Lluis

YUL BRYNNER

Yul Brynner
Fue un ícono de Hollywood hasta su muerte en 1985

Actor de cine estadounidense de origen ruso. Recibió su gran oportunidad en 1951 con el papel del rey en el musical de Broadway The King and I, interpretación por la que obtuvo innumerables premios y el elogio unánime de la crítica. Tras realizar 1.246 funciones de este espectáculo, partió a Hollywood, donde repitió el éxito en la versión cinematográfica El rey y yo (1956), que le valió el Oscar al mejor actor. Como la característica física más visible del personaje que le había dado popularidad era la cabeza rapada, Brynner hizo suya a partir de entonces, y definitivamente, esa imagen; fue su seña de identidad en las muchas películas que lo tuvieron como estrella, filmes de irregular calidad en los que el actor interpretó personajes dotados de un misterioso magnetismo. La vida y orígenes de Yul Brynner permanecieron siempre bajo un halo de misterio que él mismo se encargó de alimentar. Cuando no decía que era un medio suizo y medio japonés que se llamaba Taidje Khan y que había nacido en la isla de Sakhalin, en Siberia, declaraba que su madre era una gitana rumana y que pertenecía a la saga de los Pitoêff. Lo cierto es que, gracias a su biografía, publicada por su hijo Yul Rock Brynner II en 1989, se supo que era hijo de Boris Bryner, un ingeniero e inventor suizo de origen mongol, y de Marousia Blagavidova, la hija de un doctor ruso. Aunque se le llamó Jules en honor a su abuelo, él muy pronto adoptó el diminutivo de Yul, con el que se haría famoso. Debido a sus fantásticas dotes físicas, llegó a trabajar como trapecista en el célebre Circo de Hiver. En 1941, tras un serio accidente que echó a perder su carrera de acróbata, viajó a Estados Unidos para estudiar Arte Dramático con el profesor Michael Chekhov, con cuya compañía (la Chekhov's Theatrical) dio la vuelta al país, representando diferentes obras. Ese mismo año, con el nombre artístico de Youl Bryner, debutó en Nueva York con la obra Twelfth Night, lo que le habilitó para ser contratado en varias de las primeras series de televisión de aquellos experimentales años. Su eterno semblante serio parecía adecuado para el western, e intervino en el que seguramente no fue el mejor de la historia pero sí el más popular: Los siete magníficos (1960), de John Sturges, en el que formó parte de aquel memorable grupo de actores: Steve McQueen, Eli Wallach, Robert Vaughn, Charles Bronson, James Coburn y Horst Buchholz. Unos años antes, en 1964, alguien le convenció para interpretar una curiosidad hoy olvidada pero muy comentada en su tiempo: Invitación a un pistolero, de Richard Wilson. Otra curiosidad, pero ésta mucho más recordada, fue su magnífica recreación de robot pistolero en Almas de metal (1973), del autor de best sellers Michael Crichton, cuyo guión recreaba perfectamente una historia de ciencia ficción en la que, en una especie de Disneylandia llamada Delos, se podía elegir entre revivir la antigua Roma, el medievo o el salvaje oeste de 1880, que es lo que finalmente escoge Richard Benjamin, el coprotagonista. Brynner volvió a interpretar el mismo personaje (esta vez más secundario) en su aceptable continuación, Mundo futuro (1976), de Richard T. Heffron. Eternamente marcado por su rey de Siam, con su voz grave e indefinible y exótico acento, Yul Brynner vio truncada su carrera cuando en los últimos años se le diagnosticó un cáncer de pulmón, causado por su desmedida adicción al tabaco. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com)

Las películas interpretadas por Yul Brynner

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Adiós, Sabata (1971)
Almas de metal (1973)
Anastasia (1956)
La batalla del río Neretve (1969)
Los bucaneros (1958)
Con la ira en los ojos (1976)
Los diez mandamientos (1956)
Las flores del diablo (1966)
Fuga de Zahrain (1962)
Los hermanos Karamazov (1958)
La huella conduce a Londres (1969)
Invitación a un pistolero (1964)
La leyenda de un valiente (1967)
La loca de Chaillot (1969)

Lost to the revolution (1980)
La luz del fin del mundo (1971)
Mi doble en los Alpes (1967)
Morituri (1965)
Mundo futuro (1976)
No me digas adiós (1961)
Nueva York, año 2012 (1975)
El oro de nadie (1971)
Puerto de Nueva York (1949)
Patrulla de rescate (1964)
Regreso de los 7 magníficos (1966)
El rey y yo (1956)
Los reyes del sol (1963)
Rojo atardecer (1959)

Romance ladrón de caballos (1971)
Una rubia para un gángster (1960)
El ruido y la furia (1959)
Salomón y la reina de Saba (1959)
El serpiente (1973)
Si quieres ser millonario (1969)
Los siete magníficos (1960)
La sombra de un gigante (1966)
Taras bulba (1962)
El testamento de Orfeo (1960)
Triple-Cross (1966)
El turbulento distrito 87 (1972)
Villa cabalga (1968)
Volverás a mi (1960)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - Decine21 - Cineyseries.net

PUERTO DE NUEVA YORK
1949 | László Benedek

El puerto de Nueva York es en los años 40 del siglo XX el campo de batalla entre la policía y los narcotraficantes. Una trama intrincada de ambiente opresivo e inquietante es lo que aporta en esta película el eficaz director húngaro László Benedek. Aunque no sea demasiado conocido, el film es una buena muestra de cine negro y policial, y cuenta además con el primer papel para el cine de un actor ruso nacido en Vladivostok, que llegaría muy lejos en Hollywood: Yul Brynner.

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EL REY Y YO
1956 | Walter Lang

En pleno siglo XIX, una joven viuda británica, Ana Leonowens (Deborah Kerr), viaja al lejano reino oriental de Siam junto a su único hijo, el pequeño Louis. El motivo de un viaje así es que ha sido aceptada como instructora de los numerosos hijos del rey de Siam, Mongkut (Yul Brynner). Sin embargo, desde el primer momento la exquisita educación de la dama y su actitud feminista chocará con la férrea disciplina y despotismo del rey, un hombre anclado a unas costumbres milenarias que no la respeta por el hecho de ser mujer. Poco a poco, los constantes enfrentamientos entre Ana y el rey darán paso a una relación de mutuo respeto. Un respeto que poco a poco se convertirá en amor. Sin embargo Ana y el rey viven en mundos totalmente opuestos, y sus formas enfrentadas de ver la vida y las costumbres convertirán sus sentimientos en un amor imposible.

Pese a que hoy en día pueda parecer algo desfasado, este filme cosechó un importante éxito en taquilla en su momento, cuando el musical vivía su época de máximo esplendor. A partir de la novela "Anna and the King of Siam", de Margaret Landon, que ya había sido llevada al cine en 1946 por John Cromwell, con Irene Dunne y Rex Harrison como protagonistas, el director Walter Lang planteó una historia romántica, con algún que otro número musical de interés. La cinta se llevó el Oscar al mejor actor protagonista para Yul Brynner, junto a los de mejor dirección artística, música original y sonido; además de una nominación para su compañera de reparto, Deborah Kerr.

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LOS DIEZ MANDAMIENTOS
1956 | Cecil B. DeMille

Asombrosa superproducción que cuenta la historia de Moisés. El recién nacido Moisés es enviado por el río a través de una cesta. Bithiah, la hija del faraón, al percatarse de la presencia de un bebé, lo acoge y cría en la corte del palacio real. Una vez que Moisés ya es mayor, se gana el aprecio del faraón Seti, hermano de su madre adoptiva Bithiah, y de la princesa Nefertari. Esto disgusta al hijo heredero del faraón, Ramsés, el cual siente celos de Moisés. Sin embargo, un día Moisés descubre su origen hebreo y conoce a su verdadera familia, lo cual lo llevará a dejar su vida como príncipe para volverse esclavo y llevar a su pueblo, los hebreos, en busca de la libertad.

Una de las más grandiosas películas de tema bíblico de toda la historia del cine, como lo demuestran sus impresionantes decorados y las múltiples escenas de masas. Gira entorno a la vida de Moisés y está dirigida por Cecil B. DeMille, un maestro realizando filmes colosales y de larga duración. Con esta película, DeMille hizo su último trabajo en el cine inspirándose en un filme homónimo dirigido por él mismo en 1923. En esta nueva versión, contó con dos grandes estrellas como protagonistas: Charlton Heston y Yul Brynner; y con la colaboración del compositor Elmer Bernstein en uno de sus mejores trabajos. La película consiguió el éxito internacional y fue también reconocida con siete candidaturas al Oscar. De ellas, ganó la de mejores efectos especiales por escenas tan asombrosas como la apertura de las aguas del Mar Rojo.

Cecil B. DeMille es seguramente el cineasta que mejor ha manejado las muchedumbres compuestas de miles de extras. En una era en que las masas no podían hacerse con ordenador, él coordinaba a grupos enormes de personas vestidas para la ocasión, registrando con su cámara planos generales de una belleza inefable.

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ANASTASIA
1956 | Anatole Litvak

Diez años han pasado desde que Anastasia y sus hermanos fueron asesinados presumiblemente por los revolucionarios bolcheviques. Sin embargo, un general ruso del ejercito zarista, que vive un largo exilio en París, se encuentra con una joven con unos rasgos muy parecidos a los de la hija del Zar Nicolás II. Ella puede ser la única superviviente de la familia tras la Revolución Rusa de 1917, pero la joven no se acuerda absolutamente de nada. Así, pese a que en un principio cuesta creer que realmente pueda ser ella, ambos traman un plan para hacerse pasar por la princesa y poder alcanzar la mastodóntica herencia que le pertenece y que está ingresada en distintas entidades de Suiza. Su forma de comportarse, su personalidad y los recuerdos, que irán aflorando, irán haciendo mella y poco a poco empezará a creer que realmente se trata de la Gran Duquesa Anastasia, la heredera de la dinastía de los Romanov.

