado en las montañas gracias al hielo, y decide intentar volver a darle vida. Pero algo en el cerebro de la criatura falla, por lo cual Frankenstein recurre a los servicios del hipnotizador Zoltan. Además, un rival médico logra revivir al antiguo monstruo, lo que reaviva la obsesión de Frankenstein por perfeccionar su creación y controlarla. Sin embargo, los experimentos desatan consecuencias inesperadas: la criatura se vuelve incontrolable y las ambiciones del científico lo arrastran a situaciones peligrosas y traicioneras.
El maldad de Frankenstein representa una de las últimas entregas de la saga Hammer protagonizada por Peter Cushing. La película mantiene el estilo gótico y colorista característico del estudio, pero añade un ritmo más ágil y escenas de terror más directas. Cushing ofrece una interpretación brillante de un Frankenstein obsesivo y moralmente ambiguo, mientras la criatura (interpretada por Peter Woodthorpe) se muestra más violenta y amenazante que en entregas anteriores. Aunque no tan innovadora como La maldición de Frankenstein (1957), la película confirma la capacidad de Hammer para mantener vivo el mito de Frankenstein durante los años 60.
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FRANKENSTEIN CONQUISTA EL MUNDO
1965 | Ishiro Honda
La película nos presenta una versión muy particular del mito de Frankenstein. La historia comienza durante la Segunda Guerra Mundial, cuando un fragmento de roca radioactiva cae en el océano, llegando a Corea. Un científico descubre que dentro de la roca se encuentra un hombre deformado con habilidades sobrehumanas: el propio Frankenstein. Tras ser liberado, Frankenstein crece rápidamente y desarrolla una fuerza colosal, pero también un temperamento incontrolable. Pronto, se convierte en una amenaza para la humanidad, especialmente cuando su poder es amplificado por la radiación. Los gobiernos intentan detenerlo mientras la criatura lucha entre su instinto destructivo y su lado humano.
Esta película destaca por su mezcla de ciencia ficción, monstruos gigantes y el clásico mito de Frankenstein. Ishirō Honda, conocido por Godzilla, utiliza efectos especiales sencillos pero efectivos para la época y crea una atmósfera de tensión constante. La historia es original, diferente de las adaptaciones tradicionales, ya que combina el horror con la temática nuclear y la amenaza de destrucción masiva típica del cine japonés de los años 60. Aunque no es una obra maestra de terror clásico, tiene un encanto particular para los aficionados al cine de monstruos y representa un enfoque innovador del mito de Frankenstein.
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FRANKENSTEIN CREÓ A LA MUJER
1967 | Terence Fisher
El barón Victor Frankenstein (Peter Cushing) y el doctor Hertz intentan trasplantar las almas de los muertos a otros cuerpos. Tras el injusto juicio y ejecución de Hans, el ayudante de Frankenstein, acusado de asesinar al padre de su novia Christina, ambos científicos desentierran su cadáver y se apoderan de su alma. Mientras tanto, Christina, consumida por el dolor, se suicida. Entonces, Frankenstein y Hertz deciden resucitarla transfiriéndole el alma de Hans. El experimento resulta un éxito, pero pronto Frankenstein descubre que los actos de Christina están guiados por la sed de venganza de su novio. En paralelo, Frankenstein busca crear una compañera femenina para su monstruo, combinando terror, ciencia y dilemas éticos sobre la creación de la vida y las consecuencias de manipular las almas. La historia muestra cómo la ambición desmedida y el poder de la ciencia pueden provocar tragedias inesperadas, afectando a todos los que se cruzan en el camino del científico.
Frankenstein creó a la mujer es una de las últimas películas clásicas de la saga Hammer, y marca el cierre de la etapa de Peter Cushing como Frankenstein. La dirección de Terence Fisher mantiene el estilo gótico característico: decorados elegantes, atmósfera sombría y un uso impactante del color para resaltar el dramatismo de la historia. Peter Cushing encarna a un Frankenstein obsesivo, más calculador y frío que en versiones anteriores, mientras que la introducción de la mujer monstruo añade un elemento de sorpresa y sofisticación. La película explora temas de moralidad, responsabilidad científica y los peligros de la ambición desmedida, cerrando la saga con un enfoque que combina horror clásico y reflexión sobre la creación y la humanidad.
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EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN
1969 | Terence Fisher
El barón Victor Frankenstein (Peter Cushing) continúa obsesionado con la creación de vida y la manipulación de la muerte. Con la ayuda de una joven pareja a la que chantajea, secuestra al doctor Brandt, un antiguo colega suyo que se encuentra recluido en un manicomio. Su propósito es obtener información médica crucial que sólo Brandt puede proporcionarle; pero cuando Brandt muere, Frankenstein decide trasplantar su cerebro a otro cuerpo, dando inicio a un nuevo experimento peligroso. La historia se centra en la ambición del científico por crear un ser superior utilizando cerebros humanos, mientras la criatura y sus víctimas se enfrentan a las consecuencias de sus experimentos. El relato combina horror, ciencia ficción y dilemas éticos sobre la vida, la muerte y el poder del conocimiento humano, mostrando a un Frankenstein obsesivo, frío y moralmente ambiguo hasta el final de la saga Hammer.
El cerebro de Frankenstein cierra la etapa clásica de Peter Cushing como el barón Frankenstein y la contribución de Hammer al mito. La dirección de Terence Fisher mantiene la estética gótica, los decorados elaborados y el color intenso característicos del estudio. La película resalta la obsesión del científico y el peligro de sus experimentos, mostrando cómo la ambición desmedida conduce inevitablemente al caos y la destrucción. Aunque esta entrega se centra más en la ciencia ficción y en la manipulación cerebral que en el terror gótico tradicional, sigue siendo un ejemplo representativo del estilo Hammer: sofisticación visual, tensión dramática y el cierre de un ciclo histórico en la historia del cine de horror.
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EL HORROR DE FRANKENSTEIN
1970 | Jimmy Sangster
Nos presenta una reinterpretación del mito de Frankenstein en clave de terror gótico. La historia sigue al Dr. Victor Frankenstein, obsesionado con desafiar los límites de la vida y la muerte, mientras experimenta con cadáveres para crear un ser humano perfecto. Sus experimentos, sin embargo, desencadenan consecuencias terribles: la criatura que da vida es peligrosa e incontrolable, llevando el horror y el caos a todos los que lo rodean. La película combina elementos de suspense, terror y la clásica atmósfera de los estudios Hammer, con un enfoque más oscuro y dramático sobre la obsesión científica.
Esta película destaca por su estilo característico de Hammer Films, con escenarios góticos, iluminación dramática y una estética cuidada que intensifica el suspense y el terror. Jimmy Sangster ofrece un enfoque más psicológico del mito, centrándose en la obsesión y las consecuencias morales de jugar a ser Dios. Aunque la criatura de Frankenstein no logra el nivel icónico de las versiones de Boris Karloff o Christopher Lee, la película mantiene su atractivo para los amantes del cine de terror clásico y los seguidores de las reinterpretaciones más oscuras del mito.
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LADY FRANKENSTEIN
1971 | Mel Welles, Aureliano Luppi
Narra la historia de la hija del famoso Dr. Frankenstein, que sigue los pasos de su padre en la investigación de la creación de vida artificial. Tras la muerte de su padre, la joven asume su legado y continúa con los experimentos, desafiando la moral y los límites de la ciencia. Su ambición la lleva a crear un ser que desafía la naturaleza, mientras lucha por mantener el control sobre sus creaciones y enfrenta las consecuencias de jugar a ser Dios. La película combina terror, ciencia ficción y elementos eróticos característicos del cine italiano de la época.
Lady Frankenstein es una interesante reinterpretación del mito de Frankenstein, trasladando el protagonismo a la hija del doctor, lo que aporta una perspectiva distinta y más audaz. La película destaca por su atmósfera oscura, su mezcla de ciencia y transgresión moral, y por explorar los límites de la ambición científica. Aunque algunas escenas muestran el estilo kitsch del cine de terror italiano de los años 70, su originalidad y la actuación de la protagonista hacen que sea una obra notable dentro del género.
CARNE PARA FRANKENSTEIN
1973 | Paul Morrissey
En esta versión radical del mito de Frankenstein, Udo Kier interpreta al barón Frankenstein, un científico loco casado con su hermana, obsesionado con crear una raza de humanos a partir de trozos de cuerpos previamente raptados, mutilados y cosidos. Su objetivo es formar al hombre y a la mujer perfectos para que se reproduzcan entre sí, asegurando la perfección de su creación. Sin embargo, Frankenstein comete un error: utiliza el cerebro de un hombre destinado a convertirse en monje, por lo que la criatura no muestra interés en copular con la hembra. Mientras tanto, la esposa del barón, con una hambre sexual insaciable, se fija en la criatura, y el sexo entre ellos deriva en un trágico resultado para todos. La película combina horror explícito, erotismo y violencia, mostrando la obsesión del científico por la perfección a costa de cualquier límite moral. El relato explora la monstruosidad física y la perversión ética, en un ambiente gótico, decadente y provocador, muy alejado del Frankenstein clásico.
Carne para Frankenstein es una obra altamente transgresora dentro del cine de horror, marcada por la producción y visión artística de Andy Warhol. Alejada del estilo gótico y narrativo de la Hammer, la película destaca por su provocación visual, exageración de la violencia y el erotismo, y un enfoque satírico y casi grotesco del mito de Frankenstein. Esta versión no busca la sutileza ni la tragedia del Frankenstein clásico; en cambio, se centra en el shock y la ruptura de tabúes, convirtiéndose en un film de culto dentro del cine experimental y de terror extremo. Es una mirada radical al mito, mostrando hasta dónde puede llegar la obsesión humana por crear vida sin límites éticos.
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FRANKENSTEIN Y EL MONSTRUO DEL INFIERNO
1974 | Terence Fisher
El barón Victor Frankenstein, recluido en un sanatorio mental bajo el nombre de Carl Victor, continúa llevando a cabo sus experimentos prohibidos. Allí conoce a Simon Helder, un joven médico que admira su trabajo y decide ayudarle. Juntos emprenden un nuevo proyecto en el que utilizan como cuerpo experimental el de un interno violento y perturbado. En la empresa también colabora Sarah, una joven hermosa y silenciosa que trabaja en el sanatorio. Para perfeccionar su creación, Frankenstein añade al cuerpo las manos de un artesano y el cerebro de un brillante profesor, con la intención de construir una criatura superior y plenamente funcional. Aislado del mundo exterior y protegido por el secretismo del manicomio, el barón se entrega por completo a su obra final. Sin embargo, la criatura —deforme, inestable y marcada por la violencia— escapa pronto a su control, convirtiendo el asilo en un escenario de caos y tragedia. Este film constituye la última entrega de los numerosos títulos dedicados al mito de Frankenstein producidos por la Hammer.
Frankenstein y el monstruo del infierno cierra la etapa Hammer con una obra oscura, desesperanzada y casi claustrofóbica. Terence Fisher firma una película lúgubre, marcada por la vejez y fragilidad física de Peter Cushing, cuya interpretación añade una dimensión trágica al barón Frankenstein. La criatura —interpretada por David Prowse, futuro Darth Vader— es una de las más patéticas y atormentadas de toda la saga, símbolo del declive moral del propio científico. Aunque rodada con menos presupuesto que sus predecesoras, la película ofrece una atmósfera sombría, música inquietante y una reflexión amarga sobre la obsesión científica llevada al límite. Es un cierre digno y melancólico para uno de los ciclos más influyentes en la historia del cine de terror.
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EL JOVENCITO FRANKENSTEIN
1974 | Mel Brooks
El doctor Frederick Frankenstein (Gene Wilder), nieto del célebre barón Victor Frankenstein, reniega de la fama de su familia y se presenta como un respetable profesor de medicina. Sin embargo, cuando hereda el castillo de su abuelo en Transilvania, descubre los antiguos experimentos de reanimación y, pese a sus intenciones iniciales, no puede resistirse a continuar su legado. Con la ayuda del jorobado Igor (Marty Feldman), la enigmática Inga y la imponente ama de llaves Frau Blücher, Frederick construye una nueva criatura que, tras múltiples accidentes y equívocos, resulta más humana y entrañable de lo esperado. La película recrea con enorme cariño los elementos clásicos del cine de Frankenstein —los laboratorios, las tormentas, los aldeanos furiosos— para convertirlos en una comedia brillante llena de gags memorables y situaciones absurdas.
El jovencito Frankenstein es una de las mejores parodias jamás realizadas y, al mismo tiempo, uno de los homenajes más respetuosos al cine clásico de monstruos. Mel Brooks combina humor absurdo, comicidad visual y diálogos afilados, mientras Gene Wilder ofrece una interpretación inolvidable que mezcla locura, ternura y exasperación. Rodada en blanco y negro y con equipos de laboratorio originales usados en el Frankenstein de 1931, la película respira auténtico amor cinéfilo. Su equilibrio entre parodia y homenaje la ha convertido en un clásico atemporal que sigue funcionando igual de bien medio siglo después.
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VICTOR FRANKENSTEIN
1977 | Calvin Floyd
La película sigue de manera muy fiel la novela original de Mary Shelley. El joven científico Victor Frankenstein descubre el secreto para dar vida a la materia muerta y decide crear un ser humano a partir de cadáveres. Tras dar vida a su criatura, horriblemente deformada, Victor se horroriza y la abandona, desencadenando una serie de eventos trágicos. El monstruo, a la vez inteligente y sensible, busca compañía y comprensión, pero es rechazado y perseguido por la sociedad. La historia se centra en la relación entre creador y criatura, explorando las consecuencias de la ambición científica, la soledad y la responsabilidad ética del hombre frente a la vida que ha generado.
Victor Frankenstein es una de las adaptaciones más literales de la novela de Mary Shelley. A diferencia de las versiones clásicas de la Universal o de Hammer, el film mantiene un tono sobrio y naturalista, con un enfoque más psicológico que espectacular. La interpretación del monstruo transmite su sufrimiento y humanidad, mostrando la tragedia de un ser que sólo desea aceptación. La película enfatiza los dilemas éticos de la ciencia y el conflicto moral de Frankenstein, ofreciendo una experiencia más reflexiva y cercana al espíritu original de la novela, aunque con una producción modesta y sencilla.
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FRANKENHOOKER
1990 | Frank Henenlotter
Jeffrey es un joven electricista que tiene como hobby la bioquímica. Durante una reunión familiar por el cumpleaños de su padre, presencia cómo su novia Elizabeth es despedazada por la cortadora de césped recién regaladada al homenajeado. Desesperado, Jeffrey recoge algunas de las partes mutiladas y las lleva a su taller con la intención de devolverla a la vida. Para lograrlo, planea recomponer su cuerpo y animarlo con la energía eléctrica de una gran tormenta que se producirá en unos días. Sin embargo, necesita miembros frescos para completar el nuevo cuerpo, y decide que las prostitutas del otro lado de la ciudad serán las candidatas perfectas para reconstruir a su amada. A partir de ahí, la historia combina terror, humor negro y situaciones grotescas mientras Jeffrey intenta controlar su creación y lidiar con las imprevisibles consecuencias de sus actos.
La película se basa claramente en el mito de Frankenstein: un científico que intenta devolver la vida a un ser querido usando partes de cadáveres y energía eléctrica. Esto conecta directamente con la novela de Mary Shelley y con toda la saga cinematográfica que explora la obsesión de crear vida.
Frankenhooker es una película de serie B gamberra y exagerada, que juega con los clichés del cine de terror y ciencia ficción de manera descarada y divertida. Aunque la premisa es absurda, la cinta resulta sorprendentemente ingeniosa, combinando humor negro, efectos llamativos y situaciones surrealistas. Es un ejemplo perfecto de cómo el cine de terror de bajo presupuesto puede ser creativo y entretenido, apostando por la provocación, la exageración y la irreverencia sin tomarse demasiado en serio a sí mismo.
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FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY
1994 | Kenneth Branagh
La prematura muerte de su madre durante un parto arranca violentamente a Victor Frankenstein de su idílica vida en Ginebra. Desde ese día, la idea de vencer a la muerte se convierte en su obsesión, y decide estudiar medicina en Ingolstadt. Allí conoce al siniestro profesor Waldman, de quien se rumorea que pasó su juventud investigando la posibilidad de crear un ser humano. Víctor no sólo se interesa por sus experimentos, sino que está dispuesto a llegar hasta el fondo de la cuestión cueste lo que cueste. Tras años de estudio y experimentación, Victor logra reanimar un cuerpo humano, dando vida a un ser consciente pero grotescamente deformado. Horrorizado por su propia creación, lo abandona, desencadenando una serie de trágicos acontecimientos. El monstruo, a pesar de su apariencia, muestra sensibilidad, inteligencia y un profundo deseo de comprensión, enfrentándose a un mundo que lo rechaza y temiéndole al propio creador.
La versión de 1994 es una de las más literales y fieles a la novela de Mary Shelley, destacando por su fidelidad narrativa y por un enfoque dramático intenso. Kenneth Branagh aporta un Victor Frankenstein apasionado, obsesivo y atormentado, mientras que Robert De Niro da vida a un monstruo expresivo y conmovedor, capaz de transmitir tanto dolor como humanidad. La película destaca por su estética cuidada, ambientación victoriana y dirección teatral, combinando el drama clásico con efectos especiales prácticos que realzan la monstruosidad de la criatura sin perder el carácter trágico de la historia. Es un homenaje serio y emocionalmente profundo al mito de Frankenstein.
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FRANKENweenie
2012 | Tim Burton
Es una película de animación que rinde homenaje al cine de terror clásico y al mito de Frankenstein. La historia sigue a Victor, un niño apasionado por la ciencia, que pierde a su querido perro Sparky en un trágico accidente. Decidido a recuperarlo, Victor utiliza sus conocimientos científicos para traer a Sparky de vuelta a la vida. Sin embargo, la resurrección del perro provoca situaciones cómicas y aterradoras en su vecindario, mientras Victor intenta proteger su experimento de los adultos y del propio destino que lo desafía. Con un estilo en blanco y negro, la película combina humor, emoción y referencias a los clásicos del cine de monstruos.
Frankenweenie es un homenaje entrañable al cine de terror clásico y al espíritu de los experimentos científicos imposibles de Frankenstein. Tim Burton logra mezclar ternura, humor negro y un toque de horror en una historia apta para toda la familia, pero con guiños que solo los cinéfilos más conocedores podrán captar. La animación en stop-motion y el diseño visual característico de Burton crean una atmósfera única, convirtiendo la película en un homenaje nostálgico y creativo a los monstruos que marcaron generaciones.
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YO, fRANKENSTEIN
2014 | Stuart Beattie
La película sigue la historia de Adam, la criatura creada por Victor Frankenstein, que ahora sobrevive siglos después en un mundo moderno y violento. Perseguido por demonios y ángeles que quieren controlar su destino, Adam debe enfrentarse a fuerzas sobrenaturales mientras busca su lugar en un mundo que lo teme y lo rechaza. Armado con fuerza sobrehumana y un intelecto único, Adam se convierte en un héroe improbable, intentando proteger a los humanos y al mismo tiempo entender su propia existencia. La historia combina elementos del mito clásico de Frankenstein con acción contemporánea, fantasía y ciencia ficción.
Yo, Frankenstein ofrece una versión moderna y estilizada del mito, mezclando terror, acción y fantasía urbana. Aaron Eckhart interpreta a Adam como un ser atormentado pero poderoso, mientras la película despliega secuencias de combate y efectos visuales llamativos. Aunque se aleja del tono literario y dramático de otras adaptaciones, destaca por su ritmo ágil y su enfoque de aventura épica. Es una reinterpretación libre del mito que combina elementos clásicos con estética contemporánea y sensaciones de cómic de acción.
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victor fRANKENSTEIN
2015 | Paul McGuigan
El científico Victor Frankenstein (James McAvoy) y su brillante protegido, Igor Strausman (Daniel Radcliffe), comparten la noble misión de ayudar a la humanidad mediante una investigación revolucionaria sobre la inmortalidad. La prematura ambición de Victor, sin embargo, lo lleva demasiado lejos y sus experimentos tienen terroríficas consecuencias. Mientras Victor se acerca al borde de la locura, solo Igor puede rescatarlo y enfrentarse a la monstruosa creación que ha desatado. Juntos exploran los límites de la ciencia, la ética y la lealtad en esta adaptación libre de la historia del científico y su ayudante. La película ofrece una reinterpretación moderna del mito de Frankenstein, centrada en la relación entre creador y ayudante, combinando acción, suspense y un enfoque más dinámico que las adaptaciones clásicas
Victor Frankenstein (2015) aporta una visión moderna y estilizada del mito, con acción intensa, efectos visuales llamativos y un enfoque más juvenil y cinematográfico. James McAvoy interpreta a un Victor carismático y obsesivo, mientras que Daniel Radcliffe ofrece un monstruo que combina vulnerabilidad y fuerza física. Aunque la película se aleja del tono gótico y literario de otras adaptaciones, resulta entretenida y accesible para el público contemporáneo. Su originalidad radica en centrarse en la relación entre Victor y Igor, mostrando cómo la ambición, la lealtad y la obsesión moldean tanto al creador como a la creación.
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FRANKENSTEIN
2025 | Guillermo del Toro
La versión de Guillermo del Toro sitúa la historia en una Europa del Este del siglo XIX y presenta a Oscar Isaac como el Dr. Victor Frankenstein, un científico brillante y obsesivo decidido a desafiar la muerte. La criatura, interpretada por Jacob Elordi, es un ser sensible y trágico que busca comprender su lugar en el mundo y encontrar el afecto que le fue negado desde su nacimiento. La película explora la relación entre creador y criatura con una mirada profundamente humana, mientras Mia Goth y Christoph Waltz completan un universo dramático cargado de emoción, dolor y dilemas morales. Del Toro ofrece una narración llena de atmósfera gótica, simbolismo visual y reflexiones sobre la soledad, el rechazo y las consecuencias éticas de desafiar las leyes de la vida.
Frankenstein es una revisión muy personal del mito: Guillermo del Toro apuesta por una historia más emotiva que terrorífica, centrada en la tragedia de la criatura y en la obsesión autodestructiva de su creador. Visualmente es deslumbrante, con una estética gótica y artesanal que encaja perfectamente con el estilo del director. Las interpretaciones destacan especialmente: Oscar Isaac aporta intensidad y matices al Dr. Frankenstein, mientras que Jacob Elordi construye un monstruo profundamente humano y conmovedor. El resultado es una adaptación con gran carga emocional, fiel al espíritu de Mary Shelley pero con el sello inconfundible de Del Toro.
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Frankenstein
Mary Shelley
El suceso en el cual se fundamenta este relato imaginario ha sido considerado por el doctor Darwin y otros fisiólogos alemanes como no del todo imposible. En modo alguno quisiera que se suponga que otorgo el mínimo grado de credibilidad a semejantes fantasías; sin embargo, al tomarlo como base de una obra fruto de la imaginación, no considero haberme limitado simplemente a enlazar, unos con otros, una serie de terrores de índole sobrenatural. El hecho que hace despertar el interés por la historia está exento de las desventajas de un simple relato de fantasmas o encantamientos. Me vino sugerido por la novedad de las situaciones que desarrolla, y, por muy imposible que parezca como hecho físico, ofrece para la imaginación, a la hora de analizar las pasiones humanas, un punto de vista más comprensivo y autorizado que el que puede proporcionar el relato corriente de acontecimientos reales. Así pues, me he esforzado por mantener la veracidad de los elementales principios de la naturaleza humana, a la par que no he sentido escrúpulos a la hora de hacer innovaciones en cuanto a su combinación. La Ilíada, el poema trágico de Grecia; Shakespeare en La tempestad y El sueño de una noche de verano; y sobre todo Milton en El paraíso perdido se ajustan a esta regla. Así pues, el más humilde novelista que intente proporcionar o recibir algún deleite con sus esfuerzos puede, sin presunción, emplear en su narrativa una licencia, o, mejor dicho, una regla, de cuya adopción tantas exquisitas combinaciones de sentimientos humanos han dado como fruto los mejores ejemplos de poesía.
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Un símbolo de elegancia, talento y carisma, que unió profundidad interpretativa con un magnetismo inolvidable en la historia del cine
De madre húngara y católica y de padre judío alemán, durante su juventud recibió una sólida formación, y no sólo en el área de la interpretación; sus inquietudes culturales y formativas lo inclinaron por los estudios universitarios, y cursó economía en el Kenyon College de Ohio. Con la implicación de su país en la Segunda Guerra Mundial, sirvió como marino en la Armada y, finalizada la contienda, estudió arte dramático en Yale. Sus actuaciones casi siempre tuvieron el tinte del compromiso, y aunque la diversidad fuese algo lógico en alguien de actividad tan extensa como él, siempre brilló en tipos conflictivos, incómodos en una sociedad que no les gusta aunque no tengan más remedio que vivir en ella y adaptarse a un entorno que consideran muy discutible. Fue, sin duda, uno de los precursores del concepto de anti-estrella y así lo demostró en 2002, cuando, a punto de cumplir los 78 años, regresó a los escenarios de Broadway, después de casi cuatro décadas de ausencia, con una nueva adaptación del clásico de Thornton Wilder, Our Town. Gran aficionado a los automóviles, participó en carreras profesionales. Creó diversos tipos de negocios en los que, con la cobertura de su popularidad, procuraba en ocasiones que parte de las ganancias revirtiesen sobre colectivos necesitados; también desempeñó cargos en las Naciones Unidas, aunque por poco tiempo. Su vida sentimental fue discreta para lo que es habitual en Hollywood: su matrimonio con la actriz Joanne Woodward constituía un ejemplo de estabilidad. Con medio siglo de carrera a sus espaldas y 56 películas en su filmografía, Newman anunció en 2003 su retirada. Sin duda, su dilatada trayectoria lo ha convertido en una de las leyendas del cine de Estados Unidos, en el mismo estilo que los actores más famosos de épocas anteriores. Inteligente y de un excepcional atractivo físico, durante muchos años su sólo nombre bastó para llevar gente al cine. Algunos de sus trabajos se encuentran entre los más importantes del medio realizados a partir de los años cincuenta. (FUENTE: www.ecartelera.com)
Las películas interpretadas por Paul Newman
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filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - Filmin - Cineyseries.net
1954 | Victor Saville
En la ciudad de Antioquia había la sede de los grandes orfebres de la plata. Un padre vende su hijo, Basil, a un hombre rico para que el niño pueda desarrollar sus grandes dotes como escultor. Lo venderán otra vez, como esclavo, hasta que una mujer le encarga esculpir las efígies de los Apóstoles en el cáliz sagrado. Esta película bíblica, basada en la novela homónima de Thomas B. Costain, significó el debut cinematográfico de Paul Newman.
No solo es considerada su peor interpretación, sino también una de las películas más flojas de la década de los cincuenta. El propio Newman renegó siempre de este trabajo. Existe una anécdota muy divertida al respecto: cuando la película fue emitida por televisión en 1966, el actor publicó anuncios en los periódicos pidiendo disculpas por su interpretación y animando al público a no verla. El resultado, paradójicamente, fue exactamente el contrario: la curiosidad del público hizo que muchos se sentaran frente al televisor para verla.
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1956 | Arnold Laven
Guerra de Corea (1950-1953). Después de pasar dos años prisionero en un campo de concentración, el Capitán Edward Hall vuelve a los Estados Unidos y es acusado de colaborar con el enemigo.
Un intenso thriller político y militar que refleja las tensiones de la Guerra Fría y el clima de sospecha de la época. Con un ritmo ágil y una atmósfera cargada de desconfianza, la película muestra cómo ideales, lealtades y ambiciones chocan dentro de las estructuras de poder. Paul Newman, en la etapa inicial de su carrera, hace un competente trabajo aunque todavía le faltaba por pulir algunos de los perniciosos excesos gestuales y corporales recién aprendidos del “método”. Walter Pidgeon en el papel de deshonrado padre da el contrapunto de actor de la vieja escuela y la belleza la aporta Anne Francis, la inolvidable minifalda de “Planeta Prohibido” que compartía protagonismo casualmente también con Pidgeon. Con todas las salvedades resulta un interesante, entretenido y disfrutable film.
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1956 | Robert Wise
Rocky Graziano tuvo una infancia difícil y era maltratado por su padre. Se unió a una de las bandas del barrio y empezó una larga actividad criminal. Fue a la cárcel, donde se convirtió en una figura rebelde contra la autoridad. Después de su puesta en libertad, fue alistado en el ejército pero se fugó. Con la necesidad económica se convirtió en boxeador y encontró su talento natural antes de que el ejército lo licenciara con deshonor. Con una vida completamente nueva y casado con Norma, llega a lo más alto pero pierde el título contra Tony Zale.
Basada en la autobiografía del famoso boxeador Rocky Graziano, la película narra su vida desde la infancia hasta convertirse en campeón mundial de peso medio a los 28 años, en 1947. Joven italoamericano acostumbrado a la violencia del East Side neoyorquino y tras pasar por distintos reformatorios, Rocky alcanza el éxito en el ring gracias a su talento, ambición y tenacidad. La historia muestra tanto sus dificultades personales como su esfuerzo y determinación para superar los obstáculos y alcanzar la gloria deportiva. Graziano escribió, junto a Rowland Barber, su autobiografía sobre la que se basó esta película de Robert Wise. Considerada una de las películas más optimistas sobre boxeo, Wise supo elegir a los actores: Pier Angeli y Paul Newman. Newman se entrenó duramente para este papel, contando con la ayuda del mismo Graziano.
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1957 | Robert Wise
Las tribulaciones de cuatro hermanas huérfanas en Nueva Zelanda, durante la Segunda Guerra Mundial. Allí está quien tiene al esposo llamado a filas; la casada con el hombre equivocado, y que con el marido ausente busca nuevas experiencias; la eterna solterona que descubre el amor; y la adolescente que se está convirtiendo en una mujercita. La llegada de soldados americanos, inmersos en la guerra del Pacífico, transforma sus vidas.
Robert Wise y Mark Robson habían adquirido originalmente los derechos de la historia de Michener cuando trabajaban en RKO. Problemas con el reparto los obligaron a retrasar el rodaje cuando los derechos pasaron a manos de Hecht-Hill-Lancaster Productions, que iba a contratar a Burt Lancaster. Cuando la compañía realizó The Kentuckian, MGM adquirió los derechos, con la intención inicial de que su protagonista, Glenn Ford, interpretara al marine principal. Robert Wise posteriormente readquirió la película a través de MGM en la última película de su contrato con el estudio.
