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COMPAÑEROS MORTALES (1961)
Reparto principal  |  Maureen O'Hara, Brian Keith, Steve Cochran, Chill Wills

El niño de una mujer llamada Kit Tilden muere en el tiroteo que se produce en un banco cuando Yellowleg, un antiguo soldado y un prófugo se enfrentan a una banda de ladrones. Yellowleg apenado por tal hecho y sintiéndose culpable decide acompañar a la madre para enterrar a su hijo en una zona apartada, donde se encuentra también la tumba del padre del chico. Por el camino tendrán que sortear los peligros que les acechan y a los apaches.

Compañeros mortales (1961) es un western correcto y estimable que marca el debut de Sam Peckinpah en el largometraje, y en el que ya se intuyen algunas de las constantes temáticas que desarrollarían su filmografía posterior. Brian Keith y Maureen O’Hara forman una pareja protagonista sólida y con buena química, aportando humanidad y matices a unos personajes marcados por un pasado turbio y por heridas emocionales que se van revelando progresivamente. La película adopta la estructura de un viaje, el largo y peligroso trayecto hacia Siringo, un territorio hostil habitado por indios, que funciona tanto como recorrido físico como emocional. A lo largo del camino, la desconfianza inicial va dando paso a una relación más compleja, en la que afloran miedos, culpas y deseos de redención. Peckinpah muestra ya su interés por personajes moralmente ambiguos, atrapados entre la violencia del entorno y su propio código ético. Aunque todavía lejos de la crudeza y la radicalidad de sus obras maestras posteriores, el film destaca por su atmósfera sobria, su tono melancólico y un tratamiento de la violencia más contenido pero significativo. Sin ser una de las películas más conocidas ni más personales de Peckinpah, Compañeros mortales resulta un western digno, bien interpretado y eficaz, que se deja ver con agrado y adquiere interés añadido como punto de partida de uno de los autores más singulares del cine americano.

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DUELO EN LA ALTA SIERRA (1962)
Reparto principal  |  Randolph Scott, Joel McCrea, Mariette Hartley, Warren Oates

A principios del siglo XX, el veterano Steve Judd es contratado para transportar oro desde un remoto campamento minero hasta el pueblo de Hornitos, tras varios intentos fallidos que terminaron con la muerte de otros hombres. Para la tarea, Judd recurre a su viejo amigo Gil Westrum y al joven Heck Longtree. Sin embargo, Judd desconoce que Gil tiene planes de robar el oro.  Durante el peligroso viaje, los tres hombres deben enfrentarse no solo a la codicia y las traiciones internas, sino también a la dureza del territorio y a un grupo de mineros locales que buscan proteger sus intereses. Entre duelos, persecuciones y tensiones morales, Judd mantiene su código de honor y lucha por hacer lo correcto, incluso cuando sus aliados le fallan. El enfrentamiento final con los antagonistas se convierte en un dramático testamento de lealtad, justicia y sacrificio, dejando claro que en el Viejo Oeste la valentía y la integridad a menudo tienen un precio muy alto.

El segundo trabajo de Sam Peckinpah, tras la discreta Compañeros mortales, es Duelo en la Alta Sierra, una obra sensacional incorporada al National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Con esta película, Peckinpah inauguró uno de sus temas fetiche: el western crepuscular, con dos estrellas del género en su madurez, Joel McCrea y Randolph Scott. Nieto de un jefe indio, Peckinpah llevaba el polvo y las llanuras en el ADN. De niño se escapaba del colegio para vivir en la granja familiar, sumergiéndose en el ambiente que luego definiría su obra. Amaba el Oeste y lo meditaba con melancolía profunda, transmitiendo en sus películas posteriores el crepúsculo de una era y el legado de los hombres que la vivieron. Duelo en la Alta Sierra es una obra temprana pero fundamental en su filmografía, abordando temas como la moralidad, el honor y la brutalidad inherente al Oeste. Peckinpah ya muestra aquí su distintivo manejo de la violencia, que aunque menos explícita que en sus obras posteriores, es siempre cruda y con consecuencias. Pero lo que realmente destaca en Duelo en la Alta Sierra es su habilidad para capturar la belleza y dureza del paisaje americano, convertido en un personaje más que refleja el estado de ánimo de los protagonistas. Los contra-picados que enmarcan a los personajes contra cielos inmensos y montañas imponentes son la marca de un poeta del cine.