Tras siete años de ausencia, Ingrid Bergman regresó a Hollywood de forma triunfal, con este papel que le valió el Oscar a la mejor actriz en 1956. Anatole Litvan adaptó con estilo un exitoso texto teatral de Marcelle Maurette sobre uno de los más grandes misterios del siglo XX, la historia de una joven que aseguraba ser Anastasia, la heredera de los Romanov. Ni la obra de teatro ni la película intentan resolver el misterio, sino que dejan las opciones abiertas para que sea el espectador el que decida. Del reparto destaca el siempre correcto Yul Brynner como el pícaro general ruso, así como la veterana Helen Hayes.

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LOS HERMANOS KARAMAZOV
1958 | Richard Brooks

Ryevsk, Rusia, 1870. Las tensiones abundan en la familia Karamazov. Fyodor, el padre, es un libertino acaudalado y despótico que hace la vida imposible a sus cuatro hijos. La situación se hará insoportable cuando Dmitri, el mayor, se enamore de una de las amantes de su padre, la coqueta Grushenka. Dos de sus hermanos verán en los celos de Dmitiri la oportunidad de heredar antes de lo esperado.

Quizás la adaptación más famosa que se ha realizado sobre la novela homónima del escritor ruso Fiodor Dostoievski, protagonizada por Yul Brynner y Maria Schell, y dirigida por Richard Brooks. El film, rodado bajo los auspicios de la Metro, fue planteado como una producción de presupuesto importante y dotado de cierto toque de melodrama. Los hermanos Karamazov pertenece a la época en que Brooks estuvo ligado a esa productora y en la que tuvo poca libertad de acción a la hora de plantear los proyectos. De hecho, era la propia Metro la que decidía el reparto y gran parte del equipo técnico. Pese a ello, la película tuvo un importante éxito, en parte por la presencia de un Yul Brynner que, en aquellos momentos, vivía su momento de máximo esplendor como actor.

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LOS BUCANEROS
1958 | Anthony Quinn

Lafitte es un bucanero que tiene su base cerca de la ciudad de Nueva Orleans. No ataca barcos estadounidenses, pero sigue siendo un fuera de la ley. Tendrá que escoger entre poner sus armas y hombres del lado de los norteamericanos o de los ingleses.

En 1812, Estados Unidos y Gran Bretaña luchan por el control del territorio de Nueva Orleans. En medio está el último pirata, Laffitte, que controla una pequeña isla de gran importancia estratégica y que duda entre apoyar a los americanos, que es lo que le pide su corazón, o tomar partido por los ingleses, la opción respaldada por sus hombres que tienen muy claro que la lucha se promete desigual, a favor de los ingleses. Tres presidentes americanos condenaron, perdonaron y volvieron a condenar a este tirano. Pero las circunstancias pusieron en manos de este hombre sin patria el destino de un país, los EE. UU., luchando por su misma existencia en la guerra de 1812.

La única película que dirigió el actor de carácter Anthony Quinn. Se trata de un remake de Corsarios de Florida, filmada veinta años antes, y se sitúa en 1812, cuando Estados Unidos y Gran Bretaña luchan por el control del territorio de Nueva Orléans. El film se basa en hechos históricos, y cuenta con un reparto muy atractivo. La música de Elmer Bernstein da al conjunto la adecuada atmósfera épica y patriota.

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ROJO ATARDECER
1959 | Anatole Litvak

En Budapest un grupo de ciudadanos pretenden huir de Hungría en tiempos de la Guerra Fría, tras el levantamiento de 1956. Pero el autobús en el que viajan es detenido por las tropas soviéticas, y el oficial se sentirá atraído por una mujer británica presente entre los viajeros.

Más que entretenido drama en tiempos de guerra, en el que el experimentado Anatole Litvak sabe manejar los resortes del peligro y el romance. El reparto, plagado de nombres conocidos, está excelente, aunque destacan Deborah Kerr y Yul Brynner, los cuales ya habían trabajado juntos tres años antes en el exitoso musical El rey y yo (1956).

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EL RUIDO Y LA FURIA
1959 | Martin Ritt

La familia de los Compton fue ilustre y poderosa. Ahora, con un hijo alcohólico y otro que se niega a madurar, se encuentra en una profunda crisis. Sólo uno de sus miembros, la hija Quentin, tiene la entereza para luchar por recuperar el estatus y volver a convertir el clan sureño en el que una vez fue. Describe las vicisitudes de una familia poderosa pero en decadencia, los Comptons, donde la galería de personajes incluye a un alcohólico, un tipo grandón con mente de niño, el clásico patriarca, o la mujer seductora que ya no atrae a los hombres como antes.

Esta película es una adaptación libre del libro homónimo de William Faulkner, ganador del premio Nobel de literatura en 1949. El nombre proviene de un verso de Macbeth. La frase en concreto describe la vida como "Un cuento contado por un idiota, lleno de ruido y furia, sin significado alguno", una imagen que pretendió representar el autor con sus novela. Faulkner fue considerado el autor rival de Hemingway, contrastando con él con sus formas estilísticas. Allí donde Hemingway usaba el ritmo de frases cortas y un ritmo picado, Faulkner (influido por la novela europea de la época) usaba sentencias largas y complejas. No conformándose con eso, usó gran cantidad de técnicas narrativas como narradores múltiples, saltos o saltos en el tiempo para dotar a sus escritos de una mayor densidad.

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SALOMÓN Y LA REINA DE SABA
1959 | King Vidor

Poco antes de morir, el Rey David tiene una visión de Dios donde este le dice que debe nombrar como sucesor a su hijo menor Salomón. Por lo que cuando el Rey muere, el joven le sucede en el trono en contra de los deseos de su hermano mayor Adonías, que se compromete a alcanzar el puesto que le corresponde. Mientras tanto, el Faraón de Egipto que pretende dividir las doce tribus de Israel tampoco está de acuerdo con que Salomón sea el nuevo Rey, por ello le ofrece a la reina de Saba cederle el puerto del Mar Rojo a cambio de que ella seduzca al joven y consiga destruirlo. Sin embargo, con el tiempo ella también se va enamorando del Rey y tiene que elegir si está de su lado o del lado del Faraón.

Un lujoso drama histórico, rodado en España, que se convirtió en la última película de su director, el gran King Vidor. La cinta se recuerda especialmente porque, al poco de iniciarse su rodaje, falleció el protagonista inicialmente elegido, Tyrone Power, de modo que tuvo que ser sustituido por Yul Brynner, en una de sus escasísimas apariciones con la cabeza sin afeitar. Aunque no está considerada como una de las mejores obras de su director, la película contiene suficientes dosis de romance, espectacularidad y drama como para garantizar el entretenimiento.

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VOLVERÁS A MI
1960 | Stanley Donen

Yul Brynner interpreta a un genio musical cuyas excentricidades son controladas por su esposa, hasta que lo descubre "audicionando" a un pianista joven y sensual. Ella lo abandona y su carrera rápidamente comienza a patinar. El maestro temperamental debe volver a conquistar a su esposa despreciada.

El peculiar argumento nos habla de un director de orquesta que se ve obligado a convencer a su mujer, una concertista de la que se ha separado, para que vuelva a vivir con él. El motivo es que los patrocinadores de su orquesta así se lo exigen. La chica es la bella Kay Kendall, que murió antes del estreno de la película, y con sólo 33 años, debido a una leucemia.

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EL TESTAMENTO DE ORFEO
1960 | Jean Cocteau

Un poeta ve que se acerca la hora de su muerte y decide hacer balance de su vida y de su obra. Entre sueños de inmortalidad y ansias de renacimiento, irá desfilando una serie de surrealistas personajes, que darán lugar a un preciso análisis de la inspiración, las fobias y las obsesiones del artista.

Singular película surrealista de Jean Cocteau, que revisita el mito de Orfeo de un modo imposible de explicar con palabras. Jean Cocteau vuelve la mirada a su propia alma de poeta, en un film que es como una imposible “muñeca rusa”, con película dentro de la película, escenas dentro de la escena, en un sublime ejercicio experimental. En un mundo fantasmagórico traspasado por la música de George Auric, donde las leyes espaciotemporales parecen no vigentes, se deja ver Pablo Picasso, amigo de Cocteau.

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UNA RUBIA PARA UN GÁNGSTER
1960 | Stanley Donen

El gangster Nico March, ha sido exiliado a una isla griega por orden de las autoridades estadounidenses. Desde allí, quiere seguir controlando las actividades de su banda e intenta que le hagan llegar un buen fajo de dinero. Sin embargo, sus amigos le envían una atractiva rubia para que le mantenga entretenido y les deje tranquilos. A Nico, al principio no le hará ninguna gracia pero se acabará enamorando de ella.

Comedia sobre la mafia que, sin duda, no es uno de los mejores trabajos de Stanley Donen, un director que destacó en el género del musical. De todos modos, Donen aprovecha para insertar una escena de su especialidad, o sea, un número musical.

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LOS SIETE MAGNÍFICOS
1960 | John Sturges

Un pueblo de campesinos mexicanos es objeto de los frecuentes ataques de un grupo de forajidos, comandados por un bandido llamado Calvera. Cansados de sus saqueos, los campesinos deciden cruzar la frontera y reclutar en Estados Unidos a un grupo de mercenarios que les defiendan de los ataques, aunque disponen de pocos recursos para ello. Finalmente, un pistolero texano, Chris, acepta el encargo y reúne a un grupo de otros seis profesionales, entre los que se encuentran el temperamental e inexperto Chico; Vin, que necesita algo de dinero tras haberse arruinado en el juego, y Bernardo O'Reilly, cuya sangre mezcla ancestros mexicanos e irlandeses. Cuando llegan al pueblo, los pistoleros inician el adiestramiento de sus habitantes, con los que comienzan a convivir, una experiencia que dejará huella en el ánimo de los duros mercenarios.