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1957 | Michael Curtiz
Helen Morgan comienza su carrera como bailarina de carnaval en Chicago. Llama la atención del locuaz y ambiguo Larry Maddux, cuya promoción la catapulta a la fama como artista de Broadway en Show Boat y como cabeza de cartel en su propio club nocturno. Helen mantiene dos relaciones románticas: con Maddux y con el adinerado abogado Russell Wade, cada una de las cuales le causa una gran angustia. Cuando se da cuenta de que el canalla de Maddux solo la ha estado utilizando para financiar el estilo de vida lujoso que ha llegado a disfrutar, recurre al alcohol. Wade, quien está genuinamente enamorado de Helen, está casado y el divorcio es imposible; esto la hunde aún más en la botella. Pierde la mayor parte de su dinero a manos de la Oficina de Impuestos Internos y, con el desplome de Wall Street en 1929, toca fondo y, finalmente, es hospitalizada en el pabellón de alcohólicos de Bellevue. Maddux cambia de opinión y organiza una cena de gala, ofrecida por Walter Winchell y Florenz Ziegfeld, en honor a Helen. El final de la película sugiere que este fue su primer paso en el camino hacia la recuperación, el éxito y la felicidad; sin embargo, este no fue el caso de la verdadera Helen Morgan.
Helen Morgan nació en 1900 y pronto destacó por su talento para cantar recibiendo buenas oportunidades en Broadway. Su cálida voz y su imagen sensual la convirtieron en un icono de la música, que también le ayudó para trabajar en el terreno cinematográfico, donde rodó 8 títulos. Se casó dos veces y tuvo una vida tumultuosa, acuciada por el intenso abuso del alcohol, y murió de cirrosis a los 41 años. La película iba a estar protagonizada en un principio por Doris Day, quien se negó a interpretar a Helen Morgan por no querer representar los aspectos sórdidos del personaje, que son totalmente contrarios a la imagen que ella había mostrado en pantalla.
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1958 | Martin Ritt
Ben Quick es un hombre errante, sombrío y seguro de sí mismo que llega a un pequeño pueblo de Misisipi donde descubre que su padre tiene una mala reputación como pirómano. Will Varner es el patriarca de la localidad y todavía guarda rencor hacia la familia Quick, por lo que hace todo lo que está en su mano para convertir la estancia de Ben en una experiencia desagradable. No obstante, con el tiempo Varner empieza a respetar la determinación de Ben e incluso desearía que su propio hijo Jody se pareciera más a él. También cree que puede ser una buena pareja para su hija Clara. Aunque ni a ella ni a Ben les gusta que los demás tomen decisiones acerca de su futuro, es cierto que chispas de amor empiezan a saltar entre ellos. Cuando Jody ve que Ben es una seria amenaza para su futuro como heredero de los Varner, toma acciones drásticas para inculpar al joven Quick en un incendio provocado.
Esta película es una adaptación libre de relatos de William Faulkner y representa un magnífico ejemplo del drama sureño de los años cincuenta. Ambientada en un pequeño pueblo del sur de Estados Unidos, narra la llegada de un joven rebelde y ambicioso, interpretado por Paul Newman, que altera el delicado equilibrio de poder establecido por un patriarca autoritario —un papel magistralmente interpretado por Orson Welles. La película brilla por su atmósfera cálida y cargada de tensión emocional. El deseo, el orgullo y las diferencias de clase son los hilos que mueven a unos personajes atrapados entre la tradición y la necesidad de cambio. La relación entre Newman y Joanne Woodward —llena de miradas, silencios y complicidades— constituye el corazón del relato y refleja también la intensa química que compartían en la vida real. Con una fotografía que transmite a la perfección el calor sofocante y la sensualidad del verano, y un guion lleno de diálogos afilados, El largo y cálido verano es un retrato poderoso de las pasiones humanas y de la lucha por el poder en una sociedad cerrada. Además, marca un momento clave en la carrera de Newman, consolidando su imagen como un actor carismático y de gran profundidad dramática.
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1958 | Arthur Penn
William Bonney es el joven e impulsivo pistolero William Bonney, conocido como Billy el Niño por su precocidad: tiene solamente 21 años y ya es uno de los tiradores más temidos de todo el Lejano Oeste. Pero Billy también es un iletrado, impetuoso e inculto cretino que sólo ha conocido la vida a golpes de un lado a otro. Cuando el ranchero Tunstall es la primera persona que le ofrece un trato con un poco de cariño, Bonney le guarda tanto aprecio que prácticamente parece enamorarse de él. Por eso, cuando Tunstall es asesinado, la escalada vengativa de Bonney no conoce fin. Hasta que el joven forajido termine por encontrar la otra figura paternal fundamental en su vida, la de Pat Garrett. El subtexto freudiano de esta versión de la historia de Billy el Niño fue la mayor preocupación de su escritor, el novelista Gore Vidal.
Esta película marcó uno de los primeros grandes papeles de Paul Newman y consolidó su imagen de rebelde carismático. Basada en la vida de William Bonney, más conocido como Billy the Kid, la historia ofrece una visión más humana y compleja del legendario forajido del Viejo Oeste, alejándose del estereotipo del pistolero romántico para mostrar a un joven marcado por la violencia y la soledad. La interpretación de Newman es intensa y magnética: combina fragilidad, rebeldía y un fuerte instinto de supervivencia. La dirección de Penn aporta profundidad psicológica y un tono más moderno y realista que muchas producciones del género western de la época. El zurdo destaca por su ritmo contenido, sus diálogos reflexivos y su retrato de un personaje que, más que un héroe, es un hombre atrapado en su destino. Esta película no solo abrió una etapa brillante en la carrera de Newman, sino que también anticipó el estilo más revisionista que tendría el western en los años 60 y 70. El título se refiere a la falsa creencia de que Billy el niño era zurdo, si bien esta se debe a una fotografía invertida que popularizó su imagen.
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1958 | Richard Brooks
Basada en la célebre obra teatral de Tennessee Williams, esta intensa historia transcurre en una lujosa mansión del sur de Estados Unidos, donde una familia se reúne para celebrar el cumpleaños del patriarca enfermo. Bajo la aparente armonía familiar, se esconden tensiones, mentiras y resentimientos largamente reprimidos. Paul Newman interpreta a Brick Pollitt, un exatleta desencantado que se refugia en el alcohol para evitar enfrentar su dolor personal y los conflictos familiares. Elizabeth Taylor encarna a Maggie, su esposa apasionada e inteligente, decidida a luchar por su matrimonio y por su lugar en la familia. A través de diálogos intensos y cargados de emoción, la película explora temas como la hipocresía social, la represión emocional, el poder del dinero y el amor frustrado. Con interpretaciones brillantes y una puesta en escena claustrofóbica que acentúa la tensión dramática, La gata sobre el tejado de zinc es uno de los grandes clásicos del cine estadounidense de los años cincuenta y uno de los papeles más recordados de Newman.
Ni siquiera la rígida censura de la época evitó que esta fuera una de las mejores adaptaciones de una obra de Tennessee Williams, así como uno de los grandes clásicos del cine. Temas como la familia, las relaciones paterno-filiales, el amor o la hipocresía desfilan entre la maestría de sus intérpretes y diálogos. Y un recital de Elizabeth Taylor, que recibió la noticia de la muerte en un accidente aéreo de quien era su esposo por entonces, el productor Mike Todd, hecho que la hizo entregarse aún más al personaje. Tanto la obra de teatro como su película homónima fueron censuradas en Argentina durante la dictadura militar autodenominada Revolución Libertadora. En España, la censura de la dictadura militar de Francisco Franco cambió el título de la obra original, eliminando el "caliente" (La traducción correcta era "La gata sobre el tejado de zinc caliente") en su traducción, al entender que podría tener connotaciones sexuales.
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1958 | Leo McCarey
Los Bannermans son una familia normal de las afueras de Nueva York. Sin embargo, la llegada de una nueva pareja de vecinos trastoca la débil unión entre Harry y Grace Bannerman pues la nueva vecina se encuentra atraída por Harry y, al parecer, la atracción es mutua. A la vez, la paz vecinal se ve alterada tras conocerse los planes de instalar un base militar en la comunidad. Es entonces cuando deben poner a lado la tensión familiar y unirse para anular el plan y Grace se une a un comité para impedir su construcción.
Esta película ofrece una mirada divertida y elegante a las complejidades del matrimonio en la América de mediados del siglo XX. Paul Newman interpreta a un marido que, sin buscarlo, se ve atrapado en una serie de malentendidos, sospechas y situaciones incómodas que ponen a prueba su relación y su reputación. La historia juega con los enredos sentimentales, las apariencias sociales y los celos, en una trama que mezcla humor sofisticado con una crítica irónica a las convenciones matrimoniales de la época. Joanne Woodward, en el papel de su esposa, comparte con Newman una química natural y brillante que traspasa la pantalla, fruto también de su relación real fuera de ella. Más allá de su tono ligero, la película habla de la confianza, la comunicación y los malentendidos que pueden poner en jaque incluso a las parejas más sólidas. La dirección de McCarey aporta ritmo y elegancia, mientras que Newman demuestra su enorme versatilidad: no solo era capaz de emocionar en dramas intensos, sino también de brillar en comedias llenas de encanto. Un marido en apuros es, en definitiva, una comedia romántica inteligente y entretenida que refleja con humor y ternura las tensiones cotidianas de la vida en pareja, y que permite disfrutar de Newman en un registro diferente, más ligero pero igualmente magnético.
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1959 | Vincent Sherman
La pelicula narra la historia de John Kovac, un joven y ambicioso abogado de Philadelphia cuyo único objetivo es ascender en la escala social. Un día acepta hacerse cargo de la defensa de un amigo acusado de asesinato, y a partir de entonces sus convicciones entrarán en conflicto con sus ambiciones. Mientras lucha por equilibrar su carrera con su sentido de la justicia, John se enfrenta a una sociedad marcada por la corrupción, la violencia y las desigualdades. La película aborda temas como la alienación urbana, la lucha moral frente al poder corrupto y la búsqueda de redención personal, combinando tensión dramática con un retrato realista de la vida en la ciudad.
La ciudad frente a mí permite ver a en uno de sus registros más intensos y humanos, lejos del glamour habitual de Hollywood. Su interpretación de un joven idealista atrapado entre la justicia y la supervivencia cotidiana transmite autenticidad y fuerza emocional.La película destaca por su realismo urbano, la construcción de personajes complejos y la tensión dramática constante. A través de sus dilemas y decisiones, Newman refleja la lucha de cualquier persona por mantener sus principios frente a un entorno adverso. Es un film que combina crítica social, profundidad psicológica y la solidez interpretativa de uno de los grandes actores de su generación, convirtiéndola en una obra imprescindible dentro de su filmografía.
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1960 | Otto Preminger
En 1947, miles de judíos supervivientes del Holocausto nazi esperan en los campos de internamiento que los británicos han establecido en Karaolos, en Chipre. Su deseo es partir a Palestina, pero el gobierno del Reino Unido no lo permite. Ari Ben Canaan, un activista del grupo paramilitar sionista Haganah, consigue burlar la vigilancia británica y fletar un barco de carga con 611 judíos de los campos chipriotas con rumbo a Palestina. El buque recibe el nombre de 'Éxodo', como el libro bíblico y de la Torá hebrea, que narra la liberación del pueblo judío de la esclavitud en Egipto y la marcha hacia la Tierra Prometida de Palestina. Cuando el Ejército de Su Majestad descubre que el 'Éxodo' se encuentra en el puerto de Famagusta, en el Este de Chipre, bloquean su partida. Los refugiados inician entonces una huelga de hambre.
Éxodo es una épica histórica y política que aborda la creación del Estado de Israel tras la Segunda Guerra Mundial. interpreta a Ari Ben Canaan, un joven y valiente líder sionista que guía a los refugiados judíos en su lucha por establecer un hogar seguro en Palestina. La película combina acción, romance y conflicto político, mostrando tanto los desafíos militares como las tensiones humanas y emocionales de un momento histórico complejo. Newman aporta carisma y profundidad a su personaje, transmitiendo determinación, idealismo y humanidad en igual medida. Éxodo destaca por su ambiciosa puesta en escena, la intensidad de sus escenas dramáticas y la capacidad de Preminger para equilibrar la épica histórica con los conflictos personales de los protagonistas. Es una obra que refleja la pasión, la resiliencia y los dilemas morales de quienes luchan por una causa justa, y que consolidó a Newman como uno de los grandes actores de su generación.
En la realidad el navío Éxodo fue interceptado en 1947 cerca de Haifa por las autoridades británicas y sus pasajeros remitidos a Port-de-Bouc (Francia), desde donde regresaron a los campos de deportados de Alemania. Hasta 1948, tras la creación del Estado de Israel, no pudieron llegar a Palestina algunos de estos refugiados. En la película, el intento de tomar Safed se muestra como un ataque árabe a la ciudad, pero esta había sido ya tomada por las fuerzas judías en mayo de 1947 y la población árabe local, expulsada. Según el historiador Larry Portis, la principal crítica histórica que puede hacerse al film es presentar sólo uno de los lados del conflicto; los soldados de la Haganah aparecen como unos pocos hombres valientes y mal armados defendiendo un kibutz frente a los árabes fanáticos y encuadrados por exsoldados nazis.
En la versión española de Éxodo (1960), la censura franquista modificó varias escenas y diálogos del original inglés, especialmente aquellas que mostraban los crímenes nazis contra los judíos o la violencia del Irgún. Con estas alteraciones, el régimen buscaba controlar la narrativa histórica y evitar que el público español tuviera una visión directa de los horrores del Holocausto y del conflicto sionista. Esto afectó la intención original de la película y la experiencia completa que Otto Preminger quería transmitir.
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1960 | Mark Robson
Basada en la novela homónima de John O’Hara, Desde la terraza sigue la historia de Alfred Eaton, un joven ambicioso que quiere conseguir las cosas por sí mismo sin deberle nada a su padre. Alfred se casa con una joven de una buena familia de Philadelphia, pero poco a poco descubre que su matrimonio no funciona como esperaba. A medida que Alfred prospera profesionalmente, llegando incluso a trabajar en Wall Street, se enfrenta a las tensiones de la alta sociedad y a los conflictos entre su ambición personal y sus deseos íntimos. La película explora temas como el amor, la moral, la ambición y las expectativas sociales, mostrando cómo las decisiones personales pueden chocar con las normas y convenciones de su entorno. A través de Newman, se retrata a un hombre atrapado entre el deseo de independencia, el éxito profesional y las complejidades de las relaciones humanas.
Desde la terraza es un drama sofisticado que refleja con sensibilidad las tensiones del amor, la ambición y las expectativas sociales en la alta sociedad estadounidense de los años 60. Paul Newman, en el papel de Alfred Eaton, ofrece una interpretación matizada y convincente de un joven ambicioso que lucha por encontrar su lugar en el mundo y mantener su independencia, mientras enfrenta los desafíos de un matrimonio que no cumple sus expectativas. La química entre Newman y Joanne Woodward aporta autenticidad y profundidad emocional a la película, mientras que la dirección de Mark Robson combina elegancia visual con un ritmo que mantiene la atención en los conflictos internos de los personajes. La obra destaca por su retrato de la lucha entre los deseos personales y las normas sociales, mostrando cómo la ambición y las emociones pueden entrar en conflicto con la vida familiar y profesional. Permite apreciar a Paul Newman en uno de sus registros más complejos y humanos, mostrando tanto su carisma como su capacidad para transmitir conflictos internos y emociones sutiles.
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1961 | Martin Ritt
Narra las desventuras románticas de dos norteamericanos que son músicos de jazz y tocan en un club nocturno de París. Ram, uno de los protagonistas, va a la estación de San Lázaro a esperar al gran trompetista Wild Man Mooer. Allí conoce a dos turistas, Connie y Lillian, y las invita a ir al club donde toca, iniciando así una serie de encuentros y malentendidos que mezclan romance y humor. Por su parte, Wild Man le ha prometido a Ram que hará llegar su partitura a un importante empresario, lo que añade un elemento de tensión y expectativa profesional a la historia. La película combina la música jazz con la comedia romántica, ofreciendo un retrato ligero y encantador de la vida nocturna parisina y las complicaciones amorosas de sus protagonistas.
Un día volveré es una comedia romántica ligera que combina el encanto del jazz con la vida nocturna parisina de finales de los años 50. Paul Newman interpreta a Ram, un joven músico norteamericano cuya simpatía y carisma llenan la pantalla, mostrando un lado más desenfadado y fresco de su talento interpretativo. La película destaca por su mezcla de romance y situaciones cómicas, con encuentros inesperados, malentendidos y la emoción de perseguir sueños profesionales en el mundo de la música. La interacción entre los personajes, tanto con las turistas Connie y Lillian como con el trompetista Wild Man Mooer, aporta ritmo y dinamismo a la historia, creando un ambiente ligero pero entretenido. Aunque no es uno de los títulos más dramáticos de Newman, Un día volveré permite apreciar su versatilidad, su química con los demás actores y su capacidad para iluminar la pantalla con naturalidad y simpatía, consolidando su imagen de joven prometedor en Hollywood.
Aunque el primer borrador del guión trataba principalmente sobre romance interracial, United Artists exigió que se cambiara ese aspecto, pues no creía que el público estadounidense estuviera preparado para algo así. La película final insinúa brevemente la idea antes de abandonarla. Años después del estreno, Sidney Poitier declaró: «Los indecisos intentaron darle un giro radical, alineando al chico de color con la chica de color», y que United Artists se había «acobardado» y le había quitado la chispa.
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1961 | Robert Rossen
Narra la historia de Eddie Felson, un joven arrogante y amoral que frecuenta con éxito las salas de billar. Decidido a proclamarse el mejor, busca al Gordo de Minnesota, un legendario campeón de billar. Cuando finalmente consigue enfrentarse con él, su falta de seguridad le hace fracasar. El amor de una solitaria mujer, Sarah, podría ayudarlo a abandonar esa vida de apuestas y trampas, pero Eddie no descansará hasta vencer al campeón, sin importarle el precio que tenga que pagar por ello. La película combina drama, ambición y redención, mostrando la lucha de Eddie por destacar en un mundo competitivo y peligroso, mientras aprende lecciones sobre integridad, amor y sacrificio. El buscavidas consolidó a Paul Newman como un actor magnético y profundo, ofreciendo una de sus interpretaciones más recordadas y carismáticas.
El buscavidas es un drama intenso que muestra a Paul Newman en uno de sus papeles más icónicos, interpretando a Eddie Felson, un joven arrogante y ambicioso que busca la gloria en las salas de billar. La película destaca por su retrato realista de la vida de los jugadores profesionales, combinando tensión, drama personal y el riesgo constante de la vida de apuestas. La actuación de Newman es magnética: transmite la arrogancia, la vulnerabilidad y la obsesión de Eddie con gran naturalidad. La relación con Sarah (Piper Laurie) aporta una dimensión humana y emocional que contrasta con la dureza del entorno competitivo. Además, la película muestra cómo la ambición y el deseo de superación pueden chocar con los límites morales y personales, ofreciendo un relato de triunfo y sacrificio. Dirigida con ritmo y tensión por Robert Rossen, El buscavidas se convirtió en un referente del cine de los años 60, consolidando a Newman como uno de los grandes actores de su generación y dejando una huella imborrable en la historia del cine estadounidense.
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1962 | Richard Brooks
Chance es un atractivo joven que siempre soñó con alcanzar el estrellato y convertirse en un reconocido actor del celuloide. Para ello se marchó de su pueblo natal. Sin embargo, las cosas no le han ido todo lo bien que esperaba y ha optado por la vía más fácil: liarse con una antigua estrella, ya mayor, Alexandra del Lago, que le promete la fama que añora. Cuando vuelven a su lugar de origen, Chance y Alexandra se alojan en el mejor hotel de la ciudad. Sin embargo, mientras que oficialmente continúan con su relación, el protagonista lo que realmente quiere es recuperar el amor perdido de su antigua novia, Heavenly. Ella es la primogénita de un importante político del lugar, quien un día ya renegó de la relación que su hija mantenía con Chance.
Basada en la obra de Tennessee Williams, Dulce pájaro de juventud muestra a Paul Newman en uno de sus papeles más complejos, interpretando a Chance Wayne, un joven oportunista que regresa a su ciudad natal con la esperanza de recuperar un amor perdido y alcanzar la fama. Newman transmite con intensidad la mezcla de ambición, desesperanza y vulnerabilidad de su personaje, reflejando la lucha de un hombre atrapado entre sus sueños y la dura realidad. La película combina drama, crítica social y exploración de la decadencia moral, mostrando los peligros de la vanidad, la obsesión y la corrupción del poder. La química de Newman con Geraldine Page y la fuerza de la puesta en escena hacen que la historia sea poderosa y conmovedora. Dulce pájaro de juventud es un retrato intenso de la ambición y la desilusión, y una demostración del talento de Newman para interpretar personajes llenos de contradicciones y humanidad.
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1962 | Martin Ritt
Nick Adams abandona su hogar a orillas del lago Michigan en 1916, a pie, para aprender qué es la vida, el amor y la muerte. La odisea de Nick, llena de descubrimientos, empieza con sus encuentros con un brutal empleado ferroviario y con El Batallador, un ex boxeador medio loco; el destino le lleva después a Nueva York y finalmente a Europa durante la Primera Guerra Mundial, situándose en primera línea de fuego en el frente italiano y enamorándose de una enfermera.
Richard Beymer en el papel de Nick y un reparto estelar en el que destaca Paul Newman, cuya interpretación de un ex boxeador conocido como “El batallador” le valió una nominación para el Globo de Oro. Antes de escribir sobre su vida, Hemingway había vivido plenamente, igual que su alter ego de ficción, el adolescente Nick Adams (Beymer), quien abandona su hogar a orillas del lago Michigan en 1916, a pie, para aprender qué es la vida, el amor y la muerte. La odisea de Nick, llena de descubrimientos, empieza con sus encuentros con un brutal empleado ferroviario y con El Batallador, un ex boxeador medio loco; el destino le lleva después a New York y finalmente a Europa durante la Primera Guerra Mundial, situándose en primera línea de fuego en el frente italiano y se enamora de una enfermera (Susan Strasberg). Ricardo Montalbán, Eli Wallach, Diane Baker, Dan Dailey, Jessica Tandy y Arthur Kennedy completan el logrado reparto de este film nominado al Globo de Oro a la Mejor Película. Drama, aventuras, amor… y por encima de todo, la historia de un hombre que madura con su sufrimiento a medida que aprende las leyes de la vida.
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1963 | Martin Ritt
Hud Bannon es un joven caprichoso y malcriado que mide poco las consecuencias de sus actos. Acostumbrado a salirse con la suya, no le será fácil lidiar con un problema de negocios con su progenitor, Homer Bannon. El viejo Homer trabaja como ganadero en el Oeste y pasa verdaderos estragos para mantener su rancho, ya que la industria petrolera está transformando toda la región. El nieto de este, Lon Bannon, siente gran predilección por su abuelo, pero también por su tío, Hud. Le gusta la manera en que se desenvuelve con las chicas y la forma de vida que lleva, a pesar de sus ya frecuentes espectáculos provocados por la embriaguez. Cuando una epidemia de glosopeda afecta al ganado de Homer, el negocio familiar amenaza con venirse abajo. Los animales tienen que ser sacrificados para evitar que el virus se extienda y las diferencias entre Homer y su hijo aumentan. Será el joven Lon quien interceda por la relación de ambos.
Hud, el más salvaje entre mil llegó a los cines en 1963 y se adelantó a su tiempo -algo que es evidente en el personaje principal-. El estudio Paramount llegó a plantearse abandonar la película, en parte porque Hud era un personaje repulsivo que no emprendía el camino de la recuperación en el transcurso del filme, a diferencia de otros héroes comparables del pasado. Sin embargo, con este monstruoso antihéroe, la cinta caló hondo en el público y se convirtió en un éxito. Hud, el más salvaje entre mil apareció, por así decirlo, en el umbral entre el viejo cine de estudio y una nueva era. Unos años más tarde, una nueva generación de cineastas conquistó el cine de Hollywood con héroes complejos y rotos y realismo psicológico. Por lo tanto, Hud -personaje y película- puede considerarse un precursor del Travis Bickle de Robert De Niro de Taxi Driver o del gángster de Warren Beatty de Bonnie and Clyde.
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1963 | Melville Shavelson
Steve (Paul Newman) es un periodista deportivo, mujeriego empedernido, que es “desterrado” a París después de coquetear con la mujer de su jefe. Durante el vuelo conoce a Samantha (Joanne Woodward), una modista de carácter fuerte y ademanes masculinos que se gana la vida copiando diseños de alta costura para vender ropa a precios populares. Tras un desengaño amoroso, Samantha ha prometido no volver a enamorarse jamás, pero París, con su aire romántico, pondrá a prueba esa promesa. Lo que comienza como un encuentro casual se transforma en una historia donde el amor, el humor y las diferencias personales se entrelazan, mostrando la gran química entre Newman y Woodward en una comedia romántica ligera y encantadora ambientada en la Ciudad de la Luz.
Samantha es una comedia romántica ligera que brilla gracias al carisma de Paul Newman y Joanne Woodward, quienes trasladan su química real a la pantalla. La película combina humor, enredos amorosos y el encanto inconfundible de París, convirtiéndose en un relato divertido y elegante sobre segundas oportunidades y el amor inesperado. Newman interpreta con naturalidad a un periodista mujeriego, encantador y algo cínico, mientras que Woodward ofrece una interpretación fresca y decidida como una modista que ha renunciado al amor, pero que no puede resistirse al juego romántico. Sin ser una gran superproducción, Samantha destaca por su ritmo ágil, su tono amable y la complicidad entre sus protagonistas, que elevan la historia por encima de la típica comedia romántica de la época. Es una película encantadora que transmite optimismo y ligereza, ideal para quienes disfrutan del cine clásico con un toque romántico y desenfadado.
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1963 | Mark Robson
Durante la Guerra Fría, Andrew Craig (Paul Newman), un escritor norteamericano, mujeriego y aficionado a la bebida, viaja a Estocolmo para recibir el Premio Nobel de Literatura. Aunque es conocido más por su carisma que por su disciplina, pronto se verá envuelto en una intriga inesperada. Al llegar a la capital sueca, Andrew descubre por casualidad un complot bolchevique para secuestrar a un eminente científico también galardonado con el Nobel. Lo que comienza como un viaje festivo y mundano se transforma en una aventura llena de misterio, persecuciones y giros inesperados. Mientras intenta convencer a las autoridades de la amenaza, Andrew se ve inmerso en una peligrosa red de espionaje internacional, donde nada es lo que parece. Con su ingenio, su instinto y la ayuda de una mujer clave (Elke Sommer), tratará de evitar un crimen que podría tener consecuencias políticas de gran alcance. La película combina suspense, comedia y romance, y permite a Newman brillar en un papel lleno de encanto, ironía y acción, enmarcado en un contexto político tenso y fascinante.
El premio es una entretenida mezcla de suspense, espionaje y comedia, ambientada en plena Guerra Fría y rodada con el estilo clásico de las grandes producciones de los años 60. Paul Newman brilla en un papel hecho a su medida: un escritor encantador, mujeriego y algo escéptico que, sin buscarlo, termina envuelto en una peligrosa conspiración internacional. La película juega con inteligencia el contraste entre el glamur de la ceremonia de los Premios Nobel y la tensión política de la época. Con un ritmo ágil, diálogos ingeniosos y momentos de acción bien construidos, ofrece un entretenimiento sólido que combina humor y tensión sin perder ligereza. La química entre Newman y Elke Sommer aporta un toque romántico que suaviza la intriga, mientras que la ambientación en Estocolmo da un aire elegante y cosmopolita. No es solo una película de espías: también es un juego de apariencias, ingenio y encanto. El premio demuestra una vez más el magnetismo de Newman y su capacidad para brillar tanto en dramas intensos como en aventuras ligeras y sofisticadas.
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1964 | J. Lee Thompson
La comedia romántica Ella y sus maridos (1964) narra la historia de Louisa May Foster (Shirley MacLaine), una mujer dulce y soñadora que solo desea encontrar un hombre con quien compartir su vida y entregarle su amor. Sin embargo, el destino parece tener otros planes: haga lo que haga para conservar a sus maridos, todos ellos terminan muriendo poco después de casarse. Louisa no busca riqueza ni poder, pero, por alguna extraña ironía del destino, siempre acaba unida a hombres ambiciosos cuyo mayor objetivo es hacerse ricos, y justo cuando logran su fortuna… pierden la vida. En medio de esta tragicómica sucesión de matrimonios, el personaje atraviesa situaciones tan absurdas como emotivas, rodeada de un reparto estelar encabezado por Paul Newman, Robert Mitchum, Dean Martin, Gene Kelly y Dick Van Dyke. Una sátira elegante y divertida sobre el amor, la ambición y el azar, que combina humor negro con un toque de romanticismo.
Ella y sus maridos es una comedia sofisticada y muy ingeniosa que combina humor negro con una mirada crítica a la ambición y a los ideales románticos. A través de la historia de Louisa, interpretada con encanto y ternura por Shirley MacLaine, la película retrata con ironía cómo el amor y el dinero pueden entrelazarse de formas inesperadas. El desfile de maridos —encarnados por grandes estrellas de la época como Paul Newman, Robert Mitchum, Dean Martin, Gene Kelly y Dick Van Dyke— convierte cada episodio en un pequeño retrato de distintos arquetipos masculinos, todos con sus virtudes y debilidades. Con un ritmo ágil, diálogos brillantes y un tono ligero pero con fondo crítico, esta comedia resulta tan entretenida como mordaz. Es, además, una joya del cine de los 60 que refleja a la perfección el glamour, la ironía y el ingenio de aquella época dorada de Hollywood.
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1964 | Martin Ritt
Cuatro confesiones es un singular western que narra la historia de Juan Carrasco, un bandido mexicano que secuestra a una pareja, con consecuencias trágicas. La película se desarrolla principalmente durante el juicio que sigue al crimen, donde tres testigos involucrados en el caso relatan sus propias versiones de los hechos. Cada testimonio ofrece una perspectiva distinta, mostrando cómo la verdad puede ser relativa y dependiente del punto de vista de quien la cuenta. Inspirada en parte en Rashomon de Akira Kurosawa, la película combina elementos del western clásico con una estructura narrativa innovadora, explorando la subjetividad de la memoria, la moralidad y la justicia.
Cuatro confesiones es un western distinto y muy original para su época. La película destaca por su estructura narrativa, inspirada en Rashomon, donde cada testigo aporta su propia versión de los hechos, mostrando cómo la verdad puede ser subjetiva y relativa. Martin Ritt dirige con habilidad, combinando el suspense con el drama moral, mientras los personajes reflejan las complejidades de la justicia y la naturaleza humana. La historia de Juan Carrasco y el secuestro trágico mantiene la tensión, y las actuaciones transmiten muy bien los conflictos internos y las emociones de los implicados. No es un western al uso: su enfoque psicológico y la exploración de múltiples perspectivas lo convierten en un título interesante para los amantes del género que buscan algo diferente y profundo.