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MAYOR DUNDEE (1965)
Reparto principal  |  Charlton Heston, Richard Harris, Jim Hutton, James Coburn

Es el año 1864 y el Mayor Amos Charles Dundee dirige a sus tropas hasta Méjico contra un grupo de renegados Apaches indios. Sierra Chariba es el líder de los Apaches, quien ordena que secuestren a algunos hombres del escuadrón de Dundee. Ante la situación, las tropas Confederadas de prisioneros de guerra, con Benjamin Tyree al mando, deciden complementarse con las de Dundee. Él y Benjamin una vez fueron amigos y promete a Dundee acatar todas sus órdenes hasta ver a Chariba capturado. A medida qu avanzan los días, los hombres de Dundee tendrán que luchar contra los Apaches, pero también contra el ejército francés. La tensión entre las tropas de la Unión lideradas por Dundee y las Confederadas llegará a ser insoportable, incluso cuando tengan que enfrentarse a su enemigo común.

Major Dundee (1965) es un western intenso y lleno de contrastes, donde Charlton Heston interpreta al mayor Dundee, un oficial encargado de liderar una peligrosa expedición contra una partida de indios tras una masacre. La misión se complica al contar con un grupo heterogéneo de hombres: prisioneros confederados, soldados negros, exploradores indios y sus propios soldados, generando un cóctel de tensiones y conflictos internos. La película combina acción constante con profundidad psicológica: los protagonistas no sólo luchan contra el terreno y los enemigos, sino también contra sus dudas y ambiciones. Destacan la complejidad del duelo interpretativo entre Heston y Richard Harris, y los momentos románticos y humanos que surgen durante la travesía por México. La narración se estructura a través del diario del joven corneta, aportando un punto de vista íntimo. A pesar de los problemas de Peckinpah con los productores, Major Dundee ofrece un western crepuscular, con escenas memorables como el clímax en el río Grande enfrentando al destacamento con el ejército francés de Maximiliano, y refleja el sello distintivo de Peckinpah: la mezcla de violencia, honor y la lucha moral de hombres en un mundo implacable.

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GLORIOSOS CAMARADAS (1965)
Reparto principal  |  Tom Tryon, Harve Presnell, Senta Berger, James Caan

El guión de la película fue escrito por Sam Peckinpah, empezó el rodaje, pero fue despedido
tras cuatro días de rodaje y sustituido por Arnold Laven

El capitán Harrod llega a una pequeña población, con el objetivo de reclutar nuevos soldados para el ejército de la Unión en su división del Tercero de Caballería. Una vez ultimado u entrenamiento, se les asigna su primera misión: mantener a los indios en las reservas. Pero el general McCabe, comandante del fuerte, pretende aniquilar a los indios sioux cuando las órdenes del gobernador son obligarlos a ocupar las reservas. Este general indisciplinado y ambicioso conducirá a sus hombres a una batalla suicida, todo por alcanzar la gloria. Sin embargo, el capitán Harrod no está dispuesto a ser la marioneta de su superior corrompido y que ha perdido el sentido común.

Gloriosos camaradas es un western bélico que, aunque se inspira en el Séptimo Regimiento de George Armstrong Custer y la Batalla de Little Bighorn, trasciende el hecho histórico para ofrecer una historia más universal sobre la camaradería, el honor y los conflictos personales. La película sigue a un grupo de reclutas de la caballería que, bajo el mando de un general duro y ambicioso, deben enfrentarse tanto a la dureza del entrenamiento como a los peligros de las llanuras y los enfrentamientos con los indios. Al mismo tiempo, surge un conflicto amoroso que añade tensión y profundidad a los personajes. La producción es notable por su escala: filmada en Durango, México, contó con cientos de extras y enormes escenas de batalla coreografiadas sobre un área de 81 km², lo que aporta espectacularidad y realismo al conflicto. La música, compuesta por Riz Ortolani y con versiones de la canción principal interpretadas por Al Caiola y Frankie Laine, refuerza la atmósfera épica y emotiva del film. El diseño gráfico de los títulos, a cargo de Joseph Mugnaini, complementa el estilo visual de la película. En conjunto, Gloriosos camaradas destaca no solo por su acción y su puesta en escena, sino también por su capacidad de equilibrar la grandiosidad de la guerra con la dimensión humana de sus protagonistas, convirtiéndose en un western bélico intenso y absorbente.