Uno de los wésterns más populares de todos los tiempos, adaptación a su vez de Los siete samurais, uno de los títulos más famosos del prestigioso director japonés Akira Kurosawa. Dirigida de manera sobria por John Sturges, Los siete magníficos consiguió reunir a un espectacular reparto, entre los que se encuentran Yul Brynner, Eli Wallach, Steve McQueen, Charles Bronson o James Coburn. Esta historia de siete pistoleros que se encargan de proteger a un pueblecito mexicano de una horda de bandoleros ha acabado convirtiéndose en un clásico indiscutible del Oeste y del cine de aventuras. Gran parte de ese éxito es debido a la conocida banda sonora, compuesta por Elmer Bernstein. Su reconocimiento crítico y comercial provocó que se rodaran diversas secuelas bajo los parámetros del espagueti wéstern.

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NO ME DIGAS ADIÓS
Colaboración de Yul Brynner como extra en la escena del club nocturno - no acreditado
1961 | Anatole Litvak

Una mujer llamada Paula Tessier es una decoradora parisina de éxito que se ha especializado en interiores. No es muy joven, pero sí que es alegre, divertida y bella. Está casada con Roger, un hombre de su misma edad que no le es muy fiel porque el amor para él es una costumbre, pero ella está profundamente enamorada de él. En el camino de la ejecutiva se cruza un joven amable y sensible llamado Philip Van Der Besh, que se enamora de ella y que está seriamente convencido de que la diferencia de edad no es importante.

Un melodrama bastante celebrado en su momento que reunió a un reparto internacional comandado por la sueca Ingrid Bergman, el norteamericano Anthony Perkins y el francés Yves Montand. Se trata de una adaptación del best seller "Aimez-vous Brahms?", de Françoise Sagan, que describe el romance entre un joven sensible y una mujer madura a la que dotó de la sensibilidad y elegancia necesarias la entonces esposa del director Roberto Rossellini. La tercera sinfonía de Brahms puso el 'leit motiv' musical a esta historia triangular, dirigida por Anatole Litvak.

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FUGA DE ZAHRAIN
1962 | Ronald Neame

Durante la década de 1960, en una nación árabe ficticia plagada de conflictos, el líder nacionalista revolucionario capturado Sharif está siendo transportado a una prisión para su ejecución. La furgoneta de la policía que lo transporta a la prisión es atacada por seguidores fanáticos de Sharif. Ahmed, el líder de la revuelta estudiantil, libera a Sharif junto con otros tres prisioneros. Entre ellos se encuentra Huston, un estadounidense que ha malversado dinero de la Zahrain Oil Company. Los fugitivos capturan una ambulancia y a su enfermera, Laila. Huyen de la ciudad hacia la frontera pero durante su viaje a través del desierto, el preso Hassan muere en una emboscada policial. Comienza un romance entre Ahmed, el líder estudiantil y Laila, la enfermera de la ambulancia. Desafortunadamente, Ahmed muere más tarde a manos de un avión de combate del gobierno. Más tarde, también muere Tahar, otro preso. Los tres únicos supervivientes son Laila, Sharif y Huston. ¿Llegarán a su destino?

Película que pasó por un montón de peripecias antes de rodarse: su actor principal, Clark Gable, falleció pocos meses antes; y el guión escrito por Richard Matheson fue desechado y condenado a dormir el sueño de los justos en un cajón de la Paramount. Así las cosas, la película salió adelante como pudo, siendo producida por el propio director Ronald Neame. Además James Mason no aparece acreditado y realiza un pequeño papel.

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TARAS BULBA
1962 | J. Lee Thompson

Situado en la Ucrania del siglo XVI, el film cuenta cómo Taras Bulba, después de una vida aventurera con sus compañeros cosacos, se ha retirado al campo para formar una familia. No muy contento con la ocupación polaca, que no han respetado su acuerdo de paz tras expulsar a los turcos, decide sin embargo enviar a su hijo Andrei a Polonia para que su hijo se eduque allí; espera que aprenda a conocer a sus dominadores, para poder liberar al país de su yugo. Pero el joven se enamorará de la hija de un noble polaco.

Libre adaptación cinematográfica de la novela homónima de Nikolai Gogol. El filme, fotografiado en cinemascope, está rodado en escenarios naturales de la Pampa argentina. Al frente del reparto se encuentra Yul Brynner, en uno de sus habituales personajes exóticos. Se unen Tony Curtis y Christine Kaufmann para recrear una historia dramática de amor prohibido al estilo de "Romeo y Julieta". Curtis, casado por aquel entonces con Janet Leigh, y Kaufmann (que por esa época aún era menor de edad) se conocieron durante el rodaje y mantuvieron un romance que acabaría en boda un año más tarde, después del divorcio de Curtis y Leigh. En el apartado musical, Frank Waxman realiza un trabajo destacable, por el que obtuvo una nominación al Oscar.

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LOS REYES DEL SOL
1963 | J. Lee Thompson

Balam es el hijo del líder de los mayas. Cuando su padre muere en medio de una batalla, Balam le sucede como el nuevo rey y lleva a sus seguidores en un éxodo fuera de México hasta una región costera más al norte. No obstante, resulta que el nuevo hogar escogido por los mayas ya pertenecía a una tribu india muy territorial y de carácter hostil. Liderados por Águila Negra, organizarán un ataque salvaje contra el campamento maya del que Balam saldrá gravemente herido. Sin embargo, la mujer de Águila Negra, Ixchel, cura las heridas de Balam y, finalmente, los dos líderes se hacen amigos aprendiendo a limar sus diferencias para coexistir en paz. Pero un antiguo y obstinado enemigo de Balam, Hunac Ceel, no lo ha olvidado, y ha seguido a los mayas hasta su nuevo emplazamiento para saciar su sed de venganza.

Película ambientada en época de los mayas, en la que éstos deben enfrentarse a unas tribus indias. Pese a que la reconstrucción histórica no es muy correcta, Los reyes del sol mantiene el pulso como cinta de aventuras. Como protagonista nos encontramos a un Yul Brynner en su sempiterna caracterización exótica, bajo la batuta del irregular director J. Lee Thompson. Todo para narrar las luchas entre las diversas tribus que aparecen en pantalla y que sirven para pasar un buen rato.

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PATRULLA DE RESCATE
1964 | Michael Anderson

Tres oficiales norteamericanos del servicio de rescate aéreo han de viajar hasta Ashiya, en Japón, para rescatar un carguero que navega a la deriva por causa de un tifón. Las vidas personales de los tres hombres están llenas de problemas y dramas sentimentales, pero ahora tendrán que dejar todo eso a un lado para cumplir la misión. La tarea será aún más dificil cuando pierdan todas las provisiones debido a un accidente.

Drama bélico en el que en medio del miedo y la desolación de una situación desesperada surgen los verdaderos sentimientos y emociones de una serie de personajes llenos de frustración, miedo y obligado coraje. La película es un intenso y poderoso análisis de hasta qué punto puede entregarse un hombre por la causa en la que cree ante los horrores de la guerra y el miedo a la muerte. Si bien el cine bélico actual incide más en estas cuestiones no era así de corriente en el clásico lo que la hace además precursora de una tendencia profundamente actual.

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INVITACIÓN A UN PISTOLERO
1964 | Richard Wilson

Cuando el soldado Confederado Matt Weaver regresa a casa después de la guerra, se encuentra con que su propiedad ha sido vendida por el cacique del pueblo, Sam Brewster. Además, su promesa se ha casado con otro hombre y sus vecinos, simpatizantes de los Unionistas, se alinean contra él. A Brewster no le interesa que Weaver ronde por lo que ahora son sus tierras, así que envía al temible pistolero Gaspard D'Estaing para que lo mate.

Aunque, como la mayoría de los westerns, Invitación a un pistolero basa su argumento en temas como la venganza o el poder corrupto, tiene algunos aspectos curiosos dentro del género, como una base propia de películas de intriga o un cierto espíritu crítico. El filme está dirigido por Richard Wilson que, junto a su esposa Elizabeth también escribió el guión. Los protagonistas fueron Yul Brynner, que hace una de las mejores interpretaciones de su vida después de haber experimentado con el género en Los siete magníficos. Acompañan a Brynner, George Segal en una de sus primeras interpretaciones en el cine, y Pat Hingle.

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MORITURI
1965 | Bernhard Wicki

Robert Crain, interpretado por Marlon Brando, es un joven alemán encargado de una misión arriesgada y difícil. Nos trasladamos al contexto de la Segunda Guerra Mundial. Las fuerzas alemanas han bloqueado los buques aliados y el capitán Mueller es el responsable de transportar una peligrosa carga de caucho, materia prima para armas, a bordo del Ingo. El hombre ha sufrido ya demasiada violencia, pero lleva a cabo su encargo de la mejor manera que puede y saltando obstáculos. Uno de ellos será el joven Robert, un alemán pacifista que, bajo órdenes inglesas, ha de impedir que la carga llegue a su destino. Para ello, tiene que hacerse pasar por un oficial de la SS; sin embargo, unos prisioneros de guerra que viajan a bordo del barco no pondrán nada fácil la misión del infiltrado.

Drama de espionaje lleno de suspense, que se beneficia del duelo interpretativo entre unos Marlon Brando y Yul Brynner en el cenit de sus carreras. Nominada a los Oscar a mejor fotografía en blanco y negro y mejor vestuario en blanco y negro en la edición de 1965 de estos premios.

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LA SOMBRA DE UN GIGANTE
1966 | Melville Shavelson

Después de la Segunda Guerra Mundial, el Coronel Marcus no se siente satisfecho con la vida doméstica que lleva. Identificado con la causa hebrea, decide tomar el mando de las tropas judías que luchan contra los árabes para la fundación del estado de Israel. Esto le supondrá oponerse a sus superiores y desafiar sus órdenes. Pero para él son más importantes las victorias que poco a poco va consiguiendo.