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1965 | Peter Ustinov
Lady Louise Lendale tiene ochenta años y empieza a contarle a su más veterano admirador, el poeta británico Sir Percy, los azares que ha ido conteniendo su vida. Al comienzo de sus tiempos, Lady L era una joven lavandera que trabajaba en "Le Mouton Bleu", un burdel parisiense de renombre. Allí conoció a Armand, un tipo elegante y encantador que a su vez era un anarquista activista que ponía bombas. Enseguida surgió el amor entre ambos y se hicieron amantes. Un día, mientras Armand estaba en Suiza, trabajando para el movimiento revolucionario que tenía como propósito asesinar al príncipe ruso, Louise conoció al segundo hombre de su vida, un lord británico al que ella llamaba Dicky. Él le propuso matrimonio a cambio de salvar a Armand del presidio policial. Ella aceptó poniendo una sola condición: poder seguir viendo a Armand.
Lady L es una comedia romántica elegante y sofisticada que mezcla amor, intriga y un toque de aventura política. La historia de Lady Louise Lendale, narrada con humor y nostalgia, sigue sus relaciones con Armand y Dicky, y cómo sus decisiones moldean una vida llena de pasión y complicaciones. Paul Newman brilla como Armand, aportando encanto, carisma y química con la protagonista, interpretada por Sophia Loren. Su presencia eleva la película, haciendo que los momentos románticos y cómicos sean memorables, mientras mantiene el equilibrio entre la ligereza de la comedia y la intensidad de su personaje. Peter Ustinov dirige con delicadeza, combinando elegancia narrativa, diálogos ingeniosos y un trasfondo político que da profundidad a la trama. Lady L resulta una película entretenida, encantadora y un ejemplo perfecto del cine clásico europeo con grandes actuaciones y sofisticación.
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1966 | Jack Smight
Elaine Sampson (Lauren Bacall), una señora de familia adinerada, encarga al detective Lew Harper (Paul Newman) resolver la desaparición de su marido, Ralph. Cabe la posibilidad de que se trate de un secuestro, ya que, pronto, el detective averiguará que hay un suculento rescate de por medio. Sin embargo, para su sorpresa, Harper descubre que todo este embrollo es tan sólo una puesta en escena, y que nada de lo ocurrido es lo que parecía ser. Después de investigaciones varias e infructuosas, el joven detective se ve envuelto en sucios y estrambóticos asuntos, situaciones de las que, gracias al abogado de la familia, consigue salir airoso. Es sin duda, la ayuda de éste, la que será indispensable para Harper en cuanto a la resolución del caso se refiere.
Harper, investigador privado es un thriller de intriga clásico con un toque de humor y sofisticación, donde Paul Newman brilla como el astuto detective Lew Harper. La película combina misterio, giros inesperados y personajes complejos, manteniendo al espectador en tensión mientras se desentraña la trama del supuesto secuestro. Lo interesante es cómo Harper va descubriendo que nada es lo que parece, enfrentándose a situaciones engañosas y estrambóticas que reflejan la corrupción y las intrigas del entorno adinerado. La colaboración con el abogado de la familia añade un matiz de astucia y complicidad que resulta clave para la resolución del caso. Con ritmo ágil, diálogos inteligentes y la presencia magnética de Newman, la película se convierte en un entretenido y elegante ejemplo de cine de detectives de los años 60.
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1966 | Alfred Hitchcock
Cortina rasgada es un thriller de espionaje que combina intriga política y tensión psicológica durante la Guerra Fría. La historia sigue a Michael Armstrong, un científico de prestigio mundial que viaja a Copenhague acompañado de su prometida y ayudante, Sarah Sherman, para participar en un congreso internacional de física. Durante su estancia, Sarah intercepta por error un mensaje destinado a Michael y descubre que él planea desertar hacia Alemania del Este, cruzando el Muro de Berlín. Su objetivo es obtener la fórmula de un importante científico, y para lograrlo debe infiltrarse y hacerse pasar por colaborador de los comunistas, exponiéndose a peligros constantes y a un juego de engaños y traiciones. Hitchcock construye la tensión con maestría, alternando escenas de suspense y peligro inminente con la incertidumbre emocional de Sarah, que se debate entre la preocupación por Michael y el desconcierto ante sus acciones. La película ofrece un retrato fascinante de la paranoia y la desconfianza típicas de la Guerra Fría, mientras mantiene el ritmo ágil y la intriga que caracterizan al maestro del suspense.
La pelicula es un elegante y tenso thriller de espionaje en el que Alfred Hitchcock vuelve a demostrar su maestría para manejar el suspense. Ambientada en plena Guerra Fría, la película combina intriga política, dilemas morales y escenas de gran intensidad narrativa. Paul Newman ofrece una interpretación contenida y convincente como el brillante científico que, tras la fachada de traición, esconde una peligrosa misión secreta. A su lado, Julie Andrews encarna con gran sensibilidad a Sarah, su prometida, atrapada entre la desconfianza y el amor, aportando una dimensión emocional que refuerza la tensión de la historia. Hitchcock logra que cada paso del plan esté impregnado de suspense, especialmente en las secuencias de huida, donde demuestra su talento para crear atmósferas inquietantes sin necesidad de grandes artificios. Aunque no es su obra más celebrada, Cortina rasgada destaca por su pulso narrativo, su tono sobrio y su mirada crítica a la paranoia de la Guerra Fría. Una película que, sin recurrir a la acción exagerada, mantiene la intriga de principio a fin.
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1967 | Martin Ritt
John Russell, un hombre blanco criado por apaches tras haber sido secuestrado en su infancia, ha adoptado plenamente la cultura indígena y vive en la reserva, donde se siente verdaderamente en casa. Cuando hereda una propiedad, se ve obligado a regresar a la sociedad blanca para venderla. Para ello, emprende un viaje en diligencia junto a un grupo variopinto de pasajeros: una mujer independiente, un matrimonio burgués, un veterano, un bandido reformado y un funcionario corrupto. Las tensiones entre ellos se hacen evidentes desde el principio, sobre todo por el origen y las costumbres de Russell, que es tratado con desconfianza y desprecio. Sin embargo, todo cambia cuando la diligencia es asaltada por un grupo de forajidos y deben enfrentarse a la dura realidad del desierto. En medio de esa lucha por sobrevivir, la figura de Russell emerge como la única capaz de mantener la calma y liderar al grupo, obligándolos a confrontar sus prejuicios y su verdadera naturaleza. Dirigida con sobriedad y tensión creciente, la película combina el clasicismo del western con un trasfondo social y moral que la convierte en una historia profunda y humana.
Es un western atípico y profundamente humano que se aleja del tono heroico habitual para explorar temas como el racismo, la moralidad y la supervivencia. En el centro de la historia brilla Paul Newman en uno de sus papeles más contenidos e intensos: John Russell, un hombre criado entre apaches que ha aprendido a sobrevivir en silencio y con determinación. Newman ofrece una interpretación sobria pero poderosa, transmitiendo con miradas y gestos lo que otros personajes expresan con discursos. Su Russell es un outsider, un antihéroe que no busca la aprobación de nadie, pero que termina siendo la única figura capaz de mantener la razón y el coraje cuando la situación se vuelve extrema. La película destaca por su atmósfera tensa, sus diálogos cargados de significado y su crítica a los prejuicios de una sociedad que desprecia a quien es diferente, incluso cuando su vida depende de él. Es una obra que combina acción y reflexión, con un Newman en estado de gracia.
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1967 | Stuart Rosenberg
Luke Jackson (Paul Newman) es un joven veterano de guerra que, tras una noche de borrachera, es condenado a dos años de prisión por causar destrozos en un aparcamiento. Ingresado en una cárcel del sur de Estados Unidos, pronto su carácter indomable y su desprecio por la autoridad lo enfrentan con las rígidas normas del sistema penitenciario y con los guardianes que buscan doblegarlo. En prisión, Luke también choca con otros reclusos, especialmente con Dragline (George Kennedy), el líder del grupo, aunque su espíritu rebelde y su valentía acaban por ganarle el respeto y la admiración de todos. A pesar de los castigos y humillaciones, Luke se mantiene fiel a sí mismo, convirtiéndose en símbolo de libertad y resistencia frente a la opresión. Con una interpretación inolvidable de Paul Newman, La leyenda del indomable es un poderoso drama sobre la dignidad humana, el inconformismo y la lucha por mantener la identidad incluso cuando todo conspira para destruirla
La leyenda del indomable es una de las películas más emblemáticas de la carrera de Paul Newman y uno de los grandes dramas carcelarios del cine estadounidense. Bajo la dirección de Stuart Rosenberg, la historia se convierte en una poderosa metáfora sobre la libertad individual frente a la opresión del sistema. El personaje de Luke Jackson, interpretado magistralmente por Newman, encarna al rebelde absoluto: un hombre que, incluso tras las rejas, se niega a rendirse o a aceptar las normas impuestas. Su sonrisa desafiante, su carisma y su determinación lo convierten en un símbolo de resistencia, de aquellos espíritus que no pueden ser domados. A su lado, George Kennedy ofrece una actuación igualmente notable, ganadora del Óscar al mejor actor secundario. La química entre ambos da vida a una relación de respeto y amistad nacida en la adversidad. Con escenas inolvidables —como la del plato interminable de huevos cocidos o la célebre frase “Lo que tenemos aquí es un fallo en la comunicación”—, La leyenda del indomable trasciende su contexto para hablar del valor de ser uno mismo, incluso cuando el precio sea la soledad o la derrota.
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1968 | Jack Smight
Norte de África, durante la II Guerra Mundial. Los italianos capturan a cinco soldados del bando aliado que se encontraban en una sauna y los envían a un enorme y lujoso castillo, propiedad de la rica señora Montefiori. El grupo no se pone de acuerdo para planear una fuga y el ejército tiene que intervenir para liberarlos. El soldado Harry Frigg es ascendido a general solo para encargarse de esta misión que consiste en viajar hasta el castillo y urdir un plan para que los soldados sean liberados. Harry se desplaza a la ostentosa propiedad y una vez allí se queda prendado por la señora Montefiori. La empresa que le habían encomendado pasa a ocupar un segundo, pues el objetivo principal ahora es conquistar a esta sensual millonaria.
Comando secreto (1968) es una comedia bélica atípica dentro de la filmografía de Paul Newman, que aquí se aparta de sus habituales papeles dramáticos o rebeldes para mostrarse en clave ligera y burlona. Dirigida por Jack Smight, la película combina acción y humor en un escenario poco habitual: la II Guerra Mundial vista desde el absurdo. Newman interpreta a Harry Frigg, un soldado ingenioso y carismático que se infiltra en un castillo italiano para rescatar a un grupo de generales capturados, aunque el plan se complica cuando entra en juego la seductora dueña del lugar, interpretada por Sylva Koscina. Sin ser una de las obras mayores del actor, Comando secreto tiene el encanto de una sátira bienintencionada, donde se nota la vis cómica y el magnetismo de Newman, que logra sostener la historia con su presencia. Una curiosidad dentro del cine de guerra de los años sesenta, que mezcla romanticismo, ironía y un tono de aventura clásica con un toque muy propio de su época.
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1969 | James Goldstone
La película cuenta la historia de un ambicioso piloto de carreras que antepone la competición y su afán por ganar a toda costa a cualquier otra de las facetas de su vida, incluido su mujer. Su nombre es Frank Capua, y en su afán por la victoria está llevando a la quiebra su en principio idílico matrimonio con su mujer Elora. Las discusiones conyugales se suceden, y para Frank el golpe de ver cómo su mujer parece próxima a acabar en los brazos de otro hombre será el peor golpe de todos... sobre todo si este hombre resulta ser Luther Erding, su máximo rival sobre la pista.
500 millas es un intenso drama sobre la pasión, la competencia y las derrotas personales, ambientado en el mundo de las carreras de automóviles. Paul Newman interpreta a Frank Capua, un piloto obsesionado con ganar que acaba sacrificando lo que realmente importa: su relación con Elora, interpretada por Joanne Woodward. La película muestra con gran realismo el lado humano del triunfo y la soledad que a menudo acompaña a la ambición desmedida. Dirigida por James Goldstone, combina espectaculares escenas de competición con una mirada introspectiva al personaje principal, interpretado con el habitual magnetismo y contención de Newman. El hecho de compartir pantalla con su esposa en la vida real, Joanne Woodward, añade una capa de autenticidad y emoción al conflicto conyugal que atraviesa el relato. 500 millas es, en el fondo, una historia sobre la necesidad de equilibrio entre el deseo de llegar más lejos y el riesgo de perderlo todo por el camino —una metáfora tan vigente como el rugido de un motor a punto de salir a la pista.
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1969 | George Roy Hill
En el salvaje oeste de finales del siglo XIX, un grupo de jóvenes rebeldes se dedica a asaltar los bancos del estado de Wyoming. Su líder, el carismático Butch Cassidy (Paul Newman), y su inseparable compañero Sundance Kid (Robert Redford) forman una de las parejas de forajidos más legendarias del cine. Tras separarse de su banda, ambos emprenden una nueva vida junto a Etta Place, una joven maestra que los acompaña en su huida de la ley. Perseguidos incansablemente por un grupo de implacables hombres, Butch y Sundance cruzan las fronteras en busca de libertad y fortuna, llegando hasta Bolivia, donde el destino los pondrá a prueba una vez más. Dirigida por George Roy Hill, Dos hombres y un destino (1969) combina acción, humor, romanticismo y melancolía en un western inolvidable. Ganadora de cuatro premios Oscar —entre ellos Mejor Guion Original y Mejor Banda Sonora—, la película consolidó la mítica pareja Newman-Redford y marcó un antes y un después en el género del western.
Dos hombres y un destino es uno de los grandes clásicos del cine moderno y, sin duda, una de las películas más emblemáticas de la carrera de Paul Newman. Bajo la dirección de George Roy Hill, el film logra una mezcla perfecta entre western, comedia y tragedia, mostrando el final de una era —la de los forajidos románticos del Oeste— con una sensibilidad y un encanto difíciles de igualar. Newman interpreta a Butch Cassidy con su habitual carisma y esa sonrisa irónica que lo convirtió en una leyenda de Hollywood. Su química con Robert Redford, que encarna a Sundance Kid, es simplemente excepcional: ambos construyen una pareja cinematográfica inolvidable, un dúo que combina humor, lealtad y melancolía ante un mundo que cambia demasiado rápido para ellos. La película brilla por su guion ingenioso, su fotografía luminosa y la inolvidable banda sonora de Burt Bacharach —con la mítica canción Raindrops Keep Fallin’ on My Head—, que añade un tono nostálgico y poético a la historia. En definitiva, Dos hombres y un destino no es solo un western; es una reflexión sobre la amistad, la libertad y el paso del tiempo, narrada con estilo, emoción y una elegancia que solo actores como Paul Newman podían transmitir.
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1970 | Stuart Rosenberg
Reinhardt (Paul Newman) regresa a Nueva Orleans en busca de una nueva oportunidad tras una etapa de mala suerte. Allí descubre que una emisora local busca un presentador carismático capaz de transmitir a la audiencia su mensaje radical e intolerante. Decidido a aprovechar la ocasión, Reinhardt acepta el reto y poco a poco se convierte en una figura mediática influyente, aunque a costa de sus principios y de su equilibrio personal. En medio de esa espiral de ambición y manipulación aparece Geraldine, una mujer marcada por una cicatriz en el rostro pero dotada de una profunda humanidad, que le ofrece una visión distinta de la vida y de sí mismo. Dirigida por Stuart Rosenberg, Un hombre de hoy es una mirada crítica al poder de los medios de comunicación y a la pérdida de valores en la sociedad moderna, con un Paul Newman brillante en un papel complejo y lleno de matices.
Un hombre de hoy es una de esas películas que, más allá de su contexto, sigue resultando inquietantemente actual. Paul Newman interpreta con gran fuerza a un hombre que intenta reconstruir su vida mientras se ve atrapado en el engranaje del poder mediático y la manipulación política. Frente a él, Joanne Woodward —su esposa en la vida real— ofrece una interpretación sensible y contenida como Geraldine, una mujer marcada físicamente pero llena de dignidad y ternura, que representa la conciencia moral que el protagonista ha perdido. Dirigida por Stuart Rosenberg, la película combina crítica social y drama íntimo con un tono sereno pero demoledor. Una obra que confirma la química única entre Newman y Woodward y la madurez artística de ambos.
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1971 | Paul Newman
Narra la historia de una familia de leñadores en Oregón que lucha por mantener su negocio familiar a flote en medio de tiempos difíciles y de cambios económicos y sociales que amenazan su modo de vida. Al frente de la familia está un patriarca firme y decidido, cuya integridad y amor por la tierra y la madera son el motor de la historia. Los leñadores se enfrentan a problemas con los sindicatos, a la competencia y a las presiones externas que buscan controlar la industria, poniendo a prueba la unidad familiar y su resistencia. Cada miembro de la familia tiene un papel distinto: algunos intentan adaptarse a los nuevos tiempos, mientras que otros defienden las tradiciones y la forma de vida que han heredado. Paul Newman ofrece una interpretación intensa, aportando carisma y humanidad a su personaje, mostrando la lucha entre la supervivencia económica, la lealtad familiar y los valores personales. La película combina drama social, conflictos familiares y un retrato profundo de la vida en comunidades rurales norteamericanas, convirtiéndose en una historia de resistencia, honor y solidaridad frente a la adversidad.
Casta Invencible es un drama potente y conmovedor que refleja la lucha de una familia por mantener su integridad y su negocio frente a tiempos difíciles y conflictos laborales. Paul Newman brilla como protagonista, aportando fuerza, carisma y humanidad a su personaje, un hombre que encarna la resistencia, la dignidad y el amor por la tierra y por los suyos. La película combina drama familiar y crítica social, mostrando cómo los cambios económicos y las tensiones con los sindicatos ponen a prueba la unidad y los valores de la familia. Cada conflicto se siente auténtico, y la narrativa consigue mantener un equilibrio entre la emoción personal y las problemáticas colectivas. En definitiva, Casta Invencible es una historia sobre honor, sacrificio y solidaridad, con un Newman en estado de gracia que convierte la película en un retrato inolvidable de la vida rural y de la lucha por la supervivencia.
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1972 | Stuart Rosenberg
Jim Kane es un vaquero de hoy en día que inesperadamente se encuentra en la ruina y necesita conseguir dinero deprisa para saldar una vieja deuda. Un hombre de negocios poco escrupuloso se acerca a Kane y le ofrece un hermoso pago si accede a escoltar 200 cabezas de ganado desde México hasta Estados Unidos para utilizarlas en el circuito de rodeos que dirige. Aunque el acuerdo parece algo dudoso a primera vista, Kane accede por necesidad y convence a su amigo Leonard para que le eche una mano y lo acompañe durante el viaje. Sin embargo, el transporte del ganado resulta ser un desafío más complicado de lo que ambos nombres habían esperado, al que se suman una serie de pequeños contratiempos que hacen una gran aventura de lo que iba a ser un sencillo encargo con el que ganar un poco de dinero fácil.
Los indeseables es un western moderno que combina acción, aventura y el clásico espíritu de camaradería. Paul Newman interpreta a Jim Kane, un vaquero honesto que, arruinado y con una deuda que saldar, acepta un arriesgado trabajo transportando ganado desde México hasta Estados Unidos. Junto a Lee Marvin, que da vida a su amigo y compañero Leonard, Newman muestra la química y complicidad que elevan la película más allá del simple relato de acción. La historia refleja la lucha por la supervivencia y la integridad en un mundo que pone a prueba a sus protagonistas, mientras los contratiempos del viaje convierten un encargo aparentemente sencillo en una auténtica aventura. La dirección de Stuart Rosenberg mantiene el equilibrio entre tensión, humor y drama, y los paisajes de la frontera mexicana y estadounidense aportan un marco visual impresionante. Una película que destaca por las actuaciones de Newman y Marvin, su ritmo dinámico y su mezcla de valores de amistad, lealtad y coraje, haciendo de Los indeseables un western entretenido y memorable.
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1972 | John Huston
El juez de la horca narra la historia de Roy Bean, un forajido del Viejo Oeste que, tras enfrentarse a la muerte a manos de los habitantes de un pequeño pueblo, decide regresar buscando venganza. Sin embargo, pronto descubre que su destino ha dado un giro inesperado: se convierte en el nuevo símbolo de la Ley, y de manera singular y excéntrica, comienza a ejercer como juez del lugar. Roy Bean impone su propio código de justicia, a veces estricto, otras veces insólito, pero siempre manteniendo un estilo que refleja su personalidad única. La película combina acción, humor y drama, mostrando cómo un hombre marginal puede llegar a tener autoridad y reconocimiento en circunstancias insólitas. Dirigida por John Huston, la película cuenta con un reparto estelar encabezado por Paul Newman, acompañado de Ava Gardner, Anthony Perkins, Victoria Principal y Roddy McDowall, entre otros. La película destaca por sus interpretaciones carismáticas, su atmósfera del Oeste y la mezcla de leyenda, humor y drama que Huston imprime en la narración.
El juez de la horca es un western único que mezcla acción, humor y leyenda del Viejo Oeste. Paul Newman brilla en el papel de Roy Bean, un forajido que se convierte en juez de un pequeño pueblo, imponiendo su propia y singular interpretación de la justicia. Su carisma y presencia llenan la pantalla, mientras el espectador disfruta de las excentricidades y decisiones poco convencionales de su personaje. La película dirigida por John Huston destaca por su atmósfera auténtica del Oeste, su reparto estelar y la manera en que combina drama y comedia. El humor irónico y la visión personal de la ley hacen que la historia sea entretenida y memorable, ofreciendo una mirada diferente a los héroes y antihéroes del género. Un film que resalta la versatilidad de Newman y el talento de Huston para contar historias donde lo legendario y lo humano se encuentran.
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1973 | John Huston
Ambientada en los años de la Guerra Fría, la película se centra en el agente secreto Joseph Rearden, que trabaja para la Inteligencia Británica. Joseph cometerá un robo a propósito para infiltrarse en una prisión de máxima seguridad. El objetivo es hacerse pasar por un preso común y así poder acercarse a un peligroso espía convicto para infiltrarse en su grupo. Joseph conseguirá escapar de la prisión con el espía al que vigilaba, pero al salir de allí, les raptan y envían a una mansión en un lugar desconocido con un propósito que también desconocen. Allí les mantendrán custodiados sin ningún tipo de contacto con el exterior, por lo que Joseph engañará a uno de los guardianes para poder escapar. Pero al salir de la mansión, se dará cuenta de que las cosas son diferentes a cómo creía e irá hasta Malta para averiguar toda la verdad.
El hombre de Mackintosh es un thriller de espionaje elegante y lleno de tensión, donde Paul Newman brilla como Joseph Rearden, un agente secreto británico atrapado en un intrincado juego de engaños y traiciones durante la Guerra Fría. Su interpretación transmite astucia, determinación y cierta vulnerabilidad, haciendo que el espectador se mantenga en vilo ante cada giro de la trama. Dirigida por John Huston, la película combina el suspense propio de los relatos de espionaje con un estilo cinematográfico cuidado, desde la ambientación hasta los planos que acentúan la sensación de confinamiento y peligro. La historia, que va desde la infiltración en la prisión hasta la búsqueda de la verdad en Malta, mantiene un ritmo constante y hace que cada acción del protagonista tenga peso y relevancia. Un film que resalta la versatilidad de Newman para los papeles de acción y suspense, y demuestra el talento de Huston para crear atmósferas cargadas de misterio y tensión.
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1973 | George Roy Hill
Ambientada en los años 30, El golpe cuenta la historia de Henry Gondorff (Paul Newman) y Johnny Hooker (Robert Redford), dos ingeniosos estafadores que deciden vengar la muerte de un viejo amigo asesinado por el poderoso mafioso Doyle Lonnegan. Para hacerlo sin despertar sospechas, preparan una elaborada estafa, el “golpe” perfecto, que implica una compleja red de timadores, falsos negocios y una meticulosa puesta en escena. Con una ambientación impecable y una trama llena de giros sorprendentes, la película combina humor, tensión y elegancia, convirtiéndose en uno de los grandes clásicos del cine. Ganadora de siete premios Óscar, entre ellos Mejor Película y Mejor Director, destaca también por la química entre Newman y Redford y por su inolvidable banda sonora de ragtime.
El golpe es un clásico imprescindible del cine de los años 70 que combina de manera brillante intriga, humor y elegancia. La película sigue a Paul Newman como Henry Gondorff, un estafador astuto y carismático, y a Robert Redford como Johnny Hooker, su joven aliado, en una historia de venganza contra un poderoso mafioso que asesinó a un amigo cercano. La química entre Newman y Redford es perfecta, y su colaboración en el meticuloso plan del “golpe” mantiene al espectador en tensión constante, con giros sorprendentes que hacen que la historia nunca decaiga. La ambientación de los años 30, cuidada hasta el último detalle, junto con la música de ragtime de Scott Joplin, crean una atmósfera única que envuelve toda la película, convirtiéndola en un referente del cine de timadores y en una obra que ha resistido el paso del tiempo. Es un ejemplo magnífico de cómo narrativa, actuación y estilo visual se combinan para ofrecer entretenimiento inteligente y emocionante.
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1974 | John Guillermin
Un rascacielos de 138 plantas, símbolo de la innovación arquitectónica, se convierte en escenario de una catástrofe durante la noche de su inauguración. Un cortocircuito provoca un incendio en la planta 81, atrapando a los invitados de la fiesta en las alturas. La responsabilidad de salvar sus vidas recae en dos hombres: Doug Roberts (Paul Newman), ingeniero del edificio, y el jefe de policía O’Hallorhan (Steve McQueen). Juntos deberán superar obstáculos y coordinarse bajo una tensión extrema para rescatar al mayor número de personas posible, en un drama lleno de suspense, heroísmo y acción que muestra la vulnerabilidad humana frente a la fuerza de la tragedia.
El coloso en llamas es un espectacular ejemplo de cine de catástrofes de los años 70, donde la tensión y el suspense se combinan con impresionantes efectos visuales. La interpretación de Paul Newman como Doug Roberts aporta humanidad y determinación al relato, mostrando a un hombre común enfrentándose a circunstancias extraordinarias. La película mantiene al espectador al borde del asiento mientras se suceden los intentos de rescate, y combina acción, drama y un toque de heroísmo, convirtiéndose en un referente del género. La química entre Newman y Steve McQueen refuerza la credibilidad de la historia, haciendo que cada minuto del filme sea absorbente y emocionante.
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1975 | Stuart Rosenberg
Lew Harper (Paul Newman) es un astuto detective privado contratado por Iris Devereaux para investigar un caso de chantaje que amenaza con destruir su matrimonio con James, un poderoso empresario petrolero. Aunque Iris asegura que su relación extramatrimonial pertenece al pasado, la aparición del cadáver de su suegra complica aún más la situación. Harper se ve envuelto en una intrincada trama de secretos familiares, mentiras y ambiciones, donde nada es lo que parece y cada paso lo acerca a descubrir la verdad oculta tras la fachada de poder y riqueza de la familia Devereaux.
Con el agua al cuello es un fascinante thriller de intriga y suspense en el que Paul Newman brilla como Lew Harper, un detective inteligente y perspicaz que se mueve con habilidad entre mentiras, chantajes y secretos familiares. La película combina misterio, tensión y giros inesperados, mostrando tanto la vulnerabilidad como la astucia de los personajes. Es un excelente ejemplo del cine de detectives de la época, donde la investigación se convierte en un juego peligroso de engaños y verdades ocultas.
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1976 | Mel Brooks
La película se presenta como un homenaje divertido y nostálgico a los inicios del cine norteamericano, especialmente al cine mudo. La película sigue a Mel Funn, un director en la cima de su carrera cuya reputación se ha visto afectada por su fama de alcohólico. Cuando los estudios Big Pictures están al borde del cierre por problemas financieros, Mel idea que la única manera de salvarlos es rodar una película muda. Aunque los dueños consideran la idea arriesgada, la aprueban, y Mel se propone reunir a los actores más famosos del momento junto a sus amigos directores Marty Eggs y Dom Bel, desatando una serie de situaciones hilarantes y caóticas en el mundo del cine.
La Última Locura es un homenaje delirante al cine clásico y, especialmente, al cine mudo, lleno de situaciones absurdas y gags visuales típicos del estilo de Mel Brooks. En la película, Brooks interpreta al director Mel Funn, quien intenta regresar al panorama cinematográfico realizando una película muda. Intervienen entonces, entre otros, Anne Bancroft, Sid Caesar, Burt Reynolds, James Caan, Liza Minnelli y Paul Newman, quienes se parodian a sí mismos al ser invitados a participar en la película, aportando un toque meta y aún más divertido a esta loca aventura cinematográfica.
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1976 | Robert Altman
La película es un western singular que se inspira en la obra de teatro de William Goldman y Kopit para ofrecer una visión irónica y crítica de la vida del legendario Buffalo Bill Cody. Ambientada en 1885, la historia sigue a Buffalo Bill en el apogeo de su fama, cuando su espectáculo circense recorre Estados Unidos, llevando al público aventuras escenificadas con vaqueros, indios y hazañas espectaculares. Sin embargo, Altman no se limita a retratar un western convencional: la película se acerca a la figura de Cody desde un punto de vista casi paródico, mostrando las contradicciones del hombre detrás de la leyenda. Mientras el mundo lo idolatra como héroe del Oeste, su vida personal y sus motivaciones son mucho más complejas y a menudo contradictorias. La película plantea preguntas sobre el mito de la conquista del Oeste, la explotación mediática de los pueblos nativos y el precio de la fama. Con un estilo narrativo característico de Altman, la historia combina humor, crítica social y dramatismo, ofreciendo al espectador un retrato mordaz y fascinante de uno de los iconos más emblemáticos de la cultura estadounidense. Buffalo Bill aparece aquí como un personaje humano, falible y complejo, atrapado entre la realidad y el mito que él mismo contribuyó a construir.
Robert Altman ofrece una mirada fresca y crítica al mito de Buffalo Bill. Lejos del típico western heroico, Altman muestra al legendario vaquero como un hombre complejo, falible y a menudo contradictorio, atrapado entre su imagen pública y su vida privada. La mezcla de humor, ironía y crítica social convierte la película en un retrato fascinante de la fama y de cómo se construyen los mitos en torno a figuras históricas. Es un western poco convencional, que invita a reflexionar sobre el mito del Oeste y la explotación mediática de los pueblos nativos, todo ello con un estilo narrativo distintivo y mordaz.
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1977 | George Roy Hill
Reggie Dunlop (Paul Newman) es el veterano entrenador de un equipo de hockey, los Charlestown Chiefs, que compiten en una supuesta liga federal. El equipo ha ido acumulando una derrota tras otra en los últimos años. El manager Joe McGrath (Strother Martin) se ha visto obligado a reducir los costes al mínimo y a utilizar vías de promoción bastante vergonzantes para tratar de mantener el interés del público local. Dunlop, aunque no era especialmente un buen jugador en sus tiempos y aunque tampoco es un brillante entrenador, es un tipo al que se le dan muy bien los engaños y las estafas y con frecuencia maneja al aquipo para su propio beneficio. Llegará un momento en el que requerirá de sus jugadores el uso de la violencia en el campo de juego. Los partidos se convertirán a partir de entonces en una literal ley de la selva.
