Tanto en sus películas favoritas como en su propio cine, rechaza lo políticamente correcto y la búsqueda del éxito ya que, para él, son los dos enemigos del verdadero cine de autor.
Las películas dirigidas por Albert Serra
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CRESPIÁ, THE FILM NOT THE VILLAGE (2003)
Reparto principal | Jaume Badia, Lluís Carbó, Anna Darné, Montse Triola
Una película que explora de manera sutil y artística la vida rural en un pequeño pueblo catalán. La narrativa se centra en las interacciones cotidianas y los paisajes evocadores, capturando la esencia del lugar y sus habitantes con un estilo cinematográfico distintivo. La película en cuestión es un retrato de los supuestos habitantes de la localidad del título a través de la puesta en escena de su cotidianidad, estando aparentemente a medio camino entre la ficción y el documental, característica presente en todos los trabajos de Serra a pesar de estar situados en el pasado. El filme nos muestra de manera espontánea y sin que haya un verdadero hilo conductor las acciones de sus personajes mientras matan el tiempo en el bar, se afeitan en la barbería o llevan a cabo improvisados momentos musicales. Esto último termina siendo muy importante, puesto que la película puede ser considerada también una suerte de musical pop precario por cuya banda sonora van circulando temas de grupos famosos como The Miracle o The Jam, en clara oposición a las composiciones clásicas que dominarán el resto de la filmografía del cineasta
Crespià, the Film not the Village (2003) es una cinta únicamente recordada por lo olvidada que está, y tanto la prensa como su artífice parecen haberse confabulado para establecer el inicio de la filmografía del director de Banyoles en Honor de cavalleria (2006), auténtica declaración de intenciones del cineasta. Sin embargo, ningún análisis pormenorizado de su trayectoria artística debería obviar esta obra cuanto menos curiosa y que ya avanza algunas de las constantes de su director. Es una desconcertante oda a la excentricidad que a pesar de todo contiene momentos apreciables y alguna imagen que anticipa el talento visual de su director. Aunque para ser honestos, no deja de ser una cinta hortera y absolutamente propia de un aficionado que sólo salva el genio innegable de la trayectoria posterior de su autor haciéndonos pensar que se trata únicamente de una gran broma. Carles Gómez (FUENTE: camerastylo.ecib.es)
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HONOR DE CAVALLERIA (2006)
Reparto principal | Lluís Carbó, Lluís Serrat, Jaume Badia, Glynn Bruce
Don Quijote y Sancho están cabalgando a campo través; da la sensación que hace ya mucho tiempo que están juntos y que han conocido infinidad de aventuras. Como siempre cabalgan dialogando. Esta película cuenta el viaje del Quijote y Sancho Panza "para salvar el mundo del desorden y los malvados", explicando al mismo tiempo el recorrido paralelo de todos los integrantes del equipo de rodaje.
El cineasta muestra a un Quijote desencantado, que reflexiona sobre sus sueños y ansias de vivir aventuras. Se trata de una película contemplativa, de desarrollo lento y largos monólogos del protagonista, que bien puede apasionar como ganar detractores. En cualquier caso, se agradece el esfuerzo por alejarse de los tópicos al uso y que se acerque a temas de entidad, como el choque entre los ideales y el mundo real, la búsqueda de Dios, o las relaciones con la naturaleza. Fue seleccionada para la Quincena de Realizadores de la última edición del Festival de Cannes (FUENTE: sensacine.com)
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EL CANT DELS OCELLS (2008)
Reparto principal | Lluís Carbó, Lluís Serrat, Montse Triola, Mark Peranson
Los Reyes Magos están en camino para buscar al Salvador, un niño nacido en una pequeña aldea de Palestina. Con este fin, cruzarán desiertos y vivirán un largo y duro viaje para lograr su objetivo. La travesía no será sencilla, pero ninguno de los tres cejará en su empeño de acudir en busca del Mesías.
Película en blanco y negro que muestra una peculiar visión del viaje que realizan los Reyes Magos para adorar al niño Jesús. Albert Serra entrega una cinta de tendencia claramente modernista e innovadora. Curiosamente, para conseguirlo vuelve sus ojos a los orígenes del cine. La película no sólo es en blanco y negro, sino que está rodada como los viejos clásicos del cine mudo, con un sistema de montaje que dota de un ritmo a las imágenes que puede provocar las risas y la desubicación en el público que no esté acostumbrado a este tipo de películas. Ciertamente, El cant dels ocells es un título minoritario que resultará complejo de digerir para la gran mayoría (FUENTE: decine21.com)
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ELS NOMS DE CRIST (2010)
Reparto principal | Victòria Aragonés, Román Bayarri, Lluís Carbó, Nanu Ferrari
Proyección de 14 episodios que se concibieron inicialmente para la exposición del MACBA "Esteu a punt per a la televisió?" (¿Estáis listos para la televisión?). "Els noms de Crist" contrapone la creación de una película, percibida como algo vulgar, con imágenes sacras inspiradas en la mística de Fray Luís de León. Del mismo modo, planos contemplativos de singular belleza cohabitan con infinidad de citas (literarias y cinematográficas) y con las conversaciones en torno a la génesis del supuesto film que mantienen Román Bayarri, en el papel de improvisado productor, y el propio Serra.
Presente también en Locarno, contrapone la creación de una película, percibida como algo vulgar. Del mismo modo, planos contemplativos de singular belleza cohabitan con infinidad de citas (literarias y cinematográficas) y con las conversaciones en torno a la génesis del supuesto film que mantienen Román Bayarri, en el papel de improvisado productor, y el propio Serra. Inicialmente concebida como una serie de 14 episodios para una exposición en el MACBA de Barcelona, presentamos ''Els noms de Crist'' en su formato de largometraje de más de tres horas de duración. (FUENTE: filmin.es)
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EL SENYOR HA FET EN MI MERAVELLES (2011)
Reparto principal | Lluís Carbó, Lluís Serrat, Jordi Pau, Eliseu Huertas
Albert Serra viaja al escenario de "Honor de Cavalleria" y establece una carta filmada al cineasta argentino Lisandro Alonso. Parte del equipo de Honor de cavallería, película rodada en 2006 por el mismo Albert Serra, viaja a La Mancha para ver la configuración real de la vida del Quijote con el fin de rodar una película.Forma parte de la exposición fílmica "Todas las cartas. Correspondencias fílmicas", que reúne estas obras de intercambio entre parejas de directores situados en territorios alejados, pero unidos por la voluntad de compartir preocupaciones y puntos de vista. En este caso, el cineasta de Banyoles de cartea con el gran Lisandro Alonso, director de "Jauja" o "Liverpool".
La obra explora temas religiosos y espirituales a través de una narrativa única y contemplativa. La película se centra en la introspección y las experiencias personales de sus personajes, ofreciendo una visión profunda de la fe y la devoción. (FUENTE: lavanguardia.com)
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HISTÒRIA DE LA MEVA MORT (2013)
Reparto principal | Vicenç Altaió, Lluís Serrat, Noelia Rodenas, Clara Visa
Ambientada en la transición entre el racionalismo de finales del siglo XVII y el romanticismo de principios del XIX, y vista a través de la sexualidad y vida cotidiana de la época, 'Historia de la meva mort', describe una transformación desde el punto de vista de dos personajes icónicos: Casanova y Drácula. Aquella que comienza con el libertinaje sensual, lujurioso del mundo científico y racionalista del Siglo de las Luces y que lentamente pasa a un mundo romántico de oscuras tensiones sexuales, sacrificios y defunción. Comienza en los ambientes artísticos centroeuropeos donde se siguen las andanzas de Casanova, siempre acompañado de Pompeyo. Amo y criado llegan a un pequeño pueblo campesino donde Casanova utilizará sus mejores dotes de seducción para conquistar a las lugareñas. Todo cambia cuando llega Drácula, convirtiendo la apacible y alegre villa en una oscura y tenebrosa fuente de malévolos sucesos donde tendrá lugar el violento broche final de la esotérica cinta.
'Història de la meva mort' supone un paso adelante en la filmografía de Albert Serra. Como en 'Honor de cavalleria' y 'El cant dels ocells', vuelve a aproximarse a unas figuras entre la historia y el mito, Casanova y Drácula, para fabular a través de ellas sobre la belleza y la inocencia, sobre el deseo y el placer, sobre la luz y las tinieblas. Pero en esta película que le valió el Leopardo de Oro en el Festival de Locarno ensaya nuevos procedimientos que le han alejado del peligro de acomodarse o estancarse en un estilo muy peculiar cuya esencia sigue conservando. El italiano Giacomo Casanova es el protagonista principal durante la mayor parte del metraje e incluso el título retoma el nombre de sus memorias, 'Historia de mi vida'. Serra concibe a Casanova como la encarnación de las valores del Siglo de las Luces, como un personaje polifacético que ejerció de pensador, escritor e inventor, que conoció a los grandes nombres de la cultura europea de la época y disfrutó de todos los placeres de la vida. Nos encontramos con un Casanova más "construido" que los protagonistas de las películas anteriores. Aunque sigue trabajando con intérpretes no profesionales y la mayor parte de su troupe habitual aparezca en la película, aquí el papel principal ha ido a parar a un no-actor de otro perfil. Vicenç Altaió es poeta y comisario cultural, además de guardar cierto parecido físico con los retratos que nos han quedado del veneciano. Este bagaje le otorga ya cierta entidad intelectual al protagonista que además, otra novedad, se nos presenta viviendo en una especie de palacete. También es esta la primera película donde Serra ha elaborado un casi-guión o unos casi-diálogos. Casanova cita a Voltaire y a Montaigne, intuye la Revolución Francesa, proyecta un diccionario de quesos, abomina del cristianismo y reivindica que él ideó la lotería. En sus conversaciones se combina cita erudita y diálogo libre: una pausa, una frase suspendida en el aire, una réplica retórica, una charla que se alarga para no llegar a ninguna parte... quiebran cualquier amago de academicismo literario. Casanova cuenta además con su propio escudero, un criado fiel, Pompeu, que encarna Lluís Serrat, el Sancho de 'Honor de Cavalleria'. Dentro de este universo intelectual, culto y licencioso, Pompeu conserva esa inocencia primigenia que caracterizaba a los protagonistas de las cintas anteriores. En la segunda mitad de la película, Casanova abandona su residencia para emprender un viaje hacia los Cárpatos cuyos motivos no se nos acaban de explicar. Allí se aloja en el humilde hogar de un alquimista. Su universo antaño civilizado se ve sustituido por toda una serie de rituales primitivos, como la matanza de una res que el cineasta rueda con poderío hipnótico. Se ha iniciado la transición de la luz a las tinieblas. (FUENTE: sensacine.com)
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LA MUERTE DE LUIS XIV (2016)
Reparto principal | Jean-Pierre Léaud, Patrick d'Assumçao, Filipe Duarte
La muerte de Luis XIV relata los últimos días de vida del Rey Sol, Luis XIV, cuando -tras volver de una salida de caza- empieza a sentir un fuerte dolor en la pierna que le obliga a guardar cama en Versailles. Así empieza una lenta agonía durante la cual tendrá que organizar los preparativos de su sucesión mientras es rodeado por su fiel corte: su médico, su favorita Madame de Maintenon, su cirujano, su primer sirviente de cámara...
Para encarnar a un personaje tan ilustre, Albert Serra ha recurrido al rostro más icónico de la "Nouvelle Vague", Jean-Pierre Léaud, que reside en el imaginario de los cinéfilos como el alter ego de François Truffaut y uno de los cómplices de Jean-Luc Godard. A sus 72 años, Léaud, que recibió la Palma de Honor en Cannes 2016, se mete de lleno en la piel del monarca, en la que para muchos es su mejor interpretación. Albert Serra presentó La muerte de Luis XIV fuera de competición en la pasada edición de Cannes y se convirtió en una de las películas mejor valoradas del festival. Después ha pasado por los festivales de Jerusalén o Toronto, New York Film Festival, Busan International Film Festival, BFI London Film Festival y la Viennale. Antes de su estreno en España la película se presentó en el Festival de cine Europeo de Sevilla y en el Temporada Alta de Girona. Serra ha recibido el prestigioso Premio Jean Vigo, convirtiéndose en el primer cineasta español en obtener ese honor. Además, la película consiguió otros premios como The Wilf Family Foundation Award para la Mejor Película Internacional (Jerusalem Film Festival 2016) o Gran Prix 2016 al director de fotografía Jonathan Ricquebourg (Ostrava Camera Oko, República Checa 2016). (FUENTE: lahiguera.net)
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LIBERTÉ (2019)
Reparto principal | Helmut Berger, Marc Susini, Alexander García Düttmann
1774, unos años antes de la Revolución Francesa, un bosque cualquiera entre Francia y Alemania. Varios aristócratas libertinos expulsados de la corte puritana de Luis XVI donde reina la hipocresía y las falsas virtudes, van en busca del legendario duque de Walchen, un seductor y libre pensador alemán. Su misión: exportar el libertinaje, una filosofía de la iluminación basada en el rechazo de la moral y la autoridad, pero también, y sobre todo, encontrar un lugar seguro para continuar sus juegos maliciosos. ¿Se dejaran llevar, las novícias de un convento vecino, por esta noche oscura donde solo reina la ley del deseo insaciable? Será una especie de última cena carnal, un último momento de libertad.
Podría parecer una boutade que, de una película que se presenta como un catálogo de perversiones sexuales, se diga que brilla, sobre todo, por su luz. Pero es la realidad, al menos para este crítico. Rodada (casi) íntegramente de noche, en un desangelado bosquecillo del siglo XVIII, donde amos y sirvientes se libran a toda clase de sádicas excentricidades, la película destaca por el armónico equilibrio entre luz natural, la propia luna, y luz artificial, lograda con uno de esos night balloons, creando ocasionalmente un discreto baile de sombras equívocas. Menos iluminada sería un fracaso: no se vería absolutamente nada, el espectador se adormecería. Con un poco más de luz, la película perdería esa nocturnidad y alevosía que es su razón de ser, pues Liberté, en la línea de un Philippe Grandrieux, nos llega como una película sobre la noche como eclipse moral y como almohada sobre la que cabalgan sin freno nuestras fantasías oníricas menos confesables. Si la iluminación de Liberté no fuera un proeza, al menos sí se trata de un factor absolutamente decisivo, que hace que nuestros ojos se acostumbren a la falta de luz, o a la ilusión de esta carencia, descubriendo entre sombras la blancura de los cuerpos, en un estado de inevitable fascinación, que podría incluso llegar a entenderse como una metáfora de nuestra pasión por las salas oscuras. Es decir, por el propio cine, donde el espectador no puede, ni quiere, apartar la mirada de las luces que se agitan en la pantalla. El hipnótico espectáculo que se ofrece dista sin embargo de resultar placentero. Es más, se diría que se esfuerza en parecernos desagradable. Y sin embargo, una vez más, no podemos dejar de mirar. Quizás porque el sexo, como ningún otro tema, tiene todavía la capacidad de mantener vivas nuestras expectativas de algún tipo de culminación, aunque muy pronto, pese a que se alcanzan algunos clímax más bien escatológicos, queda claro que se trata más bien de una película sobre la insatisfacción. La prueba es que no aparece ni un solo sexo enhiesto mirando el cielo, y que los participantes masculinos de esta orgía sin alegrías se la pasan arremolinándose los genitales a modo de frustrante pasatiempo. Sade, bajo cuyo sol negro se desarrolla esta triste fiesta pagana, no tenía ese problema, aunque su manera, obsesiva y mecánica, de querer ir siempre más allá en sus experimentos también puede verse como una forma de desesperación. Y sin embargo, como el propio cineasta de Banyoles ha reconocido, el sentimiento de desolación que se desprende de la película, y que llega a su apoteosis en el hermoso plano final, quizás provenga de nuestra mirada contemporánea. Quizás ese pasado ya muy remoto, de intercambios frenéticos, nos llegue filtrado por este presente post sexual en el que la carne ha sido reemplazada por la ilusión de lo virtual. En el oasis libertino que rememora la película, no había pantallas entre el deseo y los cuerpos, ahora siempre hay al menos una que nos impide tocar, oler, besar. La intimidad de lo real podría haberse perdido para siempre. (FUENTE: sensacine.com)
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PACIFICTION (2022)
Reparto principal | Sergi López, Benoît Magimel, Pahoa Mahagafanau
Una escritora vuelve a su hogar en la Polinesia Francesa tras haber triunfado como escritora en Francia. Pero su vuelta está rodeada de desconcierto debido a una crisis creativa en la que está sumida. Sin poder escribir, decide aceptar un trabajo de traductora simultánea para un embajador. Pero con el tiempo, se da cuenta de que ha surgido una curiosa atracción amorosa entre ellos, siendo dos personas muy diferentes. Trabajo tras trabajo, ella se empieza a dar cuenta del cinismo que esconde la política internacional cuando ve que el gobierno francés está haciendo unos ensayos nucleares que podrían suponer una amenaza para la población del país polinesio. El conflicto hará que su historia de amor con el embajador francés esté en riesgo, conduciendo el interés y el romanticismo a un triste final.
Pacifiction es una película de sensaciones, muy en la línea de un cine, el de Albert Serra, que conecta por la vía orgánica e intelectual. Una película peligrosa, de imágenes cautivadoras y febriles, en las que cabe el silencio, la contemplación, lo oscuro y lo siniestro. El cineasta compone a lo largo de casi tres horas una fábula oscura que exuda amenaza, que posee un apartado visual de los que crean escuela y perduran, por su inmensidad, por su poesía nocturna, por su absoluta e inabarcable belleza. Serra se va con Pacifiction a Tahití, en la Polinesia Francesa, donde un representante del estado francés que sondea a la población local para recoger información deberá lidiar con el rumor de que se van a retomar los ensayos nucleares en la región. Es de este modo que Serra pone su amplia mirada autoral al servicio de una historia que se vuelve sórdida con el paso de los minutos, en la que tiene tanta relevancia lo que ocurre como lo que podría ocurrir, lo que es verdad como lo que debería serlo. El inmenso Benoît Magimel se come la pantalla como protagonista absoluto de la obra en una creación de personaje ejemplar, carismático y oscuro como la noche, de formas impecables y sonrisa siniestra. La verdadera potencia de Pacifiction recae sobre el hecho de que guarda la capacidad de mantener en vilo durante su dilatado metraje en una explosión de colores y sonidos, de colosal plasticidad en la que no importa tanto una narrativa tectónica y flemática sino el modo en que penetra, atrayendo al que observa como si de un gigantesco imán del que es imposible huir se tratara. Pacifiction va hacia arriba, y mientras elabora un juego simbólico en el que lo que vemos es lo que parece, pero también es mucho más que eso, va bajando poco a poco hacia el infierno de la duda y lo terrestre, rodando planos de puro fuego e inquietud, atravesando cada lugar común por el pecho hasta construir un mundo agónico. Su representación de la geopolítica de hilo fino, de esa clase política más acostumbrada a mentir y convencer que a cualquier otra cosa, con esos monólogos de Magimel que entran en la categoría de lo fantasmagórico sin perder ni un poco de intensidad dramática, representan un activo fílmico apasionante, uno que reinterpreta la película política accediendo a ella desde lo espectral: con una mirada que cuestiona la realidad y la percepción, avanza inmisericorde conquistando la lírica y la estética, trazando una realidad que esboza un potentísimo estado mental, uno que culmina en una última traca tan narcótica y hechizante, tan misteriosa y reveladora, que transforma el todo en un fragmento de cine imposible, uno de sonidos oscuros de los que cuesta despegarse de encima una vez se encienden las luces. Porque incluso la posibilidad de acceder a sus imágenes del mismo modo improbable con el que lo hacemos a las de Apichatpong Weerasethakul es un acto relevante de fe cinematográfica, en el que no hacemos sino abrazar la incertidumbre en una obra infinita, poética, siniestra, noctámbula y de valor visual inagotable. (FUENTE: cintilatio.com)
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TARDES DE SOLEDAD (2024)
Reparto principal | Andrés Roca Rey
El largometraje documental sobre la tauromaquia, dirigido por Albert Serra, ofrece un retrato íntimo y fascinante del torero peruano Andrés Roca Rey y su cuadrilla, adentrándose en el universo taurino desde una perspectiva artística y reflexiva. El documental explora la complejidad de la tauromaquia, mostrando tanto la majestuosidad del arte del toreo como los desafíos personales y profesionales que enfrenta Roca Rey. A través de su mirada singular, el cineasta muestra la tensión entre tradición y modernidad en el mundo del toro.
Hay algo de aproximación antropológica a la relación entre el toro y el torero en la dimensión más interesante de Tardes de soledad. También de fresco sensorial, de saturación de texturas (visuales y sonoras), e incluso de registro físico de un vínculo que se quiere atávico entre el hombre y el animal en otra de las facetas más atendibles de la indagación propuesta por Albert Serra, cuyas imágenes prescinden por completo del ‘espectáculo’ (el fuera de campo del público que llena el coso solo está presente en la banda sonora) para centrarse exclusivamente en la desigual danza coreográfica que el diestro y el astado ejecutan en medio del ruedo. Esa aproximación –nacida de un radical parti pris apriorístico (estar lo más cerca posible de sus dos protagonistas)– le exige recurrir imperiosamente al uso casi constante del teleobjetivo, pero ahí aparece otra dimensión muy diferente de la película. La distancia focal larga aplana por completo el espacio hasta casi borrarlo (hay muchos planos en los que el toro y el torero parecen estar en paralelo en lugar de enfrentados), de la misma manera que se borra, consecuentemente, la distancia (fílmica) desde la que mira Albert Serra. Y entonces ya no sabemos si estamos ante las imágenes de un cineasta fascinado por lo que muestra (absorto en un rito meramente formalista, a despecho de la crueldad que genera un derroche de sangre cuyo brillo sobre la piel negra del animal se convierte –desde esta perspectiva– en una mera textura cromática más) o ante un cineasta horrorizado por lo que filman sus cámaras (esa liturgia salvaje, casi precivilizatoria, que –picador, banderillas y estoque mediante– convierte al toro en víctima de un espectáculo del que la banda sonora nos devuelve sus sonidos más agónicos y más dolorosos). A la hora de dilucidar ese debate, otros factores vienen a inclinar la balanza hacia la primera opción. Carente por completo de arco dramático o decurso interior alguno, la película amontona una faena taurina detrás de otra, sin que en ningún momento su concatenación sea capaz de crear más espesor o más densidad, más lecturas o más sugerencias. Dos largas horas de delectación en más de lo mismo nos hablan también del cineasta hechizado por su ‘lienzo’ de colores saturados (rojo, negro, amarillo y albero), cuyas imágenes actúan no de manera dialéctica, sino por acumulación y reiteración del macabro ballet servido en bandeja por el teleobjetivo. ¿Las imágenes ‘objetivan’ entonces el horror de aquella danza sangrienta o son prisioneras de la fascinación formalista –inseparable de un determinado sentido, lo quiera o no su artífice– que ese ‘ballet’ parece suscitarle al cineasta…? A tales efectos, poco papel juegan las conversaciones entre el diestro y su cuadrilla en la furgoneta, las expresiones admirativas de sus ayudantes y los ritos íntimos del protagonista, siempre filmado dentro del vehículo en un plano fijo frontal y en picado, lo que contribuye a construir una figura casi totémica de este último (algo coherente con la fascinación que unas imágenes ‘hechizadas’ parecen sentir por lo que filman), todo ello envuelto en obsequiosa adulación, atávica subcultura, testosterona machirula y superstición religiosa para consumo de incondicionales. De todo esto también habla Tardes de soledad, sin duda, aunque sus imágenes pongan el acento mayor en una coreografía sangrienta de la que el film parece más bien prisionero. (FUENTE: caimanediciones.es)
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Enlaces de interés
Ha sido aclamado por la crítica por Brokeback Mountain y Tigre y dragón,
y ha ganado tres premios Óscar, dos Leones de Oro en Venecia
y dos Osos de Oro en Berlín.
Las películas dirigidas por Ang Lee
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MANOS QUE EMPUJAN (1992)
Reparto principal | Sihung Lung, Lai Wang, Bozhao Wang, Deb Snyder
Un maestro de Tai Chi ya jubilado abandona Taiwán para vivir en Nueva York, a donde su hijo emigró hace tiempo y en dónde se ha casado y le ha dado un nieto. El anciano, sin embargo, no logra acostumbrarse a su nueva vida en una ciudad estresante y en medio de una cultura que no termina de entender. Pronto, choca con su nuera, que tampoco logra acostumbrarse a él y a sus costumbres y rutinas. Pronto, llegan los problemas a la familia...
El debut en la dirección del taiwanés Ang Lee, junto a su fiel colaborador, el guionista James Schamus. Cuenta la marcha a Estados Unidos de un anciano maestro en tai chi. La convivencia con su hijo, casado con una yanqui, no va a ser fácil, las diferencias culturales son grandes. Ang Lee ya apunta maneras de buen cineasta, y la alusión al "pushing hands", la táctica del tai chi de empujar con las manos para mantener el equilibrio, se revela símbolo eficaz del choque cultural que sostiene la trama. (FUENTE: decine1.com)
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EL BANQUETE DE BODAS (1993)
Reparto principal | Gua Ah-leh, Lung Sihung, May Chin, Winston Chao
Wai-tun Gao y Simon son una pareja homosexual que vive en Nueva York. Cuando Gao se acerca a la treintena, sus padres le andan insistiendo para que se case. Gao, que no les ha confesado su homosexualidad, les miente diciendo que se casará pronto. Cuando sus padres llegan desde Taiwán, improvisa con unos planes de boda falsos, temeroso de que al decirles la verdad, su padre vuelva a sufrir un infarto. Wai-tun consigue que una artista china, Wei-wei, se haga pasar por su novia para que se casen y así para complacer a sus padres. Todo esto hará que la relación con Simon se deteriore, y más cuando Wei-wei anuncie que está embarazada.