Resume bastante bien los sucesos de la primera Guerra Arabe-Israelí de 1948, especialmente la decisión de la ONU de cómo partir Palestina, la declaración de independencia de Israel o la apertura de la Ruta de Birmania para el abastecimiento de Jerusalén. Contó con escenarios reales, como el cuartel de Latrun, y mostraba material bélico de la época, como half-tracks, jeeps, blindados Super-Sherman, etc., aunque estos últimos (usados por Israel durante la Guerra de los Seis Días) empezarían a fabricarse un año después de los hechos de la película, 1949, y representaban a los tanques egipcios.

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LAS FLORES DEL DIABLO
1966 | Terence Young, Georges Lampin

En un intento por detener el tráfico de heroína desde Irán, un grupo de agentes de narcóticos que trabaja para la ONU inyecta un compuesto radiactivo en un cargamento incautado de opio, con la esperanza de que les lleve hasta la principal distribuidor de heroína en Europa. En el camino, se encuentran con una misteriosa mujer que hace su propia investigación de la operación de contrabando.

Las flores del diablo ofrece una mirada interesante sobre la producción y el tráfico de opio y heroína. La historia original fue escrita por Ian Fleming quien murió poco antes de comenzar el guión. La película fue realizada inicialmente para televisión y contiene cameos de muchas estrellas que trabajaron por poco dinero ya que apoyaban su mensaje antidrogas. Esas estrellas incluyen Grace Kelly (quien presenta la película) Rita Hayworth, Omar Sharif, EG Marshall, Eli Wallach, Marcello Mastrioanni, entre otros.

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EL REGRESO DE LOS SIETE MAGNÍFICOS
1966 | Burt Kennedy

Los siete magníficos liderados por Yul Brynner vuelven a la carga para imponer justicia. En esta secuela, uno de ellos –Chico– vive en el pueblo que salvaron años atrás. Ahora unos bandidos han llegado y secuestrado a los hombres, incluido el pistolero, lo que pone sobreaviso a sus antiguos compañeros, que vuelven a la carga para rescatar a su amigo.

Yul Brynner insistió en que sólo haría esta película si Steve McQueen no estuviera involucrado. McQueen inicialmente expresó interés en aparecer, pero luego decidió que la trama era demasiado absurda y rechazó la película.

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TRIPLE CROSS,
LA VERDADERA HISTORIA DE EDDIE CHAPMAN
1966 | Terence Young

Coproducción entre Gran Bretaña y Francia en un afortunado thriller que adapta la novela de Frank Owen. Está basada en el caso real de Eddie Champman, un ladrón de bancos inglés que, durante la Segunda Guerra Mundial, espió como doble agente para británicos y alemanes con un complejo plan que consistía en pasar información falsa a unos y otros. Cuando fue hecho prisionero se definió a sí mismo como una persona “completamente amoral”.

El género biografíco es uno de los más difíciles de conseguir realizar bien en cine, ya que entraña múltiples dificultades, entre otras la de dar el verdadero y auténtico carácter del biografiado así como todos aquellos datos, hechos y situaciones que fueron fundamentales o claves en su vida. No siempre se acierta plenamente. En este caso, no conocemos la biografía de Eddie Chapman, no podemos opinar si en este sentido cumple bien. Pero si consideramos el film como simplemente un relato más o menos histórico o auténtico de la biografía de una persona.

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MI DOBLE EN LOS ALPES
1967 | Franklin J. Schaffner

Dan Slater es un importante agente de la CIA, que tras recibir un telegrama con la noticia de la muerte de su hijo en un accidente de esquí, viaja a los Alpes austriacos en busca de la causa de la desgracia. Dado que las autoridades del país apenas le dan explicaciones acerca de lo sucedido, Dan empieza a sospechar que pueda tratarse de un asesinato. Poco a poco sus sospechas se van confirmando y se da cuenta de que la muerte de su hijo forma parte de un sofisticado plan de los servicios secretos rusos para atraerle a Austria.

Mi doble en los Alpes constituye una de las mejores muestras del cine de espías de aquellos años y sobre la época de la Guerra Fría. Su carácter dinámico de telefilm es inmejorable. Yul Brynner hace un papel auténticamente acertado como agente de campo. El plan del Bloque enemigo es muy del gusto de aquellos tiempos: agentes duplicados. Un relato lineal, sin saltos ni flashback; pero sobre todo, y sin ser una película especialmente de acción en la que se prodiguen los tiros o las peleas, cuenta con un dinamismo increíble con la música de sintonizadores. Los paisajes nevados en contraste con el calor de la gente en vacaciones disfrutando de esa enorme chimenea en el amplio salón.Todo el mundo esquiando, divirtiéndose y nuestro espía tratando de escapar. Esto son los contrastes verdaderamente atractivos que uno encuentra, muy de vez en cuando, en películas olvidadas como ésta que deben recuperarse urgentemente.

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LA LEYENDA DE UN VALIENTE
1967 | Ken Annakin

La tribu Bhanta, unos nómadas de las laderas del Himalaya, son acusados de robar en la propiedad de un hacendado local y algunos de ellos son apresados. El capitán de policía Freddy Young recibe la misión de apresar al sultán de los Bhanta, tras el ataque que éste ha efectuado a la prisión donde se encontraban sus familiares. Para atrapar al sultán encierran a todas las mujeres y niños de la tribu en un tren con dirección a Delhi. A pesar de lo minuciosamente que e había preparado la emboscada, el sultán logra escapar, pero los ingleses tienen una siniestra baza por jugar: los presos, a los que someten a tortura para forzar la rendición del sultán.

Aunque lejanamente basado en hechos reales, el talón de Aquiles de la película son los personajes y los diálogos, demasiado elaborados para resultar del todo creíbles. Con todo, sus buenas dosis de acción la redimen en parte de estos males. Los interiores fueron rodados en los Pinewood Studios de Londres, pero los exteriores se filmaron en España al igual que otras espectaculares producciones británicas de la época, sirviendo en este caso de escenario el pueblo de El Padul y el pueblo de Iznalloz (Granada). Destaca la Casa-palacio de los condes de El Padul (Casa Grande, s. XVI) y el fuerte construido en el paraje de la Venta del Fraile del mismo municipio, así como las vistas de Sierra Nevada, que en el contexto de la película evocan a la cordillera del Himalaya.

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VILLA CABALGA
1968 | Buzz Kulik

Ambientada en la Revolución Mexicana, narra la historia del líder revolucionario Pancho Villa y su banda, el cual durante sus campañas consigue riquezas y conquista a numerosas mujeres. Un aviador americano atraído por estos logros decide unirse a ellos. Pronto se dará cuenta de que no todo es como el creía, lo que cambiará el rumbo de la historia.

Wéstern estadounidense producido en 1968 basado en la vida de José Doroteo Arango Arámbula, conocido popularmente con el sobrenombre de Pancho Villa. La cinta cuenta la historia de uno de los jefes de la revolución mexicana que más incidió en la decisiva derrota del régimen del entonces presidente de México, Victoriano Huerta. La película gozó de una fabulosa acogida por parte del público: más de 1.600.000 espectadores acudieron a las grandes salas para disfrutar de ella, haciendo del filme un auténtico éxito comercial.

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LA HUELLA CONDUCE A LONDRES
1969 | Sam Wanamaker

Una peligrosa banda de falsificadores de dinero está operando en Europa. Ante la falta de pistas, Scotland Yard pide ayuda. El solitario y desconfiado agente americano Novak va a trabajar con el agente británico Thompson. Cuando se establece la conexión entre los falsificadores y la importante banda Golden Goose en Liverpool, Novak y Thompson se infiltran en la organización sin levantar sospechas. Su investigación les lleva a Londres, donde se ven inmersos en una trama de intrigas y trampas.

Un film de intriga policíaca, bien narrado por Sam Wanamaker, normalmente sólo actor, pero aquí solo en facetas de realizador. Y consigue un trabajo sólido, muy ameno y que deja un buen sabor de boca. No es que sea una obra maestra, pero sí que consigue hacer disfrutar al espectador con una intriga sobria y espectacular a un tiempo, con bastante acción y buenos diálogos e interpretaciones. La fotografía también es de recibo y no hay tiempos muertos, por lo que el ritmo es constante y la hace aún más interesante de lo que es.

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LA BATALLA DEL RÍO NERETVA
1969 | Veljko Bulajić

En 1943, el estrecho valle del Neretva (Yugoslavia) es el escenario de una de las peores batallas de la Segunda Guerra Mundial. Cuatro tropas distintas se enfrentan en este lugar. Intentando echar del país al poderoso ejército alemán de Hitler y sus aliados italianos, los leales al Rey y los partisanos de Tito se encuentran en un lugar estratégico, el puente del valle del Neretva. Este puente es la única vía de comunicación. El líder de los partisanos deberá decidir si sus hombres se rendirán o que, probablemente acaben muriendo frente a los alemanes.

Todo aquel episodio histórico, inscrito en la Segunda Guerra Mundial, se recrea en la película La batalla del río Neretva, dirigida por el croata Velko Bulajic en 1968. Continúa siendo hoy la coproducción más cara en la historia del cine de Yugoslavia. Tito dio su plácet aprobando un presupuesto cuya cuantía nunca se ha sabido al detalle. La película se filmó en los propios enclaves de Jablanica, pero también cerca de Prozor, donde se rodaron las largas escenas de la batalla con tanques y donde en 1978 se inauguró, en recuerdo a los partisanos caídos en combate, el gran monumento de El puño (Pesnica), hecho en hormigón blanco a partir de líneas futuristas. El colosal spomenik (uno de tantos que se hallan esparcidos por la antigua Yugoslavia en recuerdo de la Segunda Guerra Mundial), logró sobrevivir a la terrible guerra civil de Bosnia (1992-1995). Pero hoy por hoy solo queda a la vista su armazón. El monumento fue dinamitado en 2000 por unos desconocidos.