El Castañazo, es una película que combina humor negro y crítica social dentro del mundo del deporte profesional. Paul Newman brilla en el papel de Reggie Dunlop, un entrenador que, pese a no ser un gran jugador ni un técnico sobresaliente, se convierte en maestro de la manipulación y el engaño para mantener a flote a su equipo, los Charlestown Chiefs. La cinta refleja con crudeza y sátira cómo la presión del negocio y el espectáculo pueden transformar un deporte en una auténtica “ley de la selva”, donde la violencia y la estrategia despiadada son instrumentos para el éxito. La interpretación de Newman aporta carisma y cariz humano a un personaje moralmente ambiguo, haciendo que la película funcione tanto como comedia como crítica social.
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1979 | Robert Altman
Ambientada en una época futura donde la Tierra asiste a una nueva Edad del Hielo. Son pocos los que sobreviven: Essex (Paul Newman), cazador de focas, y su compañera embarazada Vivia (Brigitte Fossey), hija de uno de los últimos compañeros de caza de Essex. Juntos se dirigen al norte con la esperanza de localizar al hermano de este, Francha (Thomas Hill). Cuando Essex y Vivia lleguen hasta el apartamento de Francha, el encuentro no durará demasiado. Mientras Essex ha salido a por leña para preparar un fuego, un tipo llamado Redstone (Craig Richard Nelson) hace explosionar una bomba en el apartamento. No deja títere con cabeza, todos fallecen en el acto. Essex ve a Francha en plena huida y le sigue hasta "la Habitación de Información". Allí es testigo del asesinato de Redstone a manos de un "jugador" de origen latino llamado St. Christopher (Vittorio Gassman).
Quintet es una de esas películas que, aunque no sea la más accesible del repertorio de Paul Newman, deja una huella por su atmósfera única y su tono postapocalíptico inquietante. Newman encarna a Essex, un cazador endurecido por un mundo helado y desolado, que debe enfrentarse a la brutalidad y la codicia de los supervivientes. La película, dirigida por Robert Altman, combina la tensión de un thriller con la reflexión sobre la supervivencia y la naturaleza humana cuando los recursos escasean. La interpretación de Newman, contenida pero intensa, logra transmitir el desamparo y la determinación de un hombre que lucha por sobrevivir en un entorno donde cada gesto puede ser letal. Una obra fría y minimalista, pero con una fuerza dramática que permanece.
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1980 | James Goldstone
Shelby Gilmore (William Holden) es el director de un lujoso hotel en una remota isla de Hawai en la que descansa desde hace milenios un enorme volcán. Gilmore mantiene una relación con Kay Kirby (Jacqueline Bisset), que está enamorada de Hank Anderson (Paul Newman), un reputado buscador de reservas de petróleo. Por otro lado está Bob Spangler (James Franciscus), dueño absoluto de la isla y socio de Shelby en el hotel. Spangler maneja datos que indican que el volcán tiene altas probabilidades de entrar en erupción en próximas fechas, pero decide omitir la información para mantener a los turistas en la isla y seguir ingresando dinero. Al poco tiempo, después de una inmensa explosión, el volcán entra en erupción poniendo en peligro las vidas de todos los que están en la isla.
El Día del Fin del Mundo es un thriller catastrofista típico de la época, que combina acción, tensión y un paisaje natural impresionante en Hawai. Paul Newman interpreta a Hank Anderson, un geólogo que se ve atrapado en medio de los intereses económicos de los protagonistas y el peligro inminente del volcán. Su presencia aporta credibilidad y carisma a la historia, equilibrando la espectacularidad de las escenas de desastre con una interpretación contenida pero firme. La película juega con el suspense y la urgencia, mostrando cómo la codicia y la negligencia pueden multiplicar el riesgo frente a la fuerza de la naturaleza, mientras Newman encarna al héroe racional que intenta salvar vidas en medio del caos.
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1981 | Daniel Petrie
Murphy es un policía profesional y decente que se gana la vida patrullando las calles del lado sur del distrito neoyorquino del Bronx, zona que sus habitantes conocen como Fuerte Apache debido a la inseguridad ciudadana que se respira a causa de las drogas y las violentas pandillas callejeras. Murphy intenta aferrarse a toda su humanidad para tratar con gente desesperada en situaciones difíciles, pero no puede hacer mucho para convencer a sus superiores de que la brutalidad ciega no es la respuesta más adecuada contra la lacra social. Cuando unos de sus compañeros policías asesinan a sangre fría a un sospechoso, encomiendan a Murphy la tarea de barrer el suceso debajo de la alfombra. Pero él se niega a hacerlo y, como resultado, es repudiado por sus antiguos colegas de trabajo, que ahora le ven como a un enemigo.
Distrito Apache: El Bronx es un intenso drama urbano que muestra la crudeza de la vida en los barrios más conflictivos de Nueva York a comienzos de los años 80. Paul Newman interpreta al teniente Murphy, un policía íntegro que lucha por mantener su humanidad en medio de la violencia, las drogas y la corrupción dentro de su propio cuerpo policial. La película destaca por su enfoque realista y sin concesiones, mostrando cómo la moral y la ética chocan con la brutalidad del entorno y las decisiones de sus superiores. Newman aporta a su personaje la autoridad, la vulnerabilidad y la firmeza necesarias para que el espectador sienta empatía por un hombre que intenta hacer lo correcto en un mundo que parece decidido a castigarlo por ello.
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1981 | Sydney Pollack
Narra la historia de Michael Gallagher (Paul Newman), un empresario honesto que se ve inesperadamente involucrado en un caso de alto perfil cuando el hijo de un famoso mafioso es acusado de la desaparición de un jefe sindical. La periodista investigadora Megan Carter (Sally Field), conocida por su prestigio y determinación, publica un artículo que lo incrimina públicamente sin ser plenamente consciente del peligro que corre al enfrentarse a un gánster poderoso y sus influencias. A medida que la historia se desarrolla, Gallagher sufre las consecuencias de una acusación injusta: su reputación y su vida personal se ven seriamente afectadas. Sin embargo, lejos de rendirse, consigue darle un giro a la situación y lograr que tanto la periodista como el periódico aprendan una lección sobre la responsabilidad ética en el periodismo y los peligros de las acusaciones precipitadas. La película plantea un profundo dilema moral sobre la ética periodística, la justicia y las repercusiones personales de las mentiras o medias verdades publicadas en los medios de comunicación.
Ausencia de malicia es un intenso drama que combina intriga, ética periodística y las consecuencias de la difamación. La interpretación de Paul Newman como Michael Gallagher es sobresaliente: logra transmitir la mezcla de frustración, indignación y dignidad de un hombre injustamente acusado, mostrando a la vez vulnerabilidad y fortaleza. La química entre Newman y Sally Field aporta tensión y complejidad a la relación entre víctima y periodista, haciendo que el espectador reflexione sobre la responsabilidad de los medios y el impacto humano de sus acciones. La película, dirigida con precisión por Sydney Pollack, mantiene un ritmo que atrapa y hace que la injusticia y la búsqueda de redención de Gallagher se sientan inmediatas y cercanas. Es un film que no solo entretiene, sino que deja una enseñanza sobre ética, verdad y justicia.
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1982 | Sydney Lumet
Frank Galvin es un abogado alcohólico de Boston que intenta redimir su reputación profesional y personal ganando un complicado caso de negligencia médica. De hecho, podría ser el pleito de la carrera de Frank. Se trata del caso de una mujer que ha quedado en coma después de ser operada en un gran hospital católico. Galvin acude al lugar de los hechos y, de repente, se siente muy involucrado emocionalmente con la víctima, por lo que, frente a su planteamiento previsto y sin consultar con la familia demandante, decide rechazar un acuerdo económico ofrecido por el hospital e ir a juicio, a pesar del poderoso aparato legal de la Iglesia y su abogado estrella, Newman. Al menos Frank cuenta con la ayuda de su asistente Mickey y también de Laura, su nueva novia, quien resulta tener un pasado bastante inusual.
Veredicto Final es un drama judicial intenso y emotivo, en el que Paul Newman ofrece una de sus actuaciones más profundas y humanas como Frank Galvin, un abogado marcado por sus errores pero decidido a hacer justicia. La película combina la tensión de un juicio complicado con un estudio íntimo del carácter de su protagonista, mostrando su lucha entre la ética, la ambición y la redención personal. Sydney Lumet consigue mantenernos al borde del asiento, mientras Newman nos conmueve con cada gesto y cada mirada, recordándonos por qué es uno de los grandes del cine clásico.
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1984 | Paul Newman
Harry Keach ha quedado viudo hace dos años y trabaja como operador de bulldozer en un equipo de construcción. A pesar de tener una ética de trabajo fuerte, su vida laboral se trunca cuando problemas de salud hacen que no sea capaz de hacer el trabajo. Harry tiene una relación tensa con sus dos hijos mayores: Nina, quien, junto a su marido vendedor de seguros, parece más preocupada por las posesiones materiales que puede recibir a través de su relación con Harry, y Howard, que todavía vive con él. Howard es un aspirante a escritor, pero prefiere pasar el rato divirtiéndose a encontrar un trabajo estable. A pesar de que Harry y Howard se quieren, la tensión en su relación se pone de manifiesto cuando Harry quiere trabajar y no puede, mientras Howard puede y no quiere. Ambos deben llegar a un entendimiento, especialmente mientras sigan viviendo juntos.
Harry e Hijo es un drama familiar cargado de sensibilidad, en el que Paul Newman brilla interpretando a Harry Keach, un hombre trabajador enfrentado a la frustración de no poder seguir con su oficio y a las tensiones con sus hijos. La película explora con realismo y ternura los conflictos generacionales, el amor paterno y las dificultades de la convivencia familiar. Newman transmite con naturalidad y fuerza la lucha interna de un hombre que quiere lo mejor para su familia mientras lidia con sus propias limitaciones, ofreciendo una interpretación conmovedora y memorable.
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1986 | Martin Scorsese
Vincent es un joven jugador de billar con mucho talento que no consigue encontrar a nadie que le plante cara en la mesa de terciopelo verde. Un día, Eddie Feslon, un antiguo campeón de billar retirado, es testigo de las increíbles habilidades de Vincent. Feslon se mostrará dispuesto a dejar su negocio de licores y volver al ruedo, reviviendo su pasado y apostando por el chico, siempre y cuando éste siga sus consejos. Se convertirá en su mentor y le guiará en los distintos torneos para juntos sacar la mayor tajada posible a sus habilidades. Junto a ellos irá la novia de Vincent, quien se encargaba de las apuestas que se hacían sobre él antes de la aparición de Feslon.
El color del dinero es un fascinante regreso al mundo del billar que ya explorara Paul Newman en El buscavidas. En esta ocasión, Newman encarna a Eddie Feslon con una madurez y carisma extraordinarios, guiando al joven y talentoso Vincent (Tom Cruise) en una historia de mentoría, ambición y rivalidad. La película, dirigida magistralmente por Martin Scorsese, combina tensión, estilo y drama humano, mostrando cómo el talento y la astucia se entrelazan en un universo donde el dinero y la reputación valen tanto como la habilidad sobre la mesa.
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1989 | Roland Joffé
En septiembre de 1943, el general Leslie Groves dirige el 'Proyecto Manhattan' en el desierto de Nuevo México. Con esta iniciativa, el Gobierno de los Estados Unidos ha reunido a un grupo de importantes científicos internacionales encargados de desarrollar la bomba atómica, que son liderados por el físico Robert Oppenheimer. Las tensiones entre la personalidad del militar Groves y el carácter del científico Oppenheimer son frecuentes. También abundan los dilemas morales entre los responsables de diseñar un arma con una potencia devastadora inédita en la historia de la humanidad. Los experimentos presentan, además, graves peligros. Un joven físico, Michael Merriman, que trabaja sin la protección suficiente, consigue evitar un desastre cuando recupera un componente radiactivo durante una prueba, pero esta intervención le conduce a la muerte.
Creadores de sombras es un drama histórico intenso que nos sumerge en los dilemas éticos y personales del Proyecto Manhattan. La película destaca la compleja relación entre el pragmático general Leslie Groves y el brillante pero atormentado Robert Oppenheimer, interpretado por un elenco sólido que refleja las tensiones entre ciencia y poder militar. La historia no solo se centra en la creación de la bomba atómica, sino en las consecuencias humanas de la investigación y los riesgos a los que se enfrentaron los científicos. La muerte de Michael Merriman subraya la fragilidad y el sacrificio de quienes trabajaban en condiciones extremas, recordándonos que detrás de los avances tecnológicos hay vidas humanas y dilemas morales profundos. La interpretación de Paul Newman aporta sobriedad y profundidad al conflicto ético, reforzando el dramatismo de un relato donde la ambición, el miedo y la responsabilidad convergen en una de las épocas más críticas del siglo XX.
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1989 | Ron Shelton
El gobernador Earl Long (Paul Newman), de Louisiana, se ha ganado fuertes rivales políticos. El motivo son sus posturas progresistas, a favor de la integración y en contra de cualquier clase de racismo, que chocan con la mentalidad cerrada de los 50. Long siempre ha defendido que los negros están tan capacitados como los blancos para cualquier cosa, y además también ha emprendido nuevas formas de hacer campaña que le han granjeado popularidad. Le espera un futuro brillante. Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Blaze Starr (Lolita Davidovich), una bailarina de striptease por la que se siente irremediablemente atraído. Mientras la pareja se va acercando cada vez más y más e inician un romance, los adversarios políticos de Long verán en esta relación la forma perfecta de hundir el futuro político de Earl.
El escándalo Blaze es un fascinante drama político basado en hechos reales que combina historia, poder y romance. Paul Newman ofrece una interpretación magistral del gobernador Earl Long, un político progresista de Louisiana enfrentado a la mentalidad conservadora de los años 50. Su lucha por la integración racial y por nuevas formas de hacer campaña lo convierte en un personaje complejo y carismático. La relación con Blaze Starr, interpretada por Lolita Davidovich, añade un componente humano y emocional a la trama, mostrando cómo los intereses políticos pueden chocar con la vida personal. La película refleja con claridad los peligros de la ambición política y el sensacionalismo mediático, mientras Newman aporta profundidad y matices a un personaje atrapado entre el deber y el deseo. Un film que mezcla intriga política, drama y romance, y que demuestra la capacidad de Paul Newman para dar vida a figuras históricas con autenticidad y elegancia.
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1990 | James Ivory
La familia Bridge es una más de las residentes en Kansas City durante la década de 1940, pero con una visión tremendamente rancia y conservadora de la vida que está enraizada en comportamientos, normas de conducta e ideas políticas más propias de décadas anteriores. El señor Bridge es un abogado de éxito que encuentra natural tratar a su mujer como si fuera de su propiedad. Ella se deba a su apariencia y a lo que el resto de amigos y conocidos de la familia piensan de ellos, por mucho que algunos, como un psiquiatra extranjero al que acaban de conocer, les resulte desagradablemente poco sofisticado. Mientras, los hijos de los Bridge no entienden la cerrazón de miras de sus padres y adoptan una visión mucho más moderna del mundo que les gustaría compartir con ellos pero encuentran infructuosos resultados.
Esperando a Mr. Bridge es un delicado y conmovedor retrato de la rigidez social y familiar en la América de los años 40. Paul Newman brilla interpretando al señor Bridge, un abogado exitoso atrapado en sus propias convicciones y en una visión de la vida extremadamente conservadora. Su relación con su esposa y con los hijos refleja la tensión generacional y cultural de una época que choca con la modernidad que los jóvenes intentan abrazar. La película, dirigida por James Ivory, combina sutileza y sensibilidad al mostrar cómo los valores anticuados pueden aislar emocionalmente a quienes los practican, mientras los hijos buscan comprensión y conexión. Newman aporta profundidad y matices a un personaje que, aunque limitado por su tiempo y educación, resulta humano y creíble, ofreciendo al espectador una experiencia cinematográfica introspectiva y elegante.
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1994 | Joel David Coen
La inesperada muerte del director de una importante multinacional sume a la compañía en el caos. Sin un liderazgo claro y con la presión de mantener a flote la empresa, los miembros restantes elaboran un plan poco ortodoxo: colocar al frente de la dirección a una persona fácilmente manipulable, de manera que puedan controlar las decisiones y maximizar los beneficios. La historia combina intriga, humor y tensión corporativa, mostrando cómo la codicia y las ambiciones personales se entrelazan en un juego de poder despiadado. Paul Newman aporta carisma y solidez al reparto, encarnando a uno de los personajes que navegan entre la ética, el interés propio y la manipulación, convirtiendo la película en un retrato satírico de la ambición y los conflictos internos de un mundo empresarial sin escrúpulos.
El gran salto es una comedia negra que retrata de forma ácida y muy entretenida la codicia y los juegos de poder dentro del mundo empresarial. La película combina humor inteligente con tensión, mostrando cómo los personajes manipulan y maniobran para sacar ventaja en un entorno donde la ética pasa a un segundo plano. Paul Newman, como siempre, aporta presencia y carisma, dándole profundidad a un personaje que navega entre la ambición y los dilemas morales, convirtiendo la historia en un reflejo satírico y fascinante de las intrigas corporativas.
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1994 | Robert Benton
Paul Newman interpreta a Donald Sullivan, un hombre de 60 años que vive en un pequeño pueblo en el Estado de Nueva York. Años atrás, más conocido como Sully, era un joven encantador lleno de alegría que ahora ha descuidado sus responsabilidades familiares por seguir con el mismo espíritu despreocupado. Todo cambia cuando su hijo Peter llega a la ciudad. Sully tiene que encontrarse cara a cara con el hombre que abandonó cuando era niño, así como a su ex esposa. Conoce a su nieto y conecta con él de inmediato. Le ayuda a aprender la importancia que tiene la unión familiar y lo que implica. A pesar del paso de los años, la vida le da una segunda oportunidad a Sully para recuperar a su familia.
Ni un pelo de tonto es una entrañable comedia dramática que combina humor, ternura y segundas oportunidades. A través de un personaje tan imperfecto como carismático, Paul Newman ofrece una interpretación memorable, llena de matices, que le valió el reconocimiento de la crítica. La película explora con sensibilidad temas como la familia, el perdón y la posibilidad de redimirse incluso cuando ya se ha vivido gran parte de la vida. Gracias a un guion bien construido y a personajes entrañables, la historia logra emocionar sin caer en sentimentalismos excesivos, mostrando que nunca es tarde para reconectar con lo que realmente importa.
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1998 | Robert Benton
El expolicía y detective privado Harry Ross vive en el garaje de sus amigos Jack y Catherine Ames, dos estrellas de cine que le dan cobijo a cambio de trabajos ocasionales. Un día recibe un encargo de Jack, enfermo de cáncer, quien le pide que entregue una gran cantidad de dinero a una mujer. Pero Harry se ve involucrado en un tiroteo y ve cómo otro detective es asesinado. Cuando decide investigar lo ocurrido, descubre que el hombre abatido se encontraba investigando la desaparición del anterior marido de Catherine y que el tiroteo no fue fruto de un accidente.
Al caer el sol es un thriller crepuscular que combina el misterio con una profunda reflexión sobre el paso del tiempo y la decadencia personal. En uno de sus papeles más sobrios y contenidos, Paul Newman interpreta a Harry Ross, un ex policía marcado por el desencanto y las sombras del pasado. La trama avanza entre secretos, mentiras y traiciones, desplegando un ambiente clásico de cine negro, pero teñido de melancolía. La dirección de Robert Benton equilibra con elegancia el suspense con el retrato íntimo de unos personajes que viven anclados en su propia historia. Newman aporta carisma y vulnerabilidad a un protagonista que, lejos de ser un héroe convencional, es un hombre que intenta mantener algo de dignidad en medio del desmoronamiento de su mundo. Una película serena, elegante y cargada de atmósfera, que demuestra cómo incluso en la madurez de su carrera Newman seguía dominando la pantalla con fuerza y autenticidad.
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1999 | Luis Mandoki
Theresa Osborne, interpretada por Robin Wright, es una periodista de éxito en Chicago que, tras un divorcio doloroso, intenta reconstruir su vida. Durante un paseo por la playa encuentra una botella arrastrada por la marea con una carta escrita a mano: un mensaje de amor desgarrador dirigido a una mujer fallecida. Intrigada por la sinceridad y belleza de las palabras, Theresa decide descubrir quién es el misterioso autor. Su investigación la lleva hasta un pequeño pueblo costero en Carolina del Norte, donde conoce a Garret Blake, un constructor de barcos y marinero interpretado por Kevin Costner, que aún vive atormentado por la muerte de su esposa. Entre ambos surge una conexión intensa pero llena de obstáculos: Garret no ha superado su duelo y Theresa lucha con la culpa de haber irrumpido en su intimidad. En medio de paisajes marinos, cartas guardadas como tesoros y silencios que dicen más que las palabras, la historia se transforma en un viaje emocional sobre segundas oportunidades, la fragilidad del amor y el coraje de abrir el corazón de nuevo. La presencia de Paul Newman como Dodge Blake, el padre de Garret, aporta una mirada lúcida y conmovedora sobre la vida y el amor perdido, dotando a la película de una profundidad especial.
Mensaje en una botella es un melodrama romántico clásico que recupera la esencia de las grandes historias de amor marcadas por la pérdida, el destino y la posibilidad de volver a sentir. Dirigida por Luis Mandoki, la película construye su relato con un tono pausado y sensible, apoyándose en la fuerza de las emociones más que en giros narrativos espectaculares. El personaje de Garret Blake, interpretado con contención y profundidad por Kevin Costner, encarna a un hombre atrapado entre el recuerdo de su amor perdido y el miedo a abrirse nuevamente. A su lado, Theresa Osborne, interpretada por Robin Wright, representa la esperanza y la valentía emocional. Su relación evoluciona con delicadeza, como una marea que avanza y retrocede, mostrando la complejidad de sanar heridas profundas. La presencia de Paul Newman como Dodge Blake añade un matiz especial. Su interpretación, sobria y cargada de humanidad, aporta equilibrio a la historia: es la voz de la experiencia, la que observa con sabiduría y sin dramatismos. Con paisajes costeros que refuerzan la melancolía de la historia y una banda sonora que acompaña sin imponerse, la película se convierte en un homenaje a las segundas oportunidades. No es solo un romance: es una reflexión sobre cómo el amor, incluso cuando llega en el momento más inesperado, puede cambiar el rumbo de una vida.
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2000 | Marek Kanievska
Henry Manning (Paul Newman es un atracador de bancos con una larga carrera en la delincuencia. Para poder abandonar la cárcel va a fingir una parálisis cerebral y será trasladado a una residencia de ancianos. Carol (Linda Fiorentino), la enfermera encargada de cuidarlo, siente curiosidad por el historial de Henry porque está cansada de su trabajo y de su matrimonio. Se verá incitada por las emociones fuertes y exigirá al ladrón que le cuente sus secretos. Él verá una gran capacidad delictiva en ella y Carol le tentará para realizar el atraco final.
Donde esté el dinero es una comedia negra con tintes de thriller que juega con el ingenio, la picaresca y el magnetismo de su protagonista. Dirigida por Marek Kanievska, la película ofrece una historia que mezcla humor, crimen y seducción con un ritmo ágil y personajes bien definidos. El papel de Henry Manning permite a Paul Newman desplegar todo su carisma y elegancia interpretativa. Su personaje es un veterano atracador que, lejos de resignarse al final de su carrera delictiva, utiliza su astucia y encanto para manipular la realidad a su favor. La dinámica que establece con Carol, interpretada por Linda Fiorentino, añade una capa de juego psicológico y complicidad que impulsa la trama hacia un desenlace cargado de ironía. La película explora temas como la seducción del dinero, la rutina que asfixia y el deseo de libertad, incluso en la vejez. Con diálogos inteligentes, situaciones imprevisibles y un tono desenfadado, esta obra ofrece un retrato divertido y mordaz de dos personajes que, al encontrarse, redescubren su capacidad de desafiar las normas.
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2002 | Sam Mendes
Año 1930. Dos padres: Michael Sullivan (Tom Hanks), un asesino profesional al servicio de la mafia irlandesa en el Chicago de la Gran Depresión, y el señor John Rooney (Paul Newman), su jefe y mentor, que lo ha criado como si fuera su hijo. Dos hijos: Michael Sullivan Junior y Connor Rooney (Daniel Craig), ambos desesperados por conseguir el reconocimiento y el amor de sus progenitores. Los celos y el espíritu competitivo les sumergen en una espiral de violencia ciega cuyas primeras víctimas son la esposa de Sullivan y su hijo pequeño, Peter. Un largo viaje se inicia entonces para Michael Sullivan y el hijo que le queda. Un viaje que comienza con una promesa de venganza y la esperanza de conjurar el infierno. Y tal vez el surgimiento de nuevos sentimientos entre padre e hijo.
Camino a la perdición es un elegante y sombrío drama criminal dirigido por Sam Mendes que combina con maestría tragedia familiar, venganza y redención. Ambientada en la América de la Gran Depresión, la película retrata el submundo de la mafia irlandesa con un tono poético y visualmente impecable, en el que cada plano transmite el peso del destino y la violencia. Paul Newman, ofrece una interpretación profundamente humana y poderosa como John Rooney, un jefe mafioso que ama a su hijo adoptivo tanto como desprecia la debilidad de su propio heredero. Su personaje encarna la contradicción entre el afecto paternal y la lealtad al imperio criminal que ha construido, dotando a la historia de una dimensión emocional intensa. Frente a él, Tom Hanks brilla como Michael Sullivan, un sicario atrapado entre la obediencia al clan y la necesidad de proteger a su hijo. La película reflexiona sobre la herencia moral, el vínculo entre padres e hijos y el precio inevitable de la violencia. Con una dirección elegante, un ritmo preciso y una fotografía que roza lo pictórico, esta obra se ha consolidado como un clásico moderno del cine negro. Newman aporta a su personaje una mezcla de autoridad, melancolía y ternura que eleva la historia, ofreciendo uno de los retratos más conmovedores y complejos de su carrera final.
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La muerte de Paul Newman, el 26 de septiembre de 2008, dejó un profundo vacío en el mundo del cine. Actor de mirada inolvidable, combinó talento, elegancia y una sensibilidad única que marcó a generaciones de espectadores. Su legado permanece vivo en cada una de sus interpretaciones, que siguen emocionando como el primer día.
Hablar de Paul Newman es hablar de elegancia, de talento y de una luz especial que traspasaba la pantalla. No era solo un actor extraordinario: era una presencia única, capaz de convertir el silencio en emoción y una simple mirada en una historia completa. Tenía esa mezcla mágica de fuerza y ternura que hacía imposible no amarlo. Su carisma no residía únicamente en su belleza innegable, sino en la profundidad con la que vivía cada personaje. Con él, el cine se llenaba de alma, de verdad, de humanidad. Era capaz de hacernos reír, llorar, soñar y, sobre todo, sentir. Y más allá del cine, su corazón generoso y su compromiso con los demás lo convirtieron en alguien aún más admirable. Paul Newman no fue solo una estrella: fue una inspiración, un refugio emocional para quienes amamos el séptimo arte. Gracias, Paul, por cada escena, cada palabra, cada silencio… y por habernos hecho creer en la belleza y la grandeza del cine.
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Enlaces de interés
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Paul Newman
De 'Raquel, Raquel' a 'El zoo de cristal':
Los largometrajes de Paul Newman como director
Cineasta sobrio, alejado por completo de cualquier exceso o intento de grandilocuencia visual, fuertemente apegado al clasicismo y con una querencia especial por subrayar la importancia de sus personajes, el Paul Newman director es algo más que una anécdota. Porque, si bien es cierto que no llegó a firmar ninguna obra maestra, su breve pero intensa filmografía detrás de la cámara está repleta de grandes momentos de cine. Impulsado por el deseo de explorar nuevas formas de expresión, estudió dirección escénica en la Universidad de Yale y dirigió algunos cortometrajes amateur. Sin embargo, cuando debutó en la dirección de largometrajes, lo hizo pensando en su esposa, la oscarizada actriz Joanne Woodward, a quien casi no le llegaban proyectos después de haberse retirado unos años para criar a las tres hijas que tenían en común. Con Rachel, Rachel, Newman le propuso a Woodward un papel intensamente emocional e introspectivo con el que la actriz reflejaba las inquietudes de muchas mujeres de la época que habían pospuesto sus ambiciones personales para asumir roles familiares. El éxito de esta película confirmó a Newman que era posible dirigir filmes íntimos y personales manteniendo la integridad artística. Los cinco largometrajes que dirigió a continuación mantuvieron una relación muy estrecha con su vida privada, consolidaron un estilo sobrio centrado en las emociones contenidas y dieron continuidad al protagonismo femenino. (FUENTE: www.ecartelera.com)
Las películas dirigidas por Paul Newman
La lista está por orden alfabético.
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La caja oscura (1980)
Casta invencible (1971)
El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972)
Harry e hijo (1984)
Rachel, Rachel (1968)
El zoo de cristal (1987)
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
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RACHEL, RACHEL (1968)
Reparto principal | Joanne Woodward, James Olson, Estelle Parsons
Esta adaptación de Stewart Stern "A Jest of God", novela de Margaret Laurence, fue el largometraje con el que Paul Newman se estrenó en la gran pantalla. Rachel Cameron (Joanne Woodward) es una tímida profesora de 35 años que vive aún con su madre. Las clases han terminado y Rachel piensa una y otra vez en lo sola y aburrida que estará este verano. Su mejor amiga, Calla Mackie (Estelle Parsons), también soltera y profesora, la convence para asistir a una reunión de avivamiento, donde uno de los predicadores anima a Rachel a expresar sus sentimientos. Calla decide, de igual manera, explorar cada emoción que le sobreviene en ese momento, por lo que juntas tratan de dejar ahí sus deseos y pensamientos. Cuando el ex-compañero de colegio de Rachel, Nick Kazlik (James Olson), vuelve a la ciudad a visitar a sus padres, ella queda prendada de sus encantos y decide entregarle a él su primera experiencia sexual. A partir de este momento, Rachel comienza a proyectar toda clase de expectativas en relación a un posible futuro junto a Nick. Es ahora cuando ella se encuentra envuelta en un mar de dudas y teniendo que decidir qué hacer, qué pensar y adónde ir.