El banquete de boda supone una interesante aportación al cine de mestizaje, con unos comienzos inscribibles en la comedia, que deriva paulatina y casi imperceptiblemente hacia el melodrama, sin cargar las tintas, muy suave, la historia de una pareja gay (taiwanés y yanqui) que ha de hacer el paripé ante los padres llegados de Taipeh, casándose el primero con una china continental que necesita los "papeles" de esta boda para no ser expulsada a su país. Pronto la estratagema escapa de las manos de sus autores: entran en escena los sentimientos (amor, paternidad, celos, miedo) y todo se complica. Ang Lee firma con éste su segundo largo, de maneras muy americanas, pero haciendo hincapié también en las costumbres y asuntos orientales, poniéndolos en contraposición con la frivolidad USA, sin por ello llegar a la crítica acerba; hay un tono de comprensión hacia sus personajes, hacia ese trío embarcado en una aventura que les supera, pero también hacia los padres que no terminan de entender algo que no encaja en sus limitadas mentes, habituadas a esquemas mucho más tradicionales (FUENTE: criticalia.com)
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COMER, BEBER, AMAR (1994)
Reparto principal | Lung Sihung, Wang Yu-wen, Wu Chien-lien, Yang Kuei-mei
De la mano del aclamado director Ang Lee llega una película visualmente impresionante, con un hermoso equilibrio de elementos delicados, armoniosos y conmovedoramente divertidos. Los problemas están comenzado para el viudo y chef Chu (Sihung Lung), quien está por descubrir que, sin importar qué tan deslumbrantes y deliciosas sean sus creaciones, éstas no se comparan con los caprichos libidinosos de sus tres hijas hermosas y rebeldes. Aunque es un experto en la cocina, Chu se siente perdido cuando se trata de los ingredientes para ser padre. Cada domingo, improvisa una exquisitez de platos para sus ingratas hijas, que están tan ensimismadas que no ven que intenta amarlas a través de la comida. Entonces, a medida que las relaciones se agrian y la comunicación se rompe, Chu elabora una receta de éxito seguro que unirá a su familia: inventa su propia aventura amorosa para que compita con el afecto de sus hijas.
Película tierna, entretenida, sentimental pero sin caer en la moralina típica de otras latitudes cinematográficas, agridulce y melodramática, sigue siendo a día de hoy uno de los mejores trabajos de Ang Lee, un director al que le van muy bien las historias minimalistas que den pie a la plasmación de sentimientos, en detrimento de los experimentos de artificio de corte hollywoodiense en los que gusta de participar de vez en cuando. En el caso de Comer, beber, amar, la premisa básica es el enfrentamiento entre la modernidad y la tradición, y aunque muchos de los acontecimientos narrados son dramáticos, el tono de comedia ligera consigue mitigar bastante el dolor que subyace sobre las distintas situaciones. Lejos de empalagar con almibaradas exposiciones de sentimientos, la idea principal es la necesidad de cambio y lo imparable del mismo, además de la conveniencia de la conservación de las esencias tradicionales para que los cambios no resulten atolondrados y sin rumbo. Ese cambio, que afecta a todos los personajes durante el transcurso de la trama, no sólo es inevitable sino también necesario. No obstante, los antiguos valores deben aún ser apreciados por las nuevas generaciones como cimientos que proporcionen un sentido, un anclaje, un puerto seguro dentro de un tipo de vida vacía y desprovista de ideales que como único programa contiene la asimilación entre felicidad y éxito económico. (FUENTE: 39escalones.wordpress.com)
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SENTIDO Y SENSIBILIDAD (1995)
Reparto principal | Hugh Grant, Emma Thompson, Kate Winslet, Alan Rickman
Tras la muerte de Henry Dashwood, su viuda y las tres hijas del matrimonio, Elinor, Marianne y Margaret, deben abandonar la casa familiar, que es heredada por el único hijo varón de Henry, John, fruto de un enlace anterior. Las cuatro mujeres se ven obligadas a sobrevivir con un austera renta de 500 libras anuales y a mudarse a una pequeña casa de campo que les presta un familiar, el primo de la viuda, sir John Middleton. John Dashwood y su codiciosa mujer, Fanny, se instalan en la mansión. La nueva dueña de la casa invita a su hermano, Edward Ferrars, a pasar un tiempo junto a ellos. Fanny observa con preocupación la incipiente amistad que surge entre Edward y Elinor, por lo que intenta evitar a toda costa que la relación vaya a más. En la casa de los Middleton, Marianne conoce al Coronel Brandon, que se siente atraído por la joven de inmediato.
La cuarta película del realizador taiwanés Ang Lee fue esta comedia romántica adaptada de la novela homónima de Jane Austen, que recibió siete nominaciones a los Oscars. La única estatuilla que se llevó fue para su protagonista, Emma Thompson, pero no en calidad de actriz, sino por su labor como guionista, ya que fue ella misma quien adaptó la historia para la gran pantalla. La cinta retrata a la perfección el sutil duelo entre el amor y la importancia de la posición social, en un divertido e irónico juego de pasiones y desengaños. Thompson estuvo brillantemente acompañada por Kate Winslet, Hugh Grant y Alan Rickman. (FUENTE: sincroguia-tv.expansion.com)
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LA TORMENTA DE HIELO (1997)
Reparto principal | Kevin Kline, Joan Allen, Henry Czerny, Adam Hann-Byrd
1973. Ben y Elena Hood, son una peculiar pareja de los suburbios de New Canaan, Connecticut. Todo se desarrolla en el contexto cultural del Watergate donde las drogas y otros excesos están en auge, en EE.UU. Mientras sus hijos intentan cruzar todos los límites y explorarse sexualmente. Ben tiene una apasionada aventura con la vecina de enfrente, Janey Carver y Elena enterada de todo, está cansada de vivir una mentira. Un día una tormenta de hielo paraliza la ciudad y pone al descubierto los sentimiento de la familia.
Guión y dirección llevan a cabo una magistral tarea de composición y descomposición de un mosaico viviente con los personajes: además de los ocho miembros de las dos familias, aparecen muchos otros personajes. Cada uno es presentado en su individualidad e interioridad, a ritmo pausado, que se hace vivaz al cobrar su papel en el grupo, y se acelera al llegar al desenlace y descomposición del mosaico. Este mosaico es la familia -una constante en las obras de Ang Lee-, y también la comunidad. El elemento de cohesión narrativa de esas piezas humanas es el adolescente de más edad de una de las familias protagonistas: voz en off, lectura de Los cuatro fantásticos -historieta de ciencia-ficción- en sus largos desplazamientos en tren…, historieta que se levanta como alegoría de lo que está sucediendo en la realidad. Realidad familiar que es juzgada por este adolescente -según su situación de hecho- como una nada de la que el hombre sale, y a la que al final de sus días se ve obligado a volver. Pero los hechos mismos en la sociedad, la tormenta de hielo exterior, la fría inmoralidad humana y su crueldad, le presentan la familia como el único reducto interior… -o palestra o base de la sociedad-, a pesar de los pesares, ciertamente. (FUENTE: aceprensa.com)
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CABALGA CON EL DIABLO (1999)
Reparto principal | Tobey Maguire, Skeet Ulrich, Jewel Kilcher, Jeffrey Wright
Este drama, ambientado en la guerra de Secesión de Estados Unidos, relata la historia de Jake Roedel (Tobey Maguire, Spider-Man) y Jack Bull Chiles (Skeet Ulrich, Jericó), dos amigos de Missouri que, después del asesinato del padre de Jack a manos de los soldados de la unión, toman la decisión de unirse a un grupo partidario sudista, los Bushwackers, especialistas en este tipo de contiendas. Uno de ellos empieza a desconfiar de Jake, por lo que éste se aisla de la banda, entablando amistad con un esclavo negro, Holt. Al mismo tiempo, conoce a Sue Lee (Jewel Kilcher, Historias de San Valentín), una joven viuda que les trae de vez en cuando comida, con la que acaba manteniendo un romance.
Narrado en primera persona, el guión describe las andanzas de Jake Roedel, un joven sudista de origen alemán. Cierto día de 1861, una partida de unionistas descontrolados asesinan al padre de Bull Chiles, un rico y caballeroso terrateniente, amigo de Jake. Así que ambos jóvenes se unen a un grupo de bushwhackers, guerrilleros confederados que hacen la guerra contra la Unión al margen de las tropas regulares. Durante las sangrientas idas y venidas del grupo por la frontera entre Missouri y Kansas, Jake se enamora de una joven viuda, que espera un hijo, se hace amigo íntimo del fiel esclavo negro de uno de los miembros de su cuadrilla, y se enfrenta con un joven y sanguinario sudista, que siembra el terror por donde pasa. Lee maneja con habilidad las convenciones melodramáticas de los westerns épicos; pero las despoja de cualquier atisbo de romanticismo o de maniqueísmo simplificador. Cumple así su objetivo de mostrar crudamente, de un modo realista, la deshumanización que siempre provoca la guerra, sea en el bando que sea. En este punto, Cabalga con el diablo sus violentas escenas bélicas, aunque están muy bien rodadas, carecen del halo mítico. Y es que el interés de Lee por los dramas íntimos de los personajes le lleva hacia un tono sobrio, descarnado e introspectivo, alejado del de los grandes títulos del género, y mucho más cercano al de la novela El bandido adolescente, de Ramón J. Sender, o al de westerns crepusculares, como los de Sam Peckinpah. En cualquier caso, esta opción delimita una sugestiva ambientación hiperrealista y una fotografía mortecina, con un tratamiento trágico de los paisajes. Además, potencia el trabajo del interesante reparto, en el que cabe destacar la economía gestual de Tobie Maguire y la poderosa presencia de la cantante Jewel, en un debut más que notable como actriz, que redondea con la preciosa balada de los títulos de crédito. (FUENTE: aceprensa.com)
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TIGRE Y DRAGÓN (2000)
Reparto principal | Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh, Zhang Ziyi, Chang Chen
China del año 43 (1779) y ambientada en la historia de la Dinastía Quing. Li Mu Bai, un virtuoso de las artes marciales, tiene en su poder una espada mágica conocida como "Destino Verde". Éste no quiere seguir siendo un guerrero, por lo que decide darle la espada a su mejor amigo, Sir Te. Antes de que llegue el momento de entregarla, se la confía a su enamorada, la guerrera Yu Shu Lien, quien será la encargada de llevarla a la ciudad de Pekín, donde se encuentra su compañero. Sin embargo, una noche, un enmascarado entra en la casa de Sir Te y roba la espada. Así, Mu Bai y Shu Lien se lanzarán en la búsqueda de "Destino Verde", despertando, con ello, viejos fantasmas del pasado.
El regreso al cine asiático de Ang Lee al comenzar la década de los 2000 fue su ansiada fusión entre el drama romántico de época y el subgénero de las películas de artes marciales. Situada en la China de principios del siglo XIX, ‘Tigre y dragón' presenta una serie de intrigas palaciegas, lazos familiares y otras alianzas, asesinatos sin resolver y sin vengar... que desembocan en una sucesión de intensas y hermosas coreografías de enfrentamientos que parecen bailes, ya sea en tierra o en aire. Entre otros motivos, se situará en el centro de la acción la custodia de la legendaria Espada Celestial. El taiwanés Ang Lee recupera de paso con solvencia la tradición de los cuentos chinos de fantasmas dando un especial relieve a una sensibilidad propia y particular, que ha ido desarrollando en filmes con registros tan distintos como ‘Sentido y sensibilidad' o ‘La tormenta de hielo'. Lee sale muy bien parado de esta mezcla intergéneros y logra un filme sutil, de regusto clásico, a través del cual vuelve a vehicular con elegancia una de sus preocupaciones habituales: las pasiones humanas. (FUENTE: sensacine.com)
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HULK (2003)
Reparto principal | Eric Bana, Jennifer Connelly, Sam Elliott, Josh Lucas
Durante un experimento científico fallido, el doctor Bruce Banner se ve expuesto a una sobredosis de radiaciones nucleares. Aunque sale milagrosamente ileso, esta terrible experiencia le confiere el poder de transformarse en Hulk, un monstruo verde de fuerza sobrehumana e ira incontrolable que solo se manifiesta cuando Bruce se ve sometido a alguna emoción intensa. Aislado de la sociedad, Bruce se ve obligado a esconderse para no hacer daño a nadie durante sus metamorfosis. El general Ross, el padre de Betty (la ex novia de Bruce), está a cargo de detener al monstruo por todos los medios. Glenn Talbot, rival científico de Banner, también va tras la pista de Hulk. Cuando Betty descubre que la criatura posee un informe con las investigaciones del padre de Bruce, se convierte en la única persona que sospecha quién puede ser realmente Hulk.
La dirección de Ang Lee es muy buena, las escenas de acción están muy bien, destacar también la buena banda sonora, y el montaje, Ang Lee ofrece lo que buscamos desde un principio, en una película de Hulk.. ofrece mucha acción, una historia lo suficiente entretenida, mucha destrucción, y unos impresionantes efectos especiales, visualmente es una película muy buena, el único problema, los diálogos, siendo sincero no es el punto fuerte de la película, pero teniendo a Hulk machacando, no le doy importancia a los diálogos. El reparto esta muy bien, Eric Bana interpretando el personaje de Hulk, lo hace bastante bien, Jennifer Connelly esta perfecta desde principio hasta final, Sam Elliott, Josh Lucas, Nick Nolte, Paul Kersey, Cara Buono, y el resto del reparto.. muy buenos, interpretando muy bien los personajes. (FUENTE: ecartelera.com)
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BROKEBACK MOUNTAIN (2005)
Reparto principal | Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams, Anna Faris
En Wyoming Texas, tiene lugar una épica historia de amor que rompió los moldes del cine romántico. Cuenta la historia de Ennis del Mar y Jack Twist, un peón y un vaquero de rodeo que se conocen trabajando con el ganado, en el verano de 1963. A pesar de las normas sociales de la época, se sienten atraídos el uno por el otro y mantienen una relación íntima. Ambos se casan y después de cuatro años, no han olvidado lo que fue el verano más perfecto de sus vidas.
Desde que en 1997 el cineasta chino Ang Lee llegara a Estados Unidos y adaptara a Rick Moody en 'La tormenta de hielo', su filmografía, exceptuando 'Tigre y Dragón', ha indagado en la historia de su país de acogida desde una perspectiva muy particular. En el caso de 'Brokeback Mountain: En terreno vedado', a partir de una relato corto de Annie Proulx, Lee construye una película ambientada en los años sesenta y con resonancias del western en el que dos vaqueros, Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, ven como su relación de amistad acaba deviniendo en una mucho más íntima en un momento y en un lugar totalmente equivocado. Lee se introduce en la mitología del western y en cierta iconografía de la década, recordándonos en cierto modo a Sam Peckinpah, para hablarnos no tanto de una relación homosexual, que también, como de una relación de amor a secas; además, con los problemas que surgen alrededor de la misma, su imposibilidad, el dolor que supone la separación. El cineasta hace gala de un estilo austero, directo, seco pero no frío, analítico y profundo, arropado por unas más que excelentes interpretaciones y una música y una fotografía magníficas. La película quizá adolece de una duración excesiva y algo menos de metraje habría equilibrado y redondeado una obra ya de por sí excelente. (FUENTE: sensacine.com)
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DESEO, PELIGRO (2007)
Reparto principal | Tang Wei, Tony Leung, Lee-Hom Wang, Joan Chen
En 1942 Shangai está ocupada por los japoneses. La señora Mak, actualmente, una mujer refinada y de alto estatus social, recuerda perfectamente como en 1938 comenzó todo. Su nombre real no es ese, se llama Wong Chia Chi. Su padre huyó a Inglaterra meses antes de estallar la II Guerra Mundial dejándola sola en China. Cuando era estudiante universitaria conoció a Kuang Yu Min, este, era el fundador de una reciente sociedad teatral basada en el fomento del patriotismo. Wong se animó a formar parte de la asociación, siendo su primera actriz. Kuang reunió a un grupo de estudiantes e ideo un plan para que mataran al Sr Yee, un importante colaborador de los japoneses. Cada estudiante tenía su papel en la operación, el de Wong era la Sra. Mak, quien se haría amiga de la mujer de Yee para ganar su confianza hasta seducirlo. Ella se transformó para introducirse en su papel interpretado a la perfección, sin embargo, un inesperado suceso, hará que la misión se cancele repentinamente.
Ang Lee volvió a rodar una película asiática adaptando una novela romántica de espionaje de Eileen Chang ambientada en la invasión japonesa de Shanghai durante la Segunda Guerra Mundial. 'Deseo, peligro' cuenta la historia de Wong Chia-chi (sensacional Tang Wei), una estudiante universitaria que entra en contacto con la resistencia a través de un grupo de teatro. Para ganar la confianza de un importante colaboracionista del gobierno títere (Tony Leung), se hace pasar por una mujer casada e intenta sedicirle con intención de convertirse en su amante y luego asesinarle. La película cuenta dos tentativas de asesinato en las que surgen distintos problemas, siendo el más definitorio el surgimiento de un vínculo auténtico entre la protagonista y su víctima. El fulgor sexual de sus encuentros (que empiezan con una violación muy violenta y termina deviniendo atracción sexual compartida) está muy presente en la narración y se podría decir que hasta en la dirección artística. Cada vestido, cada café y decorado tienen olas de sensualidad inscritas en sus colores, ambientes y humo de cigarrillo (fotografía de Rodrigo Prieto, nominado al Oscar por 'Brokeback Mountain').Tanto es así que, hacia el tercio final, la trama de espionaje parece perder relevancia frente a una suerte de thriller erótico de época donde no faltan escenas explícitas donde el placer sexual y la intensidad emocional explotan en toda su expresión dramática. De los mejores trabajos de Lee. (FUENTE: sensacine.com)
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DESTINO: WOODSTOCK (2009)
Reparto principal | Henry Goodman, Liev Schreiber, Emile Hirsch, Demetri Martin
Basada en la autobiografía 'Taking Woodstock: A True Story of a Riot, a Concert, and a Life' de Elliot Tiber y Tom Monte. Narra la historia de Elliot Tiber, que vive y trabaja con sus padres en un motel de Upstate New York y acaba organizando el festival de música que marcó a toda una generación: El Festival de Woodstock. Elliot era un joven artista de Greenwich Village, forzado por las circunstancias a mudarse a un pueblucho del estado de Nueva York, para ayudar a sus padres a sacar adelante su mísero hotel, a punto de ser embargado. Mientras tanto ocupa el puesto de presidente de la Cámara de Comercio del pueblo. En aquellos días se iba a celebrar un festival de música rock en una localidad cercana, pero las autoridades, por miedo a una avalancha hippy, les retiran el permiso. Elliot aprovecha la ocasión y se pone en contacto con los organizadores, invitándoles a reunirse en sus tierras.
A partir del libro autobiográfico de Elliot Tiber, Lee construye una comedia con cierto poso amargo (ese implacable retrato de la tacañería judía vista como una consecuencia traumática del Holocausto) donde Woodstock serviría como hito para marcar el paso de la juventud a la madurez no solo del protagonista sino de toda una generación. El director consigue controlar el caos que él mismo organiza en torno al protagonista principal. A su alrededor se mueve una multitud de personajes, desde la joven pareja que tiene su propia experiencia lisérgica del festival al segurata travestí que encarna Liev Schreiber, en un retrato acrisolado de las decenas de millares de personas que protagonizaron este acontecimiento clave de los sesenta que significó mucho más que un puñado de grupos tocando en directo. (FUENTE: sensacine.com)
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LA VIDA DE PI (2012)
Reparto principal | Suraj Sharma, Irrfan Khan, Tabu, Adil Hussain
Pi Patel (Suraj Sharma) es un joven cuyo padre es el guardián del zoológico de Pondicherry, en la India. Toda su familia embarcará en un buque de carga gigantesco con destino a Canadá, con la intención de buscar una vida mejor en un nuevo país. Sin embargo, las cosas no saldrán como esperaban, ya que durante la travesía, el barco naufragará, quitándole la vida a prácticamente todos sus miembros. Solo sobrevivirá Pi, que logrará alcanzar una balsa en la que poder refugiarse de morir ahogado. Una barcaza que no se encuentra precisamente vacío. A partir de ahora, Pi tendrá unos curiosos compañeros de viaje: un orangután, una cebra, una hiena... y un precioso tigre de bengala.
‘La vida de Pi’ arranca con una serie de planos en un parque zoológico; la cámara se detiene a observar a los animales mientras se suceden los créditos, invitando al espectador a fijarse en las maravillosas criaturas que habitan este (maltratado) planeta, un gesto que es toda una declaración de intenciones. Pi (Irrfan Khan) ha recibido la visita de un escritor en crisis (Rafe Spall), interesado en escuchar la extraordinaria historia de cómo Pi cruzó el océano pacífico. A través de flashbacks descubrimos el origen del nombre del protagonista (Piscine), su singular relación con la fe y diferentes dioses (pretende ser hindú, cristiano y musulmán al mismo tiempo), los esfuerzos de su padre por alejarlo de la religión, la chica de la que se enamora tras un exótico baile y cómo la familia debe viajar a América para vender los animales del zoo, que ya no pueden mantener. (FUENTE: espinof.com)
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BILLY LYNN (2016)
Reparto principal | Joe Alwyn, Garrett Hedlund, Kristen Stewart, Vin Diesel
Billy Lynn es un joven soldado de 19 años de edad, que ha participado en el Escuadrón Bravo durante la guerra en Irak. Allí, él y sus compañeros han sobrevivido a una tensa batalla, que ha tenido una amplia cobertura en los medios de comunicación. En seguida son llevados de vuelta a casa, considerados como héroes por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos. Para celebrar el heroísmo de los ocho de los miembros del Escuadrón Bravo, realizan una gira promocional por todo el país, que termina en un espectacular show el Día de Acción de Gracias. Mientras, en contraste con las percepciones de los estadounidenses sobre el conflicto armado, Lynn evocará los trágicos recuerdos de la guerra y la pérdida de su sargento en un tiroteo.
La historia, basada en una novela de Ben Fountain, sigue los pasos de un grupo de jóvenes soldados del pelotón Bravo convertidos en repentinas celebridades para el pueblo americano después de una acción bélica en Irak. Más concretamente, se centra en Billy Lynn, de solo 19 años, cuya imagen enfrentándose cuerpo a cuerpo con un combatiente enemigo para tratar de salvar la vida de su sargento –correcto Vin Diesel en la piel de un militar filósofo y muy espiritual que dice "te aquiero" a sus hombres antes de cada misión–, fue capturada por una cámara para convertirse en inspiración y muestra del honor, valentía y arrojo de estos “héroes” de guerra. Como reconocimiento a su labor, los muchachos son llevados a la espectacular Super Bowl del día de Acción de Gracias, un escenario único para que Ang Lee y sus guionistas Simon Beaufoy y Jean-Christophe Castelli desplieguen una sangrante sátira cargada de dardos envenenados hacia la superficial (y selectiva) percepción que de la guerra tienen los civiles que vitorean a sus guerreros. A lo largo de la gira asistiremos a la confusión en la que se ven inmersos estos jóvenes, afectados, en muchos de los casos, del estrés postraumático causado por los horrores que les ha tocado vivir, manejados como marionetas por gente sin escrúpulos dispuesta a sacar el máximo rendimiento económico de sus figuras, expuestas ante el público como monos de feria. Durante el caótico festejo propagandístico conoceremos las negociaciones del mánager de la patrulla –un Chris Tucker más contenido que de costumbre– para llevar a buen puerto una propuesta de Hollywood de rodar una película sobre la hazaña del pelotón Bravo; las intenciones de un ambicioso empresario republicano –sorprende Steve Martin en un antipático rol que le aleja de sus recurrentes papeles cómicos– de hacerse con sus derechos de imagen a un precio insultante; o los continuos desplantes de los organizadores del evento a estos chicos a los que, en una muestra de absoluta falta de sensibilidad, utilizan poco menos que como un elemento decorativo más dentro de la parafernalia del show. Esta manipulación alcanza su máxima expresión en la magnífica escena del concierto de Destiny´s Child, con los soldados colocados de manera estratégica sobre el escenario, desconcertados ante los fuegos artificiales que estallan a su alrededor. (FUENTE: elantepenultimomohicano.com)
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GEMINIS (2019)
Reparto principal | Will Smith, M. Elizabeth Winstead, Clive Owen, Benedict Wong
Henry Brogan ha sido toda su vida un asesino a sueldo del gobierno estadounidense. Tras largos años en el servicio, ha descubierto los secretos más oscuros del sistema. Con la idea de abandonar este empleo que le ha arrebatado todo lo que podría hacerle feliz, Brogan se encuentra perseguido por un joven y misterioso agente, que parece ser capaz de predecir todos y cada uno de sus movimientos. Decidido a detener a este joven que pretende cazarle sin descanso, Brogan descubrirá que es un clon de él mismo 30 años más joven. Comenzará así una lucha contra sí mismo y contra quienes han creado a su doble.
El proyecto Géminis -en tanto a película, no a experimento para clonar a Will Smith- llevaba dando vueltas por Hollywood desde más o menos 1997. En este tiempo el papel protagonista pasó por las manos de Sean Connery, Mel Gibson, Clint Eastwood o Harrison Ford, sin dejar que ninguna estrella de rutilante virilidad se hubiese quedado sin optar a él. Que Smith fuera finalmente el elegido podría haber supuesto un valor añadido para la película, dado que el grueso del público pudo llegar a conocerle en pantalla con la edad que ahora muestra su clon. Manejando un 'background' inseparable de las lúdicas superproducciones de los años 90, y muy interesante de contraponer con el tipo de ceniciento blockbuster que acaba siendo Géminis. No es sólo, por tanto, que Will Smith se enfrente a su versión juvenil. Es que, al mismo tiempo, se están enfrentando dos formas distintas de entender el entretenimiento para masas. (FUENTE: sensacine.com)
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| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1994 | Mejor película de habla no inglesa | El banquete de boda | Nominado |
| 1995 | Mejor película de habla no inglesa | Comer, beber, amar | Nominado |
| 2001 | Mejor película de habla no inglesa | Tigre y dragón | Ganador |
| Mejor película | Candidato | ||
| Mejor director | Candidato | ||
| 2006 | Mejor director | Brokeback Mountain | Ganador |
| 2013 | Mejor película | Life of Pi | Candidato |
| Mejor director | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1995 | Mejor director | Sense and Sensibility | Candidato |
| 2000 | Mejor película en lengua no inglesa | Wò hǔ cáng lóng | Ganador |
| Mejor director | Ganador | ||
| 2006 | Mejor director | Brokeback Mountain | Ganador |
| 2008 | Mejor película en lengua no inglesa | Lust, Caution | Candidato |
| 2013 | Mejor película - Drama | Life of Pi | Candidato |
| Mejor director | Candidato |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1995 | Mejor película | Sense and Sensibility | Ganador |
| Mejor director | Candidato | ||
| 2000 | Mejor película en lengua no inglesa | Wò hǔ cáng lóng | Ganador |
| Mejor director | Ganador | ||
| 2005 | Mejor director | Brokeback Mountain | Ganador |
| 2013 | Mejor director | Life of Pi | Candidato |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2007 | León de Oro | Deseo, peligro | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1993 | Oso de oro | El banquete de bodas | Ganador |
| 1996 | Oso de oro | Sense and Sensibility |
Ganador |
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Imagen fílmica y narración. Análisis cinematográfico
de Sentido y sensibilidad (Ang Lee, 1995)
María Teresa López Universidad del Mar (Mexico)
El filme Sentido y sensibilidad de Ang Lee (USA, 1995), narra una de las obras literarias de la escritora británica Jane Austen (1775-1817), del género de drama y/o romance (Bergan, 2011) en la que dos hermanas en la Inglaterra del siglo XIX se enfrentan a problemas relacionados con posición social y relaciones sociales. De ahí preguntarse ¿cómo se materializa en la narración del filme de Ang Lee (1995) la sensatez y los sentimientos en la época victoriana? El estudio del filme se hará desde el papel que tiene el lenguaje cinematográfico (Martin, 2002) y elementos del análisis narrativo (Casetti y Di Chio, 2003); (Stam, 2014) en la utilización de algunas escenas y/o secuencias (Aumont y Marie, 2009). Esto con el fin de observar a través de los personajes y el lenguaje del cine en la narración; la manera en que se materializan los aspectos fundamentales alrededor de la sensatez y los sentimientos (Sellés, 2010) se materializan a través de tres aspectos de la película: los personajes y el lenguaje narrativo del cine (Aumont y Marie, 2009).