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LA LOCA DE CHAILLOT
1969 | Bryan Forbes, John Huston

La excéntrica condesa Aurelia, conocida como 'la loca de Chaillot', se entera de un plan que quieren realizar unos especuladores en París: quieren realizar prospecciones en el suelo y apropiar del petróleo. Indignada, Aurelia decide tomar cartas en el asunto y luchar para evitar dichas extracciones. Para ello cuenta con el apoyo de sus amigas Constanza, Gabriela y Josefina. Katharine Hepburn encarna magistralmente a una aristócrata que ha perdido la cabeza. Vive en el barrio de Chaillot, de ahí el título de la película. Su vida se desarrolla en un mundo completamente irreal pues su locura le lleva a pensar que vive en otra época.

La Loca de Chaillot es una sátira con gran sabor político que es a su vez una adaptación de la obra teatral de Jean Giradoux que nos muestra la supuesta locura de la Condesa Aurelia, una aristócrata que pierde a su marido y cae en una especie de abismo fuera de la realidad pero que de locura de verdad no tiene nada. repleta de admiradores y amigos se entera que se está cocinando, esa sí, una verdadera locura por otros esquizofrénicos que dicen que hay mucho petróleo bajo los suelos de Chaillot en París y se reúnen para planificar la forma de poder llevar a Francia a la pirámide nuclear y ponerla a competir con los americanos y los rusos. Esta pléyade de "caballeros" representan todos los estamentos de una comunidad "civilizada": hay un general con todos los visos De Gaulleanos, un cura, un comunista, un corredor de bolsa, un científico y otros desquiciados que son una amenaza a la sociedad. Y todo el contexto juega con Mayo del 68.

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SI QUIERES SER MILLONARIO NO MALGASTES
EL TIEMPO TRABAJANDO
Yul Brynner actuó como cantante de cabaret travesti (sin acreditar)
1969 | Joseph McGrath

Sir Guy Grand decide tomar a un vagabundo como heredero de su fortuna. Sin embargo, el heredero debe aprender una serie de lecciones que considera obligatorias para sobrevivir en un mundo como este. Las lecciones no serán enseñadas de la manera habitual -en una escuela, por ejemplo- sino mediante pruebas prácticas: bromear con la gente. Estas bromas no serán de buen agrado para muchos; pese a todo, mucha gente decide caer en las bromas a expensas de ganar dinero. Durante la enseñanza, Guy Grand lleva al futuro heredero a importantes actos: subastas de arte, galerías de arte, restaurantes, etc, para demostrar que a todos se les puede convencer de hacer algo, aunque no quieran, si se les paga. Así es como aprende el vagabundo que todo el mundo tiene un precio, sin importar el rango social al que pertenecen.

Film de culto para los fans Beatles, pero es mejor verlo como una serie de sketchs de Monthy Phytom (no en vano está alli parte de dicho equipo) Y aparte de los actores acreditados (Peter Sellers, Ringo Starr, Richard Attenborough, Laurence Harvey, Christopher Lee, Spike Milligan, Roman Polanski, Raquel Welch, Tom Boyle, John Cleese, etc) también hay otros actores famosos, pero sin acreditar como Yul Brynner (el transvesti cantante de cabaret) o Peter Graves (en el bar del barco). John Lennon, Yoko Ono, Jaqueline Kenedy-Onasis y Aristoteles Onasis son imitadores.

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ADIÓS, SABATA (INDIO BLACK)
1971 | Gianfranco Parolini

Ambientada en México, durante la época del gobierno del emperador Maximiliano I, Sabata es contratado por el líder guerrillero Señor Ocaño para robar un vagón lleno de oro del ejército austríaco. Sin embargo, cuando Sabata y sus socios Escudo y Ballantine capturan el vagón, descubren que no está lleno de oro sino de arena, y que el oro se lo llevó el coronel austriaco Skimmel. Así que Sabata planea recuperar el oro.

A lo largo de la década de 1960, las producciones europeas que querían llegar a un gran público encontraron una nueva fórmula: copiar los estereotipos de los géneros típicamente estadounidenses que ya habían cerrado su ciclo. Así surgieron subgéneros como el péplum o el espagueti wéstern. Aunque este último fue maltratado por la crítica, influenció incluso a las películas de Hollywood, ya que muchos productores empezaron a financiar películas del Oeste al estilo de los de Sergio Leone, su mejor exponente. El personaje de Sabata, en este caso encarnado por Yul Brynner, fue uno de los más famosos del subgénero, junto a Sartana o el pistolero sin nombre encarnado por Clint Eastwood. Interpretado por diferentes actores, Sabata se pasearía por las pantallas hasta en seis películas más.

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LA LUZ DEL FIN DEL MUNDO
1971 | Kevin Billington

Corre el año 1865. El infame pirata Jonathan Kongre (Yul Brynner) tiene la intención de asaltar un faro en el Cabo de Hornos. Junto a sus camaradas, consigue llegar al lugar y asesinar a todas las personas que se encontraban allí, pero Will Denton (Kirk Douglas), un trabajador del faro, logra huir y esconderse en un escarpado acantilado. Ahora que el capitán Kongre ha logrado su objetivo, pretende ejecutar la segunda parte del plan: apagar la luz del faro para hacer naufragar a los barcos y de este modo robarles todo lo que lleven. El avispado Denton, junto a otra joven superviviente llamada Arabella (Samantha Eggar), intentarán impedir que los malvados piratas se salgan con la suya.

Coproducción hispano-suiza que cuenta con un equipo internacional de lo más variado, lo que convirtió el rodaje casi en una torre de Babel. El film, puesto en pie gracias al empeño personal de su protagonista Kirk Douglas, pertenece netamente al género de aventuras y está basado en una de las novelas menos conocidas de Julio Verne. La película se rodó en el Cabo de Creus, donde aún pueden verse los estos del faro, construido y volado expresamente para la película.

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ROMANCE DE UN LADRÓN DE CABALLOS
1971 | Abraham Polonsky

En la Rusia polaca, Stoloff, un cosaco exiliado, se ha hecho con el control de una aldea judía. Los aldeanos viven del robo de caballos y bajo el liderazgo de Kifke. El régimen de Stoloff es tolerado hasta que se apodera de los caballos de la aldea para el ejército ruso. Naomi ha estado en Francia y ha tenido ideas de una revolución e inspira a la ciudad a resistir. Esto mete a Naomi en graves problemas, de los que sólo Kifke y su compatriota Zanvil pueden rescatarla. Zanvil está muy motivado ya que está enamorado de Naomi.

Adaptación de una novela de Joseph Opatoshu -padre del guionista y actor- que ìue la última realización de Abraham Polonsky. Ambientada en Polonia en 1904, desarrolla una trama de aventuras con un trasfondo político y ciertas inflexiones líricas. El resultado no es redondo pero desprende el atractivo de los productos exóticos.

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EL ORO DE NADIE
1971 | Sam Wanamaker

Marshall Cowan y Miller, un mercenario, son capturados por el forajido Catlow y sus hombres. Durante la Guerra Civil, Cowan y Catlow fueron camaradas. Tiempo después las cosas han cambiado y Catlow decide, junto a su equipo, robar un cargamento de oro mexicano de dos millones de dólares. Con la ayuda de Cowan, quien decide no tener en cuenta su relación actual con el forajido, los hombres de Catlow conseguirán hacerse con el botín, aunque no resultará una tarea fácil. Una vez tienen el dinero en su poder, Catlow, sus hombres y sus rehenes viaja con él hasta el territorio de los Apaches, donde éstos le esperarán con los arcos y flechas preparados para batallar a vida o muerte.

Yul Brynner protagoniza esta película del Oeste de coproducción hispano-estadounidense basada en una novela homónima de Louis L'Amour y rodada en los desiertos de Almería. En el filme también intervienen Richard Crenna, que dio vida al coronel Trautman en las tres partes de Rambo; Leonard Nimoy, en uno de sus primeros papeles tras dar vida al célebre señor Spock de la serie "Star Trek", y la bella actriz israelí Daliah Lavi. La cinta fue dirigida por Sam Wanamaker, un secundario habitual de las producciones de Hollywood, que también hizo carrera como realizador de cine y televisión. Con un cierto aire de espagueti wéstern, la cinta contiene suficiente acción como para mantener el interés hasta el final.

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EL TURBULENTO DISTRITO 87
1972 | Richard A. Colla

Los detectives Steve Carella (Burt Reynolds), Meyer Meyer (Jack Weston) y Bert Kling (Tom Skerritt) son parte del equipo del famoso Distrito 87, que está investigando los sucesivos ataques de un peligroso terrorista que asesina políticos mediante bombas. Pero no solo eso, deberán investigar y prevenir los asesinatos de varios funcionarios de alto rango de la ciudad, detener una serie de ataques contra los sin techo de las calles y atrapar al causante de los robos del distrito. Todo ello traerá de cabeza a los agentes, desbordados por la cantidad de conflictos a los que tienen que atender, a menudo sin medios y de la manera más ingeniosa que les es posible, a menudo acompañados de la bella detective Eileen McHenry (Raquel Welch).

Una mezcla entre comedia, drama y thriller, basada en una novela de Ed McBain y repleta del cinismo e incorrección política que caracterizaron al género durante los años 70. En el momento del estreno la cinta fue objeto de cierta polémica pues se la relacionó con varios casos de personas que fueron quemadas vivas igual que sucede con uno de los personajes del filme.