Además de su debut tras la cámara, 'Raquel, Raquel' es, con amplia diferencia del resto, la mejor película como director de Paul Newman. Desde sus primeros planos hasta su emotivo desenlace, tramo especialmente destacado dentro del sobresaliente conjunto, esta historia protagonizada por una enorme Joanne Woodward está narrada con una delicadeza, inteligencia, sensibilidad y elegancia realmente admirables. Cine íntimo, libre y conmovedor en su sencillez que se veía todavía más engrandecido por la banda sonora de Jerome Moross, un reparto de secundarios maravillosos y la capacidad de la cámara de Newman para acompañar, dialogar, entender y admirar a su inolvidable protagonista. Un memorable estreno como director.
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CASTA INVENCIBLE (1971)
Reparto principal | Paul Newman, Henry Fonda, Lee Remick, Richard Jaeckel
La famila Stamper tiene un negocio de maderas en el estado de Oregon, pero corren malos tiempos y el sindicato de trabajadores se pone en huelga. Ellos deciden continuar trabajando por lo que comienzan a recibir amenazas de otros compañeros. Henry, el patriarca de la familia, intentará mantener a todos sus miembros unidos a pesar de las tensiones dentro y fuera del hogar.
Adaptación de la novela de Ken Kesey, 'Casta invencible' supuso la confirmación como director de Paul Newman. Además, en su segundo largometraje tras 'Raquel, Raquel', compaginó sus labores tras la cámara con su siempre bien recibida presencia frente a ellas, entregando una interpretación mayúscula en un trabajo donde también conviene destacar la labor de Henry Fonda y, sobre todo, Lee Remick y Richard Jaeckel. Sus respectivos trabajos, junto a la estupenda banda sonora del genio Henry Mancini y una dirección tan sobria como eficaz terminaban por redondear un notable melodrama familia con momentos de un alcance emocional indiscutible. La propuesta más accesible del Newman director.
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EL EFECTO DE LOS RAYOS GAMMA
SOBRE LAS MARGARITAS (1972)
Reparto principal | Joanne Woodward, Wil Hare, Neil Newman, David Spielberg
Narra la vida de una familia deprimente y depresiva. La madre, Beatrice, es una mujer desequilibrada, cuyas dos hijas son diametralmente opuestas: Ruth es una adolescente epiléptica y bastante alocada; Mathilda, la pequeña, es una excelente estudiante, muy inteligente y trabajadora. Además, parece estar dotada de una serenidad o de una especie de estoicismo que la inmuniza contra las terribles tormentas domésticas que tiene que soportar.
Celebradísima a nivel crítico, El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas, adaptaba la novela de Paul Zindel, premiada con el Pulitzer, desde la crudeza más absoluta, alejándose por completo de un perfil lacrimógeno en el que podría haber caído de lleno. Y es que, gracias especialmente a la dirección de un Paul Newman plenamente consciente de que la historia que estaba contando se sustentaba por sí sola sin necesidad de subrayados, la cinta te atrapaba y sacudía desde los silencios y las miradas, los pequeños gestos y los puntuales momentos de extraña poesía. Una propuesta tan árida como arriesgada en la que brilla con una luz especial la monumental interpretación de Joanne Woodward, ganadora del premio a Mejor actriz en Cannes por este trabajo.
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Reparto principal | Joanne Woodward, Christopher Plummer, James Broderick
Brian y Beberly son un matrimonio separado desde hace años que vuelve a reunirse tras la noticia de la enfermedad de Brian. Por otro lado, una familia debe afrontar la enfermedad del padre, que no sabe cómo comunicárselo a su joven hijo. Y por último, una anciana llamada Felicity pasa los últimos días de su vida con su hija Agnes.
En la película no solamente hay monólogos directos a cámara. Hay, antes que nada, situaciones. Es toda la parte que transcurre en los chalets en los que están instalados los pacientes. Tres personajes y su entorno familiar. Uno recibe la visita de su mujer y su hijo. Otra espera cartas de una hija (su hija preferida) que se fue de casa, mientras la otra hija la acompaña y la atiende en los últimos días. Otro recibe la visita de su ex mujer. La película avanza poco a poco, nos presenta a los pacientes, a sus familiares, las diferentes situaciones, hasta que todo “se resuelve” en la última media hora, espléndida.
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Reparto principal | Paul Newman, Robby Benson, Ellen Barkin, Wilford Brimley
Harry Keach ha quedado viudo hace dos años y trabaja como operador de bulldozer en un equipo de construcción. A pesar de tener una ética de trabajo fuerte, su vida laboral se trunca cuando problemas de salud hacen que no sea capaz de hacer el trabajo. Harry tiene una relación tensa con sus dos hijos mayores: Nina, quien, junto a su marido vendedor de seguros, parece más preocupada por las posesiones materiales que puede recibir a través de su relación con Harry, y Howard, que todavía vive con él. Howard es un aspirante a escritor, pero prefiere pasar el rato divirtiéndose a encontrar un trabajo estable. A pesar de que Harry y Howard se quieren, la tensión en su relación se pone de manifiesto cuando Harry quiere trabajar y no puede, mientras Howard puede y no quiere. Ambos deben llegar a un entendimiento, especialmente mientras sigan viviendo juntos.
La esencia autobiográfica que marca 'Harry e hijo' es un punto clave a la hora de entender su alcance en el espectador. Combinando una dirección marca de la casa, calmada y elegante, con una interpretación soberbia, no hay escena en la que aparezca que no sea un auténtico disfrute, Paul Newman firmaba una película que se ve con agrado constante, atrapando en sus momentos dramáticos más potentes y emocionando en un tramo final que destaca por encima del conjunto. Una cinta sencilla en sus formas, interesantísima en su fondo y disfrutable de inicio a fin en su visionado.
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Reparto principal | Joanne Woodward, John Malkovich, Karen Allen, James Naughton
Amanda Windfield, se pasa los días añorando sus viejas conquistas, regañando a su hijo Tom por sus malos hábitos y angustiada porque su hija Laura no consigue tener un pretendiente... pero una luz de esperanza llegará, cuando Tom le diga que, un compañero del almacén donde trabaja, está dispuesto a venir a cenar.
Para su quinto y último trabajo como director, Paul Newman optó por la arriesgada decisión de adaptar de forma literal 'El zoo de cristal', obra teatral homónima del imprescindible Tennesse Williams. Y es precisamente en esa obsesión por respetar al máximo el material de partida lo que lastra una propuesta de fuerte espíritu teatral que termina generando más aburrimiento que admiración. Una ligera decepción que se ve más o menos equilibrada por un reparto implicado al máximo en la historia y donde destacan los imponentes trabajos de Joanne Woodward y John Malkovich. Sus interpretaciones son, de largo, lo mejor de esta fallida despedida como director Paul Newman.
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Enlaces de interés
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En la edición de Telenoticias mediodía de TV3 se pudo ver el reportaje de los periodistas Anna Teixidor Colomer y Marc Faro Costa, con el objetivo de, si es posible, encontrar alguna institución o persona interesada en continuar el archivo que estoy construyendo.
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A lo largo de su carrera, el genio de la comedia Robin Williams
nos hizo reír y nos emocionó con sus actuaciones
Fue una persona muy solidaria. Mientras estudiaba en Juilliard, Williams se hizo amigo de Christopher Reeve. Fueron a varias clases juntos, en las que eran los dos únicos estudiantes y fueron amigos por el resto de la vida de Reeve. Williams visitó a Reeve después del accidente de caballo que lo dejó tetrapléjico. El 11 de agosto de 2014, 21 días después de su 63 cumpleaños, Williams fue hallado muerto en su domicilio cerca de Paradise Cay (California), en lo que aparentemente podría haber sido un suicidio por asfixia, según el informe inicial del Departamento del Sheriff del Condado de Marin. Tras su fallecimiento, su cuerpo fue incinerado y el 21 de agosto de 2014 sus cenizas fueron esparcidas en el océano Pacífico, en la bahía de San Francisco. El 7 de noviembre de 2014, la muerte del actor fue oficialmente declarada como suicidio a causa de «asfixia por ahorcamiento» tras obtenerse los exámenes toxicológicos, los cuales confirmaron la ausencia de alcohol o drogas ilícitas. El 2 de octubre de 2016, su esposa, Susan Schneider publicó en la revista médica Neurology una carta titulada «El terrorista dentro del cerebro de mi marido», en la que explica el infierno particular que padeció Williams por la demencia con cuerpos de Lewy, cuyos síntomas son similares a los del Alzheimer y el Parkinson. (FUENTE: https://www.wikipedia.com/)
Las películas interpretadas por Robin Williams
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CAN I DO IT 'TILL I NEED GLASSES?
1977 | I. Robert Levy
Fue el debut cinematográfico de Robin Williams. Es una película antológica de comedia estadounidense de 1977 dirigida por I. Robert Levy y protagonizada por Angelyne. Robin Williams, un comediante desconocido en aquel entonces, recibió 150 dólares por aparecer en dos segmentos cortos (como abogado y como un paleto con dolor de muelas) que no se incluyeron en la versión original de la película. La película no fue rentable durante su estreno inicial, pero después de que Williams se convirtiera en estrella de la serie de televisión Mork & Mindy, el productor Mike Callie pasó dos semanas en diciembre de 1978 revisando el material eliminado hasta encontrar las escenas "perdidas" de Robin Williams, reeditó la película y la relanzó con Williams como protagonista. Williams y su equipo de representantes demandaron a Callie y al distribuidor de la película por "publicidad falsa y engañosa" y, durante una audiencia judicial, Callie accedió a modificar los anuncios de periódico y televisión para que ya no insinuaran que Williams era la estrella de la película. Los créditos revisados muestran al elenco original de la película, y después se inserta una foto fija de Williams con la leyenda: "Y, por supuesto... Robin Williams".
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POPEYE
1980 | Robert Altman
Popeye llega en su barco a una nueva ciudad donde se enamora de la frágil Olivia, adoptando ambos a un pequeño llamado Cocoliso. Cuando el malvado y fortachón Bluto intenta secuestrar al niño, Popeye demostrará una gran fuerza que obtiene al comer espinacas.
Imposible traslación al cine del popular personaje creado por E.C. Segar en una tira cómica en 1929. Una costosa producción de Robert Evans, que contó con un inadecuado director como Robert Altman –sobre todo porque el proyecto estaba destinado a los niños–, y un reparto ideal por su parecido físico –Robin Williams como el marino de la pipa y Shelley Duvall como la esquelética Olivia–. Finalmente, tras varios problemas en su producción y un tortuoso rodaje en Malta, acabó siendo una especie de musical frío y sin gracia con canciones bastante malas de un Harry Nilsson que incluso se marchó del proyecto antes de terminar la grabación de las mismas.
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EL MUNDO SEGÚN GARP
1982 | George Roy Hill
Durante la Segunda Guerra Mundial, Jenny Fields, una mujer de fuerte personalidad que desea quedarse embarazada sin tener por ello que aguantar un marido, aprovecha su condición de enfermera para mantener relaciones sexuales con un herido con daños cerebrales. Fields se sirve de la respuesta sexual inconsciente del Sargento Técnico (T.S., en sus siglas en inglés) Garp, para concebir a un hijo, al que cría sola. El niño, T.S. Garp, crece obsesionado por dos pasiones: la lucha libre y la escritura. Sin embargo, sus textos despiertan el interés de la hija del entrenador de lucha libre de la escuela, Helen Holm. Ella, no obstante, recela de T.S., debido a su comportamiento promiscuo en la escuela. Jenny también percibe la actitud lujuriosa de su hijo y, con un interés puramente intelectual en el sexo, le ofrece pagarle una prostituta.
Adaptación de la novela del siempre peculiar John Irving, con una estrafalaria galería de personajes, situados alrededor del escritor Garp. Robin Williams se siente como pez en el agua con su perplejo personaje.
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SUFRIDOS CIUDADANOS
1983 | Michael Ritchie
Comedia estadounidense que narra las experiencias de dos supervivientes que, por casualidades de la vida, ven cómo sus caminos se cruzan. Donald Quinelle, ahora en paro, y Sonny Paluso, propietario de una gasolinera, se conocen en un restaurante cuando, de repente, ambos se ven involucrados en un intento de robo. Un hombre cubierto por un pasamontañas, Jack Locke dispara a Donald, mientras Sonny, además de verle la cara, tiene la suerte de no sufrir maltrato alguno. Todo se complica cuando Donald aparece en la televisión narrando su versión de los hechos, poniendo en grave peligro a su nuevo compañero. Esa noche, Jack, decide visitar a Sonny con el único objetivo de acabar con su vida, pero algo se interpone en su camino cuando éste intenta llevar a cabo su cometido. Todo parece haber terminado después de que Jack es enviado a prisión, pero una vez cumplida la condena, Sonny y Donald se vuelven a ver las caras con el atracador, que respira venganza por cada poro de su piel.
Los críticos y espectadores se la recuerdan por la química entre los dos actores, que interpretan a dos hombres que se unen para sobrevivir a una situación desafiante. La película, si bien no es una joya de la narrativa, es apreciada por su humor absurdo y la actuación de Williams. En resumen, "Sufridos Ciudadanos" es una comedia de situación con momentos hilarantes y una buena química entre los actores, pero que no destaca por su originalidad o profundidad narrativa.
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UN RUSO EN NUEVA YORK
1984 | Paul Mazursky
Un saxofonista soviético, Vladimir Ivanoff (Robin Williams), logra escapar de la K.G.B. y se marcha a Estados Unidos, donde consigue asilo político. Vladimir se instala en Nueva York, en Harlem, en el superpoblado piso de Lionel Witherspoon (Cleavant Derricks), un guardia de seguridad. Allí conoce a una voluptuosa italiana, Lucia Lombardo (María Conchita Alonso), y a un perspicaz abogado cubano, Orlando Ramírez (Alejandro Rey), entre mucha otra gente. Vladimir experimentará la frialdad y el dolor que sienten, a menudo, los inmigrantes en una tierra extraña, pero poco a poco, aprenderá a querer a su nuevo país.
Robin Williams te hará reír y llorar como el desertor soviético amante de la libertad en esta brillante y sugerente comedia romántica. Vladimir Ivanoff (Williams), saxofonista circense, deserta de repente de su compañía itinerante en ese templo de la decadencia occidental que es Bloomingdale's. Huyendo del K.G.B., Vladimir consigue asilo y se muda al abarrotado piso en Harlem del guardia de Lionel.
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APROVECHA EL DÍA
1986 | Fielder Cook
Tommy Wilhelm es un hombre honesto que atraviesa tiempos difíciles tras perder su trabajo, pero lo que realmente afecta a Tommy es ver cómo sus amigos y su familia le dan la espalda uno tras otro.
La elección de Williams para el papel se consideró un cambio radical con respecto a sus papeles anteriores, la mayoría cómicos, como la serie de televisión Mork and Mindy (aunque ya había aparecido en papeles dramáticos, como El mundo según Garp). Williams lo describió como "una especie de drama judeo -griego ". La película se filmó en la ciudad de Nueva York durante 30 días, más que la mayoría de las películas para televisión en cadenas comerciales de la época, pero mucho más corto que el tiempo de rodaje de un largometraje. El representante de Williams impidió el estreno de la película en cines. El San Francisco Examiner informó que la decisión se tomó porque la película no se parecía a las comedias por las que Williams era conocido.
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CLUB PARAÍSO
1986 | Harold Ramis
El bombero de Chicago Jack Moniker salió herido de la última acción heroica de su carrera, en la que arriesgó su vida para salvar a un pastor alemán enrabietado. Jack decide vivir su retiro en la pequeña isla caribeña de San Nicolás, donde hace buenas migas con Ernest Reed, el dueño de un resort vacacional en decadencia que ha tenido épocas mejores. En estos momentos, unos especuladores avariciosos están a punto de arrebatarle a Ernest su terreno en primera línea de playa por impago de impuestos. Jack llega a su rescate y juntos renuevan el edificio para reabrir el Club Paraíso y atraer el dinero de turistas norteamericanos. Sin embargo, aunque el negocio hostelero parecía una apuesta segura, nuevos problemas y clientes de lo más excéntricos harán que no sea precisamente un camino de rosas.
El rodaje se realizó en Jamaica, Chicago y Los Ángeles entre abril y julio de 1985. El escenario principal, "Club Paradise", fue construido en la playa Winifred, en la parroquia de Portland, mientras que otras escenas se rodaron en la ciudad de Port Antonio. La productora Warner Bros. planeó estrenarlo a principios de 1986, pero lo retrasó hasta julio. Bill Murray rechazó el papel principal de la película, que finalmente fue otorgado a Robin Williams
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THE BEST OF TIMES
1986 | Roger Spottiswoode
Jack Dundee es un banquero obsesionado con lo que considera el momento más vergonzoso de su vida: dejar caer un pase perfecto en los segundos finales del partido de fútbol americano de secundaria de 1972 entre Taft y sus archirrivales, Bakersfield , que terminó en un empate sin goles. Desde aquel partido, a Jack le ha resultado imposible olvidar lo sucedido. Trabaja para su suegro, el Coronel, el mayor fan de Bakersfield, quien se lo recuerda casi a diario.
En Los Angeles Times, Michael Wilmington elogió especialmente a los coprotagonistas, Williams y Russell, a quienes describió como "quizás lo mejor" de la película, y disculpó los "excesos y defectos" del guion. Calificando la película como "una historia deliciosa sobre la realización de los deseos típicamente estadounidenses y una ingeniosa sátira de sus peligros", elogió al guionista Ron Shelton por su "perversa comprensión de los absurdos y la dinámica de las pequeñas ciudades estadounidenses".
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GOOD MORNING, VIETNAM
1987 | Barry Levinson
Vietnam, 1965. Adrian Cronauer (Robin Williams) es un disc-jockey del Ejército del Aire que es enviado a Saigón, a la estación de radio del ejército norteamericano, para levantar la moral de la tropa. Cronauer no tarda mucho en convertirse en una persona muy popular entre las tropas por sus explosivos comentarios, sus tacos y sus críticas, pero también comienza a suponer un problema para los altos mandos a causa de sus increíbles observaciones sobre la guerra del Vietnam, sobre todo con su superior, el teniente Hauk (Bruno Kirby), quien considera que éste no es ‘políticamente correcto’ y que los atrevimientos del locutor de radio son excesivos. Mientras que él está fuera del aire, trata de conocer a los vietnamitas, especialmente a los más pequeños, y empieza a tener roces con lo que es la verdadera guerra, aquella que nunca aparecerá en la radio.
Atípica película sobre la tan manoseada guerra de Vietnam, esta vez en clave de comedia. Robin Williams da vida a un divertido e imaginativo disc-jockey del Ejercito del Aire norteamericano que es enviado a Saigón con la misión de elevar los ánimos de la desmoralizada tropa. Con lo que no cuentan los mandos es con los atrevimientos del showman y sus explosivas observaciones acerca de la guerra, lo que a la postre se convierte en un verdadero problema para los jefes militares.
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LAS AVENTURAS DEL BARÓN MUNCHAUSEN
1988 | Terry Guillam
En plena invasión turca, un teatro representa 'Las aventuras del barón Münchausen'. En mitad de la obra aparece un caballero asegurando ser el mismísimo barón y anuncia que salvará al pueblo de los turcos, pero antes tendrá que recuperar a su antiguo ejército. La gente le toma por loco, a excepción de la pequeña Sally, la joven hija del director del teatro, que le ayudará en sus aventuras. En el camino se encontrará con personajes y mundos fantásticos.
La película se pasó de presupuesto, pasando de U$23,5 millones a U$ 46,63 millones y fue un fracaso de taquilla. Columbia, la productora de la cinta, hizo la menor distribución posible. Sin embargo, el filme ha ido ganando adeptos con el tiempo. Terry Gilliam no se vio resentido por el fiasco, y tiene un éxito relativo en ciertos círculos donde es exhibida cada cierto tiempo. Debe añadirse que en Estados Unidos el filme no fue bien distribuido por problemas financieros en Columbia Pictures, que estaba en proceso de venta en aquel momento.
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EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS
1989 | Peter Weir
Enmarcada a finales de los años cincuenta, la historia transcurre en la prestigiosa universidad estadounidense de Welton. El principio básico del centro es la disciplina, la cual es llevada a rajatabla por todo el claustro de profesores. El curso se acaba de inaugurar y un nuevo profesor llamado John Keating pretende emplear otros métodos más amenos para educar a sus alumnos. Entre el grupo de compañeros se encuentran cuatro jóvenes que acaban de conocerse y en torno a los cuales girará el relato. Ellos son: Todd Anderson (Ethan Hawke), un tímido muchacho que pretende seguir los pasos de su admirado hermano; Neil Perry (Robert Sean Leonard) que pretende ser actor; Knox Overstreet (Josh Charles) que está colado por una chica, y Charlie Dalton (Gale Hansen) que desea que en el colegio mayor también haya mujeres. Sus sueños e inquietudes pronto se verán hechos realidad gracias al profesor Keating quien les enseña que en la vida hay que vivir el momento. Para ello, crearán un lugar donde expresar sus ideas libremente al que llamarán "el club de los poetas muertos". Esto provocará una revolución en la estricta universidad que les traerá problemas a los chicos y al propio profesor.
El guion fue escrito por Tom Schulman, basado en sus experiencias en la Academia de Montgomery Bell en Nashville, Tennessee, donde fue particularmente inspirado en un maestro de inglés poco convencional llamado Samuel Pickering. Inicialmente se quiso rodar el filme en la ciudad de Rome (en el estado de Georgia). Pero finalmente se decidió cambiar el lugar de rodaje al estado de Delaware, ya que el clima de la zona ofrecía nieve natural y así se ahorraban el problema y el gasto de tener que fabricar la gran cantidad de nieve artificial necesaria para conseguir una buena recreación del campus estudiantil, aunque en realidad la obra estaba ambientada en el estado de Vermont.
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CADILLAC MAN
1990 | Roger Donaldson
Joey O'Brien es uno de los mejores vendedores de coches de la ciudad. Sus compañeros lo envidian porque resulta tan convincente para los hombres como atractivo e interesante para sus mujeres. Sin embargo, vive al límite y de forma desenfrenada: tiene una pensión alimenticia, una ex esposa exigente, una hija desaparecida, un préstamo pendiente con un capo de la mafia y una señora casada que está completa e irrevocablemente enamorada de él. Su vida de excesos finalmente le pasa factura. Las deudas se han ido acumulando y Joey se ve obligado a hacer frente a grandes dificultades. Cuenta tan sólo con 24 horas para demostrar que es el mejor en su trabajo.
Tras el gran éxito de Cocktail, aunque no gracias a su labor, evidentemente, Roger Donaldson dirigió Cadillac Man comedia al servicio de su protagonista, el actor Robin Williams, quien interpreta a un hombre que lo tiene todo y de repente se ve con todo y todos en su contra: pierde el trabajo, a su mujer, a sus amantes y el marido de una de estas le secuestra. El relato que plantea Donaldson podría haber dado pie a una historia sobre ciertos elementos sociales y su concepto de la vida amparados por un sistema que primero permite que suban mucho para, después, tras su caída, dejarlos desamparados. Podría haber sido un drama intensado, pero sus responsables optaron por la comedia. Bien, era un camino. Pero todo se tuerce cuando dichas posibilidades no son aprovechadas en aras de crear una comedia básicamente estructura a base de situaciones pretendidamente graciosas pero que, en general, acaba resultando cargante, irrisoria (por ridícula) y completamente superflua. Una pena que el elenco de actrices se haya desaprovechado en esta majadería.
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DESPERTARES
1990 | Penny Marshall
El médico Malcolm Sayer (Robin Williams) se encuentra con una sala llena de catatónicos víctimas de una epidemia de encefalitis. El doctor se perturba ante esta situación y por el hecho de que muchos son catatónicos desde hace décadas sin esperanza de cualquier cura. Sayer investiga para dar con alguna solución y encuentra una posible cura química y prueba con uno de ellos, Leonard Lowe (Robert de Niro). Ahora él es adulto después de haber entrado en un estado catatónico en su adolescencia. Despertares se deleita en la toma de conciencia de los pacientes y de las reacciones de sus familiares a los cambios en el recién despertado. La esperanza y la emoción de revivir a sus seres queridos después de encontrarse en un estado vegetativo.
El neurólogo Oliver Sacks, quien alcanzara de manera definitiva la fama literaria a mediados de la década de 1980 con "El hombre que confundió a su mujer con un sombrero", ya se dio a conocer en los setenta con Despertares, una obra autobiográfica que relataba su descubrimiento de los efectos beneficiosos en pacientes catatónicos de una sustancia llamada L-dopa a finales de la década de 1960. Dicha obra dio pie a su adaptación cinematográfica escrita por Steven Zaillian y dirigida por la normalmente inefable Penny Marshall. Despertares es, por un lado, una película para el lucimiento de sus dos actores protagonistas; y lo hacen, aunque sus interpretaciones se antojen, quizá, un poco engoladas. Por otro lado, es un producto para todos los públicos, entendido esto como una película que busca la empatización de cualquier tipo de espectador a través de una historia que se pretende sensible, humana, gratificante.
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MORIR TODAVÍA
1991 | Kenneth Branagh
Mike Church es un detective de Los Ángeles que se introduce en la vida de la Gracia una mujer con amnesia que tiene pesadillas perturbadoras. Para que pueda recuperarla deciden contratar los servicios de Franklyn Madson, un hipnotizador misterios que dirige una tienda de antigüedades. Bajo la hipnosis, Gracia afirma que en una vida anterior que fue Margaret Strauss, un concertista de piano que fue asesinada por su celoso marido, Roman. Otras sesiones de la llevaría a creer que Mike es en realidad Roman reencarnado y que los dos están destinados a volver a crear el asesinato. Mike debe tratar de resolver dos misterios - la verdadera identidad de la Gracia y la verdadera historia que hay detrás de una crimen que sucedió hace 40 años.
Tras su debut con la sorprendente Enrique V, Kenneth Branagh dirigió Morir todavía, película de intriga desarrollada en dos épocas conectadas entre sí con la que el cineasta y actor británico propone un relato de aliento clásico en su construcción visual aunque moderno en su narración. Branagh da forma a un relato criminal convencional y bastante tópico en su guion al que intenta trascender mediante la puesta en escena, llena de referencias y guiños cinéfilos que, a la larga, no acaba siendo suficiente como para mantener el interés en una historia que, además, en su trama final, se torna efectista, con golpes de efecto constantes y una resolución que acaba interesando bastante poco. Morir todavía posee esa extraña forma de obra realizada a base de influencias cinematográficas que acaba siendo más un artefacto que una película, más atenta a mostrar su capacidad de mezclar elementos que a narrar pura y simplemente una historia.
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EL REY PESCADOR
1991 | Terry Gilliam
Jack Lucas (Jeff Bridges) es un locutor de radio que tiene un conocido programa por la noche. Lleva una acomodada vida rodeado de lujo pero las cosas cambian de repente. Una noche llama al programa un oyente. Tras escuchar los consejos de Jack, el psicópata asesina a siete personas en un bar. Tras el incidente, Jack se siente culpable y abandona el trabajo debido a su depresión. Tres años después la carga moral hace que intente suicidarse en un barrio marginal de su ciudad, pero justo antes, una panda de delincuentes le intenta pegar una paliza. En ese momento aparece su salvador, un vagabundo llamado Parry Parry (Robin Williams), el cual fue profesor de historia, pero debido a sus trastornos mentales tuvo que abandonar su profesión. Tras salvarle la vida, Parry le dice a Jack que es un soldado medieval que está buscando el Santo Grial y que le gustaría que le acompañara en su cometido. Jack acepta a ayudarlo tomándose la situación como una nueva oportunidad para retomar su vida.
Originalmente una alegoría de cómo la humanidad espera a su salvador, "El Rey Pescador" narra la historia de un hombre tan impulsado por la fama y el poder que no puede ver más allá de sí mismo. El protagonista, Jack, es incapaz de considerar los pensamientos o sentimientos de los demás, hasta que un hombre sin poder (el Rey Pescador representa a quienes estamos "castrados" e incapaces de producir o valernos por nosotros mismos) entra en su vida, brindándole la oportunidad de redimirse. La película es, en sí misma, una adaptación creativa y significativa del relato mitológico, pero su guion es muy deficiente, lo que a menudo lleva al espectador a la frustración, el enfado, la apatía y el desprecio.
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HOOK
1991 | Steven Spielberg
Peter Banning es un gran abogado que ha perdido su infancia. A los cuarenta años Peter Banning, que un día fue Peter Pan, es un hombre que está tan ocupado con su trabajo que ha dejado de darle atención a su familia y ha olvidado su origen. Sus dos hijos serán secuestrados por el legendario Capitán Garfio y llevados al País de Nunca Jamás. Hook aún sigue odiando a Peter Pan y el secuestro de sus hijos será su modo de venganza. Peter Bannin tendrá que regresar al reino encantado y volver a recordar si desea rescatar a sus hijos. Cuando por fin llega, el irreconocible Peter Pan irá recuperando sus poderes a medida que vaya recordando su pasado. Además vivirá emocionantes y divertidas aventuras.
Que el director de Hollywood más afectado por el síndrome de Peter Pan dentro y fuera de su obra cinematográfica terminara haciendo una película sobre el personaje creado por J. M. Barrie era cuestión de tiempo. Lo que ocurre es que a Steven Spielberg, en realidad, le llevo demasiado tiempo sacar a la luz su película debido a diversas circunstancias e imprevistos. No obstante, lo más sorprendente quizás resulte que la dimensión dramática de esta especie de secuela al libro de Barrie en la que un Peter Pan ya adulto (Robin Williams) tiene que enfrentarse una última vez al Capitán Garfio (Dustin Hoffman) es precisamente la mejor entonada del film. Porque donde 'Hook' falla es en el componente de atracción de feria y lucimiento de efectos especiales; todas las secuencias donde el sentido de la maravilla debería reinar en Nunca Jamás parecen contagiadas del espíritu pocho del Peter Pan adulto. El resto es puro espectáculo narrativo, claro, con travellings marca de la casa, música de John Williams y momentos de pura inspiración. Lástima que la dilatada duración junto a varias bajadas de ritmo y el terrible miscasting de Julia Roberts como Campanilla sean un lastre muy pesado para dejar volar la imaginación.
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SHAKES THE CLOWN
1991 | Bobcat Goldthwait
Shakes sobrevive trabajando como payaso de fiestas infantiles y se pasa el tiempo libre emborrachándose. Cuando el payaso Binky consigue un puesto en un show infantil local, Shakes se hunde hasta tal punto que su jefe amenaza con despedirlo si no organiza su vida. Cuando éste aparece muerto, las sospechas recaen sobre Shakes, que tendrá que buscar la información necesaria para limpiar su nombre.
La película es una comedia negra sobre una payaso que se encuentra atrapado por la depresión y el alcoholismo, a quien se acusa de asesinato. Diferentes comunidades de payasos, mimos y otros artistas son representados como subculturas clánicas y rivales obsesionadas con la precedencia y el estatus. Se trata de una amarga sátira de Goldthwait sobre el disfuncional circuito del stand up comedy que conocía como intérprete.