Muchísimas gracias por compartirlo. Muchas felicidades por tu página. La voy a guardar y seguir.
También tengo unos podcast en spotify. Se llaman Mis encuentros con el cine por Tessi Lo
Comparto el enlace
https://open.spotify.com/show/075Idd7Rs5ZYLRvQ2ZnjP1
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Fugu y cinetización de las relaciones sociales
en el cine de Ang Lee
Francisco Javier Haro Navejas
En este texto se estudia una porción del cine en el mundo chino. El sujeto de estudio es la trilogía de Ang Lee conocida como Papá sabe más. Se tocan varios temas para ubicar contextualmente a la comida como metáfora poliséemica articuladora de las relaciones sociales. El cine de Lee, al menos el de estas páginas, es una defensa del fugu, literalmente el regreso a costumbres y tradiciones antiguas. El apoyo conceptual es la cinetización, instrumento de análisis de los filmes propuesto con el objetivo de fortalecer la agenda de investigación del cine asiático.
Agradezco, la generosidad. ¡Muy interesante la página! ¡Gracias!
FRANCISCO JAVIER HARO NAVEJAS
Estudios Doctorado en Ciencias Relaciones Internacionales Transpacíficas
Universidad de Colima, México.
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Enlaces de interés
Mike Nichols
Director, productor y guionista. Nichols, que fue uno de los pocos que ganó
un Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony en su vida
Las películas dirigidas por Mike Nichols
La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net
¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF? (1966)
Reparto principal | Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal, Sandy Dennis
George y Martha forman un matrimonio que se odian mutuamente. Ambos, autodestructivos, conocen perfectamente las debilidades del otro y cómo exasperarse mutuamente. George es un alcohólico profesor de historia. Martha es la hija del director del colegio donde George da clases, una mujer frustrada y vulnerable, con muy mal genio. Un sábado por la noche preparan una cena para dar la bienvenida a un nuevo profesor del colegio y su esposa.
Cuatro años después de su estreno en Broadway en 1962, la obra de teatro ¿Quién teme a Virginia Woolf? saltaba a la gran pantalla de la mano del debutante Mike Nichols, entró en Hollywood por la puerta grande. Apoyado en el preciso trabajo del guionista Ernst Lehman, que se enfrentó a la ardua tarea de comprimir de tres a dos horas la obra de tres actos del prestigioso dramaturgo estadounidense Edward Albee, Nichols sorprendió a todos con una cinta que disparaba de forma nada complaciente contra la institución matrimonial, aquí dibujada como algo tóxico y enfermizo. Cualquiera lo diría deleitándonos con la escena con la que abre el film, en la que somos testigos del plácido paseo nocturno de varios minutos de duración de la pareja protagonista, al compás de la solvente partitura de vibrante intensidad de Alex North. Alud de tranquilidad, paz y reposo que desconcierta y engaña porque, precisamente, es la antítesis de lo que se han transformado sus vidas, que representan la vida imagen de la mediocridad, la destrucción y la frustración. (Fuente: serueda.wordpress.com)
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EL GRADUADO (1967)
Reparto principal | Dustin Hoffman, Anne Bancroft, Katharine Ross, William Daniels
Ben Braddock es un joven que regresa a su hogar tras acabar sus estudios universitarios. Con ganas de desafiar los ideales y la moral de la generación de sus padres, quiere terminar con la hipocresía y la corrupción de la sociedad en la que vive. Una amiga de la familia, la señora Robinson se encapricha de Ben y lo convierte en su amante, pero esta relación se complicará cuando el chico conozca a Elaine, la hija de la señora Robinson.
Aunque graduado con excelentes notas y con un futuro brillante, Benjami Braddock, un muchacho con una profunda insatisfacción interior, siente asimismo un gran desencanto por el mundo que le rodea. Sus padres, para obsequiarle al terminar el curso, preparan en su honor una fiesta íntima con sus amigos. Entre los invitados figura una mujer madura pero irresistiblemente atractiva, la señora Robinson, quien le seducirá más tarde y le irá sometiendo a su antojo, a sus deseos y a sus más inesperados caprichos. Estas relaciones no hacen más que acrecentar su desequilibrio y su inseguridad frente al mundo, hasta que el amor prende en su corazón y en el de la joven y seductora hija de su propia amante. El camino que Benjamin Braddock deberá recorrer a partir de entonces para ser fiel a su pasión estará erizado de dolorosos acontecimientos. Pero en la más profundo de su interior él sabe que, al fin, es algo que va a reconciliarle consigo mismo y, tal vez, con el mundo. (Fuente: quelibro.com)
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CATCH-22 (1970)
Reparto principal | Alan Arkin, Martin Balsam, Richard Benjamin, Art Garfunkel
Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, la historia gira en torno al capitán Juan Yossarian, que decide fingir un estado de locura para abandonar el puesto militar que tiene asignado. Concretamente, el capitán Yossarian pretende alejarse de una base aérea estadounidense que el ejército ha dispuesto en el Mediterráneo para controlar los avances nazis. El deseo de Yossarian por abandonar la base reside en que los hombres abatidos bajo su mando están siendo cada vez más numerosos, y no quiere seguir sintiéndose responsable de ello. Pero al capitán no le sale la estrategia como esperaba y le asignarán un bombardero B-25 con el que acometer una misión que parece el suicidio.
Joseph Heller decidió unir su afición a la escritura con sus experiencias en la II Guerra Mundial, y aunque le costó casi una década, y un oportuno cambio de título, en 1961 publicó Trampa 22. La crítica no recibió con demasiado entusiasmo su creación pero los estudiantes universitarios, cansados de la escalada militar en la Guerra de Vietnam e inmersos en movimientos contraculturales, convirtieron a su protagonista, John Yossarian, en un símbolo contra la guerra y la burocracia. Desde entonces el debut literario de Heller ha vendido más de 10 millones de copias, y se ha convertido en la gran sátira sobre la guerra, el belicismo y la burocracia militar. En 1970 Mike Nichols adaptó la novela al cine, con un reparto en el que se encontraban Alan Arkin, Bob Newhart, Orson Welles y Jon Voight entre otros. Unos meses antes había llegado a la cartelera la versión cinematográfica de M.A.S.H., y ni la crítica ni el público se mostraron demasiado entusiasmados con «otra» comedia negra sobre la guerra mientras el país arrastraba el agotamiento y la amargura de Vietnam. 18 millones de dólares de presupuesto y más de mil horas de metraje de bombarderos volando que apenas trascendieron y tan solo sirvieron para una nominación a los BAFTA. (Fuente: serielizados.com)
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CONOCIMIENTO CARNAL (1971)
Reparto principal | Jack Nicholson, Art Garfunkel, Ann-Margret, Candice Bergen
La película habla de la confusión sexual de dos hombres durante sus días de Universidad en los años 50 hasta los 60. Jonathan es un exitoso abogado y Sandy un importante médico. Jonathan comete el error de pensar que el sexo es amor y se embarca en una conquista sexual durante toda su vida. Sandy, se dedica a buscar a su mujer ideal. Jonathan encontrará a Bobbie, con quien ve que puede compenetrarse perfectamente. Sin embargo, él no quiere que ella tenga un trabajo y sólo que se quede en la cama viendo la televisión. Sandy acabará enamorándose de su primer romance de Universidad: Susan. Se casarán y formarán una familia.
Conocimiento carnal fue prohibida en España en 1971, cuando se presentaba en el resto de Europa, obligando así a que fueran muchos los españoles que viajaran al lado de la frontera. Más tarde, en 1977, fue estrenada bajo la fórmula del arte y ensayo, con subtítulos que olvidaron buena parte del diálogo.La película está dividida en tres partes que siguen la amistad y las aventuras sexuales de dos amigos de universidad que comienzan compartiendo un cuarto en el Amherst College a fines de los 40, Sandy (Art Garfunkel), un sujeto pasivo y de inclinaciones intelectuales que idealiza a las mujeres, y Jonathan Fuerst (Jack Nicholson), pícaro que las cosifica al punto de reducir su atractivo al cuerpo y sobre todo las tetas de las hembras. El primero conoce y comienza a salir con una tal Susan (Candice Bergen), quien rechaza su comportamiento algo burdo -inexperiencia de por medio- y luego se niega a tener sexo, lo que despierta el interés de Fuerst, con mucho más kilometraje encima, y así éste consigue acostarse con la mujer, aún virgen. El triángulo amoroso se corta cuando Jonathan se enamora en serio de Susan y le lanza sucesivos ultimátums por celos para que abandone a Sandy, con el que eventualmente intima, sin conseguir la ruptura de la pareja. Ya en los 30, Sandy recibido de médico y Jonathan de abogado y ambos trabajando a pleno, el personaje de Garfunkel se casa y tiene hijos con la fémina pero la rutina destroza el matrimonio y lo lleva a los brazos de Cindy (Cynthia O’Neal), un marimacho controlador al extremo, mientras que Fuerst tiene problemas de impotencia que desaparecen al conocer a la voluptuosa Bobbie (Ann-Margret), una mujer hermosa a la que hace renunciar a su trabajo como modelo sin saber que su estado mental rápidamente se deteriorará, pasando todo el día tirada en la cama y derrapando en un intento de suicidio cuando los machos ensayan un intercambio de parejas que es rechazado por ambas hembras. (Fuente: metacultura.com.ar)
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EL DÍA DEL DELFÍN (1973)
Reparto principal | George C. Scott, Trish Van Devere, Paul Sorvino, Fritz Weaver
Jake Terrel es un doctor especializado en el estudio de los delfines. Durante años ha entrenado a una pareja de estos animales, y gracias a su esfuerzo y perseverancia ha dado un paso fundamental en su estudio: les ha enseñado a hablar. O, al menos, ha entender el inglés y decir alguna que otra palabra, de forma limitada. Aún así, es un gran paso para la ciencia. Sin embargo, todos sus planes se tuercen cuando los delfines son robados. Furioso, Jake decide hacer cualquier cosa por recuperarlos. Lo que se espera es que los delfines son parte de un oscuro plan llevado a cabo por una banda terrorista que planea un atentado. A partir de ese momento Jake iniciará una carrera contrarreloj en la que debe encontrar a los ladrones, salvar a los delfines y evitar una masacre.
La película participa de un cierto tono de denuncia de la sociedad occidental que por aquellos comienzos de los setenta se llevaba mucho: ya se ve que hoy estarían pasados de moda… Un científico se dedica en cuerpo y alma a estudiar las relaciones de comunicación entre el ser humano y el delfín. Aunque al principio sus experimentos no son tenidos muy en cuenta por la comunidad científica, pronto se descubre que pueden ser sumamente interesantes para tareas nada filantrópicas. Hay un mensaje panecologista, liberal, muy en línea con la carrera de Nichols, apoyado en este caso en el trabajo de un actor consagrado a este tipo de papeles, George C. Scott. El guión es de Buck Henry, un hombre de comedia, en este caso pasado al drama aventurero. (Fuente: criticalia.com)
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DOS PILLOS Y UNA HERENCIA (1975)
Reparto principal | Jack Nicholson, Warren Beatty, Stockard Channing, Catlin Adams
Durante los años 20 en los Estados Unidos se implantó la denominada Ley Mann que prohibía a los hombres llevar a las mujeres de un estado a otro para llevar a cabo "propósitos inmorales", a menos que estén casados. Nicky Stumpo es un astuto hombre que quiere viajar con su amante Freddie, una joven heredera, desde Nueva York hasta Los Ángeles y así poder quitarle toda su fortuna. Pero, como está casado con otra mujer, las leyes le prohíben hacerlo. Consigue convencer a su amigo Oscar, un granuja que le debe un par de favores, para que se case con ella y les acompañe en el viaje. El plan es que una vez instalados, ambos maten a la chica y se repartan el botín. Sin embargo, durante el viaje, Oscar intenta sobrepasarse con Freddie y ella comienza a sospechar sus verdaderas intenciones.
La película está llena de situaciones inverosímiles, esperpénticas y sí, muy divertidas. Una comedia clásica, inteligente y sencilla. El trío protagonista es el aval suficiente para lograr todo eso. Hablamos de dos leyendas del cine, como Jack Nicholson y Warren Beatty. El primero en su salsa, histriónico hasta la médula. Sus gestos son parodia pura. Saca de quicio a Beatty, quien ese papel de vividor le viene como un traje italiano. Los dos están perfectos y funcionan al cien por cien como pareja cómica, rallando la locura. La tercera en discordia, Stockard Channing, es el contrapunto ideal al tándem Nicholson-Beatty. La película de Nichols fue la catapulta para su carrera, que con Grease culminó. Un papel, en Dos pillos y una herencia, que le valió la nominación al Globo de Oro, gracias a ese rol de chica no tan tonta como creen sus granujas amigos. Por separado, los tres están notables y juntos regalan escenas brillantes y socarronas, perfectas para reír. (Fuente: argoderse.com)
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Gilda Live es una versión filmada del programa de televisión y show cómico de Gilda Radner, grabado en Broadway, con los miembros más característicos del conocido programa Saturday Night Live.
Gilda Live es un vibrante espectáculo de comedia filmado en 1980, dirigido por Mike Nichols. Protagonizado por la icónica Gilda Radner, este filme captura una serie de actuaciones en vivo donde Radner despliega su excepcional talento para la comedia a través de diversos personajes, desde la neurótica Emily Litella hasta la exuberante Roseanne Roseannadanna. Gilda Live ofrece una mirada única al estilo y humor que definieron una era en SNL. (Fuente: lavanguardia.com)
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SILKWOOD (1983)
Reparto principal | Meryl Streep, Kurt Russell, Cher, Craig T. Nelson
Karen Silkwood, empleada de la empresa de combustible Kerr-McGee Cimarron situada cerca de Crescent (Oklahoma), comparte una casa destartalada con dos compañeros de trabajo, su novio Drew Stephens y su amiga lesbiana Dolly Pelliker. Su trabajo consiste concretamente en fabricar las varillas de combustible de plutonio que forman parte de la estructura de los reactores nucleares. Por otro lado, se ha convertido en una comprometida activista sindical y junto a algunos otros colegas empiezan a concienciarse de los negativos efectos que dicho trabajo tiene en la salud de los trabajadores y cuestionará las medidas de prevención y seguridad de la planta. Simultáneamente está implicada en un conflicto con su pareja de hecho por la custodia de sus tres hijos en común.
Una cualidad de esta película es que la historia evitó canonizar a Karen Silkwood para retratarla desde una perspectiva más humana. La trama también incluyó la problemática relación con su ex esposo y sus tres hijos a los que abandonó para vivir con dos compañeros de trabajo. Kurt Russell interpreta al novio de la protagonista y Cher, a su mejor amiga, quienes convivían con Karen hasta que ella empezó a obsesionarse con la idea de denunciar la empresa en los medios de comunicación. Un conflicto que se dispara cuando el personaje de Meryl Streep descubre que una compañera de trabajo enferma de cáncer por su contacto con la radiación. Pese a que para entonces todo el mundo conocía como terminaba la historia, ya que había sido un caso popular, el suspenso que le dio el director Nichols a la narración y el trabajo de los tres protagonistas hizo que el film se convirtiera en una propuesta apasionante. Un film que por momentos se vuelve aterrador debido a la temática que trabaja y la persecución que vivió la protagonista. Años después Kurt Russell describió su experiencia en este film como uno de los grandes momentos de su carrera por la posibilidad de compartir un proyecto junto a Meryl Streep. Juntos formaron una pareja con más química de la que uno hubiera imaginado y en este film sorprendieron con el vínculo que lograron gestar entre sus personajes. Silkwood fue un gran éxito comercial en 1983 y se convirtió en una gran película dentro de la filmografía de sus protagonistas. (Fuente: hugozapata.com.ar)
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SE ACABÓ EL PASTEL (1986)
Reparto principal | Meryl Streep, Jack Nicholson, Jeff Daniels, M. Stapleton
Cuenta la historia de Rachel y Mark, quienes tras conocerse en una boda de un amigo en común y acostarse juntos, deciden casarse poco después. Ella es una exitosa escritora que trabaja en una publicación de Nueva York. Él, un famoso columnista de Washington que siempre echa mano de sus amigos y de su vida social para elaborar sus columnas. En un pricipio la vida en matrimonio irá viento en popa, pero poco a poco sus personalidades tan diferentes irán chocando cada vez más. Con ya un hijo y un segundo en camino, mientras Rachel antepone el amor y la maternidad a su profesión, Mark continuará con su alocada vida social y sus respectivas consecuencias... La relación entrará irremediablemente en crisis, ¿podrán finalmente salvarla y recuperar la pasión de antaño?
Una historia sobre la vida matrimonial de una pareja magníficamente interpretada por Meryl Streep y Jack Nicholson. Rachel (Streep) escribe sobre cocina en una revista de Nueva York. Mark (Nicholson) es columnista en un periódico de Washington. Cuando se conocen, el flechazo surge enseguida entre ellos. A pesar de que Mark siempre ha tenido una opinión reservada sobre el matrimonio, se casan, compran una casa y, poco después, tienen una hija, a la que llaman Annie. Todo parece funcionar de maravilla en sus vidas hasta que Rachel descubre que Mark ha mantenido un romance mientras ella estaba embarazada. Basada en la exitosa novela de Nora Ephron, de contenido en parte autobiográfico. Ella misma adaptó el texto para la película. Un crudo análisis sobre el significado del matrimonio y sus exigencias morales. El peso de la película lo llevan estos dos magníficos actores, dirigidos con sobriedad por Mike Nichols. (Fuente: decine21.com)
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DESVENTURAS DE UN RECLUTA INOCENTE (1988)
Reparto principal | Matthew Broderick, Christopher Walken, Penelope Ann
En 1945 Eugene Jerome se ve obligado a renunciar a las comodidades de su hogar cuando es llamado a filas y enviado a un campo de entrenamiento en Mississippi. Eugene está decidido a sobrevivir a los rigores de la vida en el Ejército y dejar el campo de entrenamiento igual que había llegado... pero sin su virginidad.
Adaptación de la célebre comedia de Neil Simon, que se desarrolla en un campamento durante la Segunda Guerra Mundial. Matthew Broderick da vida a Eugene Morris, un muchacho que es destinado a una base de entrenamiento en Mississippi. Ahí esperaba encontrar bailes, juergas y en definitiva una vida nada aburrida con sus compañeros. Sin embargo se encuentra con un extraño y sádico sargento (Christopher Walken) y un buen grupo de reclutas, la gran mayoría hostiles. Gracias a su sentido del humor y a un despierto ingenio, Morris se las arreglará para sobrevivir e intentará salir del campamento tal y como entró, aunque una hermosa chica (Penelope Ann Miller) se cruzará en su camino. Gracias al talento de Mike Nichols esta película goza de una gran calidad y un puñado de interpretaciones magníficas capaces de conjugar drama y humor con igual eficacia. (Fuente: decine21.com)
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ARMAS DE MUJER (1988)
Reparto principal | Melanie Griffith, Harrison Ford, Sigourney Weaver, Joan Cusack
Nueva York, años ochenta. Tess McGill es una joven secretaria con talento, belleza e inteligencia, que ambiciona llegar a la cima de la empresa en la que trabaja, Petty Marsh. Con una jefa como Katherine Parker, muy superficial, parece que esto no puede suceder. Desafortunadamente, su jefa tiene otras ideas para ella, pero Tess obtiene su oportunidad cuando Katherine se rompe la pierna esquiando en unas vacaciones. Tess se aprovecha de su ausencia para seguir adelante con su carrera y prosperar. En el despacho de Katherine, Tess descubre asombrada que su jefa está preparando un importante plan de negocio basado en un informe que ella había preparado previamente y que supuestamente no tenía ningún interés para Katherine. Esto enfurece mucho a Tess quien planea su venganza contactando con un atractivo agente de inversión de Wall Street llamado Jack Trainer, para trabajar juntos y revolver este problema. La situación se complicará tras el regreso de su jefa.
El elenco de actores es perfecto, con un trío de protagonistas que levantan la película con su sola presencia, encabezado por Harrison Ford (que no aparece hasta pasados 35 minutos del metraje), Sigourney Weaver y Melanie Griffith, quien dio muchos problemas durante el rodaje debido a sus ya conocidas adicciones a la cocaína y la bebida, provocando varios retrasos en el set porque era incapaz de decir su diálogo. Esto la salió caro ya que por cada retraso provocado por estos motivos tuvo que pagar la friolera de 75.000 dólares en compensación, es decir, la salía más cara la “multa” por los efectos de las drogas que la droga en sí… Para el papel de Tess fueron candidatas Geena Davis y Michelle Pfeiffer que ya eran actrices conocidas pero los productores buscaban una actriz que cuando tuviera las gafas puestas pasara desapercibida pero, cuando se las quitara, tuviera una belleza exuberante, como un Clark Kent-Superman pero en femenino…. (Fuente: accioncine.es)
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POSTALES DESDE EL FILO (1990)
Reparto principal | Meryl Streep, Shirley MacLaine, Dennis Quaid, Gene Hackman
Suzanne Vale es una actriz que tiene problemas con las drogas. Tras salir del centro de rehabilitación, su estudio le impone como condición para contratarla que viva con su madre, Doris Mann, quien fuera una gran estrella en sus tiempos. La idea no le hace ninguna gracia a Suzanne, que lleva toda la vida luchando para escapar de la sombra de su madre y cree que la sigue tratando como a una niña. Pero a pesar de estos problemas, y de los que le causan los hombres de su vida, Suzanne empieza a ver el lado cómico de la situación.
Meryl Streep interpreta a una mujer algo desequilibrada y, para colmo, adicta a la cocaína. Debido a su inconsecuente comportamiento, ha echado a perder la costosa producción de la película de un prestigioso director, interpretado por Gene Hackman. Esto provoca que, aunque ha pasado por una difícil cura de desintoxicación, se cree una mala fama justificada y nadie quiera contar con ella para sus proyectos cinematográficos. Dennis Quaid, interpreta a su íntimo amigo, que también ha dejado de confiar en ella. Se da cuenta de que sólo le queda su madre, interpretada por Shirley MacLaine, que da la casualidad de que también fue una estrella del cine venida a menos por culpa de su afición al alcohol. Aunque están muy distanciadas, esta situación límite les obliga a acercarse. Ambas tratan de llevar una vida normal juntas. Se trata de una adaptación de la novela de Carrie Fisher, que también firma el guión. El duelo interpretativo entre Streep y MacLaine se salda con un excelente resultado para ambas partes. Una historia emotiva que engancha desde el principio. Narrada con realismo e ironía, cuenta con unos diálogos llenos de audacia y la mar de ingeniosos. (Fuente: decine21.com)
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A PROPÓSITO DE HENRY (1991)
Reparto principal | Harrison Ford, Annette Bening, Bill Nunn, Rebecca Miller
Henry Turner es un abogado sin escrúpulos que siembra el pánico en los tribunales de Nueva York. Está dedicado a su trabajo hasta tal punto, que ha dejado de lado a su abnegada esposa y a su pequeña hija. No hay manera de hacerle entrar en razón. Sólo una causa fortuita externa, que parece un aviso divino, será capaz de hacerle cambiar de vida. Un día un disparo se cruza en su camino, y le deja incapacitado para valerse por sí mismo. Sufre una amnesia que le obliga a compartir todo el día con su familia, y a reconstruir su vida. Se dará cuenta de que no se conoce en absoluto a sí mismo, y su esposa le ayudará a enfrentarse a su nueva situación.
Segundo guión de un todavía desconocido J. J. Abrams, 'A propósito de Henry' funciona como un drama de mala conciencia ante los valores difundidos por el cine estadounidense de los años ochenta y noventa. El siempre sobrevalorado Mike Nichols firma esta historia sobre un abogado triunfador que a causa de un accidente se replantea todo su estilo de vida en una película en buena parte al servicio del tour de force interpretativo de Harrison Ford. Henry es el típico profesional desaprensivo que no retrocede ante nada a fin de ganar un caso. Pero después de que un chaval le dispare en una tienda, sufre una amnesia que le obliga a volver a aprender buena parte de las funciones básicas y a recuperar sus recuerdos. El nuevo Henry se da cuenta que no le gusta cómo era su antiguo yo, así que va replanteándose muchas cosas junto a su familia, en una de esas reivindicaciones sobre "lo verdaderamente importante de la vida" que tan repelentes e inverosímiles quedan en una película de Hollywood realizada para recaudar cuanto más dinero mejor. (Fuente: sensacine.com)
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LOBO (1994)
Reparto principal | Jack Nicholson, Michelle Pfeiffer, James Spader, C. Plummer
Will Randall, un ejecutivo de una importante empresa editorial de Nueva York, conduce una fría noche de invierno por una carretera nevada, oscura y solitaria. De repente, se cruza en su camino una enorme figura negra y Will da un frenazo, pero no puede evitar atropellarla. Al salir del coche se da cuenta de que no se trata de una persona, sino de un lobo, un descomunal lobo negro que parece estar muerto... A partir de ese momento la vida de Will y la de sus amigos y conocidos se convierte en una verdadera pesadilla.