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EL SERPIENTE
1973 | Henri Verneuil

El coronel Aleksey Teodorovic Vlassov (Yul Brynner) es un alto funcionario de la KGB que decide desertar a Francia. Tiene en su poder información clasificada que sería enormemente valiosa para la inteligencia occidental. En concreto, trata de llegar a un acuerdo con el gobierno de los Estados Unidos, que le promete su acogida allí. Vlassov se desplazará a Langley, sede de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) para ser interrogado y comprobada su fiabilidad. Allan Davies (Henry Fonda) y Philip Boyle (Dirk Bogarde) tendrán ese cometido. Una vez allí Vlassov empezará a facilitar información sobre la identidad de agentes enemigos en Europa occidental y de los planes de una operación que pretende llevar a cabo una infiltración en la OTAN. Davies quiere empezar cuanto antes la fase de liquidación de los espías pero los nombres de la lista facilitada por Vlassov empiezan a ser liquidados antes de que ellos hayan dado la orden. ¿Será Vlassov quien realmente dice ser?

Un complejo film de espionaje político que a veces se pierde en diálogos farragosos y algo desordenados. A pesar de todo mantiene un buen tono de intriga, describe muy bien el paranoico ambiente de la Guerra Fría y cuenta con un reparto internacional con Yul Brynner, Henry Fonda, Philippe Noiret y Dirk Bogarde. Contiene una de las grandes melodías de Ennio Morricone.

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ALMAS DE METAL
1973 | Michael Crichton

Ambientada en un tiempo futuro donde la alta tecnología ha permitido la construcción de un parque de atracciones para adultos, llamado Delos, que cuenta con androides como figurantes que casi no pueden distinguirse de los seres humanos. El acceso al parque cuesta 1.000 dólares al día. Aquellos que entran pueden introducirse en cualquier tipo de fantasía, incluido asesinar o tener sexo con androides. El parque se divide en tres micromundos o etapas históricas a los que uno puede teletrasportarse: el Imperio Romano, el Oeste americano y la Europa del Medievo. Dos colegas, Peter y John, llegan de vacaciones a Delos con la intención de vivir aventuras que nunca olvidarán. En una de las atracciones del Lejano Oeste destaca Gunslinger (Yul Brynner), un robot programado para mantener duelos en los que él, en general, suele recibir la peor parte. Pero, de pronto, su mecanismo comienza a fallar.

Film escrito y dirigido por Michael Crichton, que adapta su propia novela; juega con la premisa de las máquinas que escapan al control de sus creadores. La idea serviría para tramas futuras de sus novelas: el parque temático desatado de Parque Jurásico, o la opción de vivir en otra época de Timeline. Una de las mayores originalidades del film es dar el punto de vista de los robots, su visión, para lo que usó de modo innovador el procesado digital de imágenes, algo nunca hecho antes en el cine, y que en los 70 requería muchas horas de ordenador. Los logros supusieron para el film un premio técnico de la Academia de Hollywood.

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NUEVA YORK, AÑO 2012
1975 | Robert Clouse

Nos encontramos en Nueva York en el año 2012. La civilización ha vuelto a su estado más primario y los pocos habitantes que quedan vivos se han organizado en comunas que batallan entre sí salvajemente para conseguir alimentos. Uno de los grupos principales está liderado por Baron, el cual es pacífico y ha desarrollado unas semillas que pueden dar frutos a pesar de la lluvia radiactiva que cae sobre la ciudad. Su grupo enemigo es el liderado por Carrot, el más salvaje. Un día llega un misterioso hombre que se ofrece a proteger a la banda de Baron de todos los demás. ¿Quién será ese extraño individuo que se hace llamar Carson?

Otra cinta catastrofista surgida de los pesimistas años 70. De nuevo, un holocausto atómico ha devastado la sociedad civilizada, dejando a los pocos supervivientes expuestos a la violencia de bandidos y malhechores. La producción cuenta con unos vistosos decorados y sabe sacar provecho de una historia poco novedosa pero lo suficientemente interesante como para mantener cierta tensión. Yul Brynner está correcto como héroe de acción y se ve respaldado por el gran Max von Sydow. Con el paso de los años, este título se ha convertido en una obra de culto para los amantes del género posapocalíptico.

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CON LA IRA EN LOS OJOS
1976 | Antonio Margheriti

Cuando un mafioso es asesinado en Nápoles por los mafiosos de Gennaro Gallo (Giancarlo Sbragia), el sicario retirado Peter Marciani (Yul Brynner) descubre que Gallo fue el responsable del asesinato de su hermano. Viaja de Nueva York a Italia para vengar a su hermano y contrata al delincuente de poca monta Angelo (Massimo Ranieri) para que trabaje para él. Angelo le presenta a Peter a la bailarina Anny (Barbara Bouchet) y tienen una historia de amor. Mientras tanto, el inspector de policía italiano (Martin Balsam) intenta, sin éxito, anticipar el movimiento de Peter.

Fallido film del italiano Antonio Margheriti, cuyo único interés puede ser ver a Yul Brynner en la pantalla. Pero el torpe guión y la nula complicidad con la actriz, Bouchet, llevan al traste la cinta. Se dice que se llevaron fatal durante todo el rodaje. Los hermanos De Angelis, asiduos de las películas de Bud Spencer como El súper poli o ¡Puños fuera!, ponen la música en este film. Yul Brynner y Barbara Bouchet , que interpretan a los amantes en la película, no se llevaban bien. Bouchet estaba con Brynner en su camerino repasando líneas cuando se quitó los calcetines sucios y se los arrojó a la cara de la señora del vestuario. "Lávalos", le dijo. A Bouchet no le gustó nada eso. Entonces, cuando descubrió que él era supersticioso con los claveles, envió de forma anónima un gran ramo de claveles a su camerino.

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MUNDO FUTURO
1976 | Richard T. Heffron

Delos es un parque temático de increíble tecnología que ofrece a sus visitantes pasar unas vacaciones en la antigua Roma, la época medieval o el salvaje oeste, recreados con todo lujo de detalles y gracias a sofisticados androides. Delos ha sido concebido como el más grandioso complejo artificial para el ocio del mundo. Pero su organización va suplantando progresivamente a los dirigentes y personas influyentes de las principales potencias que lo visitan por réplicas mecánicas que actúan desde entonces a sus órdenes. Hasta que Chuck Browning y Tracy Ballard, dos periodistas que visitan el parque, descubren lo que está sucediendo e intentan denunciarlo.

Secuela de Almas de metal, dirigida por Michael Crichton en 1973. El único que repite en esta cinta es Yul Brynner, en la que fue su última película y retirada del cine. En la cinta interpreta a uno de los robots disfrazado de pistolero, mientras que Peter Fonda y Blythe Danner son los audaces reporteros. Richard T. Heffron se encargó de esta segunda parte, que no supera la original, pero que se alimenta de un intrigante guión. Los efectos especiales y los decorados no han podido superar el paso del tiempo.

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LOST TO THE REVOLUTION
Documental narrado por Yul Brynner
1980 | Tim Forbes

No hay ninguna reseña sobre este documental. Si alguién que esté leyendo este texto y quiera ayudarme a encontrar alguna reseña se lo agradeceré. Muchas gracias.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Yul Brynner - Películas: Películas de Yul Brynner

Imágenes: Imágenes de Yul Brynner - Videos: Más videos de Yul Brynner

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FRANKLIN J. SCHAFFNER

Franklin J. Schaffner

Uno de los grandes directores surgidos de los estudios de televisión

Frankiln J. Schaffner nació el 30 de mayo de 1920 en Tokio, Japón. Fue miembro del ejército estadounidense en el período de la Segunda Guerra Mundial al ser reclutado por la marina, cuando aún no había terminado de estudiar. Luchó al Norte de África y en Europa. Trabajó para Servicios Estratégicos en la Oficina de Estados Unidos en el Lejano Oriente. La obra de este cineasta es principalmente política debido a su experiencia. Una muestra de ello es la película Patton (1970), por la que recibiría 2 Óscar por mejor director y mejor película y otro del Sindicato de Directores. Unido a la generación de la televisión, demostró ser una de las mentes más creativas de los primeros años de la pequeña pantalla, utilizando movimientos de cámara cuando la mayoría de sus colegas mantenían la cámara fija. Contribuyó a grandes programas de la televisión estadounidense, como Studio one in Hollywood, Playhouse 90 y March of time, dirigiendo la gran mayoría de las piezas del mítico, Person to Person, que serviría de inspiración a George Clooney para Buenas noches, y buena suerte (2005), lo que también da buena muestra de lo enraizada que estaba la reivindicación y el activismo crítico en su discurso. Un período muy fructífero en el que, además, recibía sus primeros reconocimientos a través de cuatro premios Emmy. Comenzó a trabajar en el cine en 1963 con Rosas perdidas. Su trabajo continuó con The best man (1964) que tuvo como guionista a Gore Vidal. En 1968 El planeta de los simios fue de gran impacto. Otras de sus obras fueron Nicolás y Alejandra, Papillon y La esfinge. William Goldman lo nombró como uno de los tres grandes directores vivos, al lado de Richard Attenborough y David Lean. Realizó en 1982 Sí, Giorgio un filme que tuvo como actor a Luciano Pavarotti optando a 3 premios Razzie. Llegó a ser presidente del Sindicato de Directores de América. Bienvenido a casa en 1989 fue la última película que dirigió antes de su fallecimiento ese mismo año el 2 de julio y su cuerpo descansa en en el Cementerio Westwood Village, Memorial Park, Westwood, Los Ángeles, California. (FUENTE: https://www.ecured.cu/)

Las películas dirigidas por Franklin J. Schaffner

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Bienvenido a casa (1989)
La esfinge (1980)
La isla del adiós (1977)
Lionheart, corazón de león (1987)
El mejor hombre (1964)

Mi doble en los Alpes (1967)
Nicolás y Alejandra (1971)
Los niños del Brasil (1978)
Papillón (1973)
Patton (1969)

El planeta de los simios (1968)
Rosas perdidas (1963)
El señor de la guerra (1965)
Sí. Giorgio (1982)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net

ROSAS PERDIDAS (1963)
Reparto principal | Joanne Woodward, Richard Beymer, Claire Trevor, Carol Lynley

Lila Green es una mujer madura con bastante inseguridad que trabaja como showgirl en los espectáculos de Madame Olga. Cuando su novio Rick huye con bastante dinero propiedad del establecimiento, Madame Olga dirige su cólera hacia Lila y opta por despedirla y echarla a la calle. Lila se encuentra sin tener donde ir ni tampoco con qué ganarse la vida, así que por el momento se queda en la casa de sus vecinos, en la cual comparte piso con Helen Bard y su hijo adolescente, Kenny. Eventualmente, Lila se obliga a salir a la calle y buscar un trabajo normal con el cual poder llevar una existencia normal y apacible. Sin embargo, el hecho de poco a poco empezar a mirar a su compañero de piso Kenny con otros ojos, y que éste haga otro tanto, desencadenará varios problemas de convivencia. Lila, de hecho, tratará de contener su atracción por él, sin mucho éxito.