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TOYS
1992 | Barry Levinson
Kenneth Zevo (Donald O'Connor) es un empresario que se ha dedicado toda su vida al sector de la juguetería. Regenta un enorme negocio en el que fabrica y vende juguetes, algo que le reporta una gran satisfacción cuando ve a los niños disfrutando con sus creaciones. Tras caer enfermo decide dejar la factoría a su hermano Leland (Michael Gambon), un estricto militar que detesta a los niños y también los juguetes. Cuando Kenneth fallece, Leland decide dejar de producir juguetes para empezar a diseñar armamento, eso sí, camuflados bajo la apariencia de juguetes. Cuando el hijo de Kenneth, Leslie (Robin Williams), descubre la barbarie que está haciendo su tío con el legado que le ha dejado su padre decide ponerse manos a la obra para frenar sus intenciones. Leslie contará con la ayuda de su novia y de su hermana Alsatia (Joan Cusack) para continuar con el sueño de su padre: hacer felices a los más pequeños.
Dentro de la trayectoria irregular de Barry Levinson, quien vivió su momento dorado con la oscarizada Rain Man, se encuentra este título fallido, Toys (Fabricando ilusiones), en cuya escritura también intervino Levinson, que había comenzado en esto del cine como guionista, dedicación que fue simultaneando en parte de su carrera. Toys (Fabricando ilusiones) narra la historia de una fábrica de juguetes cuyo histórico propietario, en el lecho de muerte, nombra a su hermano como sucesor, un tipo que no tiene nada que ver con esta industria del entretenimiento, sino con la armamentística, dado que es general del ejército. Este atípico planteamiento trata de desarrollarse como comedia negra y pasada de vueltas, o algo semejante, pero en realidad el filme no acaba de saber bien por dónde tirar, sus actores están en general sobreinterpretados y todo su universo visual resulta forzoso y poco agraciado. El sopor se adueña irremediablemente de uno ante la poca hilarante gestualidad de un Robbin Williams sobre cuyos hombros no logra estabilizarse este supuesto filme familiar.
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ALADDIN
1992 | Ron Clements, John Musker
En Agrabah, Aladdin sobrevive gracias a lo que roba en el zoco, siempre con la inestimable ayuda de su mono y amigo, Abú. Un día conoce a una bella joven por la que se siente profundamente atraído de inmediato. Aunque lo que Aladdin no sabía es que se trataba de la princesa Jasmín, quien suele pasear por la ciudad de incógnito. Ambos sabrán que están hechos el uno para el otro. Sin embargo, su historia de amor está condenada de antemano, pues, según prescribe la ley, Jasmín debe casarse con un príncipe antes de que cumpla 16 años. No obstante, un incidente cambia el curso de los acontecimientos: el poderoso Jafar, que conspira para hacerse con el poder del emirato, convence a Aladdin para que le consiga una lámpara de aceite con poderes mágicos, que se encuentra en el fondo de una cueva. El joven encuentra la lámpara, de la que, al frotarla accidentalmente, surge un genio con poder para concederle tres deseos. A partir de ese momento la suerte de Aladdin cambiará de forma irreversible.
Robin Williams interpreta al Genio, el espíritu que vive dentro de una lámpara mágica y que concede tres deseos a su liberador. El papel del Genio fue escrito específicamente para Williams. Además, en la película, el Genio viste una camisa hawaiana amarilla y un gorro de Goofy, como el que Williams usó en el cortometraje de Disney "Regreso a Nunca Jamás" (1989).
John Musker y Ron Clements dirigieron en 1989 la que sería el punto de arranque de la nueva animación de la Disney durante los noventa, La sirenita, la cual precedió a la obra que, realmente, cambió muchas cosas, La bella y la bestia, dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise, dos cineasta que, dentro de la animación y del mismo estudio tienden hacia otro estilo y otras formas narrativas. Musker y Clements, como demuestran en Aladdin, dirigida después de La bella y la bestia, posee un sentido del humor mucho más elaborado, más enloquecido, que el creado por el otro tándem. Y aunque los cuatro no pueden evadirse de las directrices de un estudio que tiende hacia la ñoñería constante y hacia un discurso como poco discutible en cada película, lo cierto es que Aladdin resulta mucho más divertida, aunque quizá también más imperfecta, que La bella y la bestia. Visualmente no aportó tanto como esta, pero logró crear unos personajes inolvidables dentro de una narración dinámica, magnífica. Sigue poseyendo ese halo demasiado infantil, un esquematismo que en ocasiones sonroja, pero en general la Disney no logró después el lograr ese nivel de entretenimiento como en los noventa. Ha mejorado en casi todos los aspectos, aunque siga involutiva en su cerrada y conservadora mirada hacia el mundo, pero aquellas películas poseían un punto de locura que ahora no se encuentra. Al igual que las canciones: entonces eran empalagosas pero más llevaderas que las actuales
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FERNGULLY: LAS AVENTURAS DE ZAK Y CRYSTA
1992 | Bill Kroyer
FernGully es un pequeño poblado de la selva tropical australiana, donde viven pequeñas criaturas que protegen la naturaleza. Pero todos sus habitantes están peligro porque están en el punto de mira de los taladores de árboles. Una pequeña hada vivaz llamada Crysta, reduce a un humano a su tamaño para que junto a ella salven el bosque.
El argumento de 'FernGully', adaptación de un libro de Diana Young, es una sencilla fábula que sirve como llamada de atención contra la contaminación, los incendios, la polución y la tala de árboles, elaborando un mensaje ecologista de amplio calado. Si la estructura dramática sigue un armazón disneyano tan previsible (personaje extranjero que llega a una comunidad, se maravilla al conocerla desde dentro, se enamora de la chica que le sirve como guía y, al final, debe enfrentarse a sus propios orígenes para garantizar la supervivencia del lugar) como el ineludible secundario antropomorfo gracioso (un murciélago con la voz de Robin Williams), los diseños y ambientes son dignos de reconocimiento.
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SEÑORA DOUBTFIRE, PAPÁ DE POR VIDA
1993 | Chris Columbus
El desastroso y cómico Daniel (Robin Williams) se acaba de separar,muy a su pesar, de su mujer. Ambos deciden contratar a una niñera que cuide de los niños mientras ellos trabajan. Sin embargo, Daniel se queda sin trabajo y sabe que tras la separación la relación con sus hijos va a cambiar drásticamente, ya no podrá verlos el mismo tiempo que lo hacía antes. Sus tres hijos le odian. Por eso, se le ocurre la loca idea de disfrazarse de anciana adorable para hacer el casting de niñeras que está llevando a cabo su madre y así pasar más tiempo junto a los pequeños. Ella es la "Señora Doudtfire". Al principio, todo va sobre ruedas y ninguno se da cuenta del engaño. Daniel consigue pasar mucho tiempo con sus hijos, su felicidad va en aumento y todos parecen estar encantados con la niñera. Ni siquiera Miranda (Sally Field), la que fuera su esposa, se da cuenta de quién es en realidad. Pero las mentiras no suelen tardar mucho en ser descubiertas. Sobre todo, si los celos de Daniel se depiertan por culpa del nuevo novio de su ex mujer, el guaperas Stu Denmeyer (Pierce Brosnan).
'Sra. Doubtfire' es una de esas comedias que giran alrededor de un hombre inmaduro e infantil pero lleno de amor. Cuando su mujer decide separarse de él, la custodia de los niños le será concedida a ella y él decidirá hacerse pasar una señora mayor para convertirse en la canguro de los niños. 'Sra. Doubtfire' está llena de un humor de parvulario sustentado sobre la interpretación hiperactiva y grotesca de Williams que llega a ser realmente cansina. Pero además su defensa del "hombre sensible" condenado por el histérico personaje femenino de Sally Field es realmente patética.
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UN HOMBRE PERDIDO EN EL TIEMPO
1993 | Bill Forsyth
Cinco personajes (todos interpretados por Robin Williams) en el curso de cinco épocas diferentes, desde los comienzos de la humanidad hasta nuestros días. Cinco hombres a lo largo de la historia, del coraje, del amor, la felicidad y el progreso.
La película fue escrita y dirigida por Bill Forsyth para David Puttnam mientras él estaba en el control de Columbia Studios en 1989. Cuando Puttnam fue expulsado Being Human fue retirado de la lista de distribución y dieron un lanzamiento limitado en 1993, apenas alcanzando una recaudación de 1.5 millones de dólares en EE. UU. Más adelante, la Warner optaría por distribuirla en el resto del mundo a través de mercados secundarios (televisión y vídeo). Being Human fue el debut en la pantalla para Ewan McGregor.
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JUMANJI
1995 | Joe Johnston
Alan Parrish es el hijo de un famoso magnate de la industria del calzado. En una de sus visitas diarias a la fábrica de su padre, Alan descubre un juego de mesa llamado Jumanji en una zona de obras que hay en el trayecto que va desde su casa al lugar en el que trabaja su padre. Cuando llega a su casa descubre que para jugar necesita la presencia de un jugador más, por lo que decide llamar a su inseparable amiga Sarah White (Bonnie Hunt) para que le acompañe en una sesión. El juego parece bastante extraño desde un principio: las fichas se mueven solas y en el centro del tablero hay una lupa que muestra misteriosos mensajes dependiendo de la casilla en la que caigas. Tras la primera tirada de Alan, la lupa muestra un mensaje que dice. Lo que ninguno de los dos sabía es que los mensajes del juego se hacen realidad, por lo que Alan es absorbido por el juego y trasladado a la selva hasta que un jugador saque un 5 o un 8. Pasarán 25 años hasta que Peter (Bradley Pierce) y su hermana Judy (Kirsten Dunst) descubran de nuevo el juego en el desván de su nueva casa y decidan comenzar una nueva partida que traiga de vuelta a Alan. El joven Parrish no será lo único que regrese la jungla.
Tomando como base un relato infantil ilustrado de Chris Van Allsburg, el director Joe Johnston siguió demostrando su vinculación a lo que podríamos llamar la escuela Spielberg de entender el cine familiar de gran presupuesto con una película fantástica, aventurera y a la vez asentada con solidez en un mundo cercano, cotidiano y reconocible (aspecto absolutamente descuidado en los blockbusters posteriores al cambio de milenio). La introducción del juego de mesa mágico 'Jumanji', cuyas partidas son capaces de trasladar sabanas africanas y junglas amazónicas ante las narices de los jugadores posee un sentido de la maravilla genuino, que además no pierde ni un ápice de misterio pese a fijar con claridad sus reglas de funcionamiento. Maneras de buen narrador. El protagonismo de la cinta se reparte entre los dos niños interpretados por Malcolm Stewart y Kirsten Dunst y un pletórico Robin Williams, que toma el papel de un niño convertido en adulto tras pasar 26 años atrapado dentro del tablero del juego. El desarrollo narrativo de la película, meticulosamente distribuido entre set pieces con las catastróficas consecuencias de cada nuevo turno de juego y las complicaciones que surgen para continuar la partida es un ejemplo de escritura funcional pero inteligente, que entiende el cine espectáculo como algo más que una sucesión fragmentaria de fuegos de artificio.
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A WONG FOO, GRACIAS POR TODO, JULIE NEWMAR
1995 | Beeban Kidron
Narra el viaje de tres drag queens que se lanzan a la carretera con Hollywood como destino. Una avería les obliga a recalar en una pequeña y cerrada comunidad a la que pronto empezarán a revolucionar. El contraste entre lo que ellas representan y el machismo imperante que generará una serie de conflictos con las protagonistas está presentado y desarrollado con excesiva simpleza y previsibilidad. ¿Drag queens políticamente correctas?
El reclamo fundamental de A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar, bien aprovechado como gancho mediático, es el travestimiento de tres intérpretes de rostros conocidos: Patrick Swayze, Wesley Snipes y John Leguizamo. El trío hace una labor encomiable, sus caracterizaciones funcionan individualmente y también tienen gracia como grupo. Sin embargo, este cruce de comedia sexual y road movie que propone la británica Beeban Kidron decide descansar entre tópicos y superficialidades, tratando de emular, sin lograrlo, a esa otra estimulante propuesta que dos años antes había firmado el australiano Stephen Elliott, Las aventuras de Priscilla, reina del desierto. Robin Williams expresó interés en un posible papel, pero no quería distraer la atención de los tres protagonistas, así que optó por un pequeño cameo.
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NUEVE MESES
1995 | Chris Columbus
El atractivo psicólogo infantil Samuel Faulker (Hugh Grant) lleva una acomodada vida junto a su encantadora novia Rebecca (Julianne Moore). Su clínica de psicología infantil le reporta tantos beneficios que le ha permitido comprarse un fabuloso Porche rojo, que lo cuida como si fuera su propio hijo. Pero de pronto todo su mundo se ve trastocado cuando Rebecca le dice que van a ser papás. Ante tal responsabilidad Sam empieza a agobiarse, ya que tendrá que deshacerse de muchas de las cosas que adora, como su precioso coche. Por si fuera poco, los amigos de Sam, una panda de excéntricos y alocados personajes, empezarán a darle consejos que le confundirán aún más. En estos nueve meses, el joven tendrá que madurar y afrontar la situación si no quiere perder a la mujer de su vida.
'Nueve meses' debía convertirse en el trampolín hacia el cine estadounidense de Hugh Grant, la gran estrella del cine británico de los noventa. Chris Columbus firma esta comedia romántica cuya estructura clásica (chico vive con chica, chico pierde a chica y chico recupera a chica) se desarrolla según las pautas marcadas por el embarazo de protagonista femenina, una siempre atractiva Julianne Moore. Mientras que el personaje masculino a quien encarna Grant vive sumido en las típicas inseguridades de treintañero con miedo a la madurez. Malo cuando en una comedia romántica falla desde el principio la química entre la pareja protagonista. Y aquí la unión enetre Grant y Moore queda forzada en todo momento: juntos no desprenden ni encanto, ni frescura ni humor. De hecho, el momento más divertido, siendo generosos, del film se sitúa más en el registro del slapstick que en el de la comedia romántica. La película, finalmente, deviene una gran oda a la familia. Si el objetivo de muchas comedias románticas es mostrar el proceso de transformación de un chico atractivo pero inmaduro en el miembro perfecto de una pareja estable, aquí además también se convierte en padrazo.
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UNA JAULA DE GRILLOS
1996 | Mike Nichols
La apacible vida de Albert y Armand, una pareja homosexual, se ve totalmente alterada ante la inminente boda de Val, el hijo de Armand, con la hija de un senador ultraconservador. El político, que desea promocionar los valores tradicionales de la vida familiar, decide visitar a la familia del novio, sin saber con lo que se va a encontrar.
La película fue bien recibida por la crítica y la audiencia. Cuenta con un 79% de rating aprobatorio en la página Rotten Tomatoes, basado en 47 reseñas. Su consenso afirma: "Mike Nichols presenta divertidas actuaciones de Robin Williams y Nathan Lane en este divertido, si no esencial, remake de la comedia franco-italiana La Cage aux Folles".
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JACK
1996 | Francis Ford Coppola
Jack Powell, interpretado por Robin Williams, tiene diez años y le encantan los superhéroes, pero a la vez es un tanto diferente al resto de los niños de su edad. Debido a una anomalía genética que le hace envejecer mucho más rápido, Jack está atrapado en el cuerpo de un hombre adulto. Sus padres al principio se muestran preocupados, pero deciden enviarle a la escuela al igual que a cualquier niño. La vida de Jack no es fácil, pero cambiará por completo cuando empieza el colegio y conoce a un grupo de chicos de los que rápidamente se hará amigo.
En vez de aprovechar la oportunidad que brindaba la historia de un niño de 10 años atrapado en el cuerpo de un adulto para abrazar una cierta vuelta a la experimentación lúdica e infantil con la imagen cinematográfica, un somnoliento Francis Ford Coppola simplemente se limitó a filmar una de sus películas más mercenarias para Hollywood. Sobreponerse a la experiencia de ver al director de 'El Padrino', 'La conversación' o 'Apocalypse Now' dirigiendo una dramedia familiar con el cómico Robin Williams haciendo carantoñas ya es suficientemente traumático, pero encima el resultado final del film no lo pone más fácil. Williams saca de paseo todos sus tics y muecas característicos para comportarse como la película supone que lo haría un niño pequeño sobredimensionado. Tom Hanks hizo algo similar en 'Big' y los resultados tampoco fueron muy satisfactorios, pero en el caso de 'Jack' encima hay que aguantar una serie de volantazos dramáticos que llevan la película desde la comedia blanca hasta el drama trágico con movimientos tan torpes como los de su protagonista en medio del aula, uno de los pocos momentos de brillo gracias al humor físico de Williams.
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HAMLET
1996 | Kenneth Branagh
Hamlet, el príncipe de Dinamarca, regresa a casa y encontrar a su padre asesinado y su madre casada con el asesino, su tío. Al ver el fantasma de su padre, él es llevado a un estado parecido a la locura y se obsesiona en su búsqueda de venganza. Dividido por sus emociones, Hamlet lucha por tomar la decisión correcta, qeu será causar la muerte de su propia madre.
Kenneth Branagh ya había estrenado con gran éxito e impecable recibimiento crítico sus largometrajes de 'Enrique V' (1989) y 'Mucho ruido y pocas nueces' (1993), pero esta versión de 'Hamlet', la obra más emblemática de William Shakespeare, desbordaba en ambición cualquier intentona anterior. Tomando como base el montaje de Adrian Noble con la Royal Shakespeare Company que Branagh ya había protagonizado, el cineasta británico retomó el papel del torturado príncipe de Dinamarca para escribir y dirigir la adaptación más completa y exhaustiva hasta la fecha, rodada en épicos 70 mm. y 4 horas completas de duración. La audacia visual de Branagh se adecúa a la escala de la propuesta y un reparto preñado de grandes interpretaciones (aparte del protagonista, es necesario destacar a Kate Winslet como Ofelia y a Derek Jacobi como un Claudio histórico), engarzando largos planos secuencias que recorren el espacio entre los personajes y hacen que tanto los decorados del interior del palacio como los exteriores rodados en Blenheim luzcan con la misma profundidad que los pesares de los humanos que los habitan.
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AGENTE SECRETO
1996 | Christopher Hampton
En el Londres de la época victoriana de finales del siglo XIX vivían todo tipo de exiliados políticos, anarquistas y partisanos. Verloc trabaja como espía para la embajada rusa, y un día recibe la orden del embajador de poner una bomba en la misma, para provocar la atención de la policía británica como denuncia por su supuesta dejadez en sus funciones de protección, bajo la amenaza de que si no lo hace, será expulsado de su puesto de trabajo. Verloc ejecuta su trabajo con la ayuda del hermano de su mujer, a espaldas suyas: un retrasado mental que fracasa en su cometido, con consecuencias desastrosas para la familia.
Situando su acción en el Londres de finales del siglo XIX y adaptando él mismo la novela homónima de Joseph Conrad, el también autor teatral y guionista Christopher Hampton (natural de Las Azores) dirigió El agente secreto un año después de Carrington, debut que le había valido el reconocimiento internacional (entre otros, el Premio Especial del Jurado para su director y el premio a su protagonista masculino, Jonathan Pryce, en el Festival de Cannes). El agente secreto cuenta una trama de espionaje y traiciones varias ambientada en la capital británica cuando el anarquismo recurría a los actores terroristas para forzar el cambio social y político, en el contexto previo a las revueltas sociales del siglo venidero. Las dobles o varias identidades son la moneda de cambio de un filme con el espía Mr. Verloc en el centro de la acción. Sin embargo, el guión no logra desarrollar una intriga que mantenga nuestro interés, en varios momentos resulta tedioso y repetitivo e incluso gratuito y efectista en varias secuencias.
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FLUBBER Y EL PROFESOR CHIFLADO
1997 | Les Mayfield
Philip Brainard (Robin Williams) es un simpático y despistado científico que trabaja en una universidad que está cerca de la bancarrota por falta de dinero. Después de realizar grandes investigaciones y proyectos, Brainard descubre una nueva sustancia de color verde capaz de desafiar las leyes de la gravedad. El nuevo elemento tiene la capacidad de hacer saltar a la gente distancias imposibles para un ser humano normal. Tras probarlo en un partido de baloncesto poniéndo pequeñas muestras en las zapatillas de los estudiantes, el profesor decide llamar a su descubrimiento Flubber. Pero un científico conocido no tardará en descubrir que Brainard trama algo. Husmeando en su despacho descubre a Flubber, al que intentará robar para hacer suyo el hallazgo y quedarse con todo el dinero y la fama que una sustancia con esas propiedades puede generar.
Les Mayfield, un director que solo se ha dedicado a hacer películas-basura, firmaba esta aventura familiar protagonizada por un Robin Williams en su salsa, pasado de rosca y desenfrenado interpretando al profesor loco que descubre una sustancia verde voladora capaz de generar energía. 'Flubber y el profesor chiflado' es una película familiar que gustará especialmente a los más pequeños. Sus efectos especiales son notables y los personajes están bien trazados, tienen cierta humanidad. Lamentablemente, la película carece de consistencia, en algunas ocasiones el ritmo se vuelve algo perezoso, algo que no se puede permitir una historia destinada a captar la atención de niños. El humor un tanto tosco, sin mucha gracia, no es tampoco el aliado ideal para una cinta de estas condiciones. Y si realmente te irrita el papel que interpreta Robin Williams, lo único que puedes hacer, es huir.
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DESMONTANDO A HARRY
1997 | Woody Allen
Harry Block (Woody Allen) es un gran novelista, pero odiado por familiares y amigos, puesto que ha utilizado sus experiencias con ellos a la hora de escribir sus obras. Una noche, Lucy (Judy Davis) va a su casa para pedirle explicaciones, pues en su última novela tratan un tema de infidelidad basado en Lucy y Harry, que tiene como resultado el impulso de Lucy de querer suicidarse. Lucy saca una pistola del bolso y empieza a disparar. Harry huye hacia la azotea mientras ella le persigue. Llegado el momento, Harry se confiesa a Lucy, diciéndole que ya ha sido víctima de su propia medicina, pues su última novia, Fay (Elisabeth Shue) le ha dejado por su mejor amigo, Larry (Billy Crystal). Poco después de este suceso, recibe un mensaje de su Universidad, la cual, debido a su gran éxito, quiere rendirle un homenaje. Harry se encuentra ante un problema: nadie quiere acompañarle al evento. Intenta ponerse en contacto con su ex mujer para pedirle al hijo de ambos que le acompaña. Tras su negativa, consulta a un conocido suyo, Richard, quien también le rechaza. Con todo en contra, y como último recurso, Harry recurre a una prostituta llamada Cookie (Hazelle Goodman). Después de acostarse con ella le pregunta si le haría el favor de ir con él, lo que ella acepta. La sorpresa de Harry será mayúscula al ver el día del homenaje a su hijo y Richard esperando para acompañarle.
El comienzo de 'Desmontado a Harry' es ya una ruptura con respecto a toda su filmografía: los cortes continuos que repiten una misma escena (a lo Godard) ya apuntan a una película diferente en la que Harry Block (Allen), un escritor que ha vivido de sus experiencias y de aquellos a quienes ha conocido durante su vida para escribir sus obras (más o menos lo que el propio Allen con su cine), emprende un viaje tanto físico como mental durante el cual ficción y realidad se confunden. Así, Allen construye (y deconstruye) una película sombría, agresiva, en la que el cineasta parece rendir cuentas con todo el mundo. Con cada personaje con quien Harry se encuentra Allen da sentido al personaje, a su vida, pero a su vez lo reconfigura de nuevo. El director lleva a cabo un trabajo de construcción identitaria divertido pero hiriente en el que el drama se da la mano con la comedia más negra en una de las mejores películas de su director, aunque en su día no fuera recibida con demasiado entusiasmo, quizá porque la radicalidad da la propuesta y la reinvención de Allen resultaba demasiado confusa. Pero 'Desmontando a Harry' supone una propuesta aislada dentro de su carrera, una rara avis.
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EL INDOMABLE WILL HUNTING
1997 | Gus Van Sant
Will Hunting (Matt Damon) es un joven rebelde que aún teniendo una gran capacidad intelectual se dedica a meterse en problemas con su mejor amigo (Ben Affleck). Will trabaja como empleado de mantenimiento en una universidad, y un día resuelve un complejo ejercicio de matemáticas que estaba en la pizarra. Este hecho hará que el profesor Gerald Lambeau (Stellan Skarsgard) quiera localizar al genio. Tras una reyerta en un bar el joven ingresa en prisión. El profesor le ofrece un trato: si le ayuda a resolver complejos problemas de matemáticas podrá salir de la cárcel bajo su tutela, de lo contrario tendrá que quedarse a cumplir su condena. El profesor le presentará a Sean McGuire (Robin Williams) un terapeuta que le ayudará a resolver sus conflictos internos y a superar la rebeldía que le caracteriza.
En uno de los volantazos estilísticos que terminarían por convertirse en moneda común a lo largo de su carrera, Gus Van Sant aceptó dirigir el guión que Miramax había comprado a dos jóvenes actores que lo estaban intentando sacar adelante. Esos jóvenes eran Matt Damon y Ben Affleck y el guión trataba sobre un veinteañero de extracción humilde del sur de Boston que resulta ser un genio no reconocido y debe ver a un psicólogo como parte de su acuerdo de libertad condicional tras agredir a un policía. 'El indomable Will Hunting' se puso en marcha y logró convertirse en uno de los grandes éxitos oscarizados del indie de los 90. Efectivo y directo, el guión de Damon y Affleck está bien surtido de escenas importantes y definitorias, con sus buenas dosis de diálogos hipertrabajados y llenos de aserciones sobre la educación, la cultura, la experiencia o la sabiduría que invitan a la reflexión; un trabajo modélico según los cánones de prestigio comercial de Hollywood. Van Sant asume la dirección del libreto como un Clint Eastwood modélico y se centra en crear espacios para que los personajes trabajen sus líneas, las paladeen sin intrusiones formalistas y apostando por una narración prácticamente desnuda y una cámara que sabe cuándo mantener la distancia y cuándo acercarse.
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PATCH ADAMS
1998 | Tom Shadyac
Finales de la década de los 60. Hunter Adams trabaja como voluntario en un hospital de salud mental. A pesar de las duras historias que tienen lugar en el centro, ha sabido ganarse el apodo de "patch" (parche) por ayudar a sus compañeros a no perder nunca el ánimo. Poco tiempo después, "Patch" decide convertirse en médico e ingresa en la Universidad de Virginia. Allí, cuestiona los métodos para tratar a los pacientes con graves enfermedades y revoluciona el mundo de la medicina. Está basada en la historia real de un doctor que destacó en la comunidad médica por sus originales terapias con los enfermos de cáncer. A través de la risoterapia, consiguió que muchos pacientes recuperaran el ánimo durante el largo proceso de su enfermedad.
'Patch Adams' podría ser utilizada como instrumento de tortura. Pocas películas más insoportables y más irrespetuosas con asuntos como las medicinas alternativas se han producido en los últimos años. Solo imaginar a Robin Williams en el papel de un doctor-payaso que reta la institución médica con sus formas de cura alternativa ya resulta doloroso. El resultado en imágenes es mucho peor. Un Williams demasiado mayor para su papel descubre su vocación tras internarse de forma voluntaria en un psiquiátrico. Según comprueba en su propia piel, los médicos atienden a las enfermedades y no a las personas, así que decide apuntarse a la Universidad para cambiar las cosas: él sí escuchará a los pacientes, les hará reír y les consolará. Sus métodos poco convencionales chocan con una institución médica rígida y arquetípica. Pero, por supuesto, tras superar algún momento dramático, triunfará en sus propósitos y convertirá la risoterapia en algo aceptable.
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MÁS ALLÁ DE LOS SUEÑOS
1998 | Vincent Ward
Annie tiene pocas ganas de vivir tras la muerte de sus dos hijos. Casada con el doctor Chris Nielson, su marido conseguia que la vida de la protagonista tenga algo de sentido. Pero cuando Chris muere en un terrible accidente de tráfico, Annie decide suicidarse: las pocas ganas de vivir que aún tenía se hicieron pedazos. Los protagonistas seguirán viéndose, pero en un mundo pararelo entre la vida y la muerte.
Adaptación de la novela de Richard Matheson, que pese a su trayectoria como guionista no actuó como tal en esta ocasión. Más allá de los sueños nos presenta a un matrimonio que trata de salir adelante tras la pérdida de sus dos hijos en un accidente de tráfico. Repentinamente también muere el marido, que inicia un viaje hacia el cielo mientras que su mujer entra en una especie de espiral infernal en la tierra. Gradualmente la película empieza a adquirir en exceso tonos pastel y queda monopolizada por un enfoque almibarado. Su apuesta por el melodrama lírico-filosófico poco tiene que ver con puntos de partida similares donde los protagonistas también debían confrontar la pérdida. Por ejemplo, la trágica La habitación del hijo de Nanni Moretti o la versión thriller de James Wan en Sentencia de muerte. El realizador neozelándés Vincent Ward no logra un tono adecuado y verosímil para esta propuesta "fantástica" que se enreda demasiado con la trascendencia y se estira también demasiado en el tiempo.
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EL HOMBRE BICENTENARIO
1999 | Chris Columbus
A principios del siglo XXI, la robótica ha progresado considerablemente. La familia Martin puede ahora permitirse comprar un robot doméstico, el NDR-114, diseñado para efectuar todas las tareas del hogar. Los niños reaccionan cada uno de una forma diferente ante la presencia del recién llegado, llamado Andrew. Grace, la mayor, lo ve como una lata de conservas y le ordena saltar desde el primer piso. Tras el incidente, Andrew demuestra creatividad y desarrolla sentimientos. El señor Martin decide tratarlo desde entonces como un ser humano de verdad.
'El hombre bicentenario' es un drama de ciencia-ficción que se construye sobre el tan manido tema de la relación entre hombres y robots. Andrew (Robin Williams) es un robot que Richard (Sam Neill) compra para realizar pequeñas tareas caseras pero la familia pronto se da cuenta de que no se trata de un robot cualquiera pues empieza a experimentar sentimientos, emociones y piensa más allá de aquello para lo que lo han programado. La película es una interesante adaptación de una historia de Isaac Asimov, bien dirigida por Chris Columbus y pensada para gustar a grandes audiencias. Pero, pese a que el filme está lleno de tópicos y arropado por un sentimentalismo algo lacrimógeno, está bien construido narrativamente y sabe como conducir la emoción. Se trata de un filme que explora con inteligencia temas como el paso del tiempo y está lleno de detalles que hacen que esta aproximación al género sea más interesante de lo que parece a primera vista.
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ILUSIONES DE UN MENTIROSO
1999 | Peter Kassovitz
Invadida por los nazis en la Segunda Guerra Mundial, Polonia malvive con el único deseo de que el conflicto acabe cuanto antes. En un barrio judío, Jakob es propietario de un café. Todos sus compatriotas sobreviven como pueden en el guetto que los nazis han creado para ellos. Jakob perdió a su mujer en un campo de concentración y el sentido del humor es lo único que le queda. Por eso, decide crear historias ficticias sobre la guerra y así animar a los habitantes del barrio.