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GRUPO SALVAJE (1969)
Reparto principal  |  William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Bo Hopkins

Nueve soldados se acercan cabalgando a una ciudad. Pasan delante de unos niños que torturan a un escorpión dándoselo de comer a las hormigas. Un predicador amenaza con el infierno a los borrachos. Pronto sus fieles inician un desfile cantando por las calles. Los soldados desmontan y entran en las oficinas del ferrocarril del sur de Texas. Son en realidad atracadores, y el gran golpe que esperaban dar se convierte en una trampa, ya que un grupo de cazarrecompensas apostados en las azoteas de los edificios los está esperando para acabar con ellos. Así comienza la encarnizada huida de esta banda, que les llevará hasta México en guerra entre el ejército federal y los hombres de Pancho Villa, nuevamente de vuelta a los Estados Unidos para robar un tren repleto de armas para el ejército que desea derrocar al líder revolucionario, y una vez más al sur, donde encontrarán un trágico y violento destino cuando, por una vez, el honor y la palabra dada valgan más que el pillaje y la avaricia.

Grupo salvaje, es una obra maestra de Sam Peckinpah que marcó un antes y un después en la historia del western y del cine de acción en general. La película destaca por su innovador uso del montaje, combinando múltiples ángulos y cortes rápidos con imágenes a cámara lenta, técnica revolucionaria para la época que intensifica la violencia y la tensión de cada escena, convirtiendo los tiroteos y enfrentamientos en auténticos ballets de brutalidad y dramatismo. Esta estética visual tan característica se une a un guion sólido y complejo, desarrollado por Peckinpah junto a Walon Green y Roy Sickner, que fue nominado al Óscar al mejor guion original. La música de Jerry Fielding, también nominada al Óscar por su banda sonora, refuerza la épica y la emoción de la historia, sumergiendo al espectador en el crepúsculo de una era marcada por la decadencia del viejo oeste y la llegada de una modernidad implacable. El director de fotografía Lucien Ballard logró composiciones visuales memorables que capturan tanto la majestuosidad de los paisajes como la crudeza de la violencia, siendo galardonado por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine. Además, Peckinpah recibió el reconocimiento del Sindicato de Directores de Estados Unidos como mejor director, consolidando su estatus como uno de los grandes renovadores del western. Grupo salvaje narra la historia de una banda de forajidos envejecidos que busca sobrevivir en un mundo que ya no tiene cabida para sus códigos de honor y camaradería. La película combina acción, moralidad ambigua y emoción humana, explorando temas como la lealtad, la amistad y la inevitable decadencia de los mitos del oeste. La crudeza de sus escenas, junto a la profundidad psicológica de los personajes, convirtió al film en un hito cinematográfico que sigue influyendo en generaciones de cineastas. Su importancia fue reconocida en 1999 cuando la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la incluyó en el Registro Cinematográfico Nacional por su valor cultural, histórico y estético. Además, el American Film Institute la situó entre las 100 mejores películas estadounidenses y la clasificó como el sexto mejor western de todos los tiempos. Incluso la revista GQ la ubicó en el puesto 14 de las 100 mejores películas de acción de la historia, lo que demuestra que Grupo salvaje sigue siendo una referencia imprescindible por su audacia, su estilo innovador y su poder emocional.

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LA BALADA DE CABLE HOGUE (1970)
Reparto principal  |  Jason Robards, Stella Stevens, David Warner, Strother Martin

Cable Hogue (Jason Robards) es un pistolero que es abandonado a su suerte en medio del salvaje Oeste, en pleno desierto, por sus desleales compañeros de aventuras Taggart y Bowen. Antes de emprender la huida, estos le arrebatan la montura de su caballo, las armas y todas las provisiones que portaba para el viaje. Al borde del desvanecimiento tras casi una semana vagando sin rumbo por el desierto, Hogue encontrará un abrevadero de agua en medio de la nada. Ello le otorga el derecho de obtener de forma automática la licencia de posta. Mientras piensa en cómo vengarse de sus antiguos compañeros de aventuras, establecerá allí una especie de negocio por el cual pasarán una gran cantidad de variopintos personajes que buscan agua en el desierto. Su valor es realmente incalculable teniendo en cuenta las situaciones límite que se pueden vivir en el lejano Oeste. Hogue es plenamente consciente de ello.