Opera prima de Franklin J. Schaffner, un director ampliamente formado en el mundo de la televisión. También supuso el inicio de su fructífera colaboración con el compositor Jerry Goldsmith. Schaffner decidió empezar su periplo en el mundo del cine con la adaptación de una obra de teatro de William Inge, un espectáculo que no gozó de demasiado éxito en su momento. Para ello contó con la participación de actores de la talla de Joanne Woodward y Richard Beymer, que había triunfado dos años antes con West Side Story.

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EL MEJOR HOMBRE (1964)
Reparto principal | Henry Fonda, Cliff Robertson, Edie Adams, Margaret Leighton

También se tituló El mejor candidato. Elecciones primarias en Estados Unidos. El intelectual William Russell y el sensato Joe Cantwell son los favoritos para una nominación del partido que casi con certeza significará la presidencia. Cantwell está dispuesto a usar cualquier cosa para lograr su objetivo, mientras que Russell se ve a sí mismo como un hombre de principios. Ambos hombres necesitan de manera crucial el apoyo del presidente enfermo y, a medida que aumentan los riesgos, cada equipo tiene que decidir hasta qué punto están dispuestos a ensuciarse. El film, inédito en España, se basa en la obra de Gore Vidal, quien también firma el guión. Franklin J. Schaffner capta el gran duelo actoral entre Henry Fonda y Cliff Robertson.

El mejor hombre, segundo largometraje de Franklin J. Shaffner, escrito por Gore Vidal, se sitúa en la convención nacional de un partido político estadounidense que se encuentra en el trance de elegir su candidato a la presidencia, y que, para ejercer adecuadamente como metáfora general, abarca en sus distintos planteamientos características tanto de los demócratas como de los republicanos.

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EL SEÑOR DE LA GUERRA (1965)
Reparto principal | Charlton Heston, Richard Boone, Maurice Evans, Guy Stockwell

En el siglo XI, el poderoso duque William de Ghent envía a su caballero de confianza, Chrysagon, acompañado de una tropa de guerreros, para que entre todos defiendan los asentamientos costeros de Normandía de los saqueos y el pillaje de los invasores frisones. Afligido por Bronwyn, la hija adoptiva de la aldea del viejo Odin, el señor de la guerra está tentado de simplemente cogerla, bajo la costumbre feudal del derecho del señor, pero se da cuenta que se está enamorando, lo que supondrá un gran problema para llevar a cabo sus pretensiones.

Su principal virtud es la creación de una atmósfera enrarecida y turbia, muy acorde con el ambiente medieval de la historia. Edad Media, Brabante, siglo XI. Un caballero normando se convierte en señor feudal de unas tierras extrañas habitadas por hombres semisalvajes. Se enamora perdidamente de Bronwyn, una misteriosa doncella por la que acaba perdiendo el poder y el honor.

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MI DOBLE EN LOS ALPES (1967)
Reparto principal | Yul Brynner, Britt Ekland, Clive Revill, Anton Diffring

Una sólida cinta de espionaje, construida por Franklin J. Schaffner. La intriga crece a mesura que el protagonista investiga a distintos sospechosos y se beneficia del buen trabajo de secundarios como Clive Revill o de la figura del eterno villano, Anton Diffring.

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EL PLANETA DE LOS SIMIOS (1968)
Reparto principal | Charlton Heston, Kim Hunter, Roddy McDowall, Linda Harrison

George Taylor forma parte de una tripulación de astronautas a bordo de una nave espacial -en una misión de larga duración- que se estrella en un planeta desconocido y aparentemente carente de vida inteligente. Sin embargo, pronto se da cuenta de que el lugar está gobernado por una raza de simios inteligentes que esclavizan a los seres humanos.

Cuando los tres tripulantes salen al exterior, no se imaginan lo que van a encontrar. El lugar está habitado por simios que han evolucionado más que los seres humanos, a los que utilizan como esclavos. Cuando el astronauta George Taylor, interpretado por Charlton Heston, descubre la estatua de la libertad medio enterrada en la arena, constata algo terrorífico. No están en otro planeta, sino en la Tierra, en un futuro en el que ha ocurrido algo, probablemente una explosión atómica, que ha hecho retroceder en la evolución al ser humano. Este mensaje fue la verdadera clave del éxito de la cinta, en plena era de neurosis nuclear, pues provocó un tremendo impacto e hizo reflexionar a los espectadores sobre los peligros de la carrera de armamento.

Uno de los grandes títulos de la ciencia ficción que, por desgracia, se vio sombreado por las cuatro secuelas, cada vez más mediocres, que aprovecharon su éxito comercial. Sobre una novela de Pierre Boulle.

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PATTON (1969)
Reparto principal | George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young, Karl Michael Vogler

Esta película biográfica narra las acciones que George S. Patton, general del Ejército de los Estados Unidos, realizó durante la Segunda Guerra Mundial. La película comienza con el controvertido discurso que, según los historiadores, impartió el general a los soldados antes de ir a la guerra. El carácter altivo de Patton hace que hasta los altos dirigentes nazis le teman ya que, entre otras muchas hazañas, ha conseguido vencer en el norte de África al poderoso mariscal alemán Erwin Rommel. De este modo comienza a adentrase por toda Europa con sus tropas logrando cada vez más prestigio gracias a sus victorias. El general además de ser un gran estratega, posee un gran don para la oratoria lo que le hace más popular si cabe. En sus discursos se puede percibir su odio hacia el comunismo y hacia los británicos. Será en el momento de su fallecimiento, presuntamente en un accidente de tráfico en Alemania, cuando se empiecen a levantar sospechas sobre las verdaderas causas de su muerte.

Uno de los filmes documentales de mayor monumentalidad jamás producidos, con una duración de casi tres horas. Candidata a diez premios Óscar, la cinta ganó siete estatuillas y le dio a su protagonista, George C. Scott, el mejor papel de su carrera. Scott dio vida al personaje con tanta integridad y convicción que no dejó otra opción al espectador que quedar fascinado frente a un hombre que se encontraba siempre en el umbral entre el infierno y la gloria. Filmado con toda clase de medios, en una docena de localizaciones europeas, Patton no presenta la guerra como un acontecimiento noble, aunque no ignora que se trata de un hecho histórico en el que abundan los héroes. Así, gracias a la ambición del director y al gran trabajo del actor principal.

Esta película supuso la consagración de Francis Ford Coppola como guionista y, propició su salto a la dirección. Según sus propias declaraciones, si retrataba al general tal como era, habría acabado con su reputación, pues era un hombre demasiado extraño. Por esta razón, prefirió retratarle como chapado a la antigua, lo que produce en las personas que tiene alrededor –y en los espectadores– una curiosa mezcla entre perplejidad y admiración.

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NICOLÁS Y ALEJANDRA (1971)
Reparto principal | Michael Jayston, Janet Suzman, Ania Marson, Lynne Frederick

Una historia centrada en los años oscuros del poderoso imperio ruso. Desde finales del siglo XIX, el imperio ruso está en declive. La precaria situación del numeroso campesinado, las florecientes reivindicaciones del proletariado, y la corrupción y la opresión desde el poder, desembocarán en la sangrienta Revolución Rusa, en 1917. Michael Jayston interpreta al Zar Nicolás, dueño de un territorio que representa la sexta parte del planeta, y gobernador de un país temible habitado por gente pasional y temperamental. Janet Suzman interpreta a la Zarina Alejandra. Ninguno de ellos podrá luchar contra su cruel destino, y morirán junto a sus hijas y su hijo, como consecuencia de la locura revolucionaria.

Una película de carácter épico, basada en el libro de Robert K. Massie. El film cuenta con un excelente equipo de intérpretes y con notables escenarios, que recrean con brillantez una época turbulenta. De hecho la película le valió un Oscar al director artístico español Gil Parrondo.

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PAPILLÓN (1973)
Reparto principal | Steve McQueen, Dustin Hoffman, Victor Jory, Anthony Zerbe

Henri Charriere "Papillon" ha sido encarcelado erróneamente, según él, por el asesinato de un proxeneta de modo que es enviado a una prisión de la Guayana Francesa. Una vez en la penitenciaría, salva la vida de uno de los compañeros presos, un hombre que se hace llamar Louis Dega, un falsificador de documentos, que demostrará su valía ante Papillon a la hora de ayudarle a escapar de la cárcel trazando juntos un plan de fuga y en el negocio del contrabando de frutos cuando este es confinado en una celda de aislamiento. Uno de sus planes parece ser el más efectivo: se hacen pasar por leprosos y son enviados a un campamento indígena donde supuestamente deberían ser curados, pero son traicionados y…

Una de las películas más famosas de Franklin J. Schaffner, realizada en un momento en que el director gozaba del beneplácito del público tras éxitos como El planeta de los simios o Patton. En esta ocasión, y gracias al prestigioso guionista Dalton Trumbo, Schaffner adaptó a la gran pantalla la novela autobiográfica de Henri Charrière, donde el exprisionero explicaba sus trece años pasados en las cárceles de la Guayana Francesa. Protagonizada por una pareja estelar, formada por Steve McQueen y Dustin Hoffman, Papillon consiguió el mismo éxito comercial que la novela de la que partía.