Es muy probable que el éxito de 'La vida es bella' (Roberto Benigni, 1997) y su visión sobre los horrores del Holocausto desde una óptica luminosa y positiva influyera de manera decisiva en la producción de esta nueva adaptación de la novela 'Jacob el mentiroso' de Jurek Becker, publicada en 1969 por el escritor polaco superviviente del Holocausto Jurek Becker. Frente a la película checo-germana de 1975 dirigida por Frank Beyer, en esta ocasión estamos ante un proyecto del húngaro Peter Kassovitz que cuenta con la presencia de estrellas de Hollywood como Robin Williams (en el papel protagonista) o Alan Arkin y un reparto internacional. Igual que el libro de Becker, 'Ilusiones de un mentiroso' es una tragicomedia protagonizada por uno de los habitantes del gueto judío de Polonia durante la Segunda Guerra Mundial. Al ser detenido en una ocasión y llevado a una comisaría, Jacob escucha por encima una transmisión de radio en la que los alemanes haban de las tropas soviéticas y, frente a su voluntad, al compartir la información corre la idea de que tiene una radio oculta. Pese a sus intentos por negarlo, se ve metido en una espiral continua de mentiras que, al menos, mantienen viva la esperanza de los judíos del gheto. Pese a lo espinoso que pueda resultar el tema, Peter Kassovitz y Robin Williams hacen un buen trabajo combinando humor y tragedia en una película mucho más sólida y respetable que la de Roberto Benigni.
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A. I. Inteligencia artificial
2001 | Steven Spielberg
David (Haley Joel Osment) es el primer niño robot que, a diferencia del resto de máquinas, puede amar. Ha sido inventado en un momento en el que los recursos de la naturaleza son escasos, pero la tecnología avanza a pasos agigantados, hasta el punto de originar alimentos por ingeniería y crear robots para cubrir las necesidades de los humanos. Un trabajador de Cybertronics Manufacturing adopta a David de forma momentánea para, así, estudiar su comportamiento. Tanto él como su esposa acaban por tratar al niño artificial como a su propio hijo biológico, el cual se encuentra criogenizado debido a una enfermedad terminal para la que no existe cura. A pesar del cariño que le profesan, David siente la necesidad de escapar de su hogar e iniciar un viaje que le ayude a descubrir a quién pertenece realmente. Ante sus perplejos ojos, se abrirá un nuevo mundo oscuro, injusto, violento, insensible... Algo que le resultará difícil aceptar. Mil preguntas rondarán su cerebro metálico: ¿cómo es posible que sienta algo tan real como el amor y que él sea artificial?
En plena reivindicación de la figura de Kubrick tras su muerte, Steven Spielberg anunció que preparaba la realización de un viejo proyecto que habían llevado a cabo ambos directores durante muchos años. El resultado fue 'Inteligencia Artificial', una cinta irregular, pero fascinante, que está influenciada por el mundo de ambos directores, siendo una mezcla extraña y contradictoria. De Spielberg, los dramas familiares, las relaciones maternofiliales llevadas hasta la obsesión y la mirada profunda hacia los sueños infantiles. De Kubrick, el comentario social violento, la reflexión sobre el destino de la civilización y cierto misticismo poshumano. En medio de todo esto, un niño robot interpretado por Haley Joel Osment, entonces estrella mundial tras el inesperado éxito de 'El sexto sentido'. Puede que en ocasiones, 'Inteligencia artificial' sea demasiado ingenua en la descripción de esa historia de amor entre una madre y su hijo robot, que jamás olvida el sentimiento de pertenencia hacia ella. Y puede que también resulte demasiado pretenciosa en su parte final apocalíptica. Pero también es una película misteriosa, en la que el espectador tiene espacio para pensar su propia interpretación. Y hay algo en ella profundamente emocionante que es difícil de describir: esos sentimientos de amor humano en un tiempo que la civilización ha dejado de existir.
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INSOMNIO
2002 | Christopher Nolan
Will Dormer, un policía veterano y desengañado, es enviado a Alaska para investigar la sórdida muerte de una adolescente. Él y sus hombres le tienden una emboscada al asesino, pero este consigue escapar. Will corre tras él, pero le pierde de vista entre la espesa niebla. Creyendo ver una sombra que empuña un arma, dispara contra ella. Pero, al acercarse al cadáver, descubre que acaba de matar a Hap, su compañero. Instintivamente, coge la pistola que el asesino había dejado caer en su huída y la sitúa cerca de Hap, para disimular su culpabilidad. Sin embargo, Walter Finch, el asesino, lo ve y lo amenaza con denunciarle si no cierra de inmediato el caso acusando al exnovio de la víctima de ser el responsable de ambas muertes. Will no puede permitir que Walter se libre tan fácilmente, pero la falta de sueño le impide pensar con claridad.
Después de sacar punta a la inversión del tiempo narrativo en una cinta cercana a los códigos del neonoir como 'Memento' (2000), el británico Christopher Nolan continuó su camino de asentamiento en Hollywood con el remake de uno de los mejores thrillers europeos de la década de los 90, la película noruega 'Insomnia', dirigida por Erik Skjoldbjærg en 1997 y protagonizada con firmeza por Stellan Skarsgård. En la versión norteamericana es Al Pacino quien toma el papel del detective de policía Will Dormer, lanzado a la caza de un asesino mientras sufre la presión de una investigación de Asuntos Internos sobre la muerte de su compañero que, efectivamente, él provocó. Sin apartarse demasiado de las guías establecidas por la película original, Nolan saca el máximo partido al paisaje blanco, hostil e inmenso de Alaska para convertirlo en una representación de la atormentada e insomne mente de Dormer. Aunque en ese campo su 'Insomnio' no aporta nada esencial respecto al film de Skjoldbjærg, la renqueante presencia de Pacino y ver cómo la privación de sueño y la desorientación le van convirtiendo paulatinamente en un escombro humano ya hacen que acercarse al remake merezca la pena.
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SMOOCHY
2002 | Danny DeVito
Smoochy es un adorable rinoceronte morado que trae la alegría a los más pequeños. Su programa tiene un enorme éxito y sus artículos promocionales se venden como rosquillas. A pesar del entusiasmo general, Rainbow Randolph, su predecesor, lo odia a muerte. Antes de que lo pusieran en la calle por oscuros motivos, era él quien entretenía a los niños en el mismo horario de emisión. Frank Stokes, el director del programa, contrató entonces a Sheldon Mopes para reemplazarlo. Este, además, ha empezado a frecuentar también a Nora, una exnovia de Rainbow que trabaja en la programación. Rainbow no está dispuesto a resignarse y ya tiene elaborado un plan maquiavélico para vengarse.
Una comedia negra muy extraña. Es completamente oscura y cínica, pero también extrañamente boba y divertida. Robin Williams ofrece una actuación secundaria magnífica y disparatada como Rainbow Randolph, un presentador de televisión infantil caído en desgracia que poco a poco se desquicia a medida que su sustituto, Smoochy The Rhino, se vuelve cada vez más popular. Es una película muy diferente, y no hay un punto de apoyo real a medida que la espiral de maldiciones resultante se vuelve cada vez más loca y salvaje; sin embargo, eso es parte de la diversión: ver hasta dónde llegan con esta premisa completamente disparatada.
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RETRATOS DE UNA OBSESIÓN
2002 | Mark Romanek
Sy Parrish es un hombre anodino y tímido que dirige desde hace años el laboratorio fotográfico de los grandes almacenes “SavMart”. Vive solo, adora su trabajo y es un auténtico perfeccionista a la hora de revelar los negativos. Cientos de fotos, en las que aparece la familia Yorkin, tapizan las paredes de su vivienda. Desde hace años, los Yorkin llevan sus fotos a revelar a SavMart. Son una perfecta familia de los suburbios y Sy no puede resistirse a seguir sus vidas a través de las copias de sus fotos. Pero un día, el director de los grandes almacenes, Bill Owens, lo despide. Sy consigue hacerse con una serie de fotografías donde aparece Will Yorkin en pleno adulterio y, consternado por el comportamiento del padre de esta familia “perfecta”, Sy decide hacer algo al respecto.
Siendo uno de los pocos papeles dramaticos del actor Robin Williams esta pelicula tiende a sobrevalorarse pero en realidad es una mala pelicula. El problema radica en como se escribió la trama: a pesar de tener una excelente premisa (que encaja perfectamente en el genero de los thriller) hubo una fijación del autor en evitar el cliche lo que resultó en una trama terriblemente forzada y falta de coherencia. Ese deseo excesivo de no caer en lugares comunes se pone en evidencia en como el director-escritor Mark Romanek creó algunas de las escenas que no tienen mucha logica y son claves para la trama, sin entrar en spoiler : En un momento temprano de la pelicula se muestra a un niño de 9 años muy preocupado por la vida de un dependiente de almacen que apenas conoce. De hecho la madre lo cuestiona por sus preocupaciones evidentemente infundadas pero según lo que va mostrando la pelicula el niño parece tener un sexto sentido para adivinar la vida de la gente. Mas avanzado en la pelicula se pone a los espectadores a rascarse la cabeza pensando como es posible que un administrador de tienda despida a un empleado y le exija continuar trabajando por 4 dias mas lo que obviamente resulta en los problemas que podrian suceder en cualquier situacion de esas. Y asi va la pelicula mostrando sucesos y reacciones totalmente ajenas a lo que haria una persona de verdad.
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NOEL
2004 | Chazz Palminteri
Esta comedia dramática nos lleva hasta Nueva York. Es la víspera de Navidad y, gracias al azar, las vidas de cinco personajes se mezclarán; cambiando las circunstancias de cada uno y consiguiendo que la palabra "milagro" adquiera una nueva dimensión para ellos. Rose Harrison (Susan Sarandon) es una publicista solitaria y divorciada que espera que la salud de su madre, internada en un hospital por culpa del Alzheimer, mejore. Al mismo tiempo Nina Vasquez (Penélope Cruz), cansada de tantos celos, rompe su compromiso con Mike Riley (Paul Walker), su prometido, pero se da cuenta de que le echa de menos. Mike está siendo acechado por Artie Venzuela (Alan Arkin), un extraño camarero. Cuando Jules Calvert (Marcus Thomas) era adolescente pasó las mejores navidades de su vida en un hospital y tiene la esperanza de poder pasar la noche de Navidad allí. ¿Qué repercusión tendrá la víspera navideña en las vidas de todos los personajes? ¿Cómo se entrelazarán sus caminos?
La película gira en torno a cinco personajes, cuyas difíciles vidas se cruzan con otras en una serie de inesperados eventos que se van sucediendo durante la víspera de Navidad en la ciudad de Nueva York. Charlie (Robin Williams), un paciente terminal de cáncer encarnado en ángel, se presenta como la persona que puede ser capaz de ayudar a Rose a darse cuenta finalmente de que ella debe vivir su propia vida muy feliz.
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DELITOS MENORES
2005 | David Duchovny
Tom Warshaw es un artista americano que vive una existencia bohemia en París. Actualmente quiere dar algo de sentido a su vida y para ello reflexiona sobre su frústrate infancia. Se remonta al Greenwich Village de 1973 cuando tenía 13 años. No fue una etapa fácil de su vida, su madre no le prestaba mucha atención porque estaba sumergida en una terrible depresión, por la muerte de su padre. A raíz de este hecho Tommy tomo una actitud rebelde que le metía en serios problemas. Una tragedia inesperada cambiará radicalmente su mundo y se verá obliagdo a tomar una decisión que definirá su vida.
Nos cuenta la historia de un joven que vive con su madre soltera mientras se cría en el Greenwich Village de principios de la década de los 70. El filme resigue las hilarantes y profundamente emotivas aventuras de este chico y de su mejor amigo, el poco iluminado conserje de su instituto. La historia salta del pasado al presente a voluntad mientras el joven, ahora un adulto, trata de resolver la confusión que le embarga en cuanto a su actual relación sentimental buscando las claves de su pasado y de la relación secreta que mantuvo con una mujer misteriosa, quien se hallaba encarcelada en la infame prisión para mujeres que estuvo en pleno Greenwich Village durante la mayor parte del siglo XX.
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LA MEMORIA DE LOS MUERTOS
2005 | Omar Naim
Una historia ambientada en un mundo donde cada persona lleva consigo un chip integrado que registra toda su vida. Cuando una de esas personas muere, el chip se vuelve crucial a la hora de recordar su vida. Un editor de vídeos experto en hacer este tipo de montajes correrá peligro en su última misión, cuando debe recrear la vida de un alto cargo político.
‘La memoria de los muertos' tiene una de las premisas más interesantes del cine fantástico reciente. El implante Zoe, es un chip que se instala en el cerebro de las personas y graba todas sus vidas. Cuando estas mueren, un montador toma estas imágenes y las edita hasta convertirlas en un vídeo convencional. Para hacerlo se entrevista con los familiares de las personas y su trabajo se basa en lo que estos quieren recordar de la persona muerta. En ´La memoria de los muertos´ lo que verdaderamente manda es la memoria de los vivos. El filme presenta un mundo donde ya no importa cómo fueron las personas muertas sino lo que los vivos quieren recordar de ellas. Un mundo en el montador es el verdadero artífice y productor de la película ya que de él depende el resultado final del filme.
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UN GOLPE DE SUERTE
2005 | Mark Mylod
Una época de mala racha atormenta al agente de viajes Paul Barnell. Al descubrir un cadáver en un contendor, se le ocurre la maravillosa idea de utilizarlo como medio para cobrar la póliza del seguro de un familiar que no ve desde hace años, su hermano Raymon. Su plan le ayudaría económicamente y le permitiría mudarse fuera de Alaska, a un sitio más caluroso con su enferma mujer. Los problemas surgen con un agente de seguros que le pondrá difícil llevar a cabo su idea y un sicario que reclamará el cuerpo del muerto.
Paul Barnell (Robin Williams), es el propietario de una agencia de viajes en Alaska. Su mujer Margaret (Holly Hunter) está gravemente enferma. Una noche Paul encuentra un cadáver y decido utilizarlo. Su plan es hacer pasar ese cadáver por el de su hermano para poder cobrar la póliza del seguro y mudarse con su esposa a un lugar mejor. Pero las cosas no serán tan fáciles como él las había previsto. 'Un golpe de suerte' parece querer ser una de esas comedias negras al estilo británico donde la moralidad queda suspendida y el crimen se convierte en algo banal, una especie de trámite. Sin embargo, el filme está lejos de conseguir sus propósitos, se enreda en una trama que no lleva a ninguna parte. El humor está poco conseguido, las situaciones no demasiado bien resueltas y la dirección es patosa.
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ROBOTS
2005 | Chris Wedge
Un joven genio llamado Rodney Hojalata quiere que sus robots sirvan para crear un mundo mejor. Un buen día se enamora de Cappy, una robot ejecutiva muy atractiva y bella que tiene como misión enfrentarse a Ratchet, un tirano empresarial cuyos objetivos están en constante conflicto con los del protagonista. En su enfrentamiento con Ratchet, los dos robots enamorados se cruzarán también con el Gran Soldador, otro genio incomprendido al que le faltan un par de tornillos y al que Rodney tratará de devolver al buen camino, y con un grupo de robots marginados y apartados del mundo que se hacen llamar los Oxidados, y que están liderados por un peculiar personaje llamado Manivela. Todos juntos lucharán contra Ratchet y sus secuaces y tratarán de hacer del mundo ese lugar ideal con el que Rodney sueña con tanto empeño, y con el que ha acabado contagiando a sus amigos. No será fácil. Robin Williams es la voz de Palanca "Manivela" Pinwheeler.
No solo de Pixar vive la animación y 'Robots' es una buena muestra de ello. El filme está dirigido por los creadores de 'La edad de hielo', Chris Wedge y Carlos Saldanha, y su protagonista es un robot de familia humilde que sueña con convertirse en inventor que viajará a Robociudad para tratar de hacer realidad su sueño. Tomando como base la historia de este personaje el filme lidia con temas como el consumismo, el reciclaje o las ansias de modernidad. Con una estética retro muy marcada, el apartado visual del filme está muy conseguido y llama la atención el mimo con el que los directores cuidan cada detalle (en un filme que está lleno de ellos). Quizás al filme le hubiera hecho falta ahondar más en los personajes secundarios y experimentar un poco más con la narración, pero la historia se desarrolla con agilidad y ritmo suficiente para mantener el interés del espectador.
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EL HOMBRE DEL AÑO
2006 | Barry Levinson
Esta comedia trata la historia de un comediante llamado Tom Dobbs (Robin Williams) que decide lanzarse en el mundo de la política. Apoyado por la audiencia de su programa, un talk-show sobre humor, Tom va a postularse para presidente, gracias, en parte, a un error en la máquina de votaciones. Una sátira oscura y sorprendentemente compleja que incluye tanto a los medios como al proceso político.
La película mezcla muy bien la parte dramática con la cómica. No esperéis a un Robin Williams en plan bufón porque no lo vais a ver. Aunque haya chistes y demás, lógico por la parte en la que el personaje principal es un cómico, es una película más bien dramática que retrata lo absurdo del sistema político americano, la doble moral y un sistema de recuento de votos que en fin, vamos a dejarlo a un lado. Del reparto me ha gustado sobretodo Tina Fey que está espectacular, Robin Williams tan versátil como siempre y Christopher Walker manteniendo el nivel de los últimos años. Sin embargo Jeff Goldblum se ha convertido en una sombra de lo que fue y ha quedado relegado a papeles más que secundarios. En resumen, es un buen retrato de la política americana, aunque el final era algo previsible.
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¡VAYA VACACIONES!
2006 | Barry Sonnenfeld
La trama gira en torno a la figura de Bob Munro, un ocupado ejecutivo que lleva años prometiendo a su familia unas vacaciones de ensueño. De momento no ha sido capaz de cumplir su promesa, si bien es cierto que ya lo tiene todo planeado para que se marchen juntos a Hawái. Sin embargo, le surge un proyecto en el trabajo y tiene que hacerlo de forma que sus seres queridos no se enteren, pretendiendo con ello que no se lo echen en cara después de haber programado una aventura extraordinaria. En vez de viajar de manera lujosa y espectacular, el protagonista toma la decisión de alquilar una peculiar caravana y recorrer toda la carretera del estado de Colorado, algo que sin duda despertará la ilusión y el entusiasmo tanto de su mujer como de sus hijos. Este tipo de travesía le permite terminar su trabajo a la perfección, además de empezar a valorar lo importante que es su familia y todo lo que han hecho por él.
Una película de Robin Williams muy subestimada. Cheryl Hines, Josh Hutcherson, Will Arnett y Jeff Daniels también hacen que la película fluya con fluidez. No son los únicos actores, pero búsquenla si quieren la lista completa. En fin, esto es en parte una parodia y en parte una comedia familiar. Lo que parodia es la idea de hacer un viaje por carretera y unas vacaciones en familia. Solo que aquí, en esta película, prácticamente todo sale mal. Desde el momento en que el personaje de Robin Williams muestra la autocaravana a la familia, queda claro que solo él espera que sea realmente divertida. Los demás, en cierto modo, hacen lo que papá les dice, apretando los dientes y al menos intentando no empezar mal, pero saben claramente que todo va al desastre. No ayuda que la autocaravana sea literalmente una valla publicitaria rodante.
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NOCHE EN EL MUSEO
2006 | Shawn Levy
El Museo de Historia Natural encierra entre sus muros un secreto misterioso e increíble que Larry, nuevo guardia de seguridad, no tardará en descubrir y quedará estupefacto: ¡por la noche, todas las exposiciones cobran vida! Bajo sus ojos, los soldados romanos y los vaqueros en miniatura inician una encarnizada batalla, Atila y los Hunos roban en las exposiciones vecinas, la momia intenta salir de su sarcófago, el esqueleto del temible y, sin embargo, entrañable tiranosaurio merodea por los pasillos... ¡El caos es total! ¿Podrá Larry restablecer el orden en las colecciones y salvar el museo?
Con 'Noche en el museo', el director un producto exclusivamente dirigido a los más pequeños lleno de inteligencia, entretenimiento y en el que los efectos especiales están utilizados con bastante inteligencia. No es 'Noche de museo', ni lo pretende, una gran película, y es sumamente simplista en cuanto a las relaciones personales de los personajes se refiere y su mensaje es demasiado obvio. Pero aun así es divertida y tras verla uno no siente que ha perdido el tiempo sino más bien todo lo contrario, que durante hora y media ha visto una película intrascendental pero llena de humor y de acción en el que todo vale pero con cabeza. Evidentemente, habrá quien la repudie por todo lo anterior y quizá hará bien. Pero nosotros nos quedamos con la diversión de Noche en el museo y con el simpático mono, una de las mejores parejas que ha tenido Stiller.
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HAPPY FEET. ROMPIENDO EL HIELO
2006 | George Miller
En la Antártida, viven felices un grupo de pingüinos que para atraer a su media naranja deben cantar dulcemente una canción con el corazón, pero Mumble, un joven pingüino, tiene una gran problema, que no puede cantar. Esto no será problema para él, ya que es un fantástico bailarín de claqué. La película incluye las voces de Elijah Wood, Robin Williams, Brittany Murphy, Hugo Weaving, Nicole Kidman y Hugh Jackman.
Lo bueno de 'Happy Feet' en comparación con otras películas de su corte reside en su sinceridad y en su honestidad, en su idea de crear una simple y directa propuesta infantil. Técnicamente es impecable y los responsables realizan una película muy recapacitada en lo que quiere entregar al público a la vez que indaga sobre el medio animado. Y el resultado es una obra simpática y divertida.
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HÉROE DE TODOS
2006 | Colin Brady, Christopher Reeve, Daniel St. Pierre
Yankee Irving es un niño de once años completamente normal. Se distingue por su extremada pasión por el béisbol. No se pierde ni un partido, lo sabe todo sobre ese deporte, y adora jugar con sus compañeros. Pero hay un problema. Nadie le quiere en su equipo y a la hora de formar grupos, siempre le eligen el último. Corre el año 1932, cuando Babe Ruth es gran estrella de las Series Mundiales. De repente, alguien roba el bate de Ruth, y Yankee decide recuperarlo como sea. Las pistas le llevan campo a través. Robin Williams interpretó al personaje Napoleon Cross en la película
Cuando falleció en el año 2004, Christopher Reeve, famoso por interpretar a Supermán, se encontraba embarcado en este proyecto, del que era director y productor ejecutivo, aunque después le ha sustituido Colin Brady. No es de extrañar por tanto que el argumento gire en torno a la perseverancia, ya que Reeve es famoso por sobreponerse a la adversidad, ya que a pesar de su tetraplejia, creó una fundación para recoger fondos para la lucha para investigar las lesiones medulares, e incluso siguió trabajando en el cine.
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HASTA QUE EL CURA NOS SEPARE
2007 | Ken Kwapis
Ben Murphy (John Krasinski) y Sadie Jones (Mandy Moore) se van a casar, pero no lo podrán hacer sin pasar antes el curso prematrimonial del reverendo Frank (Robin Williams). El cura, a cargo de la iglesia St Agustine a la que asiste la familia de Sadie, se niega a bendecir a las parejas que no superen el estricto curso. Tendrán por tanto, que demostrar la fortaleza de su amor pasando las diferentes y estrafalarias pruebas que les encomendará. Obligados a recibir tanto clases teóricas como clases prácticas que se llevarán a cabo en su casa, en ocasiones, privando a la pareja de sus momentos de intimidad.
Estamos ante una película que podría haber sido una agradable comedia romántica entre dos jóvenes que están a punto de contraer matrimonio. Por un lado, la cantante Mandy Moore; y por otro, John Krasinski, haciendo los papeles arquetípicos por los que son conocidos, una en múltiples comedias adolescentes que ha protagonizado aprovechando su fama como cantante; y el otro gracias a su papel en la famosa serie 'The Office'. Pero frente a ellos aparece Robin Williams, y la comedia cambia por completo. El actor interpreta a un cura que termina llevando al futuro matrimonio hasta la exasperación, debido a los múltiples requisitos previos que pone al enlace. Entonces, la película es una especie de montaña rusa que cada vez se va volviendo más loca y excesiva, antes de poner el freno en el último tercio para lograr la cuadratura del círculo habitual en este tipo de producciones. La película la hemos visto mil veces, pero el nivel de estas comedias se mide por la habilidad con la que saben encantarnos una y otra vez. Y 'Hasta que el cura nos separe' lo consigue en parte, con un reparto menos conocido de lo habitual y un Robin Williams histérico, que como secundario está mejor que en muchas de sus actuaciones como actor principal.
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EL TRIUNFO DE UN SUEÑO
2007 | Kirsten Sheridan
Un fugaz romance se produce entre dos jóvenes: Louis, un cantante y guitarrista irlandés miembro de un grupo de rock y Lyla, una violonchelista. Pasan una inolvidable noche en Nueva York, sin embargo, por alguna circunstancia inevitable se separan. Fruto de este encuentro nace August, quien es abandonado en un orfanato donde pasará una dura infancia. El niño consigue escapar del orfanato gracias a una casual reunión con un trabajador social. Con solo 11 años se dirigirá a Nueva York, donde formará parte de una banda musical callejera dirigida por Wizard, un tipo peligroso quien se aprovechará de su talento. Sus padres, a los que el desconoce, deciden buscarlo tras años sin tener noticias de él. August tendrá que decidir con quien continuará su talentosa vida, con Wizard o con sus padres a los que acaba de conocer.
August Rush es el retrato "alucinado" de un chaval que crece como huérfano en una institución, pero cuyo "sexto sentido" le mantiene en conexión musical con sus padres, intuyendo que están vivos. El filme arranca ya con un planteamiento algo tosco que desde el inicio hace peligrar nuestra potencial comunión con su verosimilitud. Chico conoce chica: él es el solista de una banda de pop y ella, violonchelista. Se conocen azarosamente en una azotea, se acuestan y no se vuelven a ver. Pero la música se impondrá en el filme para auspiciar el milagro. Justo en el arranque hemos visto al niño de cara angelical dirigiendo una recargada melodía en un campo de trigo... y tras escapar del orfanato, comenzará su fase de Lazarillo de Tormes con un aprovechado mentor "dickensiano" al que interpreta no con demasiada credibilidad Robin Williams. El chaval protagonista es Freddie Highmore, el Charlie de Charlie y la fábrica de chocolate, que resulta ser un niño prodigio de la música. La realizadora Kirsten Sheridan no logra una perspectiva adecuada para proponer un relato creíble, que parece más un cuento de hadas que un drama familiar realista. Uno de los problemas clave es que sazona el conjunto con dosis extremas de cursilería y un montaje que se empeña constantemente en cruzar las trayectorias de padre, madre e hijo tampoco ayuda nada. Todos sabemos desde el inicio que el niño logrará reunir a sus padres, Louis y Lyla, pero seguramente nadie haya podido intuir su azucarada y exagerada dimensión. La banda sonora se hace pesada, incluso redundando con las notas del "Moondance" de Van Morrison.
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EL MEJOR PADRE DEL MUNDO
2009 | Bobcat Goldthwait
Lance es un escritor frustrado, todos sus libros han sido rechazados por las editoriales, de modo que debe conformarse con dar clases de poesía y literatura en un instituto, donde los alumnos no aprecian sus lecciones. Kyle, su hijo adolescente que estudia en el mismo instituto, le falta continuamente al respeto, además de ser un obseso sexual, su principal actividad es la masturbación. De la madre de la criatura nada se nos dice, y en Lance vemos a un tipo tímido, que intenta mantener una relación con una guapa colega, y al que su jefe pisotea. Un accidente mortal va a posibilitar que el ignorando talento literario de Lance salga a flote.
El humor negro, incorrecto por definición, puede servir para remarcar aquellos aspectos de la realidad en los que se quiere incidir. El fracaso, la envidia y la hipocresía están detrás del discurso de ‘El mejor padre del mundo’, drama con toques de comedia que lanza un demoledor retrato de la sociedad al enfatizar la estupidez que se apodera de ella.
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NOCHE EN EL MUSEO 2
2009 | Shawn Levy
Larry Daley, vigilante de seguridad del museo, debe despedirse de sus amigos de toda la vida, ya que ante la junta directiva del museo ha decidido usar hologramas y prescindir de todas sus figuras. A todos los personajes históricos los empaquetan y los envían al famoso Smithsonian, en Washington D.C. Cuando Larry pensaba que podía tomarse un respiro, recibe la llamada del cowboy en miniatura Jedediah que le alerta de que la tabla del faraón Ahkmenrah ha sido robada y que, por ello, todo el Smithsonian ha cobrado vida. Sin embargo, los problemas solo acaban de empezar ya que Larry deberá viajar a Washington y combatir contra viejos conocidos históricos como Napoleón Bonaparte, Al Capone, Kahmunrah e Iván el Terrible, por recuperar la tabla y acabar con su plan malvado de apoderarse de la tabla. Larry necesitará la ayuda de sus amigos, y de nuevos personajes históricos como Amelia Earhart o Albert Einstein, si pretende derrotar a sus enemigos.
Tras el éxito de taquilla cosechado por Noche en el museo en 2006, Shawn Levy vuelve a dirigir la batuta de su secuela. La singularidad argumental de la primera parte residía en que las piezas expuestas en el Museo de Ciencias Naturales de Nueva York cobraban vida, como los juguetes de Andy en Toy Story. Esas históricas figuras de museo que se hacen "reales" ante el vigilante jurado Larry Daley, interpretado por Ben Stiller, vuelven a la carga de forma más numerosa y potenciando la acción. Daley es presentado no ya como un simple vigilante, sino como un hombre de éxito gracias a su brillantez como inventor. No obstante, regresará en cuanto sus "amigos" se ven en apuros. Levy multiplica las dosis que introducía en la primera parte y sirve una secuela más ambiciosa en cuanto a su combinación de comedia, aventuras y efectos en posproducción. El punto de partida dramático es el momento en que todas las figuras son desplazadas al archivo del Smithsonian en la capital de Washington y en el Museo de Ciencias Naturales queda solo su representación virtual en forma de hologramas. La tecnología amenaza la representación histórica tradicional.
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DOS CANGUROS MUY MADUROS
2009 | Walt Becker
Charlie (John Travolta) y Dan (Robin Williams) son amigos desde hace mucho mucho tiempo, y además ambos poseen una empresa de marketing deportivo. Los dos se encuentran en un buen momento, ya que están a punto de cerrar el negocio de su vida con una empresa japonesa comandada por Yoshiro Nishamura (Sab Shimono). Un día, Dan recibe una carta de Vicki (Kelly Preston) diciendo que desea encontrarle. Ella ya había estado casada con Dan años atrás, pero el matrimonio apenas había durado un día, ya que se habían emborrachado durante la ceremonia. Vicki volverá para enseñarle lo que surgió en aquella única noche: Zach (Conner Rayburn) y Emily (Ella Bleu Travolta).