Lejos de la violencia extrema que suele asociarse a Sam Peckinpah, La balada de Cable Hogue es uno de sus westerns más humanistas y atípicos. La película combina humor, melancolía y ternura para retratar el ocaso del Viejo Oeste y la llegada de la modernidad, simbolizada en el progreso imparable que acaba haciendo inútil el pequeño imperio de Hogue. Jason Robards compone un protagonista entrañable, testarudo y vulnerable, que encarna la dignidad del perdedor y la posibilidad de redención sin necesidad de venganza. Peckinpah reflexiona aquí sobre el paso del tiempo, la amistad traicionada, el amor tardío y la soledad, con un tono casi elegíaco que anticipa el final de una era. La música de Jerry Goldsmith, con su inolvidable tema principal, refuerza ese aire nostálgico y crepuscular. En conjunto, la película es una joya discreta, profundamente emotiva, que demuestra que el western también puede ser un canto a la humanidad y a los pequeños gestos, más que a la épica y la violencia.

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PERROS DE PAJA (1971)
Reparto principal  |  Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan, T.P. McKenna

David Sumner, un matemático estadounidense, se traslada con su joven esposa Amy a un pequeño pueblo rural de Inglaterra buscando tranquilidad. Sin embargo, la convivencia con los lugareños pronto se vuelve tensa: el choque cultural, los celos y una hostilidad latente van creciendo hasta desembocar en una espiral de violencia. Cuando su casa se convierte en el último refugio ante una turba enfurecida, David se ve obligado a enfrentarse a límites morales que jamás pensó cruzar.

Perros de paja es una obra incómoda y profundamente provocadora que examina la violencia como fenómeno social y psicológico. Peckinpah despoja el relato de heroicidad para mostrar cómo la agresión surge de la humillación, el miedo y la presión del entorno. La interpretación de Dustin Hoffman rompe con su imagen habitual, construyendo un protagonista frágil cuya transformación resulta tan perturbadora como inevitable, mientras Susan George aporta ambigüedad y tensión emocional. Formalmente, la película destaca por su montaje incisivo y una puesta en escena que incrementa la claustrofobia hasta un clímax brutal. Más que justificar la violencia, Peckinpah obliga al espectador a mirarla de frente y a cuestionar dónde se trazan las fronteras entre defensa, barbarie y civilización. Polémica desde su estreno, Perros de paja sigue siendo una de las obras más intensas y debatidas del cine de los años setenta.

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JUNIOR BONNER (1972)
Reparto principal  |  Steve McQueen, Robert Preston, Ida Lupino, Ben Johnson

Junior Bonner es un antiguo vaquero de rodeo ahora convertido en vagabundo sin rumbo que un día decide regresar al hogar natal en Arizona para reconciliarse con su familia, a la que no ha visto en varios años. Bonner espera encontrar a sus familiares tan sólidos y unidos como los recuerda, pero, sin embargo, al volver a casa se encuentra una situación muy distinta con el núcleo familiar a punto de disolverse. Sus padres, Ace y Elvira, se han separado, mientras que su hermano Curley se ha convertido en un magnate inmobiliario sin escrúpulos que incluso recalifica parcelas de los terrenos de sus padres para conseguir dinero rápido. Con ningún otro sitio al que ir, Bonner decide quedarse con ellos y luchar por ganarse su respeto. El rodeo local por la celebración del 4 de julio parece la oportunidad más indicada para lograrlo.

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LA HUIDA (1972)
Reparto principal  |  Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Al Lettieri

Doc McCoy está cumpliendo una condena de diez años de prisión por asalto a mano armada. Carol, su esposa, consigue la libertad provisional para él gracias a la intervención de un hombre influyente. A cambio, la pareja deberá organizar un atraco a un gran banco cuyo botín se repartirán con su benefactor.