A priori, la intuición apunta a que Mike Nichols no es la persona adecuada para afrontar una revisión contemporánea del mito del hombre lobo; a posteriori, el resultado apunta a que, en efecto, no era la persona adecuada para hacerlo. Y es que 'Lobo' no funciona en apenas nada: los actores, Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer, no están mal pero tampoco están bien. Nicholson da entidad al personaje, pero su personalidad actoral y su trayectoria acaban imponiéndose y ocasionando que su hombre-lobo no llegue en momento alguno a tener entidad suficiente. En otras palabras, lo que vemos en pantalla es a Nicholson disfrazado de hombre-lobo, no a un licántropo verdadero. La contemporanización del mito tampoco logra aportar nada demasiado nuevo: se impone la melosa historia romántica (quizá porque en el fondo es el territorio en el que Nichols se siente más cómodo) y el hombre-lobo, sin quedar relegado, apenas posee fuerza. Hay algunos momentos interesantes como cuando el licántropo es capaz de escuchar a todos sus compañeros de oficina, revelándose lo que hablan entre susurros, o bien, cómo muestra, aunque de manera liviana, el mundo editorial y sus trampas. Pero son apuntes, al final, insuficientes, aunque de haberlos desarrollado, los responsables de 'Lobo' podrían haber adaptado mucho mejor el mito a nuestro tiempo. (Fuente: sensacine.com)
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LA JAULA DE LOS GRILLOS (1995)
Reparto principal | Robin Williams, Nathan Lane, Gene Hackman, Dianne Wiest
Armand, el propietario de una discoteca salvaje en Miami Beach, su socio Albert, es también la atracción estelar del club. Gene Hackman es el senador americano ultraconservador Keeley, quien se enfrenta a problemas políticos cuando su más cerano aliado político muere en la cama con una prostituta. Cuando el hijo de Armand, Val, anuncia a su compromiso con la hija de Keeley, la escena se complica y da lugar a una comedia con errores de lo más divertidos. Keeley ve la boda como una oportunidad para restaurar su carrera política promocionando valores tradicionales en la vida familiar. ¡Si supiese en qué tipo de familia se está metiendo su familia! ¡Una las dos familias y vea las chispas en esta batalla de tres sexos.
En sus momentos de mayor inspiración, el director teatral y cineasta Mike Nichols es un especialista en sacar portentosas interpretaciones de sus actores, a los que deja moverse por la escena y siempre retrata en sus momentos de mayor esfuerzo. Las tempranas '¿Quién teme a Virginia Wolf?' (1966) y 'El graduado' (1967) son ejemplos básicos de su talento, también presente de manera innegable en 'Una jaula de grillos', pero mucho más diluido en las aguas del 'remake' semi-fotocopia, en este caso de la comedia francesa 'Vicios pequeños' (Edouard Molinaro, 1978). Dándole una vuelta de tuerca a la típica comedia de enredo en la que los padres de la joven pareja a punto de casarse no se aguantan, la película enfrenta a una pareja de homosexuales maduros contra un matrimonio tradicional y ultraconservador. Es la oportunidad de Robin Williams y Nathan Lane para dar rienda suelta a la pluma, creando secuencias de absoluto delirio cómico, pero cayendo en la caricatura pasada de vueltas en otras tantas. (Fuente: ecartelera.com)
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PRIMARY COLORS (1998)
Reparto principal | John Travolta, Emma Thompson, Billy Bob Thornton, Adrián Lester
Hijo de uno de los líderes de color que defendieron la causa de los derechos civiles de su comunidad, Henry Burton, un joven idealista, está buscando una causa grande y noble. Por ese motivo entra en la política y se une a la campaña presidencial de Jack Stanton, Gobernador de un pequeño estado progresista en el sur de los Estados Unidos, donde los antepasados de Henry fueron esclavos.
Mike Nichols, pagó más de un millón de dólares por los derechos del libro 'Primary Colors'. Era una novela política de gran éxito (por entonces de firma anónima, que resultó ser la de Joe Klein) que trataba, desde una ficción disimulada, la carrera presidencial de Bill Clinton en 1992. Que la película de Nichols se estrenara justo en el momento de eclosión mediática del escándalo Lewinsky le dio mayor relevancia, pero aún así no consiguió evitar que fuera un catastrófico fracaso en taquilla. Aunque eso no nos concierne a la hora de valorar la calidad artística del film, lo cierto es que la apariencia utilitaria se extiende a todos sus apartados: guión funcional de Elaine May, fotografía muy poco esforzada de un maestro como Michael Ballhaus y, sobre todo, un grupo de intérpretes que asume con esfuerzo televisivo sus papeles. Hay que reconocerle el mérito a Emma Thompson con su sosías de Hillary Clinton, pero el ridículo de John Travolta es equiparable a la superficialidad popular con la que es tratada la trastienda de la política estadounidense. (Fuente: sensacine.com)
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¿DE QUÉ PLANETA VIENES? (2000)
Reparto principal | Garry Shandling, Annette Bening, Greg Kinnear, Ben Kingsley
En el año 2099, a cuatro sistemas solares y tres generaciones de distancia de la Tierra, se encuentra un extraño planeta altamente desarrollado. Uno de ellos, el H 1449-6 - al que llaman Harold Anderson-, es enviado a la Tierra en una misión vital para la supervivencia del planeta: tener un hijo con una terrícola. Harold lo sabe absolutamente todo sobre los humanos, pero parece tener serios problemas para entender y conquistar a las mujeres, por lo que su misión se convierte en un reto mucho más difícil de lo planeado.
Un lejano planeta está en peligro de extinción. Sus habitantes necesitan urgentemente procrear, y para ello uno de ellos, Harold, es enviado a la Tierra en misión especial. Debe encontrar a la hembra adecuada y ponerse manos a la obra. Pero tiene algunos problemillas con su aparato reproductor. Disparatada comedia marciana de Mike Nichols, con situaciones delirantes. La mayoría de sus gags giran en torno al sexo, por los problemas que su protagonista tiene para relacionarse. El reparto es espectacular. Quizá demasiado, para el resultado final. Pero si uno tiene la risa floja, reirá. (FUENTE: decine.com)
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AMAR LA VIDA (2001)
Reparto principal | Emma Thompson, Cristóbal Lloyd, Audra McDonald, Eileen Atkins
Vivian Bearing es doctora en filosofía, reconocida y admirada experta en literatura y poesía inglesa del Siglo XVII, cuya eximia carrera universitaria se ve penosamente troncada por la aparición de una neoplasia muy agresiva. Aquella mujer abocada a su trabajo, con escasas relaciones extraprofesionales está prácticamente sola en la vida para vérselas con tamaña enfermedad. La profesora aprende a convivir con su padecimiento, y descubre la deshumanización de las prácticas médicas donde sólo la enfermera a carga del cuidado demuestra su lado humano y empatía para con la persona sufriente. Las circunstancias por las que atraviesa la llevan a replantearse el modo en que ha vivido y el peso relativo del pensamiento erudito en cuestiones vivenciales.
Versada como pocos en los sonetos metafísicos de John Donne y los intrincados vericuetos de la dupla vida y muerte, Vivian Bearing debe enfrentarse de buenas a primeras a un cáncer de ovario avanzado. Inmersa en una vida académica jalonada de logros medulares en su existencia, la enfermedad irrumpe intempestivamente y la traspone desde aquella zona de confort al terreno de las incertidumbres donde los hechos se rigen por designios ajenos a nuestros deseos y especulaciones racionales. Como un aprendizaje físico y mentalmente doloroso, la protagonista va tomando conciencia de su enfermedad, el estrato de los médicos para con ella, a la par de efectuar un examen de las decisiones adoptadas a lo largo de sus años, su relación con los demás y la dura lección de empezar a descubrir que ante el momento más trascendente del acontecer humano el andamiaje teórico y su lógica más refinada son insuficientes. (FUENTE: www.scielo.org/es/)
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CLOSER (2004)
Reparto principal | Jude Law, Clive Owen, Natalie Portman, Julia Roberts
‘Closer’ trata sobre las complejas relaciones entre dos parejas. El sexo, la atracción o las infidelidades son los ingredientes de esta historia perteneciente al origen de la tragicomedia. Las dos parejas se entrelazan y su complejidad se hace cada vez más palpable, cuando la solución a sus problemas se convierte en un misterio apasionante.
Mike Nichols recupera en Closer parte del espíritu de ¿Quién teme a Virginia Woolf?, aquel filme de los sesenta de imponente verborrea donde dos gigantes de la interpretación, y turbulentos y reincidentes matrimonios entre sí, Elizabeth Taylor y Richard Burton, ponían en escena quiebres, humillaciones, lastres, hastíos... y algunos que otras consecuencias de la vida marital, que se aderezaba además con alcohol. Closer actualiza algunos interrogantes que ya figuraban en aquella, sin resultar tan concentrada y teatral (aunque adapte la obra de Patrick Marber) y convierte el desarrollo de su intenso guión en un toma y daca ciclotímico a cuatro bandas. Nichols efectúa una estupenda dirección de actores y va construyendo la trama sobre la tensión que se genera entre diversas dicotomías: amor/desamor, fidelidad / infidelidad, necesidad / autonomía, experiencia / ingenuidad, memoria / olvido, ternura / humillación... La multiplicidad de enfoques, situaciones y sensibilidades a las que asistimos ofrecen un retrato bastante completo de la cara y la cruz de las relaciones de pareja. (FUENTE: sensacine.com)
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LA GUERRA DE CHARLIE WILSON (2007)
Reparto principal | Tom Hanks, Julia Roberts, Philip Seymour, Amy Adams
A principios de los años 80, el delegado del Segundo Distrito de Texas, Charlie Wilson, era conocido por ser un juerguista y vividor que acumulaba conquistas y escándalos. Pero su personalidad ocultaba un sentido político agudo, un sólido conocimiento de la escena internacional, un patriotismo a toda prueba y un compromiso con las causas perdidas. Afganistán sería su más bello combate. Charlie tenía entre sus relaciones a la riquísima Joanne Herring, anticomunista entusiasta que contempló nada más y nada menos que la caída del imperio soviético. Ante la pobre reacción americana a la invasión de Afganistán, convenció a Wilson de la necesidad de llevar ayuda al Moudjahidin. Charlie reclutó para esta misión al agente de la CIA Gust Avrakotos, una combatiente de origen modesto que deseaba pelearse con los rusos con ansia. Usando el encanto y la diplomacia, Charlie, Joanne y Gust consiguieron establecer la más improbable de las alianzas secretas entre Pakistán, Israel y Egipto, y justificar la comisión de la Defensa para asignar los fondos necesarios y hacer llegar a los Combatientes de la Libertad las armas que les permitirían luchar contra el invasor.
Tras naufragar con 'Closer', una película con cierto interés pero mediocre en general, Mike Nichols dirigió 'La guerra de Charlie Wilson', obra a caballo entre la comedia y el drama, terreno por el que Nichols suele moverse con cierta comodidad. En este caso, el cineasta busca equilibrar la película entre los dos géneros para poder transmitir el mensaje político subyacente a la trama de manera convincente. George Crile (interpretado por Tom Hanks) decidió tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 escribir toda la información que tenía sobre la ayuda que el gobierno norteamericano facilitó durante los ochenta a los afganos para que pudieran, finalmente, expulsar a las tropas soviéticas. La guerra fría llegaba a su final, en la Casa Blanca estaba Ronald Reagan y la guerra continuaba. Detrás de todo se encontraba un congresista mujeriego y borracho, Crile, quien puso en marcha la llamada Operación Cyclone. 'La guerra de Charlie Wilson', narra cómo Crile junto a Joanne, una rica tejana profundamente anticomunista, y al agente de la C.I.A. Gus Avrakotos puso en marcha el operativo. Nichols opta por un estilo plano, casi neutro, como suele ser normal, que sirve para poder equilibrar la película entre los géneros a los que se adscribe. Las buenas interpretaciones y un guion muy dinámico, ayudan a que 'La guerra de Charlie Wilson' esté por encima de la media de su director. Nichols plantea una película en la que se arroja una interesante mirada sobre el pasado reciente para comprender mejor algunos aspectos del presente. (FUENTE: sensacine.com)
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| Año | Título | Premios de la Academia | Premios BAFTA | Premios Globo de Oro | |||
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Nominaciones | Victorias | Nominaciones | Victorias | Nominaciones | Victorias | ||
| 1966 | ¿Quién le teme a Virginia Woolf? | 13 | 5 | 3 | 3 | 7 | |
| 1967 | El graduado | 7 | 1 | 7 | 5 | 7 | 5 |
| 1970 | Trampa 22 | 2 | |||||
| 1971 | Conocimiento carnal | 1 | 3 | 1 | |||
| 1973 | El día del delfín | 2 | 1 | ||||
| 1975 | La fortuna | 1 | |||||
| 1983 | Madera de seda | 5 | 2 | 5 | 1 | ||
| 1988 | Chica trabajadora | 6 | 1 | 3 | 6 | 4 | |
| 1990 | Postales desde el borde | 2 | 3 | 3 | |||
| 1996 | La jaula de pájaros | 1 | 2 | ||||
| 1998 | Colores primarios | 2 | 3 | 1 | 2 | ||
| 2001 | Ingenio | 2 | |||||
| 2003 | Ángeles en América | 7 | 5 | ||||
| 2004 | Íntimamente | 2 | 3 | 1 | 5 | 2 | |
| 2007 | La guerra de Charlie Wilson | 1 | 1 | 5 | |||
| Total | 43 | 7 | 27 | 10 | 56 | 17 | |
Los lenguajes del cine y el teatro comparten elementos tanto de contenido narrativo y verbal como visual, debido a la cercanía de sus propósitos como géneros artísticos, ya que ambos producen relatos dramatizados. Tienen, sin embargo, intereses dispares y ponen énfasis en aspectos diferentes del ambiente, de los sucesos o de los personajes. El análisis de la adaptación cinematográfica de obras teatrales permite observar las similitudes y diferencias de ambos medios, y enriquecer ese análisis por medio del contraste. En una primera parte, este artículo hace un repaso a la literatura sobre el tema para observar las principales implicaciones teóricas de la adaptación cinematográfica. Posteriormente se centra en el estudio de dos secuencias de las adaptaciones de Who’s Afraid of Virginia Woolf (Edward Albee) y Closer (Patrick Marber). Estas dos secuencias ilustran los puntos de intersección entre los dos lenguajes en lo referente al diálogo y a la puesta en escena respectivamente.
Enlaces de interés
EL SECTOR DE DISTRIBUCIÓN EN ESPAÑA
Una vez terminado el proceso de montaje, la película está lista para ser exhibida en salas de cine. Aquí, entran en juego las distribuidoras. Se trata de empresas independientes de las productoras, que compran los derechos de exhibición en las salas de cine. El distribuidor adelanta los gastos de realización de las copias y de publicidad. De este modo, el productor cede al distribuidor un porcentaje de los ingresos de la película.
El sector de distribución en España se consolida, aproximadamente, a partir de 1905, fecha en la que se reestructura, por la evolución de la industria, el sector de salas, pasando a edificarse los primeros coliseos y edificios estables dedicados al cine, y también por la amplitud de los catálogos de películas existentes y su progresivo aumento de duración de las mismas. Con anterioridad la comercialización de la película se hacía por el propio empresario de la sala, que contactaba directamente con las casas productoras para comprar una película concreta o en su caso varias para la temporada. Hasta finales de los años veinte las distribuidoras españolas apenas hicieron un esfuerzo para canalizar las películas propias. Crearon una situación de gran inquietud entre las firmas que intentaban con grandes esfuerzos sacar adelante sus películas. Era evidente que el producto extranjero resultaba más atractivo para el público español, por ello los distribuidores se dedicaban con más esfuerzo a su explotación que llegó a requerir en el Primer Congreso Español de Cinematografia de 1928, que se implantara una cuota de distribución, situación ésta es una película española por cada 25 extranjeras. Así en los años en que se desarrolla el sonoro a partir de 1928, se instalan en España la Metro-Goldwyn Mayer (Ibérica), la Warner Bros First National Films y la RKO Radio Films, con autonomia propia, aunque bien es cierto que otras casas norteamericanas había constituido una firma española con anterioridad: la Universal Films Española, en 1922, y la Hispano Fox Films en 1924. Durante la década de los treinta aparecen empresas que cambiarán, en mucho, la imagen del sector. Nos referimos a Filmófono (1931) y a CIFESA (1932), especialmente, aunque les acompañan CEA, CEPICSA, EDICI, PROCINES.
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En el año 2023, en un mercado de segunda mano, encontré una carpeta con 38 bocetos de compañías distribuidoras en España, realizados por J. Cosas. He intentado buscar información sobre el autor de dichos bocetos y hasta el momento la búsqueda no ha tenido resultados. Si alguien que pueda leer este artículo dispusiera de información de este autor le estaría sumamente agradecidos.
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NOTA: Como podrán ver en alguna de las distribuidoras no dispongo de información. Si alguna persona que esté leyendo este apartado y quiera colaborar enviando información de las distribuidoras que no he conseguido encontrar información le estaré muy agradecido. Muchas gracias.
Los orígenes de la empresa. AS Films tiene en realidad una historia aparte, debido a que es la puesta en escena como distribuidora de una productora: Aspa Films Producción. Ambas fueron fundadas por el realizador Vicente Escrivá y Ramón Llidó la productora en 1951 y la distribuidora en 1955 .AS empezó sorprendiendo con títulos como "Recluta con Niño", "Los Ladrones somos Gente Honrada" o "Un Traje Blanco". Sin embargo, tendría que hacer frente a la separación de Escrivà y Llidó y su desvinculamiento con el director Rafael Gil, quien apoyaría desde un principio ambos proyectos, aparentemente por 1958, ya que AS comenta la creación de una nueva productora: AS Films Producción y una biografía sobre Escrivá comenta que ASPA tendría actividad en solitario por la época. No obstante, AS (como varias distribuidoras establecidas en la época franquista) tendría acuerdos de distribución selectos con las majors como con la Warner Bros. o Columbia Pictures. Paralelamente, el administrador principal de los inicios de la empresa es Juan Couret, según fichas de publicidad de la propia AS. A partir de los setenta (1971) AS se fusiona con Interpeninsular para formar la gran coalición DIASA, y según Variety, Juan Couret fue alto mando junto con Miguel Tudela, pero a falta de datos, no se puede afirmar mucho si el Couret de quien se habla aquí es el mismo cofundador de AS Films. Sobre Escrivá y ASPA... Aspa siguió en actividad, aunque produciendo películas muy comerciales para Filmayer. Para terminar, una frase que la empresa promocionaba: "Siempre un Triunfo en su Mano". Bueno... doble triunfo si es que también se habla de AS en su época como DIASA. (Joaquin Dávila).
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Empresa productora. La construcción en Madrid de esta sociedad en mayo de 1919, tras la que se encontraban destacados miembros de la burguesía industrial y la aristocracia política y financiera del país, el rey Alfonso XIII suscribió nominalmente las sesenta primeras acciones, supone el primer intento organizado y de cierta envergadura económica tendente a dinamizar la producción cinematográfica española desde la capital. Su puesta en marcha es fruto de la conjunción, por una parte, de nuevos intereses, y, por otra, de empresas ya existentes, como Cantabria Cines (1918) y la renovada Patria Films, empresa fundada en 1915, para la que Benito Perojo había realizado algunas películas, que continuó sus actividades, tras la marcha de éste a París, bajo la responsabilidad de Julio Roesset y que se reconvirtió a finales de 1918 en sociedad anónima con la entrada de nuevos accionistas y capital. Tras el éxito de "La verbena de la paloma" (1921), séptimo título dirigido por José Buchs para Atlántida, y contando con el concurso de Oscar Hornemann como gerente, se orientó su política de producción hacia un cine costumbrista y folclórico derivado de la traslación fílmica del universo de la zarzuela, que alcanzó en un principio gran aceptación popular. Sin embargo, las peculiaridades del mercado español, la lentitud en la amortización de las inversiones y la carencia real de un fondo económico adecuado generarían, casi desde el principio, numerosos conflictos entre la gerencia y la administración, saldadas con las salidas sucesivas de los diferentes responsables artísticos. La entrada en el año 1924 del banquero y fundador de Papelera Española Ignacio Bauer como principal accionista planteó nuevos horizontes que se verían igualmente abocados al fracaso. La prohibición por la censura de diferentes proyectos de Atlántida, agudizó la desorientación de la empresa y su progresiva falta de liquidez. Entre finales de 1924 y 1926, Florian Rey asume la dirección artística de la empresa y rueda cinco largometrajes. Las arbitrariedades cometidas por el gerente Alfonso Márquez, hombre de confianza de Bauer, en el patrimonio de la sociedad (venta de negativos y positivos, liquidación de bienes, muebles, etc), unidas al progresivo endeudamiento de la sociedad Banca Bauer, motivaron un enfrentamiento entre los diversos socios en mayo de 1927, saldado con la salida de los iniciales miembros fundadores y quedando Bauer con el control exclusivo del patrimonio de la sociedad.
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José María Blay, distribuidor, productor y director. Aunque su nombre se asocia con la producción de dibujos animados, no se limitó a ellos, pues en los meses postreros de la dictadura de Primo de Rivera aparece ya como autor de un documental sufragado por el gobierno, "La España de hoy" (1930), y antes de la Guerra Civil figura como gerente de la productora y distribuidora Febrer y Blay, siendo elegido vicepresidente de la Junta de Gobierno de la Mutua de Defensa Cinematográfica Española en 1934 y, en la postguerra, vocal de la Junta Nacional de Cinematográfica. En pleno conflicto bélico (1938) se asoció con Ramón Balet Raurich, fundando la marca Balet y Blay SL, empresa de características semejantes a la anterior, aunque con cinco sucursales cuya existencia, tras reconstituirse en 1944, se prolongaría durante más de tres lustros y con la cual, junto a títulos extranjeros de cierta monta, entre ellos producciones británicas de MGM, distribuiría y produciría comedias sin excesiva fortuna.
Balet y Blay fue una empresa de producción y distribución cinematográfica fruto de la asociación, a partir del 7 de mayo de 1938, entre el empresario Ramon Balet y el distribuidor José María Blay. José María Blay ya tenía experiencia en el mundo de la distribución cinematográfica y decidió entrar en el de la animación cuando el realizador valenciano Artur Moreno le visitó para enseñarle su primer cortometraje: “El capitán tormentoso”. Blay entendió que, al producir un largometraje de animación, se le concederían más permisos de importación de filmes extranjeros, una compensación que formaba parte de las políticas de incentivación a la producción del gobierno franquista. Balet y Blay crearon unos grandes estudios en el barrio de Vallcarca de Barcelona.
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Fue creada en Barcelona el 3 de noviembre de 1943 por tres antiguos trabajadores de Paramount Pictures en España, Casimiro Bori Fernández, Salvador Vidal i Batet y Jaume Gallart i Català. Dieron el nombre de la compañía las iniciales de Casimiro Bori (CB), y aunque el nombre fue adoptado provisionalmente, la marca sería definitiva. CB Films fue usada como marca para distribuir películas en Cataluña, pero cuando lo hacían fuera utilizaban el nombre de Mercurio Films. Hasta 1952 la sede estaba en el Paseo de Gracia de Barcelona, y después se trasladó a la avenida Diagonal. Llegó tener sucursales en Madrid, Valencia, Sevilla, Bilbao, Las Palmas, Santa Cruz de Tenerife, A Coruña y Palma. Su auge lo llegó a partir de 1952, cuando logró la distribución en exclusiva para toda España de las películas de United Artists Corporation , lo que la convirtió en una de las principales compañías distribuidoras de España. Distribuyeron en España las películas de James Bond y las comedias de Blake Edwards, así como películas emblemáticas españolas como La gran familia, La tía Tula, Del rosa al amarillo o Feroz, entre otros. También se dedicó al doblaje. En 1963 abrieron oficinas en la plaza de Callao de Madrid y José Luis Dibildos entró a formar parte del consejo de administración. Ya habían producido éxitos internacionales como Alejandro Magno de Robert Rossen (1956) o La rivolta degli schiavi de Nunzio Malasomma (1960), pero desde entonces se incrementó su producción de películas españolas como Manolo guardia urbano, Los chicos del Preu, Novios 68, La chica de los anuncios, Las secretarías o Las Ibéricas FC. El declive de la sociedad empezaría en 1983, cuando United Artists fue absorbida por MGM. Esto les llevaría a distribuir en España las películas de Cannon Films, de presupuesto más bajo, y que les forzó a dejar de invertir en la producción de cine español. La jubilación de J. Gallart en 1987, la quiebra de Cannon Films en 1988 y el fallecimiento de Casimori Bori en 1992 no ayudaron a su resurgimiento, a pesar de los esfuerzos del director general desde 1987 y presidente desde de 1989, Jaume Gallart i Boada. En 1991 recibió el premio a la distribuidora que más ha contribuido a la difusión del cine en catalán en los IX Premios de Cinematografía de la Generalitat de Catalunya. CB Films cerró en 1993 y desapareció definitivamente en 1995. En 1997 Gallart y Boada empezó a trabajar para la distribuidora Buena Vista Internacional.
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Los Estudios CEA (Cinematografía Española Americana). Se constituyó el 17 de marzo de 1932, fueron unos estudios cinematográficos españoles ubicados en Ciudad Lineal (Madrid), a la altura del puente que tomó su nombre (cruce entre la calle de Arturo Soria con la carretera de Barcelona (luego A-2), y cercano a la Avenida de América. Los estudios cerraron el 11 de noviembre de 1966, concluyendo así un capítulo importante de la producción cinematográfica española, con unas quince películas de media por año. Los edificios se situaron en la Ciudad Lineal y se componían de seis platós de rodajes, laboratorios fotográficos para el montaje de las películas, talleres de decorados, camerinos para los actores y áreas de descanso que contaban con una piscina.
Como distribuidora, CEA tuvo también una actividad intensa a partir de la postguerra, ligada hasta cierto punto a la productora germana Tobis y a su filial Hispano-Tobis, por lo cual la compañía encontraría ciertas dificultades tras la vistoria de los aliados, vencidas las cuales consiguiría extender, no sin altibajos, su acción tanto en lo referente al producto nacional como al extranjero, incluido el servido por compañías independientes americanas, manteniendo abiertas, en su última etapa bajo la dirección de Joaquín Agustí y la constante presencia de Salgado. En 1967 sus puertas se entornaron definitivamente tras el rodaje de dos títulos españoles: "Grandes amigos" y "Pasto de fieras". Al cabo de dos temporadas siguientes al cierre de los estudios (1968-1969), y dedicada exclusivamente a lotes de subproductos como spaghetti-westerns, films de terror, etc., la rama de distribución acabaría por desaparecer igualmente.