Walt Becker, director de películas como Persiguiendo un sueño o Cerdos salvajes (Con un par... de ruedas), dirige Dos canguros muy maduros, película que sigue más o menos el aliento de las anteriores, esto es, comedias insulsas e insultantes en su planteamiento. Dos canguros muy maduros intenta sacar partido a una situación ya planteada anteriormente en la que dos hombres se ven de repente involucrados en una situación paternal complicada a la cual se añade otra de índole laboral también compleja. Y así, Becker traza una narración llena de lugares comunes, sin gracia alguna, que ni Robin Williams ni John Travolta saben sacar hacia delante, desubicados ambos en una película que en todo momento hace plantearse los motivos por los que una película así se pone en marcha, porque resulta más o menos evidentemente, que desde el comienzo todo era un gran disparate sin sentido alguno. Un producto, además, Disney con todo lo malo que esto supone para su desarrollo edulcorado hasta excesos casi insoportables. En resumen, una auténtica pérdida de tiempo.
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HAPPY FEET 2
2011 | George Miller
Mumble (Elijah Wood) y Gloria (la cantante Pink) han sido padres del pequeño Erik (Elizabeth Daily), que lucha por descubrir sus habilidades en la colonia de los pingüinos emperador. Pero nuevos peligros amenazarán a la manada. Su única oportunidad de salvarse, será estando todos unidos... y poniéndose a bailar. Dirige esta cinta de animación infantil, la segunda de la saga, el australiano George Miller, que vuelve a ponerse tras la cámara para rodar las aventuras de estos simpáticos pingüinos tras la exitosa primera parte, 'Happy Feet, rompiendo el hielo' (2006). Entre el reparto de voces, además de las de Elijah Wood y la cantante Pink, encontramos las de Sofía Vergara, Robin Williams, Brad Pitt, Hank Azaria, Hugo Weaving, John Goodman, Ray Winston.
Los pingüinos de 'Happy Feet' regresan de la mano de George Miller cinco años después en 'Happy Feet 2'. Como puede presuponerse, la secuela implica el tomar todos los personajes de la primera película, añadir algunos nuevos y trazar una trama divertida y sencilla para los más pequeños. Por otro lado, los responsables de 'Happy Feet', introducen, además de manera más que explícita, comentarios bienintencionados y educacionales sobre grandes temas (amistad, solidaridad, trabajo en equipo, etc....) pensando en los niños: una manera de entregar un producto y, a su vez, hacerlo pasar por algo más que simple entretenimiento. Pero al final, lo que acaba importando es esto último, porque aunque esta segunda entrega resulte menos sorprendente y más previsible que la primera, la enorme calidad técnica y la desinhibición de historia y personaje, hace de 'Happy Feet 2' un buen divertimento. Lástima que el 3D no aporte demasiado a pesar de que resulta evidente el trabajo de perfeccionamiento técnico desde la primera entrega.
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LA MIRADA DEL AMOR
2013 | Arie Posin
Nikki (Annette Bening) lleva muchos años viuda y ya ha perdido la ilusión de volver a encontrar el amor. Cuando no tenía esperanzas de encontrar una nueva pareja después de tantos años de soledad, a Nikki le pasa algo que nunca antes se había imaginado que le pudiese pasar: la vida pone en su camino a un hombre con un gran parecido a su difunto marido. Ese increíble aprecido físico hace que ella se sienta atraída hacia él sin pensarlo. Así, Nikki vuelve a sentir el entusiasmo de estar enamorada, y, junto a ello, las dudas de si será lo conveniente para ella o no.
La idea del film, según cuenta su director en la presentación de la película, surgió a partir de un hecho vivenciado por su madre justo después del fallecimiento de su esposo: “Ella estaba cerca del Museo de Arte mientras cruzaba por Wilshire Boulevard. Al levantar la vista vio a un hombre que venía hacia ella y que parecía el doble de mi papá. Ese día vino a verme y me dijo unas palabras muy similares a las de diálogo de Nikki, el personaje de Annette Bening: ‘Una cosa curiosa me pasó hoy. Vi a un hombre que venía hacia mí, parecía un doble perfecto de tu papá’. ‘¿Qué hiciste?’, le pregunté. ‘Yo sabía que no era tu padre -me contestó-, pero él tenía una gran sonrisa en su rostro y me sentí tan bien en imaginar que era realmente él, que todavía estaba allí..’. Yo estaba muy conmovido por esta historia y empecé algunas notas sobre ella. Con el tiempo, pensé que sería un buen tema para una película. Y eso es lo que llevó a realizar The Face of Love”.
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EL MAYORDOMO
2013 | Lee Daniels
Esta historia nos traslada a la pantalla la vida de Cecil Gaines (Forest Whitaker), el mayordomo que trabajó más de treinta años en la Casa Blanca y sirvió a un total de ocho presidentes, desde Harry Truman en 1952 hasta Ronal Reagan en 1986, año en que se jubiló. Allen empezó de joven trabajando como camarero en diferentes centros para turistas y clubes, pero con 33 años empezó a trabajar como friegaplatos en la Casa Blanca. Su color de piel no supuso un impedimento para que el original de Scottsville (Nueva York) fuese ascendido con los años a maître, el puesto más considerado entre los mayordomos, y se ganase el reconocimiento de todos sus señores. Sin embargo, sí que vivió indirectamente la segregación racial que se respiraba en su país.
Muchos son los problemas del filme de Daniels, desde su tono descaradamente didáctico y lacrimógeno , a su falta de una tesis propia a la hora de retratar un momento tan importante de la historia americana contemporánea. Es una lástima que su guionista, Danny Strong, que demostró chispa y mala baba en esos dos maravillosos telefilmes para HBO que son 'Recuento' y 'Games Changes', descreídas y poliédricas visiones de la política estadounidense reciente, se haya puesto al servicio aquí de la amarillista y pueril manera que tiene el director de 'El chico del periódico' de entender el cine. En los hechos reales en los que se inspira 'El mayordomo' había una buena historia, una especie de versión Browning en clave afroamericana, pero Daniels se conforma con armar un homenaje facilón a todos los que lucharon por los derechos civiles de la comunidad negra; a una película para que Forest Whitaker vuelva a ser nominado al Óscar porque es lo que toca. Una lástima.
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BOULEVARD
2014 | Dito Montiel
Nolan Mark es un hombre con una existencia monótona: lleva 26 años trabajando en un banco y viviendo con su esposa Joy en un matrimonio que han empleado como una distracción conveniente para no enfrentar la realidad. Pero un día su rutina se interrumpe tras la aparición de Leo, un joven problemático que conoce en la calle y altera su vida. Entonces Nolan se encontrará rompiendo los confines de su antigua vida y tendrá que enfrentarse a su mayor secreto, que siempre ha ocultado a la sociedad.
¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?, pues nuestro maduro protagonista, un sereno, pausado e intenso Robin Williams, busca sentimiento, cariño, compañía mientras que su joven recurso de citas esporádicas, cada vez más frecuentes, penetrantes y problemáticas oferta su cuerpo, por un precio módico según la demanda del momento. Un buen hombre, marido responsable, trabajador incansable, fiel amigo a quien no gusta lastimar a la gente, que prefiere optar por herirse a si mismo escondiendo su verdadero ser y sus sexuales tendencias, elección más sencilla y llevadera que afrontar el desprecio de aquellos que le rodean y supuestamente aman, aunque sólo sea a esa versión educada, permisiva y transigente que ha fabricado para ellos. Historia sosegada y lenta, de nula acción y escaso sobresalto, un observar tranquilo y reposado de cómo se produce el despertar de un alma dormida y adquiere voz atrevida después de tan largo silencio, letargo costumbrista que pierde su norte por cambiar de dirección una noche y adentrarse en Boulevard, la calle que marcará su nuevo rumbo de incierto destino. Respira solemnidad, esa inquieta calma que con disimulo va haciendo camino y ganando terreno; la historia es clásica, salida del armario de quien siempre estuvo escondido, pero cuenta con la curiosidad y gusto de ver la última actuación de un desaparecido cómico, que precisamente aquí realiza un profundo y meritorio papel dramático; por lo demás, no hay sorpresas ni grandes estímulos, aunque si mucha tristeza y necesidad de andadura que, como una losa robusta, pesa en su visión perenne de tragedia cocida a gradual fuego que sin remedio bullirá tarde o temprano; un corazón desamparado, en busca de consuelo y vigor que alienten su pulso cardíaco y eleven, esa temperatura mustia y congelada con la que vive y siente sus planos días. Pobreza de imágenes, soledad perceptiva, tensión moderada para un abatimiento que encuentra coraje de ánimo y fuerza de decisión irreversible; no encanta ni apasiona, es modosa y apagada, pero la solidez de la interpretación del susodicho actor y la posibilidad de verle de nuevo valen la pena; duración corta para una cinta que expone con sencillez y reposo, con limitación de emociones absorbidas, ese arduo paso a estar orgulloso de quien se es, lo que se quiere y a quien se ama, aunque realmente fuera sexo por mucho que lo quiera llamar con esa dulce palabra de quien, confundido y desesperado, ve amor en la mirada tierna de un muchacho que le tiene lástima. Delicada sin sensibilidad ni emoción respirable, narra sin vida, sin excesivo delirio, arranque o contundencia.
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EL HOMBRE MÁS ENFADADO DE BROOKLYN
2014 | Phil Alden Robinson
The Angriest Man in Brooklyn es una comedia que cuenta las andanzas de una doctora sustituta (Mila Kunis) que por equivocación, realiza un falso diagnóstico a un insufrible paciente (Robin Williams). Tras comunicarle que tan solo le quedan 90 minutos de vida, el paciente se decide a hacer un disparatado viaje por la ciudad de Nueva York para intentar resolver todos los errores que cometió durante toda su vida. La doctora no se detendrá hasta encontrar al hombre y explicarle su confusión, ¿lo conseguirá?
Desde el Cuento de Navidad de Charles Dickens, por lo menos, la peripecia de aquel que está próximo a la muerte y, a partir de ahí, revisa su vida anterior se ha convertido ya en un clásico de la ficción occidental. Puede tratarse de un anciano, de un moribundo o simplemente de alguien que entra en crisis durante la madurez o incluso luego, pero el resultado es siempre el mismo: no sabemos vivir, lo hacemos todo mal y llega un momento en el que debemos arrepentirnos. ¿Secuelas de siglos y siglos de cultura cristiana? Lo ignoro, pero no parece que sea el caso de El hombre más enfadado de Brooklyn, donde Robin Williams, en una de sus últimas apariciones cinematográficas, interpreta a Henry Altman, acomodado judío neoyorquino de malos modales y peor humor que empezará un viaje hacia la reconciliación con el mundo a partir de un (erróneo) diagnóstico médico según el cual le quedarían 90 minutos de vida. Quien la da la noticia es la doctora Gill (Mila Kunis, también coproductora), que tras ese patinazo se embarcará igualmente en una búsqueda personal en la que querrá incluir su redención emocional y el rechazo de sus adicciones. Si a todo ello añadimos que este es el remake de una oscura película israelí dirigida por Assi Dayan, la condición de sus referentes empieza a hacerse más y más confusa: en realidad, no tiene ninguna importancia.
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NAVIDADES Y OTRAS FIESTAS A EVITAR
2014 | Tristam Shapeero
Merry Friggin’ Christmas cuenta la historia de Boyd Mitchler, un joven que el día de Navidad se da cuenta de que ha olvidado los regalos para su hijo pequeño. Junto a su padre, con el que no se lleva nada bien, se embarcará en un desesperado viaje para recuperar los regalos, ya que sólo disponen de ocho horas para ir y volver, antes de la llegada de la Navidad.
Esto no es un Milagro en la Calle 34, ni una Navidad muy Brady. Definitivamente se encuentra en un punto intermedio. Robin Williams, como un padre hosco de un hijo indignado y algo desagradecido (Joel McHale), junto con sus esposas pacificadoras (Candice Bergen y Lauren Graham), ofrece una dinámica que no sabías que necesitabas. Clark Duke le da un toque de estilo a esta mezcolanza de disfunción familiar. Al igual que Bad Santa, A Merry Friggin' Christmas no es una película conmovedora, pero tampoco es una pérdida total de noventa minutos. Si te cansas de las reuniones familiares navideñas, esta película te encantará.
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NOCHE EN EL MUSEO: EL SECRETO DEL FARAÓN
2014 | Shawn Levy
La tabla de Ahkmenrah, la que hace que las estatuas de los museos cobren vida, está perdiendo su magia. En un intento desesperado para proteger el valioso tesoro, Larry Daley viajará junto a sus amigos Theodore Roosevelt (Robin Williams), el faraón Ahkmenrah, Atila, Jebediah Smith, Augustus Octavius y Sacagawea desde Nueva York hasta Londres. Allí intentarán contactar con alguien del Museo de Londres que les ayude a restaurar la magia y conocerán a Sir Lancelot y otros personajes del antiguo Egipto. El último papel de Robin Williams fue como Teddy Roosevelt en la tercera parte de "Noche en el Museo" (2014). También hizo una breve aparición como voz en off en la película "Absolutamente Cualquiera".
Noche en el museo: El secreto del faraón muestra dos novedades respecto a sus predecesoras: presenta, por primera vez, un prólogo a modo de flashback, situado en el Egipto de 1938 y concentra el núcleo de su acción en Londres, concretamente el Museo de Historia Natural de la ciudad. Y eso casi la convierte en una película con vida propia. El filme de Levy constituye una trepidante cinta de aventuras, rodada con oficio, sin excesos de CGI (los efectos visuales forman parte de la narración de forma natural), que presenta una buena planificación (el diseño de las persecuciones y los clímax de acción son de una claridad expositiva de agradecer en tiempos de cámaras mareantes), y guiños al universo de Ray Harryhausen (ese dragón oriental animado), o a La Princesa Prometida (Dan Stevens brilla con especial fuerza como el caballero Lancelot, un genial trasunto del Westleymodelado porCaryElwes), entre otras citas cinéfilas. Es más, los espectadores más despiertos cazarán el guiño a Godzilla que se produce en uno de los momentos más hilarantes de la película. Además de su valía como notable cinta de aventuras, Noche en el museo: El secreto del faraón sirve de testamento cinematográfico para los llorados Robin Williams y Mickey Rooney, que fallecieron poco tiempo después de finalizar el rodaje. A ellos está dedicada la película, en los títulos de crédito finales,con el sentido leitmotiv de la misma: “la magia nunca acaba”
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ABSOLUTAMENTE TODO
2015 | Terry Jones
La última película en la que participó Robin Williams antes de su fallecimiento,
en la que dio voz al personaje de Dennis, un perro.
Un grupo de enloquecidos alienígenas viajan de planeta en planeta para ver qué tipo de especies habitan en ellos. Cuando llegan a la Tierra, deciden volar el planeta por los aires, pero antes darán a los humanos una última oportunidad. Eligen a un tipo al azar, Neil Clarke (Simon Pegg), un profesor de instituto, al que conceden poder absoluto. Neil podrá entonces cumplir hasta el más loco de sus deseos, desde hacer hablar a su perro, hasta conseguir que un amigo tenga a la mujer de sus sueños. Claro que, Neil tendrá que tener cuidado. Porque sus poderes vienen con una condición: si no demuestra merecerlos, ¡adiós a la humanidad!
Ni que decir tiene que el tópico argumento de Absolutamente todo resulta bastante previsible, dentro del aire de cuento moral sobre el uso que debe hacerse de los propios talentos, algo similar de lo que ocurría en la estadounidense Como Dios. La elección como protagonista del simpático payasete Simon Pegg es bastante acertada, mientras que en el lado femenino la dulce Kate Beckinsale se limita a ser mera comparsa, aunque cumple. Por último, en su último papel en el cine Robin Williams pone voz a uno de los personajes principales, el de un perro caradura que adquiere racionalidad y que ofrece algunos de los momentos más desvergonzados y alocados.
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Enlaces de interés
YouTube: Video de Robin Williams - Películas: Películas de Robin Williams
Imágenes: Imágenes de Robin Williams - Videos: Más videos de Robin Williams
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LAS MUSAS NO AVISAN
Texto de Pepa Llausás, Analista de guión y crítica de cine
Entre el 28 de mayo y el 2 de junio de 1978 tuvo lugar en Brighton el 34º Congreso de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF) titulado “Cinema 1900-1906”. El evento cambiaría para siempre la forma de entender los inicios del cine y con ello se transformaría también la forma de enfrentarse al estudio del medio. Dejando atrás todos los planteamientos de los historiadores clásicos, surgió una nueva historiografía del cine apoyada en la investigación empírica y en el análisis intrínseco de las películas originales y las fuentes escritas de la época.
El cine cambió la historia del mundo, con el, la construcción de los antiguos mitos se volvió materia de mercadotecnia y apareció un nuevo código de comunicación que utiliza las imágenes como materia prima y sustrato para capaz de alterar el comportamiento de millones. Su importancia esta siempre subestimada de ahí que los estudios de la historia del cine queden relegados a intelectuales y apasionados en la materia. Pero la conocer la historia es un requisito imprescindible e insalvable para saber quiénes somos.
El pasado no habita en la evanescente memoria, hija predilecta de la imaginación, cuyas pautas de comportamiento están determinadas por nuestros sentimientos presentes más que por los hechos acaecidos. Por eso, cuando en 1978, por fin, un grupo de expertos internacionales se sentaron a poner en común los materiales originales se dieron cuenta de cuantas falacias se habían ido construyendo alrededor de la existencia del medio. Los archivos y los museos no son una atracción para turistas curiosos, son de una importancia fundamental como ventanas que nos permiten asomarnos a los retazos de un tiempo pasado de cuyo olvido emergen nuestros errores.
La interpretación es, no sólo inevitable sino incluso necesaria, pero, sobre todo es y seguirá siendo variable. El documento es fijo e inalterable, es el testimonio de un tiempo que no volverá y al que no tenemos forma de acceder, apenas podemos permitirnos el lujo de contemplarlo desde las gafas rotas del presente con las que lo reinterpretamos una y otra vez. Sin el testimonio histórico, sin el cuadro, la fotografía, la película o el documento lo único que podemos hacer es inventar. Por eso, todo acto de manipulación conlleva un ejercicio de borrado histórico. El borrado lo practicaban los faraones y los seguimos practicando en la actualidad porque, más allá de la propia razón, sabemos que la historia y el legado de esta es de una importancia capital para el desarrollo de las sociedades tanto como para los individuos.
Es, sin embargo, imposible que conservemos de forma completa e intacta todo cuanto nuestros antecesores nos legaron puesto que de ser así anularíamos la propia evolución. Por eso las instituciones deben asumir la responsabilidad de preservar legajos y todo tipo de rastros que nos permitan no perder un pasado que nos pertenece tanto como nos constituye.
Afortunadamente también existen particulares que, por diversas razones, asumen la encomiable tarea de preservar parte de ese legado para que futuras generaciones puedan seguir disfrutando de esas ventanas al pasado a través de las que los estudiosos podemos continuar investigando y la sociedad entera puede beneficiarse de los resultados porque la tarea es demasiado superlativa como para pretender que las instituciones puedan asumirla de manera absoluta.
En la antigua Babilonia, por ejemplo, Ennigaldi, una princesa hija del rey Nabonido que gobernó el Imperio neobabilónico en el siglo VI a. C., se dedicó a recopilar artefactos mesopotámicos que distaban de su época en más de 1,500 años. Con amoroso cuidado conservó esta colección en su palacio de Nabonido donde los artefactos, que iban desde tabletas de arcilla con inscripciones hasta fragmentos de esculturas figurativas, reposaron debidamente organizados e incluso etiquetados con notas sobre su procedencia, hasta que en 1925 el arqueólogo Leonard Woolley los devolvió a la luz atónito de haber descubierto el, probablemente, museo más antiguo del mundo.
En España, son famosas las grandes colecciones privadas como la Thyssen-Bornemisza o la de la familia Masaveu destacada familia de empresarios y coleccionistas de arte que ha donado varias colecciones importantes a instituciones que incluyen obras de artistas como El Greco, Goya, Sorolla y Picasso. O la de José Lázaro Galdiano, un empresario y coleccionista de arte que donó su extensa colección de arte al Estado español en 1948. Afortunadamente, España es un país que se distingue por su compromiso con las artes y la historia y su generosidad lo demuestra.
Nuestro muy amado Museo del Prado incrementa sus colecciones gracias a las generosas donaciones de particulares cuyos nombres, en la mayoría de los casos, pasan completamente desapercibidos para una sociedad que escasamente se hace eco de la importancia del trasplante de órganos culturales que estas donaciones representan. Estos “órganos” metafóricos, sin embargo, son de un valor incalculable y aunque, como los órganos internos de nuestro cuerpo no alcancemos nunca a verlos directamente, son imprescindible para nuestra vida como sociedad y como pueblo.
El propio Museo del Prado ha recalcado que incluso las obras de menor calidad artística poseen un valor documental de interés para los fondos históricos del Museo, por los datos que pueden aportar al estudio de autores, técnicas y estilos.
Los estudiosos, de cualquier materia, nunca estaremos lo bastante agradecidos a los coleccionistas privados que con la paciencia de una araña y con el amor de una madre amamantan durante años sus colecciones hasta dar a luz verdaderos tesoros cuyo valor no es posible correlacionar con un montante económico.
En España existen varios interesantísimos museos del cine que se han originado a partir de la pasión de particulares y que hoy en día son ya instituciones referenciales en el entorno internacional y que yo espero que reciban con los brazos abiertos la encomiable labor que durante años Lluis Benejam Buhigas ha estado amasando delicadamente en su fabuloso Archivo de Cine.
Yo, como a tantos otros coleccionistas, no puedo más que entonar mis más sinceras gracias a Lluis, que siempre se ha mostrado abiertamente generoso a colaborar con mis investigaciones y sin cuya labor y colaboración yo no hubiera podido completar agujeros de documentación que han resultado vitales para mi trabajo.
A ti, Lluis, y a todos los coleccionistas que haceis posible el mantenimiento de la historia viva, mis más sinceras gracias. Espero que el Archivo de Cine encuentre un lugar digno donde reposar y seguir brindando a los investigadores las ventanas al pasado sin cuyo conocimiento no es posible avanzar.
Archivo-Colección Lluís Benejam:
más de 40 años de amor al cine
Ha sido una grata sorpresa visitar recientemente el Archivo-Colección Lluís Benejam localizado en la población de Capmany, en la comarca del Alt Empordà, a pocos kilómetros de Figueras (Girona). Había oído hablar de esta colección y había visto algún reportaje en televisión en el que se hacía referencia a ella, pero no hay nada como ver las cosas en directo. Lluís Benejam, cinéfilo y propietario de esta espectacular colección de archivos nos abrió gentilmente las puertas de su casa, acompañado de su esposa, para mostrar con orgullo el inmenso material que ha ido atesorando desde 1983, año en el que empezó a adquirir las primeras piezas auténticas trofeos para él.
El Archivo-Colección Lluís Benejam reúne actualmente unos 32.000 carteles desde el año 1927, y procedentes de distintos países; más de 40.000 fotocromos -fotos de escenas de las películas que se colocaban en los vestíbulos de los cines- correspondientes a más de 6.000 películas ordenadas por su fecha de estreno; más de 26.000 guías publicitarias o pressbooks -documento de prensa, con toda la información de la película- desde 1915 hasta la actualidad; más de 15.000 programas de mano, artículo que hasta principios de los años 80 era habitual que se repartieran en los cines para anunciar la siguiente programación; una biblioteca temática de cine con libros que sirvieron de argumento para hacer la película o que se publicaron después de realizada la película y también biografías de actores, actrices y directores, estudios y tesis sobre cine, anuarios, etc.; discos de vinilo BSO; BSO de CD; diapositivas publicitarias que se visionaban durante el descanso cuando existían las sesiones dobles; y diapositivas de prensa que las distribuidoras facilitaban a la prensa. Asimismo, dentro del archivo hay un apartado dedicado a las películas ganadoras del premio Oscar.
Lluís Benejam empezó a coleccionar y crear su archivo a los 14 años, cuando entró a trabajar de aprendiz en una imprenta en Figueres que se dedicaba a imprimir los dorsales de los programas de mano de las salas de cine de Figueres. Los distribuidores, mandaban a los empresarios de las salas de cine, carteles, pressbooks, fotocromos y programas de mano donde el dorso era en blanco y cada empresario tenía que imprimir la programación de la próxima sesión. Este tipo de publicidad le fascinó y fue a partir de ese momento que empezó a coleccionar los programas de mano y otros materiales de cine.
Ha hecho varias exposiciones y tiene una página web en la que se puede ver su amplia colección y archivo (www.archivocine.com).
Artículos publicados en la prensa Difusión en la Prensa y TV
CLARK GABLE (1901 - 1960)
Con el título "yo he sido un actor afortunado", Clark Gable, escribió, en el año 1960, un artículo sobre su vida artística, lo publicó la revista Cine Mundo, en su número 451, del 26 de noviembre de 1960 por el gran interés y enorme significado que tomo después de su muerte.
Durante el rodaje de "Capri", en Italia, alguien me recordó que esta película hacia la número ochenta por mi interpretadas. Esto le inspiró a mi interlocutor a preguntarme: "¿Cómo puede un actor hacerse popular? y "¿Cómo puede mantenerse en el estrellato? La respuesta a la primera pregunta es fácil: Simplemente, que guste al público. En esto debo confesar que yo he sido afortunado y estoy muy contento de ello. Un actor, antes de imponerse, tiene que ser visto, por lo menos, en un mínimo de diez películas antes de que se considere consolidado. Esto queda probado con el tremendo éxito obtenido, por ejemplo, con Sofia Loren, mi agradable colaboradora en "Capri". Fue su undécima película y es ahora más popular que nunca.
La segunda respuesta es más complicada. Para que un actor guste al público tiene que ser, en primer lugar, afortunado, trabajar muy duro, aceptar consejos y, sobretodo, relacionarse con gente que le ayude de buena fe. En esto yo he tenido siempre mucha suerte con mis colaboradores. Tengo usualmente el criterio hasta donde puedo llegar sin riesgo de caer en el ridículo, como otros lo han hecho. No obstante, en dos ocasiones he sentido el temor de caer en él. La primera fue cuando me ofrecieron intervenir en el rodaje de "Lo que el viento se llevó", en el papel de Red Butler; a mí no me gustó el personaje. Comprendí entonces que tenía que enfrentarme en contra de un montón de prejuicios, y confieso que acepté el papel con muchas dudas. Entonces hice "La tragedia de la Bounty", representando a uno de los intérpretes de la novela: Fletcher Christian, "Mutiny on the Bounty", como es sabido, había sido un buque de la Armada Real británica. Su tribulación, en la película, estaba compuesta, en su mayor parte, por actores ingleses, y allí estaba yo, con acento yanqui, en medio del océano, enfrentándome con una pronunciación para mi desconocida. Sin embargo, como no podía evitarlo, tuve que defenderme sin ayuda de nadie.
Durante doce años actué en los escenarios. Solamente apariciones como extra en películas mudas. Por cierto que una vez tuve que representar el papel de un periodista y en una de las escenas tenía que llamar por teléfono. Recuerdo que el director me dió un consejo sobre esto: "Cómo usted sabe -me dijo-, para un periodista el teléfono es algo así cómo un instrumento de trabajo. Lo maneja, por tanto, de forma muy diferente a las demás personas. No lo olvide."
Años después, trabajando con Claudette Colbert en "Sucedió una noche", hice otra vez de periodista, y el consejo de aquel director lo tuve muy en cuenta. El resultado fue que hice una creación del personaje y fui muy felicitado.
De las personas que más me ayudaron a lo largo de mi carrera tengo que nombrar a Lionel Barrymore. Fue el hombre que más me ayudó en todos los aspectos. El fue quien me alentó para que hiciera una prueba en la pantalla. Yo me consideraba poco seguro de que esto pudiera ser un éxito, pero Barrymore exclamó: "Usted triunfará en el cine hablado y se convertirá en una de sus primeras figuras." Y así fue, en efecto, al correr de los años.
Hice, pues, en vista de ello la prueba de "Bird of Paradise", de Irving Thalberg, con Leslie Howard. Después hice otras cosas, y, en vista del éxito, que yo no esperaba, decidí consagrarme al cine por entero.
A partir de entonces tuve que actuar con figuras de la categoría de Norma Shearer, Jean Harlow y Joan Crawford, entonces favoritas de aquellos públicos. Fue una época para mi afortunada, donde llegué incluso a interpretar papeles de hombre maduro, apareciendo en la pantalla el doble de viejo de lo que en realidad era. Sin embargo, ningún director de aquella época se preocupó nunca de aquella diferencia de edad, pese a que tenía que maquillarme exageradamente a base de reflejos grises o pardos en el pelo para alcanzar en la ficción una madurez prematura, gracias a la cual, por cierto gané una gran popularidad entre las jovencitas de una época feliz, que siempre recordaré con verdadera satisfacción y agrado, porque en ella adquirí mi verdadera experiencia como actor consagrado. Después, todo fue fácil. El éxito, la fama y el dinero. Las puertas se abrieron y los ofrecimientos para interpretar nuevas películas se sucedieron unos tras otros. Tuve que rechazar muchas ofertas, algunas muy interesantes, por exigencias de mi compromiso con la Metro-Goldwyn-Mayer, que me ofreció un ventajoso contrato para trabajar con ellos en exclusiva durante algunos años. Lo acepté porque creí que aquello me aseguraba la posibilidad de un trabajo continuado en un ambiente nuevo que me atraía. Hice muchas y muy buenas películas junto a figuras que me comprendían y me ayudaban. A todos les debo algo de lo que en realidad soy: un actor con mucho que aprender aún, pero que no se desanima. Por eso, cuando alguien me pregunta por mis preferencias en el cine, respondo siempre que por nada cambiaría mi actual profesión. Sólo en los años de guerra, en que por exigencias de mi incorporación al servicio activo en las fuerzas aéreas de mi país, tuve que abandonar mi trabajo, falté a mis compromisos artísticos. Sin embargo, tuve suerte, y al poco tiempo fui reclamado por Hollywood para reanudar mi interrumpido trabajo. La guerra fue una etapa dolorosa en mi vida, que siempre recordaré con amargura. En ella perdieron la vida algunos camaradas.
Nunca me gustó la técnica del cine y creo que nunca pasaré al campo de la dirección. Mi interés se centra siempre, a lo largo de toda mi carrera, en el arte de la interpretación. Nunca opino con nadie, y menos con profesionales, sobre esta cuestión, que me causa inquietud, y procuro mantenerme al margen en cualquier discusión que se plantee con otros actores. Si yo tuve cuánto me propuse en mi carrera fue porque seguí siempre el camino recto y vocacional. Por eso no deseo ver mi vida en la pantalla.