 

La censura cinematográfica del franquismo se ocupó de suprimir la escena final para evitar que ningún crimen quedase sin castigo. En su lugar se puso en pantalla un cartel donde podía leerse que ambos fueron posteriormente detenidos y encarcelados. La cinta alcanzó un gran éxito comercial. El éxito inspiró a que, en 1994, se realizase una segunda versión (remake) con el mismo título, dirigida por Roger Donaldson y protagonizada por Alec Baldwin y Kim Basinger.​ También cabe destacar, que hoy en día es vista como el top 18 de las 100 mejores películas de acción de todos los tiempos por GQ.

 

 

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PAT GARRETT Y BILLY EL NIÑO (1973)
Reparto principal  |  James Coburn, Bob Dylan, Kris Kristofferson, Slim Pickens

En este western de Peckinpah, William Bonney o Billy el Niño, como todos le conocen, está preso en Lincoln tras ser condenado a la horca. Cuando un revolver colt 44 llega a sus manos, consigue intimidar a los guardias que lo custodian y huye a México. El encargado de ir tras él y darle caza será, nada más y nada menos, que el sheriff Pat Garrett, un hombre que antaño cabalgó junto a él.

 

La película combina el clásico western con un tono melancólico y poético, característico del director. Peckinpah ofrece un retrato de la decadencia del Oeste y de sus antihéroes, mostrando tanto la violencia como la humanidad de los personajes. La banda sonora de Bob Dylan aporta un aire único y evocador, reforzando la atmósfera de nostalgia y fatalismo. Aunque no es su película más conocida, es una obra esencial para comprender el enfoque personal de Peckinpah sobre el género western.

 

 

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QUIERO LA CABEZA DE ALFREDO GARCÍA (1974)
Reparto principal  |  Warren Oates, Emilio Fernández, Isela Vega, Robert Webber

Un escándalo lleva al padre de una importante familia mexicana a pedir la cabeza de Alfredo García. El motivo por el que persigue a este hombre es que ha dejado embarazada a su hija soltera y puesto en peligro el orgullo de la familia. A cambio de la muerte del culpable, el padre ofrece un millón de dólares, una cifra que alienta incluso a los menos decididos a vengarse en nombre del deshonrado. Sappensly y Quill conocen bien el oficio de cazarrecompensas y también el paradero de Alfredo, así que no dudan en ofrecerse para acabar con él. Contarán con la ayuda de Bennie, que se presta a cambio de una buena parte del dinero, aunque su verdadero motor es más el deseo de venganza  y no tanto la ambición económica. Todo el pueblo sabe que su amada, Elita, tuvo una historia con García y ahora quiere hacérsela pagar. 

 

Esta película es un western moderno y urbano, marcado por la crudeza y la violencia característica del director. La narrativa es intensa y desgarradora, reflejando la corrupción moral y la decadencia social. Con un ritmo implacable y escenas de tensión sostenida, Peckinpah crea un ambiente opresivo y fascinante, con una mirada casi nihilista sobre la condición humana. La interpretación de Warren Oates como Bennie es sobresaliente, transmitiendo agotamiento, desesperanza y determinación a partes iguales. Una obra dura, polémica y emblemática del cine de los años 70.

 

 

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LOS ARISTÓCRATAS DEL CRIMEN (1975)
Reparto principal  |  James Caan, Robert Duvall, Arthur Hill, Bo Hopkins

Mike Locken y George Hansen es una pareja de amigos que trabaja para la CIA en una organización secreta. Su misión es proteger a personas importantes cuya vida está en peligro y ejercer de asesinos a sueldo cuando la situación lo requiere. En una operación rutinaria, uno de los compañeros de Mike le dispara tres veces, lo que provoca la muerte de un cliente y la invalidez del agente. Cuando consigue recuperarse del accidente, Mike comienza a prepararse para vengarse del hombre que le disparó. Tras pasar un tiempo alejados, los dos amigos se reencuentran de nuevo pero, en esta ocasión, en bandos diferentes.