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Cepicsa, empresa de distribución cinematográfica fundada en 1939 en Madrid por los empresarios José María Tabeada y Ricardo Vicent Viana, cuyo objeto social rezaba " la explotación de las patentes y concesiones oficiales de los ministerios, así como también las demás concesiones que le otorgase el Estado", al amparo del nuevo marco político del gobierno franquista. En el año 1941 diversifica su cartera de negocios y pasa a hacerse cargo de la mayoría de las acciones el Grupo Banco Pastor y se dedica exclusivamente a lotes de subproductos comp spaghetti-westerns, films de terror, etc., la rama de distribución acabaría por desaparecer en el año 1997 en el que se disuelve sin liquidación y con transmisión en bloque y a título universal de su patrimonio a la sociedad absorvente, el Banco Pastor.
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Los Estudios Cinematográficos Chamartín (inaugurados el 17 de abril de 1941 en Madrid, España) fueron un complejo cinematográfico diseñado por Rafael Bergamín. Acabaron formando parte de los estudios de RTVE desde 1984 hasta 2009 bajo el nombre de Estudios Buñuel, antes Estudios Bronston. En la actualidad han sido derruidos y sustituidos por un complejo de viviendas. Empezaron a construirse en 1935 bajo la dirección del arquitecto racionalista Rafael Bergamín y la guerra obligó a suspender las obras, finalmente fueron inaugurados seis años después, llegando a tener en su período de máxima actividad 225 empleados. Antes de que las obras fueran suspendidas durante la guerra, Gustavo Pittaluga había sido nombrado director musical de los estudios. A principios de la postguerra, el 12 de enero de 1942, la firma Chamartín aparecía de forma desafiante en el competitivo panorama cinematográfico nacional utilizando como emblema a un jinete de yelmo empenachado, con la correspondiente armadura, rica gualdrapa en el caballo y lanza rematada por gallardete que aireaba la marca, es decir, una imagen de tanto vigor y potencia como la del rugiente león de MGM, pero con cierto toque de orgullo a lo castellano viejo. A renglón seguido se anunciaba como empresa que ofrecía servicios de producción, distribución y estudios y enarbolaba con rotundidad su llamada comercial en los siguientes términos: "una potente organización industrial". En la Feria de Muestras de Barcelona de 1943, la firma se presentó con varios stands y gran despliege publicitario, proclamando su "capacidad de trabajo, solvemcia técnica y calidad artística" y asegurando de manera contundente que era "la marca de triunfos más compleyos en la distribución". En 1964, la marca cesaría en sus actividades como distribuidora.
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Consorcio Ibérico de Cinematografía (C.I.C. Films S.A.) es una muy extraña empresa en el mundo de la distribución cinematográfica, en la industria de Barcelona, claro está. Si bien duró casi tres décadas como distribuidora (desde los cincuenta hasta los ochenta), extraña el poco ruido o poco impacto que haya dejado a su paso no se encuentra mucha información. En esta ocasión, vemos a C.I.C. Films, S.A. no confundirla con Cinema International Corporation, la joint venture entre Paramount, Universal y la MGM dedicarse a una actividad no muy explorada por la marca, pero que sí dio un aporte interesante: el cine de arte y ensayo. Obviamente, ya habían distribuidoras exclusivas en ese ámbito, como Inter Arte Films, Barcino o Cidensa (incluso, las taquilleras Hispamex y Filmax entran en ese rubro), pero C.I.C. destaca allí más que nada por el estreno de la película Noche de Vino Tinto, también de Nunes, que sentaría las bases de un cine español de arte y ensayo para décadas posteriores. Eso sí, C.I.C. nunca perdió esa ambición de tener taquillas, ya que se dedicaba a estrenar películas de terror o westerns, a veces británico, a veces italiano, y a veces español. Y a mediados de los setenta, en uno de los movimientos empresariales más extraños de la industria cinematográfica española, decide convertirse en una distribuidora enfocada exclusivamente en el cine de la clasificación "S", especialmente con películas eróticas de Alemania o algún que otro film de Manuel Esteba y Jesús Franco, y aquí sería su paradero final, ya que luego del estreno de Hembras Salvajes en Ibiza en 1983... desapareció sin ninguna bulla.
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Cifesa fue fundada en Valencia durante la Segunda República Española, el 15 de marzo de 1932, como una productora independiente que hacía películas de acuerdo a los gustos populares. Aunque la creación se atribuye a la familia Casanova, quienes posteriormente se harían con la empresa, fueron los Trènor quienes la fundaron. En 1933 cuando la compañía ya pertenecía a la familia Casanova, consiguió la exclusividad para distribuir en España las películas de Columbia Pictures. Tras hacer público el acuerdo, Cifesa comenzó una campaña de lanzamiento de la que destaca Los diez mandamientos, una declaración de intenciones: 1 - Complacer al público sobre todas las cosas. 2 - No ofrecerle buenas películas en vano. 3 - solemnizar las fiestas con programas selectos 4 - Honrar el espectáculo y el arte. 5 - No matar de aburrimiento al resignado público. 6 - No fastidiar al público con filmes soporíferos. 7 - No hurtar a la admiración de tus clientes las incomparables películas Cifesa-Columbia por raras que sean. 8 - No levantar falsos testimonios ni mentir en la propaganda. 9 - No desear las películas de tus contrincantes si tiene contratadas las de Columbia. 10 - No codiciar los éxitos ajenos y preocuparte de aumentar los tuyos con material Cifesa. Estos mandamientos se encierran en dos: cuidar y atender al público sobre todas las cosas y ofrecerle constantemente las películas Cifesa-Columbia.
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Cinédia fue fundada en 1930 en Río de Janeiro por Adhemar Gonzaga y se convirtió en uno de los estudios más importantes del cine brasileño de las décadas de 1930 y 1940, produciendo dramas populares y comedias musicales como Ganga Bruta (1933) o O Ébrio (1946); originalmente fue un estudio y productora con laboratorios, tecnología e infraestructura propia, y su legado se conserva hoy principalmente como patrimonio histórico y archivo cinematográfico; no hay evidencia de que actualmente funcione como una distribuidora activa al estilo contemporáneo, aunque su ejemplo histórico es útil para entender la conservación y gestión del patrimonio fílmico en Latinoamérica, y puede servir como referencia para instituciones o coleccionistas interesados en archivos cinematográficos como el tuyo.
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Isidro Esteban, con su distribuidora-productora Cire Films, S. L. fue de los pioneros, si no el primero, en producir una película enteramente rodada en catalán, Maria Rosa, basada en el drama de Angel Guimerá y protagonizada por Nuria Espert, Paco Rabal, y Luis Dávila. Lluis Cot Mateu, crítico cinematográfico del Mundo deportivo, ejerció como Jefe de Publicidad en Cire Films, Manuel Berenguer, Francesc Novell, fueron algunos de sus colaboradores más cercanos. También José María Minguella, actualmente uno de los representantes más conocidos en el mundo del fútbol, trabajó como asesor legal en Cire Films.
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Distribuidora norteamericana fundada en 1924 como Columbia Pictures Corporation, y que nació como resultado de la unión de productores agrupados en torno a Jack y Harry Cohn. Con Joseph Brandt, éstos ya habían constituido en 1919 la CBC Sales Corporation. Cuando Brandt se escindió en 1924, la compañía se transformó en Columbia, presidida por H. Cohn hasta su muerte en 1937. Sus filmes fueron introducidos en el Estado español por Cinematográfica Verdaguer de Barcelona en 1928, pero en 1930 pasaron a ser una exclusiva de Príncipe Films, firma donostiarra que cedió su concesión a Renacimiento Films de Madrid, representada en Barcelona por Modesto Pascó y Vilalta. Hacia 1932, el material de la Columbia fue representado por la United Artists (Artistas Asociados), hasta que en 1933 asumió su actividad la Compañía Industrial del Film Español (CIFESA). Finalmente, en 1935, Columbia Films abrió oficinas propias en Barcelona, donde residió la central (avenida Diagonal), y con sucursales en Madrid, Valencia, Bilbao, Sevilla y A Coruña. BJ Gotlieb, en nombre de la Columbia española, presentó su casa en la prensa barcelonesa con la proyección de Una noche de amor (1934, Victor Schertzinger) y Toda la ciudad habla (1935, John Ford). El primer gerente fue Armando Máñez Alòs (Valencia 1900 - Barcelona 1953). Después de la guerra, se instaló en la calle de Enric Granados. Cuando murió Máñez, el presidente de la compañía, Joseph A. McConville, decidió situar en su lugar a Emilio López Pérez, bajo cuya dirección la firma tuvo que cerrar todas las oficinas españolas, por orden del gobierno franquista, como protesta por la edición de He aquí un caballo bai (1964, Fred Zinnemann), filme que se consideró una ofensa a la dignidad nacional. La cinta, que se estrenó en 1979 con el título de Y llegó el día de la venganza, cuenta la historia de un antiguo combatiente republicano que al regresar a España después de la guerra es abatido por las fuerzas policiales franquistas. A raíz de este hecho, la presencia de Columbia en el Estado quedó reducida a un despacho en Madrid, con López como empleado casi único, y sus filmes fueron distribuidos por varias casas nacionales: Suevia Films, Mundial Film, Filmayer, etc. Esta situación se prolongó hasta 1988-89, cuando Columbia volvió a distribuir directamente su material desde Madrid. Con el catalán Ernest Victòria i Barceló en calidad de supervisor, y, más adelante, como presidente de Columbia TriStar Films de España, la compañía recuperó la plena actividad y categoría perdida a partir de 1991-92. En 1995 abrió una pequeña oficina en Barcelona, que no tuvo éxito.
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EDICI (Empresa Distribuidora Cinematográfica Ibérica) fue una compañía española fundada el 11 de diciembre de 1935, presidida por Vicente Montal. Nació en un momento de fuerte crecimiento del sector cinematográfico en España, cuando empezaban a consolidarse nuevas distribuidoras nacionales que intentaban competir con las grandes compañías extranjeras que dominaban el mercado. EDICI se dedicó principalmente a la distribución y exhibición de películas, probablemente combinando cine español con producciones europeas —especialmente francesas e italianas—, muy populares en aquella época. Su aparición coincide con un periodo de gran dinamismo en el cine español: la llegada del sonoro, la creación de nuevas productoras y un público cada vez más amplio. La Guerra Civil, iniciada pocos meses después de su creación, afectó duramente a muchas empresas pequeñas, y es posible que EDICI también sufriera las consecuencias de aquel contexto inestable. Sobre su presidente, Vicente Montal, se sabe que fue un empresario vinculado al mundo de la exhibición y la gestión de salas. Aunque la información conservada sobre la empresa es escasa, EDICI forma parte del conjunto de distribuidoras que contribuyeron al desarrollo del mercado cinematográfico español durante los años treinta
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Exclusivas Floralva, empresa de distribución y producción creada en 1942 por Álvaro Capdevila Elías y Luis Garrido Molina, dos profesionales desde tiempo atrás dedicados al negocio de la distribución. Capdevila ejerce varios años como consejero delegado de la empresa, mientras que Garrido comienza a trabajar en 1920, hasta llegar a ocupar la gerencia de Artistas Asociados (1931). Subdirector general de Hispania Tobis (1935), tras la guerra civil forma parte de la Subcomisión Reguladora de Cinematografía (desde 1940) y ejerce diversos cargos en el Sindicato Nacional del Espectáculo (SNE) y en la Comisión Mixta de Arbitraje, además de ser presidente del Montepío Cinematográfico Español. Desde el punto de vista de su política de producción, Floralva mantiene una línea eléctrica, que le hace realizar trece títulos entre los años 1940-1970. El primer film que produce Floralva es el drama Arribada forzosa de Carlos Arévalo (1943). Le sigue una comedia amable Ni tuyo ni mío de Gonzalo P. Delgrás (1944) y otro drama criminal de Arévalo Su última noche (1945). Siete años después produce otra película, esta vez una peripecia con sacerdote protagonista Cerca de la ciudad de Luis Lucía (1952). Como distribuidora Floralva resiste la crisis general de la distribución española, que se produce entre finales de la década de 1960 y los primeros de la de 1970, pero no puede evitar cerrar sus puertas en vísperas de la reinstauración de la democracia en 1975.
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El empresario Alfredo Talarewitz, antiguo director de ventas de Metro-Goldwyn-Mayer Ibérica en los años previos a la Guerra civil española, fundó Filmax en 1950 como distribuidora de los grandes éxitos de la cinematografía estadounidense. Posteriormente, en 1955, la familia Balcázar se incorpora a la empresa dando origen a las primeras producciones propias ya que la normativa cinematográfica vigente de carácter proteccionista obligaba a que para obtener los permisos de distribución de películas extranjeras también debían realizar producciones propias. Entre 1963 y 1968 la compañía firmó un acuerdo de distribución en España con Paramount Pictures para distribuir las películas de su catálogo. En 1987 Julio Fernández adquiere la marca Filmax, que utiliza comercialmente en los mercados, por aquel entonces nuevos, del vídeo y la televisión. Rehabilitada como marca de distribución de éxitos internacionales, inicia su evolución como industria integral del audiovisual. De 1987 a 1999, los títulos de Filmax fueron distribuidos por PolyGram Video. Cuando Universal adquirió el catálogo de PolyGram en 1999, Universal comenzó a lanzar títulos de Filmax en videos domésticos. En 1999 Filmax entra de lleno en la producción de contenidos audiovisuales desde su sede en Barcelona. La creación de Fantastic Factory tuvo gran acogida en los mercados internacionales, como también fueron bien recibidas las producciones de Filmax Animation y las de Filmax Televisión. Dos años después se incorporaron al capital instituciones como ICF (Generalidad de Cataluña), SOGEDASA, XES Galicia (Junta de Galicia), Sepides (Gobierno de España), Abanca (ex Caixa Galicia), los fondos de inversión Spinnaker y Tirant (ambos administrados por el Grupo Financiero Riva y García) componen el actual accionariado manteniendo Julio Fernández la mayor parte del capital. En 2010, cuando Paramount Pictures adquirió el catálogo de Universal, Filmax Vídeo fue adquirida por Warner Home Video, por lo que ayudó a sacar títulos en Disco Blu-ray (que lo hizo desde 2006) hasta que en junio de 2016 Warner Home Video Española fue adquirida por 20th Century Fox Home Entertainment y Filmax entró en un acuerdo con Divisa Home Vídeo para lanzar su catálogo y próximos títulos en DVD, Blu-ray, VOD,... En 2020, se crea, junto a Loweb y Fenix-Bamf el canal de YouTube Kids Pekefriends.
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Filmayer SA, (Film Ariel Yago Estela Rodas) empresa de distribución y producción. DIPENFA (Distribuidora Peninsular Films y Asociados) origen y matriz de esta empresa cinematográfica con sólidas vinculaciones económicas con el Opus Dei, es inscrita como productora en el Registro Mercantil de Madrid el 6 de noviembre de 1956. Ostentaron la exclusiva de Walt Disney entre 1956 y 1989, pero solamente para 35 milímetros y vídeo (la distribuidora de La Bella Durmiente, filmada en 70mm fue HISPAMEX, es decir, el señor Fernando Carballo, y las copias en 16 y super 8 eran distribuidas por PROFILMAR, aunque Tú a Boston y yo a California, que era en 35 mm, fue distribuida por Chamartín y doblada en los estudios del mismo nombre), y de Castle Rock. En 1989 Walt Disney Productions rescindió el contrato que tenía con Filmayer y, desde entonces, Filmayer intentó otras inversiones (intentaron, incluso, construir un centro comercial). Esto, por parte de Disney, bien pudo deberse al hecho de que Walt Disney había firmado con Warner Bros un acuerdo para que esta distribuidora lanzase sus películas fuera de Estados Unidos. Sus principales accionistas son los abogados Alfredo López Martínez y Ángel Pinacho Melero, el farmacéutico Juan José Alfonso Grijalva, el economista José Luis Alonso Cillero, que también pertenece al consejo de administración de Productores Cinematográficos Unidos SA (Procusa), otra empresa relacionada con la Obra, el también abogado Fernando Camacho Baños, y su hijo Fernando Camacho y Fernández de Cañedo, el exhibidor Antonio Pérez López, el distribuidor Juan José Buhigas Villaverde y Benito Herrero Ortigosa. En el primer consejo de administración presidido por Alfredo López Martínez, también figura Gonzalo Fernández de la Mora, ministro durante el régimen de Franco e igualmente del consejo de administración de Procusa y el italiano Paolo Moffa, puente con las coproducciones que se establecen con aquel país transalpino. El capital social inicial es de cuatro millones de pesetas divididas en ocho mil acciones, mil seiscientas de las cuales se consideran formalmente privilegiadas en el reparto de beneficios en proporción de uno por diez mil respecto a las acciones ordinarias. Tras la dimisión de Buhigas por discrepancias con sus socios, el nuevo consejo de administración celebrado el 24 de octubre de 1957 elige a Antonio Pérez López como presidente mientras que Ángel Pinacho Melero actúa como vicepresidente y Juan Pérez García, Enrique Salgado Torres y José Ramón Villota Elejalde ocupan las vocalías. Buena parte de estos personajes son militantes o simpatizantes del Opus Dei y comparten la presencia en Dipenfa SA con la administración de otras empresas industriales, bancarias o de servicios. El ministro de Comercio Alberto Ullastres, el director general de la Vivienda Salgado Torres o el teniente general Camilo Alonzo Vega, personajes destacados de la asociación entre Dipenfa y Filmayer para potenciar la penetración del Opus Dei en la cinematografía española. Filmayer, en tanto que empresa independiente de Dipenfa, es inscrita en el Registro Mercantil de Madrid el 7 de junio de 1966 con un capital social de un millón de pesetas. Juan Antonio Blasco López, secretario del consejo de administración de Dipenfa en noviembre de 1963 y miembro del mismo en otros momentos, actúa como consejero delegado a partir de 1966 y el guionista Vicente Coello Girón, director gerente de la sociedad, recibe poderes para representarla a partir de 1967. Algunas de las películas producidas por Filmayer son fruto de los lazos comerciales establecidos con los Estudios Roma, entre otras razones, el accionista mayoritario de ambas empresas es Juan Botas. En lo que se refiere a la producción Filmayer aborda este sector entre 1966 y 1983, aprovechando su privilegiada posición de influencia en el ámbito de la distribución y apuesta por un cine eminentemente popular y comercial a la vez que respetuoso con los cimientos ideológicos de la dictadura. La asociación con Pedro Masó como coproductor, redondeada con el guionista Vicente Coello y el realizador Pedro Lazaga, fructifica inicialmente a través de las comedias Operación Plus Ultra (1966), ¿Qué hacemos con los hijos? (1967), Sor Citroën (1967), No le busques tres pies (1968), Abuelo Made in Spain (1968), Cómo sois las mujeres (1968), Las amigas (1969), El abominable hombre de la Costa del Sol (1969), A 45 revoluciones por minuto (1969) o Verano 70 (1969) con recaudaciones que rondan el millón de espectadores y, en casos como Los guardiamarinas (1966) y El turismo es un gran invento (1968), apoteósico éxito protagonizado por Paco Martínez Soria, alcanza los dos millones trescientas mil entradas vendidas. La nómina de los realizadores contratados no varía la naturaleza de estos films que abordan diversos problemas sociales o familiares en un tono siempre amable y el filón prosigue con ¿Cómo está el servicio! de Mariano Ozores (1968), Cuatro noches de boda también de Mariano Ozores (1969), La vida sigue igual de E. Martin (1969), con casi dos millones de espectadores que acuden a las salas para admirar al cantante Julio Iglesias, Cateto a babor de R. Fernández (1969), Crimen imperfecto de Fernando Fernán-Gómez (1970), Don Erre que Erre de J. L. Sáenz de Heredia (1970), La decente de J. L. Sáenz de Heredia (1970), Coqueluche de G. Lorente (1970) o la coproducción hispano-italiana La última señora Anderson de E. Martín (1971), protagonizada por la estadounidense Carroll Baker, introducen un toque de erotismo en la cadena de producción de la empresa, pero pronto recobra su rumbo habitual con Paco Martínez Soria al frente del reparto de Hay que educar a papá (1971), El padre de la criatura (1972) o El abuelo tiene un plan (1973), todas ellas dirigidas por Pedro Lazaga, y Alfredo Landa como protagonista de Vente a Alemania, Pepe (1971), reivindicación patriótica de los trabajadores españoles obligados a emigrar al extranjero. Este film vuelve a superar los dos millones de espectadores e incita la secuela Vente a ligar al oeste (1972), con un idéntico reparto completado por José Sacristán, Antonio Ferrandis y Tina Sainz, Landa, inevitablemente identificado con personajes que ilustran las frustaciones del españolito medio, es también el protagonista de No firmes más letras, cielo (1972), Las estrellas estan verdes (1973), Manolo la nuit (1973) y Jenaro, el de los catorce (1974), mientras que José Luis López Vázquez, en idéntico papel de reprimido sexual, convoca a casi dos millones de espectadores con Lo verde empieza en los Pirineos (1973). Menor éxito obtiene Isabel Garcés con Una abuelita de antes de la guerra (1974), pero las andanzas de Paco Martínez Soria siguen vigentes con El calzonazos (1974), El alegre divorciado (1975), Estoy hecho un chaval (1976), Vaya par de gemelos (1977), Es peligroso casarse a los 60 (1980) o La tía de Carlos (1981). El tardio spaghetti western Y si no, nos enfadamos (1974) todavía atrae a más de dos millones de espectadores gracias a la presencia de los actores italianos Bud Spencer y Terence Hill antes de que la empresa acuse la crisi de las distribuidoras españolas registrada durante la década de 1970. En plena transición, Filmayer explota el filón del destape con López Vázques y Nadiuska como protagonistas de El señor está servido (1975) y ya en democracia, produce las dos últimas apariciones cinematográficas del cantante Manolo Escobar, ¿Dónde estará mi niño? (1980) y Todo es posible en Granada (1982), explota a la estrella infantil Teresa Rabal en Loca por el circo (1982) y pone de manifiesto su nostalgia por el pasado franquismo con Los autonasuyas (1983), adaptación de una novela de Fernando Vizcaíno Casas de nuevo protagonista Alfredo Landa. A partir de 1983 la nueva política cinematográfica impulsada por Pilar Miró desde la Dirección General de Cinematografía interrumpe la producción de Filmayer y el 28 de julio de 1983 se designa un nuevo consejo de administración integrado por Juan Antonio Blasco López como presidente y Manuel Terol Irles y Luis Gómez Periñez en calidad de vocales mientras Julio Ybern Salvedo actúa como secretario. Liquidada la producción de Filmayer en marzo de 1991. Dipenfa amplia el capital con ocho millones de pesetas, cuyas acciones son suscritas por antiguos accionistas de la empresa. Las transformaciones del mercado provocan que en 1991 la empresa pase a denominarse Filmayer Video SA, para así explotar un catálogo en el nuevo formato de consumo doméstico y un año más tarde se renueve el consejo de administración hasta que en 1994 vuelve a cambiar de nombre por Filmayer Internacional. Ángel Blasco Marqueta, hijo de uno de los hombres fuertes de la empresa, ahora rebautiza como Filmayer Entertainment, revitaliza la actividad productora a partir de 2003 con el largometraje de animación Puerta del tiempo (2003).
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Cuando España salió del aislamiento internacional, los gustos de los españoles comenzaron a inclinarse paulatinamente hacia todo lo que fuera americano. Y el Gobierno no quiso quedar al margen. Por ello negociaron con las grandes productoras cómo sería la distribución de sus películas en España, y es que la mayoría de las productoras americanas operaban en España mediante franquicias. La única productora norteamericana que operaba en España en los años setenta era Paramount. El resto, eran distribuidoras españolas que, muchas veces, usaban la marca de la productora con la que habían firmado un contrato de exclusividad. Jose Antonio Sainz fundó Warner Española en 1968, junto con otros socios. Esto significaba que él sería en exclusiva el distribuidor de la Warner Bros. Pero, no contento con detentar la exclusiva de la Warner, a principios de los años setenta fundó INCINE (Compañía Industrial Cinematográfica) y se asoció con Alfredo Matas, distribuidora con la cual llevaría por toda España las películas de la 20th Fox hasta 1988, año en que fue el productor Manuel Salvador quien recogió el testigo.
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Ízaro Films, empresa de distribución y producción. Fundada en 1956 (en su rama de distribución) por Julián Reyzábal Delgado, mientras que la rama de producción es registrada, como empresa de titularidad individual, por su hijo mayor, José María Reyzábal Larraury, que es el responsable de los negocios cinematográficos de la familia hasta su fallecimiento, en octubre de 2004; para entonces, ni la distribuidora ni la productora están en activo. En el historial empresarial de Ízaro Films se diferencian dos momentos: antes y después de su conversión en sociedad anónima, hecho que se produce, tras la pertinente inscripción en el Registro de la Propiedad Mercantil de Madrid, en junio de 1972. Entonces, la empresa pasa de ser unipersonal a quedar constituida, como socios, por todos los hermanos Reyzábal Larraury, siendo José María el presidente, Julián el secretario, mientras que Eduardo Fortunato y Jesús y María Milagros, son elegidos vocales; Florentino Reyzábal Larraury, el abogado de los intereses familiares, por su parte, aúna los cargos de vocal y de consejero-delegado. La constitución de Ízaro Films como empresa de producción y distribución es el resultado lógico de un hecho anterior: la construcción de un verdadero imperio de salas, situadas sobre todo en Madrid, que es la ocupación principal del patriarca Julián Reyzábal, desde unos modestos inicios como reventa en salas de Bilbao, primero, y luego, como gerente de un cine de verano. Dueño de numerosas salas (Montera, Palacio de la Prensa, Carlos III, Callao, Ciudad Lineal, Bristol, París, los cines Roxy, Consulado, Bilbao, Canciller, Versalles, Victoria y Velázquez), Reyzábal completa su jugada estratégica en dos direcciones diferentes: en una, la estrictamente cinematográfica, reuniendo en un solo grupo las tres ramas en que tradicionalmente se divide el negocio cinematográfico (producción, distribución y exhibición); en la otra, en una dimensión de negocios mucho más global y ambiciosa, Reyzábal Delgado comienza invirtiendo en grandes salas para pasar luego a edificios de oficinas y viviendas, lo que le convierte en uno de los más poderosos empresarios inmobiliarios de Madrid, con intereses en varias empresas y con la titularidad de salas de fiestas, de oficinas en el complejo residencial AZCA, en el Paseo de la Castellana; del 20% de las acciones de Torre Picasso y de un edificio emblemático, el Windsor (fue destruida por un incendio el 13 de febrero de 2005), en el que se concentran entonces todas las oficinas cinematográficas del poderoso grupo Ízaro. Desde su situación de privilegio en el terreno de la distribución, el grupo inicia tareas de producción en 1963, y bien pronto aprende las desventajas de producir películas de contenido crítico o irónico con respecto a la situación social imperante, es el caso de El extraño viaje de Fernando Fernán-Gómez (1964), en la que Ízaro solo participa como coproductor, pero cuyas vicisitudes ayudan a entender el por que desde entonces la finalidad de la productora sea cubrir sólo los géneros de consumo popular, con títulos que gozan de extraordinario éxito en taquilla, como la comedia Operación Cabaretera de Mariano Ozores (1964), que explota la fama del binomio Gracita Morales / José Luis López Vázquez; o el drama en coproducción con Italia Encrucijada para una monja de Julio Buchs (1967), por mencionar sólo los dos primeros títulos de sus inicios. Pero en general, Ízaro se caracteriza por producir las muy exitosas comedias del período más numéricamente fecundo de Ozores, que raramente bajan del millón de entradas vendidas. Es el caso de Objetivo Bi-Ki-Ni (1968), Operación Mata Hari (1968), Susana (1969), Fin de semana al desnudo (1974) o Los bingueros (1979). como ocurre igualmente con las de Buchs, como Cuidado con las señoras (1968), Una señora llamada Andrés (1970) o El apartamento de la tentación (1971). Igualmente la empresa invierte en operaciones de coproducción internacional (en algunos casos costosas), como es el caso de Superargo el gigante (1967), Los corsarios (1970), Marco Antonio y Cleopatra (1972), La selva blanca (1972), o la Mosca hispánica (1975), todas ellas con excelentes resultados en taquilla. La decadencia del grupo Ízaro corre en paralelo al de otras grandes distribuidoras españolas, en el crucial periodo de finales de la década de 1960 y la primera mitad de la de 1970 (Suevia Films, Mercurio, CB Films, entre otras), y tiene que ver con la reordenación del sector y la entrada masiva de empresas estadounidenses, hasta entonces sólo asociadas en el negocio. Ello se traduce también en la producción: de todos los títulos producidos por Ízaro desde 1982, ninguno llega ya a la barrera del millón de entradas, y muchos de ellos representan ya el ocaso de sus propios realizadores, como es el caso de todas las películas de Mariano Ozores desde esta fecha, pero también las de Ramón Fernández, otrora segura baza recaudadora para las grandes productoras del cine español de la década de 1960. En 1997 la compañía dejó de operar pero nos dejó para siempre una cabecera que nos hizo internacionales.
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London Films Productions es una productora cinematográfica y televisiva británica fundada en 1932 por Alexander Korda y que desde 1936 tiene su sede en los estudios cinematográficos Denham en Buckinghamshire, cerca de Londres. Entre las producciones de la compañía se encuentran La vida privada de Enrique VIII (1933), El porvenir (1936), Rembrandt (1936) y Las cuatro plumas (1939). En 1939 Rank se hizo cargo de las instalaciones de Denham y las fusionó con Pinewood para formar D & P Studios. El estallido de la guerra hizo necesario que El ladrón de Bagdad (1940) se completara en California, aunque las pocas películas de Korda hechas en Estados Unidos todavía mostraban al Big Ben como su logotipo corporativo de apertura.
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Mercurio Films, empresa de distribución. Ocasionalmente dedicada también a la producción y creada por José, Pedro y Carlos Couret el 22 de octubre de 1941. La firma se constituye a partir de la aportación de estos tres profesionales, el padre José Couret, quien comienza en el cine a edad avanzada (su primera ocupación es el comercio de telas, y más tarde, también el negocio inmobiliario); y sus hijos, Carlos es el director general de la empresa de exhibición Espectáculos Callao SA, mientras Pedro se ocupa tanto de la distribuidora como, desde 1942, también de la productora, que no obstante, tan sólo realiza con su nombre cuatro largometrajes, y con carácter discontinuo: Éramos tres en la mesa de R. Rey (1942), una producción de Manuel del Castillo para Mercurio; La maja del capote de F. Delgado (1944), Historia de una escalera de I. F. Iquino (1950) y el filme de episodioa El cerco del diablo (1952). Mercurio Films, arrancó ofreciendo en su primer lote de material nada menos que los estrenos de Rebeca, de Hitchcock, y El prisionero de Zenda, versión de John Cromwell con Ronald Colman, el primero de los cuales fue todo un suceso, ya que se decía que era “muy fuerte”. Miles de películas tuvieron como emblema inicial aquel partenón que distinguió a Mercurio Films, distribuidora que nos acercó emblemáticos títulos: Cumbres borrascosas con Laurence Olivier, Revuelta en la India de Sabú y en color que ya era una novedad en aquella época, Por el valle de las sombras con Gary Cooper, y, sobre todo, Siguiendo mi camino con Bing Crosby. Haciendo un repaso a aquellos títulos que hicieron historia con el sello de Mercurio Films. Las películas más comerciales fueron siempre las italianas. Aquella serie que inició Pan, amor y… dio muchísimo dinero. Pero si se tuviera que señalar una, esa es Los girasoles con Sofía Loren y Marcello Mastroianni, que fue un triunfo. Se puede decir que en el campo de la distribución de Mercurio Films hay un antes y un después de esta producción de Carlo Ponti con dirección de Vittorio de Sica”. No obstante, hablar de Mercurio es hacerlo de una empresa que posee también sólidas raíces en otras marcas de producción, como es el caso de Hesperia, posiblemente una emanación de la propia distribuidora; y también de Televisión y Cine SA (Tecisa), que, aunque creada por José Gutiérrez Maesso, mantiene una fuerte relación comercial con la empresa de los Couret, al menos en la primera parte de su actividad comercial. Éstos poseen, en el terreno de la distribución, no sólo un buen número de sucursales en toda España, sino incluso una filial, Cinematográfica Comercial SA (Cicosa), y asimismo, una amplia red de contactos internacionales que comprende en Francia a un socio y representante, el conde Thibault de Rovienne, dueño de la productora Talma, con la que Hesperia coproduce varios títulos; en Italia, al marqués Giancarlo di Capelli, propietario de Verix Films, que como el anterior en Francia, se encarga de la compra de derechos de películas para su distribución en España por parte de Mercurio; y en Portugal el inversionista Joaquín Ribeiro Belga, fundador de la exhibidora Lusomundo. Además los Couret crean, en la década de 1950, una efímera empresa en Italia, Mercufilm, con la cual intentan cubrir las necesidades de coproducción cuando no encuentran eventuales partners transalpinos. Otros miembros de la familia Couret son Juan Alexander Couret, productor, encargado de ventas internacionales de Mercurio y hombre fuerte en la última etapa de Hesperia, así como dueño de Star Line TV Productions, y Juan Couret Penguin, socio de dos productoras y distribuidoras, Dia y As Films en las que es propietario junto al jefe de producción Miguel Tudela. En 1980 desapareció Mercurio Films que había llegado a tener “la exclusiva en España, Colonias y Protectorado de las películas Paramount”.
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Todo esto comenzó con Metro Pictures Corporation, fundada en 1915 por Richard A. Rowland (1880-1947). Louis B. Mayer, trabajó para Metro Pictures, pero en 1918 abandonó y creó su propia compañía, Louis B. Mayer Pictures. Goldwyn Pictures, fue fundado en 1917, con el característico logotipo de Leo el León. En 1924 Marcus Loew compró Louis B. Mayer Pictures y Goldwyn Pictures, fusionándolos con Metro Pictures Corporation, creando así, el estudio veterano Metro-Goldwyn-Mayer. Louis B. Mayer e Irving Thalberg formaron el nuevo equipo directivo. Con la fusión, cada una de las tres pequeñas compañías aportarían sus propias cualidades: Mayer incorporaría a sus estrellas y personal técnico; Goldwyn contribuiría, principalmente, con un extraordinario estudio situado en Culver City, una pequeña cadena de cines y el emblemático símbolo del león rugiendo; finalmente, Metro traería a sus más celebrados directores y estrellas. Paulatinamente, la MGM se fue convirtiendo en uno de los estudios más importantes de Hollywood. Producían películas que giraban en torno a sus estrellas, para promocionarlas, y mantenían una factura fílmica de gran nivel gracias a sus principales técnicos. La creatividad individual se respetó siempre y cuando no entrara en conflicto con la premisa del estudio: las estrellas son lo primero.
La sucursal de Barcelona se constituyó el 12 de julio de 1928.
Director general: Don César Alba Delibes
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Mundial Film fue una empresa catalana de producción y distribución de films activa desde 1925 hasta 1936, fundada por Rodrigo Soler y Palau y conocida por la distribución del filme Captain Blood de David Smith. La empresa continuó inscrita en el Ministerio de Industria hasta 1965 aunque sin actividad comercial. En Febrero de 1994 se organizó por parte del Cine Club Sabadell y Joana Soler, la hija del fundador, una exposición sobre material publicitario de la distribuidora en el cine Alcázar de Barcelona. La inauguración de esta muestra coincidió con el 30 aniversario de la sección de Cine Estudio del Cine Club Sabadell. La exposición, preparada y seleccionada por Ana Fernández Álvarez y con la colaboración de Ramon Cortadellas, Anton Giménez i Riba (Responsable de los Archivos de Audiovisuales de la Generalitat) y el acuarelista Joaquim Deu, constaba de carteles, fotografías, facturas, etc. correspondientes a los films distribuidos por la Mundial Film, así como máquinas de proyección y otros materiales. Junto con la exposición se proyectó el reportaje sobre la llegada del Gobierno de Lluis Companys a Barcelona en 1936 que había sido distribuido por la Mundial Film. También se hizo el estreno mundial del filme Lo más sublime, dirigido en 1927 por Josep Enric Ponsà y ambientado en la Costa Brava. La recuperación de estos dos filmes la realizó la Filmoteca de Catalunya, gracias a las donaciones de Joana Soler (1984) y los hermanos Casals (1993).
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Paramount Pictures Corporation es una empresa estadounidense de producción y distribución de cine y televisión, y la división homónima de Paramount Global (anteriormente ViacomCBS). Es el sexto estudio cinematográfico más antiguo del mundo, el segundo estudio cinematográfico más antiguo de los Estados Unidos (detrás de Universal Pictures) y el único miembro de los estudios cinematográficos "Big Five" ubicados dentro de los límites de la ciudad de Los Ángeles. En los inicios de la historia del cine en Estados Unidos en los años 1910 se fundaron los estudios más importantes, entre los que ocupa la Paramount un lugar de privilegio, junto a Universal Pictures, la Fox Film Corporation, United Artists, Warner Bros., Metro-Goldwyn-Mayer, Columbia Pictures, la RKO y Walt Disney Productions. Es el cuarto estudio más viejo del mundo, precedido solo por los estudios Gaumont Film Company, Pathé y Universal Pictures. Durante los años 1930 esta política de estudios se consolida y eso significa el auge del cine.
La sucursal de Barcelona se constituyó el 24 de enero de 1945.
Director general: Don Richard P. Edelstein
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PELIMEX —también conocida como Cinematográfica PELIMEX S.A.— fue una empresa distribuidora de cine de origen mexicano, activa especialmente durante la Época de Oro del Cine Mexicano. Se creó alrededor de 1945 con el objetivo de distribuir películas mexicanas tanto en el mercado nacional como en el internacional, en un momento en que la industria cinematográfica mexicana vivía un auge artístico y comercial. PELIMEX tuvo una presencia muy importante en Cuba, donde promovió la exhibición de cine mexicano y europeo mediante su participación en circuitos como Cuba–Mex y Díaz y Hermano, a través de los cuales controló parte del mercado de salas cubanas durante varios años. Tras el triunfo de la Revolución en 1959, estos circuitos fueron nacionalizados, lo que redujo su actividad en la isla. Además de su influencia en Latinoamérica, PELIMEX llegó a figurar en registros de distribuidoras españolas bajo el nombre Cinematográfica PELIMEX S.A., lo que indica que también mantuvo distribución o representación en España durante una parte de su trayectoria. En conjunto, PELIMEX fue una distribuidora clave en la expansión del cine mexicano fuera de sus fronteras y forma parte de la historia de las compañías que ayudaron a que ese cine alcanzara públicos internacionales.
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Radio Films. Compañía filial de la RKO estadounidense afincada en Barcelona en 1934 como sede central en el Estado español. La empresa se fundó en EE.UU. en 1928 con las siglas RKO (Radio Keith Orpheum), como resultado de la fusión de la productora RKO Radio con la distribuidora Keith-Albee-Orpheum Corporation. Esta sociedad fue absorbida en 1948 por Howard Hughes (Hughes Tool Co-Lookhead Constellation-TWA), después de nueve años de inactividad se disolvió en 1957, adquiriendo su producción el circuito televisivo de la NBC (David Sarnoff). Antes de que la firma se instalara en Barcelona, sus filmes eran distribuidos por la CINAES-Cinematográfica Verdaguer; en 1932, esta concesión pasó a manos de la Sociedad Ibérica de Construcciones Eléctricas (SICE), empresa de fabricación de aparatos de proyección sonoros que tenía la representación de la RKO y de varias marcas extranjeras relacionadas con el equipamiento de salas. Finalmente, en 1934, dos altos directivos de la RKO –ED Leishman, de Nueva York, y JJ Kennedy, de Londres– abrieron unas oficinas en el paseo de Gràcia de Barcelona. El acto fue presidido por el mexicano Roberto Trillo, director general, Antonio Blanco Felis, gerente del departamento de distribución, Miguel Amírola Abad, administrador gerente, René Beja Durin, subgerente, y los directores de las sucursales de Madrid, Bilbao, Valencia y Sevilla. Durante la guerra civil, R. Trillo murió, y A. Blanco ocupó su puesto. Terminado el conflicto, Emilio Pérez Díaz de Argüelles asumió su dirección general, hasta que en 1944 fue sustituido por R. Beja. En 1957 José García Ramos, conocido exhibidor y gerente de la sucursal de Madrid, accedió a la presidencia. En 1965 Radio Films se trasladó al edificio de la Hispano FoxFilm, ya que R. Beja también asumió la dirección general de la Fox. De esta forma, Radio Films e Hispano FoxFilm pasaron a compartirlo casi todo, también el departamento de publicidad, del que se ocupó el titular de la primera, Carles Baró y Roca. En 1970 Radio Films tuvo que regresar a las antiguas oficinas del paseo de Gràcia, y dos meses después, la compañía desapareció definitivamente.
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J.A. Rank era un industrial molinero de firmes creencias religiosas, que vio las posibilidades de utilizar el arte cinematográfico como una eficaz herramienta para difundir su fe metodista. En 1933 realizó su primera película y al año siguiente fundó junto a dos socios, la British National Films Company. Esta empresa produciría su primer film comercial en 1935, pero tuvo conflictos de distribución con empresas estadounidenses que dominaban el mercado británico, lo que decidió a Rank a crear una empresa más importante. En 1937 logró controlar Pinewood Film Studios (Pinewood Studios), una firma inspirada en los estudios cinematográficos de Hollywood, adquiriendo en 1941 la cadena de cines ODEON y otras empresas, consolidando su posición dentro de la industria cinematográfica británica fundando Rank Organisation (Organización Rank). La Organización Rank se transformó en la más importante empresa distribuidora y exhibidora de Gran Bretaña, que comenzó a utilizar el logo del Hombre del Gong para identificarse. Llegó a poseer 5 estudios y 650 salas de cine. En el año 1945 formó una escuela de actores de la cual egresó el conocido actor de carácter Christopher Lee, entre otros. También contó con afamados directores como David Lean y Ken Annakin para sus realizaciones. Entre las producciones de renombre realizadas en los Estudios Pinewood está la serie de filmes del Agente 007 James Bond, Superman y Aliens. La empresa terminó su producción cinematográfica en 1980, pasando en 1996 a ser parte del holding The Rank Group Plc.
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Regia Films-Arturo González, empresa de producción. Su actividad se desarrolla en los años 1967-1986. Fundada por el gallego Arturo González Rodríguez (1902-1986), en 1967, Regia Films-Arturo González supone la independencia definitiva de su propietario de la gran productora de su hermano Suevia Films-Cesáreo González, en la que Arturo trabajaba como delegado en Vigo desde comienzos de los cuarenta, desde 1945 desempeñando el cargo de subdirector y se convierte en segundo accionista tras la transformación en Sociedad Regular Colectiva en 1947. Las cada vez menos fluidas relaciones con su hermano comienzan a producir fricciones internas desde los años cincuenta, y compagina el trabajo en Suevia con sus primeras producciones bajo la marca Arturo González PC, a principios de los años sesenta. El buen resultado de Los guerrilleros de P. L. Ramírez (1963) realizada todavía bajo la sombra de Suevia con Manolo Escobar y Rocío Jurado, lo lleva a explotar el filón en solitario, con títulos aún para la marca Arturo González PC, como Mi canción es para ti (1964), Un beso en el puerto (1965) y El Padre Manolo (1966), todas dirigidas por Ramón Torrado. El gran éxito de público de los títulos citados convence a Arturo González de que es el momento de la separación definitiva de su hermano, creando en 1967 la productora y distribuidora de ámbito nacional Regia Films- Arturo González. Desde ella se une a las exitosas corrientes de la más vulgar comedia hispana, así como continúa produciendo el auténtico fenónemo popular Manolo Escobar, sin dejar de explotar también las posibilidades del spaghetti western. En los años setenta sigue ligado a Manolo Escvobar en films coproducidos con México, abandonando la producción en los primeros años ochenta tras La gran aventura de los Parchís de A. Quiroga (1983). Regia Films mantiene su actividad distribuidora hasta el fallecimiento de su propietario en 1986.
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Gabriel Soria, periodista, productor, editor, director y escritor de cine. Nació en Morelia, Michoacán, el 18 de marzo de 1908 y murió en la Ciudad de México el 30 de junio de 1971. Estudió el bachillerato y una carrera comercial en Los Ángeles, California, becado por el diario Excélsior, en esta ciudad trabajó en el departamento de redacción de The Angeles Examiner; posteriormente fue periodista del diario angelino La Opinión. También en Hollywood colaboró con los estudios Tiffany Stahl como técnico y asistente de dirección. En 1929 regresó a México en donde gracias a la experiencia cinematográfica adquirida en la llamada Meca del cine mundial comenzó a realizar una serie de documentales informativos sonoros llamados Revista Excélsior. En 1934 realizó su Ópera Prima Chucho el roto a la que siguieron cintas como: Martín Garatuza (1935), ¡Ora Ponciano! (1936), Mala yerba (1940) y La dama de las camelias (1944). La carrera cinematográfica de Gabriel Soria en el cine mexicano representó una década de éxitos, en la cual consiguió filmar un total de diez películas. La obra cinematográfica de Gabriel Soria se caracterizó según el investigador Eduardo de la Vega Alfaro: “porque sus películas se basaron, casi en su totalidad en novelas, obras de teatro y leyendas populares. Partiendo pues de fuentes literarias, las obras cinematográficas de Soria se integraría a un cine que puede definirse como de aspiraciones cultas, aunque sus resultados se orientaron también a lo estrictamente comercial”. A partir de 1944 Gabriel Soria radicó en España en donde formó la empresa Rey Soria Films distribuidora de películas mexicanas; además produjo y vendió discos y aparatos fonográficos. Debido al éxito que consiguió dicha empresa en España, Gabriel Soria permaneció en ese país hasta el año de 1970 en que regresó a México con la finalidad de retornar a la industria cinematográfica nacional. Lamentablemente murió un año después sin haber vuelto a filmar en México.
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ROSA FILMS fue una empresa española de distribución cinematográfica constituida el 12 de septiembre de 1947, bajo la presidencia de Don Luis García Castelli. Nació en un momento de reconstrucción y reorganización del sector cinematográfico tras la posguerra, cuando aparecieron varias compañías dedicadas a importar y distribuir películas extranjeras, así como a mover cine nacional por las salas del país. Aunque la documentación conservada sobre ROSA FILMS es limitada, formó parte del tejido de distribuidoras medianas que, durante las décadas de 1940 y 1950, contribuyeron a diversificar la oferta cinematográfica en España. Su creación refleja la expansión del mercado de exhibición en aquellos años y el interés de nuevas empresas por participar en la comercialización de cine tanto europeo como americano.
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Eugenio Sánchez-Ramade Villegas, nacido en Sevilla en el año 1928 y fallecido en Córdoba el 6 de junio de 2005. Distribuidor, exhibidor y productor. Hijo de Eugenio Sánchez-Ramade Urenda, creador de un grupo cinematográfico al frente del cual se halla la distribuidora Exclusivas Sánchez-Ramade, creada en la década de 1940 aunque especialmente activa entre 1960-1970. Estudia y obtiene la licenciatura en Derecho y está presente en el mundo de los negocios desde 1952. Es el encargado de profundizar y diversificar los importantes intereses familiares que abarcan la distribución de gas y de electrodomésticos, el sector inmobiliario, la automoción, pero también el cine. En este terreno, el grupo se concentra en la distribución, pero sin olvidar la exhibición, a la que se dedica desde comienzos de la década de 1930. Desde el punto de vista de la producción, crea en 1966 la empresa Sara Films, de estructura familiar, de cuyo consejo de administración forman parte su padre y su hermano Luis y que es responsable de los títulos, La venganza de la momia de C. Aured (1973) y El ladrido de P. Lazaga (1977). Participa, junto a los hermanos Gregorio y Eduardo Manzanos Brochero y Felipe Tusell Gómez, en la fundación de la productora Isla Films, inscrita en el Registro Mercantil de Madrid el 11 de diciembre de 1972, con la cual producen los títulos, dos de las películas dirigidas por Eduardo Manzanos, Canciones de nuestra vida (1975) y España debe saber (1977); así como un film de José Luis Sáenz de Heredia, Solo ante el straking (1975); y otro de P. Lazaga, Terapia al desnudo (1976). A comienzos del siglo XXI, controla diez complejos multisalas con 81 pantallas, situados en Andalucía a través de la empresa Cinesur, y en Asturias con la empresa Cinenor. En septiembre de 2012, el grupo tiene una deuda de 128 millones. En marzo de 2014, estaba en liquidación. En su proceso de extinción, Cinesur se vendió al grupo galo MK2 por 10,5 millones.
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Selecciones Capitolio - Selecciones Huguet. Empresa de producción y distribución. Fundada en Barcelona el 1 de junio de 1921, su primer nombre es Saturnino Huguet SA - Selecciones Capitolio, en honor a su fundador y primer propietario. Durante el período republicano la empresa produce los largometrajes Sor Angélica de F. Gargallo Catalán (1934), El secreto de Ana María de S. de Alberich (1935) y La viuda quería emociones de R. Harlan (1935). Ya durante esta época la mayoría de las acciones de la empresa son adquiridas por el acaudalado industrial del aceite Daniel Mangrané i Escardó. Su hijo, el productor y realizador Daniel Mangrané i Mangrané, compagina el ejercicio de los estudios de química, que cursa en Berlín y manifiesta a través de diversos tratados científicos, con inquietudes artísticas que pone en práctica como guionista del drama El deber de S. Alberich (1936) y Los nuevos ideales (1936), film prohibido por su padre igualmente dirigido por Alberich que traduce el desencanto de sus ideales políticos como diputado de Esquerra Republicana frente a las consecuencias derivadas de la constitución del Frente Popular. La actividad de la empresa durante el periodo republicano se completa con La millona, adaptación de una comedia de Enrique Suárez de Deza dirigida por Antonio Momplet, cuyo estreno en Madrid se retrasa hasta 1939, entonces legalizada como una producción de Selecciones Capitolio distribuida por ellos mismos con la marca S. Huguet, que todavía produce la comedia El sobre lacrado, dirigida por Francisco Gargallo Catalán, protagonizada por su propia hija y legalizada en 1941 pero rodada dos años antes, todavía en vida de Huguet, que falleció en 1939, Daniel Mangrané hijo toma definitivamente las riendas de los negocios familiares, centrándose especialmente en una fábrica de productos químicos y en la empresa cinematográfica. A partir de 1949, ésta pasa a denominarse Selecciones Huguet SA y en su consejo de administración constan los Mangrané, padre e hijo, como presidente y vicepresidente mientras Juan Tomás Muniesa Muñoz y Juan Huguet Riba, hijo del anterior propietario, ocupan el cargo de directores-gerentes. La política proteccionista que en aquella época pone en marcha el franquismo incentiva la producción de películas españolas a cambio de la concesión de licencias de importación de películas extranjeras y, con este fin, la nueva empresa nutre sus arcas como distribuidora. Mangrané, asiduo espectador de las óperas representadas en el Liceo barcelonés, en 1951 realiza una singular adaptación cinematográfica de Parsifal, según la ópera de Richard Wagner, que codirige con Carlos Serrano de Osma, responsable de los aspectos técnicos de la película. Dos años después repite la operación, esta vez ya en solitario con El duende de Jerez (1953), una delirante fantasía musical inspirada en un cuadro de Velázquez. Abandonada esta faceta como director, Mangrané todavía produce Parque de Madrid de E. Cahen Salaberry (1958) y durante largos años preside la distribuidora Selecciones Huguet desde la cual, a través de algunos colaboradores como el gerente Tomás Muniesa o el jefe de producción Jesús López Patiño, interviene en la financiación de numerosas producciones barcelonesas realizadas durante la década de 1960. Tàrdiamente, la marca Selecciones Capitolio todavía reaparece como coproductora de la comedia Virilidad a la española de F. Lara Polop (1976), mientras que en 1976, María Casanovas Sánchez inscribe la marca S. Huguet Producción Cinematográfica en el Registro de la Propiedad Industrial y con ella produce la comedia Una familia decente de L. J. Comerón (1977) e interviene en la coproducción de Dulce piel de mujer de G. Angelucci (1981). Como distribuidora siguió activa unos años más pero, en 1985, la muerte de Daniel Mangrané, hijo, hombre fuerte de la empresa en herencia de su padre, precipitó el declive. Cerró definitivamente en 1991.