 

Los aristócratas del crimen es un thriller de acción en el que Sam Peckinpah traslada muchos de sus temas habituales —la traición, la lealtad rota, el código de honor y la violencia como destino— a un contexto contemporáneo. Aunque más contenida que sus grandes westerns, la película mantiene el sello del director: personajes heridos física y moralmente, un mundo corrupto y una violencia seca, sin glorificación. Peckinpah reflexiona aquí sobre la amistad traicionada y la imposibilidad de escapar del pasado, firmando una obra irregular pero interesante dentro de su filmografía.

 

 

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LA CRUZ DE HIERRO (1976)
Reparto principal  |  James Coburn, James Mason, Maximilian Schell, Senta Berger

Ambientada en el frente oriental durante la Segunda Guerra Mundial, La cruz de hierro sigue a un grupo de soldados alemanes exhaustos y desencantados, encabezados por el veterano sargento Steiner, un combatiente eficaz pero profundamente escéptico ante la jerarquía militar y las condecoraciones. Su conflicto estalla cuando el ambicioso capitán Stransky, obsesionado con obtener la prestigiosa Cruz de Hierro, antepone su gloria personal a la vida de sus hombres, provocando un choque frontal entre el honor auténtico del soldado y la hipocresía del mando.

 

Sam Peckinpah firma aquí una de sus obras más duras y nihilistas, despojando al cine bélico de cualquier épica tradicional. La guerra aparece como un caos brutal, sucio y deshumanizador, donde la violencia no tiene heroísmo ni recompensa. Con un estilo visual áspero, montaje nervioso y un uso expresivo de la cámara lenta, el director refuerza la sensación de desgaste físico y moral de los combatientes. Más que una película de guerra, La cruz de hierro es una feroz denuncia contra el cinismo del poder militar y una amarga reflexión sobre la inutilidad del sacrificio, considerada hoy una de las visiones antibelicistas más contundentes del cine europeo de los años setenta.

 

 

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CONVOY (1978)
Reparto principal  |  Kris Kristofferson, Ernest Borgnine, Ali MacGraw, Burt Young

Las aventuras de un convoy de camiones liderado por Rubber Duck (Pato de Goma), un carismático camionero que, tras enfrentarse al abusivo y desequilibrado sheriff Lyle Wallace, inicia una protesta espontánea a través de los estados de Nuevo México, Texas y Arizona. Lo que comienza como un conflicto aislado se transforma rápidamente en un fenómeno imparable: cada vez más camioneros se suman al convoy, que llega a superar el centenar de vehículos rugiendo por las carreteras en abierta rebeldía contra los abusos policiales. La persecución se extiende de estado en estado, poniendo en jaque a las autoridades y convirtiendo el convoy en un símbolo de resistencia y libertad, hasta desembocar en un desenlace tan espectacular como inesperado.

 

Convoy es una de las películas más atípicas de Sam Peckinpah, alejándose del western para adentrarse en el cine de carretera, aunque sin abandonar sus temas habituales: la rebelión individual, el choque con la autoridad y la camaradería entre marginados. Con un tono más ligero y popular que otras obras del director, el film mezcla acción, humor y crítica social, apoyándose en la mitología del camionero como último cowboy moderno. Aunque Peckinpah tuvo conflictos creativos durante el rodaje y el montaje final no refleja plenamente su visión más oscura, Convoy conserva su sello en la mirada desencantada hacia el sistema y en la celebración de una libertad condenada a desaparecer. Es una película irregular pero muy representativa del espíritu rebelde del cine americano de los años setenta.

 

 

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CLAVE: OMEGA (1983)
Reparto principal  |  Rutger Hauer, Burt Lancaster, Dennis Hopper, John Hurt

John Tanner es un prestigioso presentador de televisión conocido por denunciar los abusos de poder en sus entrevistas a figuras políticas. Su vida da un giro cuando Maxwell Danforth, director de la CIA, le revela que dos de sus amigos más cercanos —con quienes pasa cada año un fin de semana de vacaciones— podrían ser agentes soviéticos implicados en una operación secreta llamada Omega, destinada a desestabilizar Estados Unidos. Las pruebas han sido reunidas por el agente Lawrence Fassett, un hombre marcado por la muerte de su esposa, asesinada años atrás en una operación encubierta. Mientras su matrimonio atraviesa una grave crisis, Tanner se ve atrapado en una red de manipulaciones, engaños y chantajes que pone en peligro a su familia. Para desenmascarar a los supuestos espías, acepta que su casa sea vigilada y cableada por la CIA, convirtiendo el reencuentro con sus amigos en un inquietante experimento de espionaje y paranoia. A medida que el fin de semana avanza, las tensiones personales y políticas se entrecruzan, y Tanner comienza a cuestionarse si está revelando una conspiración real o siendo utilizado como una pieza más en un juego de poder sin escrúpulos.