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La UFA original se estableció como Universum-Film Aktiengesellschaft (UFA) el 18 de diciembre de 1917, como respuesta directa a la competencia extranjera en el cine y la propaganda. UFA fue fundada por un consorcio encabezado por Emil Georg von Stauß, ex miembro de la junta de Deutsche Bank. En marzo de 1927, Alfred Hugenberg, un influyente empresario de los medios de comunicación alemán y más tarde ministro de Economía, Agricultura y Nutrición en el gabinete de Hitler, compró la UFA y la transfirió al Partido Nazi en 1933. UFA en la Península Ibérica. Distribuir películas alemanas en países de habla española y portuguesa fue un reto para la Ufa. En los países de habla española, era mucho más fácil comercializar producciones de México o España que las películas en lengua extranjera, las cuales tenían que ser subtituladas, dobladas o producidas a un costo elevado en una versión multilingüe. La fundación en 1936 de la productora germano-española Hispano Filmproduktion fue una de las decisiones estratégicas para no solamente entrar al mercado español y estabilizar el axis entre Franco y el Tercer Reich, sino también usar a la productora como un trampolín para facilitar la distribución de producciones alemanas en América Latina. El acuerdo de mayor trascendencia para España es el que a finales de 1942 posibilita la creación de NO-DO (Noticiarios y Documentales Cinematográficos) a partir de la infraestructura y el personal de UFA en la Península Ibérica. En estos acuerdos bilaterales también se establece un intercambio de información sobre la política cinematográfica estatal, de tal modo que el instituto LUCE, la Reichfilmskammer (Departamento de Cinematografía del Reich), así como los ministerios con las competencias de propaganda se conviertan para los artífices del Estado franquista en referencias fundamentales a la hora de crear sus organigramas de gobierno y la legislación dirigida a la protección, el control ideológico y la censura. En general, la gratitud española por el apoyo recibido y el progresivo incremento del comercio cinematográfico con Alemania se materializaron también en diversas cuestiones de índole política tendentes hacia un alineamiento del cine español en la órbita de la hegemonía alemana. Ya en 1937 un informe recomienda dar prioridad a las importaciones cinematográficas de los países amigos -Alemania e Italia- en detrimento de las norteamericanas, mientras que los diversos códigos de censura aconsejan trato de favor a las “naciones amigas” de España. Ese mismo año, el jefe de la Delegación del Estado para Prensa y Propaganda, José Moreno Torres, ofreció a la Ufa la posibilidad de distribuir las películas españolas de propaganda y los documentales. Ésta lo rechazó por las sospechas que podrían despertar al ofertar películas españolas. Finalmente los noticiarios serían distribuidos por la filial de la Tobis. En 1938 el gobierno de Franco acordó la importación de 70 películas alemanas y ello no sería más que el principio de una creciente relación comercial entre ambos países. Universum Film AG, más conocido como Ufa o UFA, fue el estudio cinematográfico más importante de Alemania durante el periodo de esplendor de la República de Weimar y durante la Segunda Guerra Mundial. Este conglomerado de industrias alemanas del sector del cine fue una de las más poderosas durante el periodo 1917-1945. Las autoridades alemanas habían creado ya en 1916 una compañía, la DEULING (Deutsche Lichtspiel-Gessellschaft), para hacer filmes documentales. A ella la siguió, al empezar 1917, la BUFA (Bild und Filmamt), creada para mostrar filmes en salas de proyección en los frentes de batalla, pero se disolvió en 1918. Tras la entrada de los EE. UU. en la guerra, se expandieron las películas estadounidenses por todo el mundo, que daban mala imagen de Alemania dadas las circunstancias. Pues bien, para contrarrestarlo, fue creada la compañía UFA (Universum Film AG) el 18 de diciembre de 1917 en Berlín, por el Alto Mando Alemán, como una compañía de producción cinematográfica estatal. Quería ofrecer servicios públicos de información y de propaganda durante la primera guerra mundial para educar nacionalmente, de acuerdo con claras directrices del momento. Querían aumentar la producción, y testimoniaban el carácter autoritario de la Alemania imperial. Fue creada además como una consolidación de las mayores empresas alemanas del sector cinematográfico, que incluían Nordisk y Decla. Decla fue anteriormente propiedad de Erich Pommer y sirvió como productora en 1919 del filme El gabinete del doctor Caligari, que fue uno de los ejemplos del mejor expresionismo alemán: un gran éxito comercial y a la vez un filme muy influyente. En 1921, UFA fue privatizada y comenzó una carrera de liderazgo en la industria con la producción de más de 600 películas al año y una cifra enorme de espectadores diarios: cerca de un millón. En este periodo del cine mudo las películas eran muy adaptables para los mercados extranjeros, así que UFA con su reputación internacional de empresa europea empezó a ser un competidor serio de Hollywood. El estudio conoció una importante expansión financiera a finales de los años 20, pero sufrió un duro golpe contable con el fracaso de taquilla de la película Metrópolis, de Fritz Lang, en la cual había invertido aproximadamente 5 millones de reichsmarks (moneda oficial utilizada en Alemania desde 1924 hasta el 20 de junio de 1948). Luego del fin de la Segunda Guerra Mundial y el reparto de los territorios alemanes, los estudios quedaron en zona soviética, donde fue fundada la nueva DEFA (Deutschen Filmaktiengesellschaft). Una gran película de ese periodo lo fue El asesino está entre nosotros (1946) La compañía fundada con el mismo nombre en 1956 en la Alemania occidental no logró sobrevivir. Hoy en día la empresa UFA Film & TV Produktion GmbH se ha concentrado en la producción de programas de televisión. Después a través de la filial 'FremantleMedia', se reconstituiyó como sociedad en 2013. Los derechos de la producción de las películas antiguas ("alten UFA") han recaído en la actualidad sobre los herederos de Friedrich Wilhelm Murnau, que son los encargados de la conservación, almacenamiento y restauración del material antiguo, en la Murnau Stiftung con sede en Wiesbaden. Su labor recuperadora ha sido y es muy importante para la historia del cine.
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UA fue fundada el 5 de febrero de 1919 por Pickford, Chaplin, Fairbanks y Griffith. Cada uno de ellos tenía una participación del 20%, y el 20% restante lo tenía el abogado William Gibbs McAdoo.3 La idea de la empresa se originó con Fairbanks, Chaplin, Pickford y la estrella de cowboy, William S. Hart, un año antes. Ya veteranos de Hollywood, las cuatro estrellas hablaron de formar su propia empresa para controlar mejor su propio trabajo. Ellos fueron estimulados por productores y distribuidores de Hollywood establecidos que estaban estrechando su control sobre los salarios de los actores y las decisiones creativas, un proceso que evolucionó hacia el sistema de estudio. Con la adición de Griffith, la planificación comenzó, pero Hart se retiró antes de que cualquier cosa fuera formalizada. Cuando se enteró de su plan, se dice que Richard A. Rowland, director de Metro Pictures, observó: "Los internos están asumiendo el asilo". Los cuatro socios, con el asesoramiento de McAdoo (yerno y exsecretario del Tesoro del entonces presidente Woodrow Wilson), formaron su compañía de distribución, con Hiram Abrams como su primer director administrativo. Su sede se estableció en 729 Seventh Avenue en la ciudad de Nueva York.
Al Servicio Secreto De Su Majestad, Diamantes para la eternidad, Vivir Y Dejar Morir, El Hombre de la pistola de oro, La Espía que me amó y Moonraker llevaban un logo diferente, aún sin música. Se trataba de unas alas azules que formaban la letra T de Transamerica, mientras al costado se leían las palabras “United Artists. Entertainment from Transamerica Coorporation”.
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Universal Studios fue fundada el 30 de abril de 1912, en Nueva York. Laemmle, quien era presidente de la empresa en julio de 1912, fue la primera figura en la asociación junto con Dintenfass, Baumann, Kessel, Poers, Swanson, Horsley y Brulatour. Con el tiempo todo terminó siendo adquirido todo por Laemmle. El nuevo Universal Studio fue una Integración Vertical, con producción de películas, distribución y lugares de exposición todos relacionados en la misma entidad corporativa, el elemento central de la era del Sistema de estudios. Siguiendo la tendencia de la industria del oeste, para finales de 1912 el estudio comenzó a realizar sus producciones en el área de Hollywood. El 14 de marzo de 1915, Laemmle inauguró el mayor complejo de producción cinematográfica de la historia, Universal City Studios, en lo que eran 0.9 km² de una granja justo arriba de Cahuenga Pass en Hollywood. La administración del Estudio se convirtió en la tercera faceta de las operaciones de Universal, con el estudio quedando constituido como una organización subsidiaría distinta. A diferencia de otros magnates del cine, Laemmle abrió sus estudios a los turistas. Universal se convirtió en el mayor estudio de Hollywood, y siguió siéndolo durante una década. Sin embargo, buscó a su audiencia principalmente en ciudades pequeñas, produciendo filmes baratos en su mayoría, principalmente melodramas, wésterns y cine serial.
La sucursal de Barcelona se constituyó el 22 de diciembre de 1922.
Director gerente: Don Enrique Aguilar Campderrós
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En 1915 William Fox funda Fox Film Corporation. William Fox, fue un pionero en la creación de cadenas de salas de cine, comenzó a producir películas en 1914, y en 1917 logró el éxito al ofrecer la sensación del cine mudo, Theda Bara. Fue más un empresario que un hombre de espectáculo, Fox se concentró en adquirir y construir salas; las películas le eran secundarias. Cuando el sonido llegó al cine, Fox adquirió los derechos de un proceso alemán para el sonido-en-película que llamó "Movietone", en 1926 empezó a ofrecer proyecciones con grabaciones de música y de efectos. El año siguiente dio comienzo a "Noticias Fox Movietone", una presentación semanal de noticias que se presentó hasta 1963. La creciente compañía necesitaba espacio, y en 1926 Fox adquirió trescientos acres en un terreno baldío al oeste de Beverly Hills donde construyó "Movietone City", el mejor estudio equipado de su época. El 14 de diciembre de 2017, The Walt Disney Company anunció planes para comprar 21st Century Fox, lo que incluye también a 20th Century Fox, por 52 400 millones de dólares. El 23 de mayo de 2018, USA Today informó que Comcast planeaba superar a Disney con una oferta en efectivo de aproximadamente 60 000 millones de dólares, que se aumentó a 65 000 millones de dólares en efectivo el 13 de junio ofreciendo a los accionistas de Fox 35 dólares por acción y "el 100 % de las acciones que la compañía dejó después del trato" (relacionado con New Fox). Comcast esperaba que Disney aumentase su oferta e incluyera efectivo como parte del trato. A la semana siguiente, Disney aumentó su oferta a 71 300 millones de dólares y el 19 de julio de 2018, Comcast anunció oficialmente que había retirado su oferta en los activos de Fox para concentrarse en la adquisición del operador europeo de TV de pago Sky. La adquisición de la división de espectáculos 21st Century Fox por Disney dio un paso más hacia su conclusión el día 27 de julio de 2018, cuando los accionistas de ambas compañías aprobaron el acuerdo después de una reunión en un hotel de Nueva York. El voto de los accionistas pone fin a una guerra de ofertas con Comcast que comenzó en mayo de 2018. El trato con Fox ayudará a Disney a competir con el sector tecnológico en el que destacan plataformas como Amazon y Netflix. Después de un proceso de adquisición que tardó 15 meses, el 20 de marzo de 2019 se cerró la compra por 71 300 millones de dólares tras la aprobación de los países restantes. Pero después de la compra de 20th Century Fox Breakthrough se convirtió la primera película de 20th Century Fox en ser distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures. El 17 de enero de 2020, Disney mediante un anuncio por revista cambia el nombre del estudio a "20th Century Studios", debido a que la marca "Fox" quedó en manos de Fox Corporation (conformada por los activos de 21st Century Fox que no fueron adquiridos por Disney).
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10/06/2024 - Capmany (Alt Empordà)
Durante la visita, Roca y Plujà han podido ver de primera mano la dedicación y la pasión
de Benejam por conservar y compartir la historia del cine.
Durant la visita, Roca i Plujà han pogut veure de primera mà la dedicació i la passió
de Benejam per conservar i compartir la història del cinema.
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Hoy, Lluís Benejam Buhigas, impresor y coleccionista de material cinematográfico, ha recibido la visita de Pere Roca, productor ejecutivo del Focus Audiovisual, y Guillem Plujà, fotoperiodista del diario oficial de comarcas gerundenses. Este encuentro ha permitido a los visitantes explorar el extenso archivo de cine que Benejam ha ido recopilando con dedicación desde el año 1982. El archivo de Benejam cuenta con información impresa de más de 30.000 películas, así como libros, discos y otros materiales relacionados con el mundo del cine. Durante la visita, Benejam ha explicado que empezó su colección con programas de mano y que, con el tiempo, ha acumulado una gran variedad de carteles de cines de toda España. Uno de sus tesoros más preciados es el material de la película 'Ben-Hur', un clásico del cine épico y dramático de 1959 ambientado mayoritariamente en la provincia romana de Judea. Lluís Benejam Buhigas (Figueres, 1954) conserva esta vasta colección en su casa de Capmany. Desde pequeño empezó a coleccionar programas y carteles de cine, pero fue a partir de 1995, coincidiendo con la celebración del centenario del cine, cuando decidió formalizar el Archivo-Colección que lleva su nombre. Hoy en día, este archivo es un referente para cinéfilos y estudiosos, destacando por su carácter altruista, puesto que Benejam facilita el acceso a su material sin ánimo de lucro. Su web, www.archivocine.com, contiene unas 70.000 imágenes y recibe en la actualidad unas 5.200 visitas al mes. Sin embargo, gran parte de su archivo no está documentado online, y Benejam trabaja periódicamente para divulgarlo mejor. Durante la visita, Roca y Plujà han podido ver de primera mano la dedicación y la pasión de Benejam por conservar y compartir la historia del cine. La visita ha sido una oportunidad única para apreciar la riqueza del patrimonio cinematográfico que Benejam ha acumulado a lo largo de los años y que sigue ampliando y divulgando con gran entusiasmo. Autor: Guillem Plujà / GN |
Avui, Lluís Benejam Buhigas, impressor i col·leccionista de material cinematogràfic, ha rebut la visita de Pere Roca, productor executiu del Focus Audiovisual, i Guillem Plujà, fotoperiodista del diari oficial de comarques gironines. Aquesta trobada ha permès als visitants explorar l'extens arxiu de cinema que Benejam ha anat recopilant amb dedicació des de l'any 1982. L'arxiu de Benejam compta amb informació impresa de més de 30.000 pel·lícules, així com llibres, discos i altres materials relacionats amb el món del cinema. Durant la visita, Benejam ha explicat que va començar la seva col·lecció amb programes de mà i que, amb el temps, ha acumulat una gran varietat de cartells de cinemes de tot Espanya. Un dels seus tresors més preuats és el material de la pel·lícula 'Ben-Hur', un clàssic del cinema èpic i dramàtic de 1959 ambientat majoritàriament a la província romana de Judea. Lluís Benejam Buhigas (Figueres, 1954) conserva aquesta vasta col·lecció a la seva casa de Capmany. Des de petit, va començar a col·leccionar programes i cartells de cine, però va ser a partir del 1995, coincidint amb la celebració del centenari del cinema, quan va decidir formalitzar l'Arxiu-Col·lecció que porta el seu nom. Avui en dia, aquest arxiu és un referent per a cinèfils i estudiosos, destacant pel seu caràcter altruista, ja que Benejam facilita l'accés al seu material sense ànim de lucre. El seu web, www.archivocine.com, conté unes 70.000 imatges i rep actualment unes 5.200 visites al mes. Tot i això, gran part del seu arxiu no està documentat en línia, i Benejam treballa periòdicament per divulgar-lo millor. Durant la visita, Roca i Plujà han pogut veure de primera mà la dedicació i la passió de Benejam per conservar i compartir la història del cinema. La visita ha estat una oportunitat única per apreciar la riquesa del patrimoni cinematogràfic que Benejam ha acumulat al llarg dels anys i que continua ampliant i divulgant amb gran entusiasme. Autor: Guillem Plujà / GN |
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Todos conocemos a coleccionistas de diferentes temas. Grandes coleccionistas hay menos. Y, entre ellos, Lluís Benejam un “rara avis”. Lo que los hacen únicos, en su colección dedicada al cine, es el registro de todo ello. Pídale lo que quiera de su colección y archivos. En 30 segundos le dirá lo que tiene y se lo mostrará. Lluís Benejam considera que le ha llegado la hora de pasar el testimonio en lo que considera una carrera de relevos: una institución que quiera cuidar y seguir ampliando sus archivos donde él lo deje. Lo hemos visitado en Capmany. Y de ahora en adelante colaborará con el Diari de Figueres para recuperar documentos e imágenes de Figueres y el cine. Éste es el vídeo de nuestra visita el dia 7 de marzo 2024. |
Tots coneixem col·leccionistes de coses. De grans col·leccionistes n’hi ha menys. I, entre ells, en Lluís Benejam és un “rara avis”. El que els fan únics, a la seva col·lecció dedicada al cinema i a ell mateix, és l’índexació que ha fet de tot plegat. Demaneu-li el que volgueu de la seva col·lecció i arxius. En 30 segons us dirà el que té i us ho mostrarà. En Lluís Benejam considera que li ha arribat l’hora de passar el testimoni en el que considera una cursa de relleus: una institució que vulgui tenir cura i seguir ampliant els seus arxius allà a on ell ho deixi. L’hem visitat a Capmany. I a partir d’ara col·laborarà amb el Diari per recuperar documents i imatges de Figueres i el cinema. Aquest és el vídeo de la nostra visita el dia 7 de març 2024. |
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La Cinemateca de Toulouse acaba de recibir una importante donación de 4.000 carteles en castellano y catalán y 3.000 guías de cine de la colección de Lluís Benejam.
Lluís Benejam es un ejemplo de coleccionista de objetos cinematográficos, dedicado desde hace muchos años a una búsqueda ejemplar: preservarlo todo, conservarlo todo.
La historia de Benejam como coleccionista comenzó a finales de los años 60, cuando empezó a conservar sistemáticamente programas de mano, esos folletos de diferentes formatos que antaño se encontraban en el vestíbulo de los cines. Tuvo acceso a él a través de la imprenta en la que trabajaba, Trayter en Figueres, que editaba estos programas para varias salas de cine locales. Esta colección continuó con fotografías y carteles promocionales, recogidos de las salas de cine, sin clasificación selectiva.
En 1995, centenario del nacimiento del cine, Benejam recibió el encargo de la Academia de Bellas Artes de Sabadell de organizar una exposición sobre películas ganadoras de un Oscar. Este encargo le obligó a ampliar su colección y encontrar todos los carteles de los que no tenía ejemplar. Para ello, recurre a los distribuidores cinematográficos que, en su mayoría, mantienen en sus stocks un gran número de carteles. Una vez más, Benejam se encuentra ante una gran cantidad de documentos destinados a desaparecer. El deseo de salvarlos empuja a Benejam a coleccionarlos y su colección crece.
El ojo de Lluís Benejam observa sin discriminar. Para él, el placer es dar una segunda vida a los objetos, a menudo recogidos en el último momento, justo antes de ser desechados. Se convierte así en un coleccionista que colecciona, almacena, archiva y no duda en ofrecer sus documentos a otros para que los objetos que colecciona formen parte de nuevas colecciones. Da nueva vida a estos objetos, los activa y les da un nuevo significado.
Para él, coleccionar es al mismo tiempo un placer y una responsabilidad.
La colección de Lluís Benejam incluye hoy más de 30.000 carteles, 26.000 guías publicitarias y 15.000 programas de mano. También incluye tarjetas del lobbycads y otros documentos como carteles murales, algunos de los cuales fueron creados por el artista José Borja.
Encuentra parte de la colección y numerosos artículos en la web gestionada por Lluís Benejam: www.archivocine.com
Agradecemos calurosamente a Lluís Benejam la rica relación de donaciones e intercambios que ha mantenido con la Cinémathèque de Toulouse durante los últimos años.
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El creador de memoria cinematográfica
Por Jordi Carreras – 9 Noviembre 2023
Lluís Benejam tiene una colección que comprende material de más de 30.000 películas
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“Coleccionar no es comprar o vender: ¡es crear memoria!” La frase es de Lluís Benejam (Figueres, 1954), un coleccionista de cine poseedor de un fabuloso archivo y colección que comprende información impresa de más de 30.000 películas, entre otros muchos objetos. A los 14 años Benejam empezó a trabajar en una empresa de artes gráficas en la que se imprimía el dorso de los programas de mano de los cines de Figueres. Era a finales de los años 60 y los programas de mano eran una forma de atraer a espectadores a los cines hasta que a principios de los 80 fueron sustituidos por otros sistemas de publicidad.
El coleccionismo de Benejam quedó aparcado varios años, hasta que a mediados de los 90 el médico le recomendó que se buscara alguna afición por desconectar del estrés del trabajo -con su esposa habían montado una empresa de preimpresión donde recibían trabajo de imprentas y editoriales e iban hasta arriba de trabajo-. Empezó entonces a ordenar el material que había recopilado a lo largo de más de una década, unos 18.000 programas de mano, además de miles guías publicitarias. “Era una válvula de escape del trabajo. Siempre trabajábamos bajo presión, todo era urgente y, cuando llegaba a casa, subía al estudio, ponía música y me relajaba”, explica Benejam
Todo comienza con una exposición
En 1995, con motivo del centenario del cine, le pidieron que montara una exposición en Sabadell con su material. Benejam pensó que haría falta más y pidió al propietario del cine Las Vegas si no tendría carteles de películas antiguos. “Me hizo subir a la buhardilla y era una sala llena de pósters, carteleras y mucho otro material gráfico. Le pregunté si le importaba que tomara para hacer la exposición, que iba sobre las películas premiadas en los Oscar, y me dijo que ningún problema”.
En ese momento, el gusanillo del coleccionismo le volvió a venir. “Le pregunté si podía acudir regularmente a coger material y me dijo que adelante”, dice Benejam, que posteriormente hizo la misma petición al resto de empresarios de cines de las comarcas gerundenses. Así ha ido construyendo una colección con decenas de miles de objetos que tiene meticulosamente ordenados y clasificados en su casa de Capmany. Inicialmente se focalizó en conseguir todo el material posible de todas las películas premiadas con la estatuilla de los Oscar en todas las categorías desde 1927, cuando se otorgaron por primera vez en el hotel Hollywood Roosevelt de Los Ángeles. Además de los programas de mano, guías publicitarias y carteles, atesora miles de objetos más como fotografías, sinopsis, fotocromos, diapositivas, fotolitos pintados a mano, trailers de películas en 35 mm, cedés, deuvedés, discos de vinilo, libros , etc. También es aficionado a coleccionar muñecos y despertadores de Mickey Mouse y tiene miles.
Donaciones a filmotecas
La gran mayoría de estos objetos los ha logrado mediante las donaciones de los cines, pero también con intercambios con coleccionistas de todo el Estado y del mundo y en mercados de antigüedades. Su colección es tan grande, que ha realizado varias donaciones tanto a la Filmoteca de Cataluña como a las filmotecas española, francesa y al Instituto Cinemateca Jean Vigo de Perpiñán de piezas que tenía duplicadas. Hoy mismo ha ido a Toulouse a realizar una donación a la Filmoteca francesa de tres mil carteles y un millar de guías publicitarias. Y el próximo martes la Filmoteca de Catalunya le hará un acto de agradecimiento por el muchísimo material que les ha dado, especialmente siete mil carteles y más de 250 trailers en 35 mm. También ha cedido material para exposiciones en varios lugares, como Hungría -donde le pidieron nueve carteles- y el museo de arte Reina Sofía de Madrid. Además, después de la primera exposición del centenario del cine, ha hecho algunas más, tanto solo como colectivas.
Benejam explica que en principio quiso centrarse en las películas galardonadas en los Oscar, pero también ha acabado reuniendo material de miles de películas más de las que recibieron ninguna. Asimismo, hizo una lista de todas las películas que se han estrenado en España desde 1900 hasta 2021. La recopilación contiene el título en castellano, el título original de la película y el director. También tiene una de todas las películas premiadas con un Óscar. "De esta manera, cuando alguien me pregunta si tengo material de tal película, miro las listas y en un minuto sé lo que tengo", explica.
Una página web donde hay mucho material de la colección
En 2013 también creó una página web, Archivocine.com, donde tiene colgado muchísimo del material que tiene, lo que permite realizar una visita virtual a su colección. Tiene 35.000 fotocromos, carteles, programas de mano desde 1913 y muchísima información de premios y festivales cinematográficos de todo el mundo, de directores, actores, actrices, etc. Los aficionados al séptimo arte pueden estar navegando horas y horas.
Curiosamente, ahora que está jubilado no le dedica tanto tiempo como cuando estaba en activo y cada vez también le entra menos material. “La información del cine ha variado mucho.
Antes estaban los carteles, los programas de mano y las fotografías. Luego vinieron los cedés, los lápices de memoria y ahora ya llega todo directamente por internet. El papel, en pocos años, acabará. Pero los cines pequeños aún necesitan tener los carteles de las películas”, explica. Benejam, en contra de lo que pueda parecer, no es en absoluto mitómano de ningún director, actor o actriz. Eso sí, cada vez que puede vuelve a mirar La conquista del oeste, Matar un ruiseñor y Spotlight, algunas de sus películas preferidas. Tampoco se ha interesado nunca por registrar su colección en el Libro Guinness de los Récords. Actualmente, con su esposa suelen acudir al cine una vez por semana, aproximadamente.
Más adelante, ¿qué se hará con todo este material? “La Filmoteca de Catalunya le vendría a buscar mañana mismo, pero no estoy dispuesto a ello. Si tú das algo a coste cero, no se le da la importancia que tiene. No es que quiera vender para hacerme rico, pero sí que haya una compensación, que tampoco sería demasiada. Aquí hay mucho material y una gran parte es muy complicado de encontrar, y en las subastas ves como por carteles de cine se pagan cientos e incluso miles de euros” dice. El próximo año tiene previsto hablar con la Filmoteca Española.