 

Clave: Omega es el último largometraje de Sam Peckinpah y, en muchos sentidos, funciona como su testamento cinematográfico. Alejada del western que le dio fama, la película se adentra en el thriller político propio de la Guerra Fría, mostrando un mundo dominado por la paranoia, la desconfianza y la corrupción institucional. Peckinpah mantiene su mirada pesimista sobre el poder y la violencia, aunque aquí la acción es más contenida y sombría, acorde con el tono conspirativo del relato. La cinta refleja a un director cansado pero lúcido, que sigue cuestionando la moralidad de los sistemas que utilizan a los individuos como piezas prescindibles. Sin ser una de sus obras más celebradas, Clave: Omega resulta interesante como cierre de una filmografía marcada por la rebeldía, la crítica al poder y la obsesión por la traición y el honor en un mundo en decadencia.

 

 

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Sam Peckinpah
En el centenario de su nacimiento
La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea de Granada

 

(…) Este realizador, nacido en 1926, era, según sus propias palabras, “el producto de una mezcla de sangre irlandesa, galesa, con antepasados oriundos con antepasados de las islas Frisias, al norte de los Países Bajos, y sangre india”. Provisto de un abuelo, de un padre y de un hermano, todos ellos jueces de gran rectitud, el joven Sam creció entre conversaciones sobre la Ley, la Justicia, la Verdad... Además, vivió toda su juventud en una región muy marcada por la historia del Oeste y tuvo la ocasión, durante este período de su vida, de encontrar y de codearse con numerosos testigos de este Oeste desaparecido. Así entró en contacto de una manera natural con el Oeste, o más bien, con lo que aún sobrevivía de él, y desde su adolescencia comienza a hacer investigaciones personales sobre este período capital de la historia de su país. Despreciando la clásica documentación libresca, este hijo y nieto de juristas deja a un lado las bibliotecas para ir a extraer sobre el terreno los elementos de un conocimiento visceral del Oeste y de sus hombres. Deseoso de reanudar el contacto con este universo en vías de desaparición, no cesa de buscar los viejos testigos, últimas chispas del gran fuego humano que, no hace mucho, barrió las llanuras. Antiguos ganaderos, hombres de las rutas y de los ranchos envejecidos bajo los arreos, e incluso prostitutas retiradas desde hace mucho tiempo, éstas son las fuentes en las que Peckinpah se impregnará de realidad westerniana. Después de haber acabado la carrera de Derecho para complacer a su familia, se alista en los marines, pero, como la carrera militar no le atrae más que la abogacía, se inicia entonces en el arte dramático. 

 

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Sam Peckinpah. Vida y obra
Leoncio González Hevia

 

David Samuel «Sam» Peckinpah nació el 21 de febrero de 1925 en el monte Peckinpah, una montaña de Estados Unidos al norte de Fresno, California, adquirida por su abuelo en 1868. Pasó su infancia allí, en el condado de Madera, valle de San Joaquín. Hombre de acción, ya de adolescente prefería las actividades del rancho Denver Church —tales como aprender a disparar y marcar ganado— a las clases de su colegio, del que le interesaba particularmente el equipo de fútbol americano. En su familia había dos muchachas que cuidaban de los niños. Las dos eran indias. Sam, al principio de su carrera, decía que era medio indio. Era mentira. Su familia era de las islas Frisias. Tenía raíces germánicas. 

 

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Enlaces de interés

YouTube:  Video de Sam Peckinpah    -     Películas:  Películas de Sam Peckinpah

Imágenes:  Imágenes de Sam Peckinpah   -   Videos:  Más videos de Sam Peckinpah

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Premios y distinciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1969[​	Mejor argumento y guión original	Grupo Salvaje	Nominado