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El creador de memòria cinematogràfica
Per Jordi Carreras – 9 Novembre 2023
Lluís Benejam té una col·lecció a casa seva, a Capmany, de més de 30.000 pel·lícules
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“Col·leccionar no és comprar o vendre: és crear memòria!” La frase és de Lluís Benejam (Figueres, 1954), un col·leccionista de cinema posseïdor d’un fabulós arxiu i col·lecció que comprèn informació impresa de més de 30.000 pel·lícules, entre molts objectes més. A 14 anys Benejam va començar a treballar en una empresa d’arts gràfiques on s’imprimia el dors dels programes de mà dels cinemes de Figueres. Era a finals dels anys 60 i els programes de mà eren una forma d’atraure espectadors als cinemes fins que a principis dels 80 van ser substituïts per altres sistemes de publicitat.
El col·leccionisme de Benejam va quedar aparcat uns quants anys, fins que a mitjans dels anys 90 el metge li va recomanar que es busqués alguna afició per desconnectar de l’estrès de la feina –amb la seva dona havien muntat una empresa de preimpressió on rebien feina d’impremtes i editorials i anaven a trenta-nou de coll–. Aleshores va començar a ordenar el material que havia recopilat al llarg de més d’una dècada, 18.000 programes de mà, a més de guies publicitàries. “Era una vàlvula d’escapament de la feina. Sempre treballàvem amb pressió, tot era urgent i, quan arribava a casa, pujava a l’estudi, posava música i em relaxava”, explica Benejam.
Tot comença amb una exposició
El 1995, amb motiu del centenari del cinema, li van demanar que muntés una exposició a Sabadell amb el material que tenia. Benejam va pensar que calia afegir-n’hi més i va demanar al propietari del cinema Las Vegas si no tindria pas cartells de pel·lícules antics. “Em va fer pujar a les golfes i era una sala plena de pòsters, cartelleres i molt altre material gràfic. Li vaig demanar si li feia res que n’agafés per fer l’exposició, que anava sobre les pel·lícules premiades als Oscars, i em va dir que cap problema”.
En aquell moment, el cuquet del col·leccionisme va tornar-li a venir. “Li vaig demanar si podia anar-hi regularment a agafar material i em va dir que endavant”, diu Benejam, que posteriorment va fer la mateixa petició a la resta d’empresaris de cinemes de les comarques gironines. Així ha anat bastint una col·lecció amb desenes de milers d’objectes que té meticulosament ordenats i classificats a la seva casa de Capmany. Inicialment es va focalitzar en aconseguir tot el material possible de totes les pel·lícules premiades amb l’estatueta dels Oscars en totes les categories des del 1927, quan es van atorgar per primera vegada a l’hotel Hollywood Roosevelt de Los Angeles. A més dels programes de mà, guies publicitàries i cartells, atresora milers d’objectes més com fotografies, sinopsis, fotocroms, diapositives, fotolits pintats a mà, tràilers de pel·lícules en 35 mm, cedés, devedés, discos de vinil, llibres, etc. També és aficionat a col·leccionar ninots i despertadors de Mickey Mouse i en té milers.
Donacions a filmoteques
La gran majoria d’aquests objectes els ha aconseguit mitjançant les donacions dels cinemes, però també amb intercanvis amb col·leccionistes de tot l’Estat i del món i en mercats de brocanters. La seva col·lecció és tan gran, que ha fet diverses donacions tant a la Filmoteca de Catalunya com a les filmoteques espanyola, francesa i a l’Institut Cinemateca Jean Vigo de Perpinyà de peces que tenia duplicades. Avui mateix ha anat a Tolosa de Llenguadoc a fer una donació a la Filmoteca francesa de tres mil cartells i un miler de guies publicitàries. I dimarts de la setmana vinent la Filmoteca de Catalunya li farà un acte d’agraïment pel moltíssim material que els ha donat, especialment set mil cartells i més de 250 tràilers en 35 mm. També ha cedit material per a exposicions a diversos llocs, com Hongria i el Museu Reina Sofia de Madrid. A més, després de la primera exposició del centenari del cinema, n’ha fet unes quantes més, tant sol com col·lectives.
Benejam explica que en principi va voler centrar-se en les pel·lícules guardonades als Oscars, però també ha acabat reunint material de milers de pel·lícules més que no van rebre’n cap. Així mateix, va fer una llista de totes les pel·lícules que s’han estrenat a l’estat espanyol des del 1900 fins al 2021. El recull conté el títol en castellà, el títol original de la pel·lícula i el director. També en té una de totes les pel·lícules premiades amb un Oscar. “D’aquesta manera, quan algú em demana si tinc material de tal pel·lícula, miro les llistes i en un minut sé el que tinc”, explica.
Veure la col·lecció des d’una web
El 2013 també va crear una pàgina web, Archivocine.com, on té penjat moltíssim del material del qual disposa, cosa que permet fer una visita virtual a la seva col·lecció. Hi té 35.000 fotocroms, cartells, programes de mà des de l’any 1913 i molta informació de festivals cinematogràfics de tot el món, de directors, actors, actrius, etc. Els aficionats al setè art hi poden estar navegant hores i hores. Curiosament, ara que està jubilat no hi dedica tant de temps com quan estava en actiu i cada vegada també li entra menys material. “La informació del cinema ha variat molt.
Abans hi havia els cartells, els programes de mà i les fotografies. Després van venir els cedés, els llapis de memòria i ara ja arriba tot directament per internet. El paper, en pocs anys, s’acabarà. Però als cinemes petits encara els cal tenir els cartells de les pel·lícules”, explica. Benejam, en contra del que pugui semblar, no és en absolut mitòman de cap director, actor o actriu. Això sí, cada vegada que pot torna a mirar La conquesta de l’oest, Matar un rossinyol i Spotlight, algunes de les seves pel·lícules preferides. Tampoc s’ha interessat mai per registrar la seva col·lecció al Llibre Guinness dels Rècords.
Més endavant, què se’n farà de tot aquest material? “La Filmoteca de Catalunya el vindria a buscar demà mateix, però no hi estic disposat. Si tu dones una cosa a cost zero, no se li dona la importància que té. No és que vulgui vendre per fer-me d’or, però sí que hi hagi una compensació, que tampoc seria gaire. Aquí hi ha molt de material i una gran part és molt complicada de trobar, i a les subhastes veus com per cartells de cinema es paguen centenars i fins i tot milers d’euros” diu. L’any que ve té previst parlar-ne amb la Filmoteca Espanyola.
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Artículos publicados en la prensa Difusión en la Prensa y TV
Paul Thomas Anderson
Uno dels autores más brillantes que han surgido en las últimas décadas
en el panorama cinematográfico mundial
Las películas dirigidas por Paul Thomas Anderson
La lista está por orden alfabético.
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La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
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SYDNEY (1996)
Reparto principal | Philip Baker, John C. Reilly, Gwyneth Paltrow, Samuel L. Jackson
John se encuentra solo después de haberlo perdido todo en el juego. Se le acerca Sydney, un hombre mayor muy elegante, que le propone ganar grandes sumas en los casinos. Dos años después les va muy bien, pero los problemas empezarán cuando John se enamora de Clementine, una camarera en busca de..
Ha habido pocos debuts en la dirección durante los últimos años como el de Paul Thomas Anderson con Sydney. Aunque eclipsada por las siguientes obras, este primer largometraje del que es uno de los mejores cineastas del momento y está llamado a ser uno de los más importantes de los próximos años, sorprende en su audacia visual y narrativa y presenta no pocos elementos que irán constituyendo el cine ulterior de Anderson. Si bien es cierto que tiene un aspecto menos ambicioso que sus siguientes obras, la verdad que lo es, y mucho. Porque toma el género negro para convertirlo en algo muy diferente y muy personal gracias a un trabajo de puesta en escena soberbio y original a partir de un guión sólido que es simplemente una excusa para un despliegue visual portentoso. Contando, además, con un reparto singular y ejemplar en sus papeles, Sidney avanza con elegancia y buen gusto, con sencillez.
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Esta comedia dramática nos lleva a finales de los 70 en los que Eddie Adams pasa de ser un joven sin esperanzas de encontrar trabajo, a ser una estrella de la industria pornográfica. Jack Horner, uno de los grandes directores de cine porno, descubre un potencial interesante de pulir para este tipo de trabajo, ya que Eddie dispone de unos "grandes atributos", perfectos para este tipo de papeles. Pero el camino elegido por el protagonista tiene grandes peligros, como las drogas y el alcohol.
La película retrata una era en la que los responsables de la industria del cine X tenían ambiciones artísticas y estaban convencidos de que podían combinar el crudo sexo con una trama interesante. El realizador quiso contar esta historia mediante múltiples personajes que entrelazan sus vidas por medio de experiencias compartidas. Sus dos protagonistas son Mark Wahlberg, ex rapero que, tras hacerse popular como modelo de una firma de calzoncillos, se convirtió con este filme en un actor de primera línea; y el veterano Burt Reynolds, dando vida a un cineasta que actúa como un padre para los miembros de su creciente imperio pornográfico.
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Reparto principal | Tom Cruise, Julianne Moore, William H. Macy, John C. Reilly
Earl Partridge, anciano y enfermo, está a punto de morir, así que le pide a su fiel enfermero que encuentre al hijo que lo abandonó tiempo atrás. Su joven esposa, que codiciaba su dinero, debería alegrarse por ello, pero no lo consigue. Frank Mackey, un joven gurú televisivo experto en la seducción masculina, se ha inventado un pasado y una vida. Pero, ¿cuánto tiempo podrá mantener la máscara? Todas estas vidas se entrecruzan a lo largo de un día como otro cualquiera bajo el sol de California.
El director Paul Thomas Anderson firmó su tercer largometraje a sus 29 años. Se basó en un guion que él mismo había escrito en tan solo 15 días durante unas vacaciones en Vermont, en las que poco salió de su chalé. Para realizarla, volvió a contar con el elenco que le había conseguido su primer éxito, "Boogie Nights": Julianne Moore, John C. Reilly y William H. Macy. También quería contratar a Burt Reynolds, pero el actor tuvo un roce con el cineasta y rechazó volver a trabajar con él. Entonces, Anderson decidió visitar el plató de "Eyes Wide Shut" para convencer a Tom Cruise de que hiciera un pequeño papel en su proyecto. El neoyorquino aceptó y gracias a ello consiguió su tercera candidatura al Óscar, esta vez como mejor secundario.
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Reparto principal | Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour, Luis Guzmán
Barry Egan, un treintañero tímido, acomplejado y director de su propia compañía, pasa la mayor parte del tiempo coleccionando cupones de una marca de pasteles. Desde su más tierna infancia, ha estado absorbido por las arpías de sus siete hermanas que le han acosado y a veces de manera violenta, tanto que nunca ha tenido tiempo para hacer su propia vida ni enamorarse. Hasta el día en que una de ellas le organiza una cita con una joven misteriosa llamada Lena Leonard… Parece que hay química entre ellos, pero ¿podrán superar su complicada vida y sus curiosas obsesiones para poder llevar a cabo la vida en pareja de manera feliz?
La cuarta película de Paul Thomas Anderson provocó más de un desconcierto. Por un lado, el director se desmarcaba con una pequeña comedia romántica insólita y extraña que tiene poco que ver con las ñoñeces habituales que produce este subgénero. Por el otro, otorgaba todo el protagonismo a Adam Sandler, un actor que por aquel entonces todavía se asociaba a un tipo de comedia vulgar y burda. La personalidad del protagonista de 'Punck Drunk Love' acaba modelando el insólito tono del film. Barry, ataviado casi todo el metraje con la misma chaqueta azul eléctrico, ha vivido siempre bajo la presión de sus siete hermanas. Su rabia contenida estalla por momentos, otorgándole a la película este registro entre desequilibrado, violento y encantador que resulta tan difícil de encontrar en otras cintas análogas. Inspirada en un artículo de la revista "Time" sobre David Phillips, un ingeniero de la Universidad de California que cayó en la trampa de las llamativas promociones de los supermercados y compró 12.150 porciones del puding Healthy Choice, por importe de 3.000 dólares, para conseguir 1,25 millones de millas aéreas.
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Reparto principal | Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Kevin J. O'Connor
Cuando Daniel Plainview oye hablar de una pequeña ciudad de California donde se dice que un océano de petróleo fluye literalmente del suelo, decide ir a probar fortuna y se va con su hijo H.W a Little Boston. En este lugar perdido donde cada uno lucha para sobrevivir y donde la distracción única es la iglesia dirigida por el carismático sacerdote Eli Sunday, Plainview y su hijo ven como la suerte les sonríe. Aunque el petróleo colma sus esperas y logran hacer su fortuna, nada volverá a ser como antes: las tensiones se intensifican, los conflictos estallan y los valores humanos como el amor, la esperanza, el sentido de la comunidad, las creencias, la ambición e incluso los vínculos entre padre e hijo son puestos en peligro por la corrupción, la traición... Y el petróleo.
Laureado filme dramático que supone la adaptación cinematográfica de la novela "Oil", escrita por Upton Sinclair. El éxito de la cinta, considerada una joya casi imprescindible, radicó en gran parte en el buen hacer del actor que la protagoniza, Daniel Day-Lewis. Más allá de la trama, bien atrapada, destaca el tratamiento formal de Paul Thomas Anderson, verdaderamente audaz y original. En los primeros veinte minutos del film apenas se pronuncia una palabra, y mientras seguimos la búsqueda de petróleo de Daniel, podríamos decir que estamos asistiendo a "El amanecer del hombre petrolero", la influencia de 2001: una odisea del espacio parece innegable, también en el tratamiento fotográfico, jugando al contraste de iluminación, y en el uso de un sonido que recuerda a la alarma espacial del monolito. Hay un magnífico uso del formato ancho de pantalla. Resulta llamativa la espectacularidad de las escenas de los pozos, pero eso no impide una agradecible sobriedad frente a los efectos visuales apabullantes que dominan el cine actual.
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Reparto principal | Joaquin Phoenix, Philip Seymour, Amy Adams, Laura Dern
Década de los cincuenta. Lancaster Dodd impulsa desde la nada una organización religiosa de la que se convierte en su fundador y líder. Erigido en un carismático guía espiritual para toda su congregación, la película cuenta la historia ficticia de un hombre que desde la nada construye a su alrededor un pequeño imperio gracias a sus métodos de estrategia y a su enorme inteligencia a la hora de percibir las debilidades humanas y de aplacar sus miserias a través de la charlatanería. Terminará siendo apodado como "El maestro", convirtiéndose en un ídolo de masas, en un gurú al que se irán sumando de forma incesante y alarmante nuevos adeptos a su causa, nuevos propagadores de su fe en el mundo. Entre ellos, se encontrará Freddie Sutton , que pasará de ser un hombre destruido por el alcohol a convertirse en la persona de confianza de Lancaster Dodd. Entre ambos se establecerá una relación primero basada en la necesidad de creer, y después en la desconfianza y en la sombra de la estafa.
Un retrato asombroso de gente a la deriva y a la búsqueda de trabajo o de sí mismos en la época posterior a la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos. El director Paul Thomas Anderson narra las vicisitudes de un veterano de la Marina, Freddie, que regresa inestable e inseguro ante su futuro hasta que es atraído por la Causa y su carismático líder, Lancaster Dodd, respaldado por su esposa, Peggy Dodd. El director, se basó en el documental de John Huston "Let There Be Light" para crear este drama sobre la cienciología. Para encarnar al gurú de la secta, el cineasta confió en uno de los habituales de su cinematografía, Philip Seymour Hoffman, quien ya había colaborado con él. El otro papel masculino en un principio estaba asignado a Jeremy Renner, pero tuvo que renunciar a él porque el rodaje coincidía con "El legado de Bourne". Al final, este fue a parar a un Joaquin Phoenix, que improvisó en algunas de las escenas.
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Reparto principal | Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston
Cuando la ex mujer del detective privado Doc Sportello se presenta repentinamente con una historia sobre su actual novio, un promotor inmobiliario multimillonario del que acaba de enamorarse, y sobre un complot de su mujer y el novio de ella para secuestrarlo y meterle en un manicomio… bueno, es fácil para ella decirlo. Son los finales de los psicodélicos 60, la paranoia domina el día y Doc sabe que "amar" es otra de esas palabras que está de moda decir, como "viaje" o "fabuloso", y que están siendo usadas excesivamente— excepto que ésta normalmente conduce a problemas.
Cine negro y comedia psicodélica se mezclan en esta cinta que se sumerge en la contracultura yanqui de la década de los 70 a través de una historia clásica de detectives. La película, además, significa la primera adaptación a la gran pantalla de la obra del escritor estadounidense Thomas Pynchon, uno de los máximos representantes del postmodernismo maximalista, caracterizado por una gran complejidad narrativa. Esto no fue problema para el director y guionista Paul Thomas Anderson, quien traspuso la novela "Vicio puro" al lenguaje cinematográfico. Su gran trabajo, aplaudido por el propio Pynchon, le valieron dos candidaturas al Oscar.
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Documental
En la primavera del 2015, el compositor israelí Shye Ben Tzur, Jonny Greenwood de Radiohead y “The Rajasthan Express” fueron invitados por el Maharaja de Jodhpur a la Fortaleza Mehrangarh. Esta hermosa y alegre reunión de 3 semanas dio como resultado el álbum y la película Junun (la locura de amor).
No hay película pequeña para Paul Thomas Anderson. Junun, estrenada exclusivamente a través de una plataforma VOD durante un tiempo limitado y con el envoltorio de un modesto documental musical, esconde una búsqueda poco habitual del misterio de la creación artística. La película de 54 minutos supone un paso más en la fructífera alianza creativa entre Paul Thomas Anderson y Jonny Greenwood. El cineasta acompaña al guitarrista de Radiohead, compositor de las bandas sonoras de Pozos de ambición (2007), The Master (2012) y Puro vicio (2015), en la grabación de un álbum junto al israelí Shye Ben Tsur y una quincena de músicos indios en Rayastán (India). De la pura observación, sin apenas entrevistas directas a cámara o diálogos entre los intérpretes, Anderson saca petróleo a través de las miradas, los silencios y los momentos aparentemente muertos. La actitud del propio Greenwood, siempre en segundo plano, tan ensimismado en el proceso de grabación que apenas habla ni gesticula, contrasta con las sonrisas francas y la comunicación fluida de algunos de los músicos que participan en la grabación. Con muy pocos medios materiales (un par de cámaras digitales, un dron), pequeñas pinceladas narrativas (la paloma que se cuela en el interior de la fortaleza reconvertida en estudio de grabación, el músico que va a la ciudad para que afinen su instrumento) y un cuidadoso ejercicio de puesta en escena y montaje, esta pequeña joya se desmarca del clásico documental observacional para ofrecer una experiencia hipnótica. Trascendental, si se quiere. (FUENTE: https://miradasdecine.es/)
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Reparto principal | Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Gina McKee
En el glamuroso Londres de los años 50, tras la guerra, el célebre diseñador Reynolds Woodcock y su hermana Cyril son el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico: visten a la realeza, estrellas de cine, herederas, miembros de la alta sociedad, debutantes y damas con el inconfundible estilo de la Casa Woodcock. Por la vida del diseñador desfilan todo tipo de mujeres, brindándole inspiración y compañía, hasta que se cruza en su camino una joven de convicciones férreas, Alma, que pronto se convierte en un pilar de su día a día como musa y amante. La vida de Woodcock, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada como todos sus patrones de costura, se ve sacudida por el amor.
Una película singular, con algo de fantasmagórica, donde los personajes se vuelven etéreos con las decisiones y los hechos que marcan sus vidas. Estructurada como el relato que hace Alma al calor del fuego de una chimenea, de su entrega y dedicación total al modisto y diseñador Reynolds Woodcock, quien triunfa con sus creaciones en el Londres de los años 50, vistiendo a princesas y otras damas de alta alcurnia. Grandísimo y meticuloso profesional, Reynolds realiza su trabajo como si viviera en otro mundo, inaccesible al resto de los mortales, donde aletean las ideas que luego se transforman con telas, colores, cortes y patrones en vestidos arrebatadores. Su hermana Cyril se ocupa de que pueda crear en condiciones óptimas, sin que nada le perturbe. Supone un descubrimiento Alma, una camarera, que sería el maniquí perfecto para mostrar lo que hace. Pero ella, como Cyril, también debería acomodarse a las necesidades del artista, lo que pone en peligro lo que realmente desea, su amor, pues Alma está profundamente enamorada de Reynolds.
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Reparto principal | Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn, Tom Waits
En 1970, San Fernando Valley, Los Ángeles. Gary es un adolescente de 15 años que estudia en el instituto de la ciudad, donde conoce a Alana, una joven judía de 25 años que trabaja en un estudio de fotos que se encarga de realizar cada año la orla de los estudiantes del centro. Cuando Gary y Alana se cruzan por primera vez, rápidamente surge una conexión entre ellos que será muy difícil de romper. Mientras tratan de descubrir hacia donde les lleva esta nueva amistad, Gary poco a poco se va enamorando más de ella, pero la diferencia de edad será una barrera que Alana no dejará a un lado. Va pasando el tiempo y Gary y Alana irán formando parte de la vida del otro de alguna manera, desde ser socios de un negocio de camas de agua hasta cómplices de vandalismo.
Película escrita, fotografiada, producida y dirigida por Paul Thomas Anderson. Realizada en torno al estallido de la pandemia del coronavirus, se diría que el cineasta, al igual que le ha pasado a Kenneth Branagh con Belfast o Steven Spielberg con el actualmente en rodaje The Fabelmans, se ha visto impelido a abordar una historia personal, buscando las cosas que importan. La trama está impregnada de detalles que beben de sus emociones íntimas, y donde ha apostado por contar con una gran mayoría de actores desconocidos jóvenes, muchos simplemente hijos de amigos suyos, como Spielberg o Michael Giacchino. Aunque la gran intuición ha consistido en saber que tenía cerca a una estrella actoral en potencia, Alana Haim, con quien había rodado con sus hermanas Danielle y Este los videoclips de su banda musical Haim. Ella hace a la perfección el papel de Alana, al igual que el recién llegado Cooper Hoffman –hijo del malogrado Philip Seymour Hoffman– es perfecto para interpretar Gary, hay química, nos creemos su relación, el toma y daca, los celos . Por otro lado, Anderson ha logrado que Sean Penn, Bradley Cooper y Tom Waits aporten la veteranía a sus pequeños papeles.
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Reparto principal | Leonardo Dicaprio, Sean Penn, Teyana Taylor, Chase Infiniti
Bob Ferguson es un ex revolucionario cuya vida da un giro cuando su hija es secuestrada por un enemigo de su pasado. Desesperado por recuperarla, Bob se ve obligado a confrontar viejas heridas y a recurrir a un grupo de antiguos compañeros revolucionarios liderados por el experimentado Sensei Sergio. Juntos planean enfrentarse a fuerzas peligrosas, combinando astucia, estrategia y habilidades adquiridas en su pasado militante. La historia mezcla acción, suspenso y redención mientras Bob lucha por salvar a su hija y reconciliarse con su historia.
Resulta increíble cómo en una carrera compuesta por obras maestras como El hilo invisible (2017), Magnolia (1999) o Pozos de ambición (2007) aún haya espacio para seguir creciendo como creador. Pero eso es lo que hace Paul Thomas Anderson con Una batalla tras otra, logra superarse a sí mismo y estrenar una aventura épica que regalan al espectador escenas y personajes que son iconos instantáneos. Es, además, una historia que, sin ser política, critica abiertamente al gobierno de Trump en Estados Unidos y a sus sucedáneos en otros países. El director lanza un reproche directo a las medidas anti inmigratorias desde la ficción al centrar la trama en un grupo revolucionario y violento llamado 'el 75 francés', que actuó a comienzos de los 2000 para terminar con políticas de derechas. 16 años después, el grupo ya está disuelto y Bob Ferguson trata de vivir tranquilamente en un pequeño pueblo de la América profunda junto a su hija adolescente. Pero los fantasmas del pasado son incontrolables y regresarán para quitarle lo que más quiere.
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Reparto principal | Milla Jovovich · Dave Bautista · Arly Jover · Amara Okereke
Basada en el relato de George R. R. Martin, la historia sigue a una reina llamada Amara Okereke, quien, desgarrada por la falta de amor y felicidad en su vida, decide emprender una misión desesperada para encontrar la clave de su redención. Convencida de que solo un poder sobrenatural puede otorgarle la felicidad que tanto anhela, la reina envía a la bruja Gray Alys (interpretada por Milla Jovovich), una poderosa hechicera, a las Tierras Perdidas. Este misterioso lugar es conocido por su magia oscura y sus peligrosas criaturas, y allí se cree que existe un poder capaz de transformar a una persona en un hombre lobo, una habilidad que la reina desea para cambiar su destino.
Narrativamente hablando, “Tierras Perdidas” no nos propone nada particularmente complicado —lo cual no sorprende, considerando que el filme está basado en un cuento corto. No obstante, por como el guion de Constantin Werner está estructurado, la trama se siente tanto simplista como ridículamente compleja. La construcción del universo de “Tierras Perdidas”, por ejemplo, no termina de convencer, sintiéndose demasiado vacío, como si estuviese compuesto únicamente de personajes principales y extras (y nadie al medio). Y especialmente al inicio, el ritmo de la cinta es errático, como si Werner no hubiese estado seguro de cómo comenzar. (megustaelcine.com)
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Año |
Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1998 | Mejor guion original | Boogie Nights | Nominado |
| 2000 | Mejor guion original | Magnolia | Nominado |
| 2021 | Mejor película | Licorice Pizza | Nominado |
| Mejor director | Nominado | ||
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 2017 | Mejor película | El hilo invisible | Nominado |
| Mejor director | Nominado | ||
| 2014 | Mejor guion adaptado | Puro vicio | Nominado |
| 2007 | Mejor película | There Will Be Blood | Nominado |
| Mejor director | Nominado | ||
| Mejor guion adaptado | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2021 | Mejor guion original | Licorice Pizza | Ganador |
| 2007 | Mejor película | Pozos de ambición | Nominado |
| Mejor director | Nominado | ||
| Mejor guion adaptado | Nominado | ||
| 1997 | Mejor guion original | Boogie Nights | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2012 | León de Plata a la mejor dirección | The Master | Ganador |
| FIPRESCI Awards Mejor película (sección oficial) | The Master | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 200221 | Mejor Director | Punch-Drunk Love | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2000 | Oso de Oro a mejor película | Magnolia | Ganador |
| 2008 | Oso de Plata a la mejor dirección | Pozos de ambición | Ganador |
| Oso de Oro a mejor película |
Nominado |