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LA ISLA DEL ADIÓS (1977)
Reparto principal | George C. Scott, David Hemmings, Gilbert Roland, Susan Tyrrell

Thomas Hudson es un rico y aburrido artista que vive en Bimini, una isla situada en las Bahamas. Allí pasa los días, bebiendo alcohol y pescando. Thomas tendrá una visita inesperada, los hijos de sus ex-mujeres aparecen en su paraíso. El hijo mayor, Tom, intenta mantener una relación más cercana con su padre. Pero la afectuosa relación que se está fraguando entre padre e hijo se rompe por culpa del estadillo de la Segunda Guerra Mundial. Tom deberá ayudar a las tropas de RAF. Un día, la ex-mujer de Thomas decide hacerle una visita para contarle que su hijo Tom ha muerto. Este acontecimiento deja hundido a Thomas, que decide comenzar a trabajar en el contrabando de refugiados judíos en su isla.

Tras las taquilleras El planeta de los simios, Nicolás y Alejandra y Papillon, el director Franklin J. Schaffner no cosechó el mismo éxito con La isla del adiós, que pasó bastante desapercibida por el gran público. Se trata de la adaptación de la última novela de Ernest Hemingway, publicada póstumamente, y en la cual, el protagonista toma conciencia de la lucha por la libertad durante la Segunda Guerra Mundial. Este alter ego de Hemingway está interpretado en el filme por George C. Scott, quien ya había coincidido con Schaffner en “Patton”, y que ofrece una de las mejores actuaciones de su carrera. Destaca también la fotografía de Fred J. Koenekamp, realizada en sistema Panavisión, que obtuvo una nominación al Oscar.

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LOS NIÑOS DEL BRASIL (1978)
Reparto principal | Gregory Peck, Laurence Olivier, James Mason, Lilli Palmer

Tras la derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial, el doctor Mengele, un conocido médico nazi famoso por sus brutales experimentos sobre humanos, busca refugio en Brasil. Allí, y con la ayuda de algunos fieles seguidores, continúa experimentando con personas. Sin embargo, el americano Barry Kohler comienza a sospechar de él y se pone en contacto con el cazador de nazis Ezra Liebermann, que comienza a investigarle.

Basada en un best-seller de Ira Levin, la película juega con la plausibilidad de los hechos contados para desconcertar al espectador. De hecho, los dos personajes principales se basan en dos personas reales: el doctor Joseph Mengele, responsable de atroces experimentos genéticos con judíos y que aún vivía cuando se rodó la película; y Simon Wiesenthal, un célebre cazador de nazis que, tras sufrir la experiencia de los campos de concentración, entró a formar parte de la comisión creada para investigar los crímenes de guerra y en cuya persona se inspira el personaje de Ezra Lieberman. Estos dos personajes están interpretados, respectivamente, por Gregory Peck y Laurence Olivier. Éste último recibió una nominación al Oscar, al igual que Jerry Goldsmith por su banda sonora.

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LA ESFINGE (1980)
Reparto principal | Lesley-Anne Down, Frank Langella, Maurice Ronet, John Gielgud

Erica Baron es una arqueóloga embarcada en la búsqueda de una milenaria tumba egipcia. Su investigación se convierte en una peligrosa aventura en la que muchas personas parecen estar dispuestas a sacrificarse por mantener el secreto a salvo, al tiempo que otras mueren tratando de desvelarlo. En El Cairo, Erica es testigo de cómo unos hombres matan al propietario de una tienda de antigüedades, Abdu Hamdi, y roban una estatua. La arqueóloga intenta averiguar quién está detrás de este crimen y se convierte a su vez en objetivo de los asesinos. Erica conoce, además, a un atractivo egiptólogo local, Ahmed Khazzam, del que se enamora.

Película de aventuras y misterio fruto de la adaptación para la gran pantalla, de la mano de John Byrum, de la novela de Robin Cook. Encabeza el reparto Lesley-Anne Down, actriz que se ha prodigado poco en el cine, aunque sí ha triunfado en la televisión, especialmente a partir de su papel de Lady Georgina Worsley en la serie británica "Arriba y Abajo". Junto a Down aparece el nombre del actor Frank Langella, galán en los años setenta y especializado en papeles de villano, que le han garantizado un puesto en Hollywood como actor secundario de lujo.

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SÍ, GIORGIO (1982)
Reparto principal | Luciano Pavarotti, Kathryn Harrold, Eddie Albert, Paola Borboni

Un famoso cantante de ópera, Giorgio Fini, pierde la voz durante una gira por Estados Unidos. Acude a una especialista en garganta, Pamela Taylor, de quien se enamora.

La estrella de cine Luciano Pavarotti se negó a trabajar más de doce horas al día y también se negó a trabajar después de las 8 de la noche. En el set, insistió en que sólo lo filmaran en ángulos que lo hicieran parecer más pequeño. Al parecer, hizo tantas exigencias que los miembros del equipo comenzaron a llamar en broma a la película "No, Luciano" (una parodia del título real "Sí, Giorgio").

Se sabe que una escena fue eliminada de la película. Cuando Luciano Pavarotti (Giorgio Fini) cena con Pamela (Kathryn Harrold) en Copley Plaza, baila con ella y la moja. Esta escena está presente en las tarjetas de lobby en color originales de la película. Según la edición del 12 de agosto de 1981 del periódico especializado en espectáculos 'Variety', la coreógrafa Miriam Nelson coreografió un número de baile entre la pareja, pero no figura en los créditos de la película. Como se eliminó una secuencia de baile, y esta probablemente fue la coreografiada por Nelson, esto explicaría por qué ella no aparece en la película terminada.

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LIONHEART. CORAZÓN DE LEÓN (1987)
Reparto principal | Eric Stoltz, Gabriel Byrne, Nicola Cowper, Dexter Fletcher

Edad Media. Un grupo de muchachos se reúnen en una zona boscosa del noroeste de Francia. Dirigidos por el aguerrido Robert y por su amiga Blanche, entre los que surge una relación amorosa, los chicos deciden ir a París con la intención de ver a Ricardo Corazón de León. Durante el viaje a caballo, quizá tengan que hacer frente al "Príncipe Negro", el enemigo mortal de Ricardo.

Lionheart fue una película de gran presupuesto. Se filmó en Hungría y Portugal, utilizando varios castillos y cientos de niños eslavos contratados como extras. La película fue la penúltima película de Schaffner y representó la colaboración final entre el director y su amigo Jerry Goldsmith (juntos trabajaron anteriormente en El planeta de los simios, Patton, Papillón y Los niños del Brasil).

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BIENVENIDO A CASA (1989)
Reparto principal | Kris Kristofferson, JoBeth Williams, Sam Waterston, Brian Keith

El Teniente Jake Robbins es un oficial de la Fuerza Aérea norteamericana que combate en Camboya durante la Guerra de Vietnam. En una de sus misiones su avión es derribado y él es dado primero por desaparecido y luego por muerto. Diecisiete años después, cuando su esposa Sarah ha rehecho su vida con un nuevo marido, vuelve a casa para intentar rehacer todo lo que dejó detrás, descubriendo que él es el verdadero padre del hijo adolescente de este matrimonio, aunque él en Tailandia tiene una nueva familia, con una esposa y dos hijos que han sido internados en un campo de refugiados. El arreglar su pasado supondrá hacer la paz con sus seres queridos del pasado e intentar reunirse con su familia camboyana del presente.

Este drama, producido directamente para la televisión, estructura su argumento entorno a la figura de Jake, mostrándolo como un inconveniente para todos y cada uno de los personajes del filme, y centrándose, sobre todo, en la figura del hijo. Se trata del último trabajo del director Franklin J. Schaffner, que murió justo después de rodarla y no pudo participar ni en la postproducción.

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Premios y nominaciones

Año	Premio/Asociación	Categoría	Trabajar	Episodio	Resultado
1955	Premio Emmy	Mejor dirección	Estudio uno	" Doce hombres enojados "	Ganador
1956		Mejor dirección	Jubileo de la estrella Ford	" El consejo de guerra del motín de Caine "	Ganador
1956		Mejor adaptación televisiva	Jubileo de la estrella Ford	" El consejo de guerra del motín de Caine "	Ganador
1961	Premio del Sindicato de Directores de América	Logro destacado como director en televisión	Casa de juegos 90	"El día cruel"	Nominado
1962	Premio Emmy	Logro destacado como director en drama	Los defensores	Varios	Ganador
1963	Premio del Sindicato de Directores de América	Logro destacado como director en televisión	Un recorrido por la Casa Blanca con la Sra. John F. Kennedy	—	Nominado
1964	Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary	Globo de cristal	El mejor hombre	—	Nominado
1964	Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary	Premio especial del jurado	El mejor hombre	—	Ganador
1971	Premios de la Academia	Mejor director	Patton	—	Ganador
	Premios Globo de Oro	Mejor director		—	Nominado
	Premio del Sindicato de Directores de América	Mejor director		—	Ganador
1979	Premios Saturno	Mejor director	Los niños de Brasil	—	Nominado
2008	Premio Julio Verne	Premio Legendario	El planeta de los simios	—	Ganador

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El planeta de los simios (1968),
de Franklin J. Schaffner, cuarenta años después

Beatriz Pinilla

El año 1968 fue inolvidable para aquellos que lo recuerdan. Seguramente, al decir esa fecha, el mayo francés viene a la mente de la mayoría... Sin embargo, 1968, fue un año de cambio en casi todos los ámbitos. El 5 de enero, en Checoslovaquia comenzaba la Primavera de Praga, el 31 de enero, soldados del Viet-cong atacaban la embajada americana en Saigón (Vietnam) a lo que, el 16 de marzo, las tropas estadounidenses contestaban con la masacre de My Lay. El 4 de abril, Martin Luther King es asesinado y el 6 de junio, moría Robert F. Kennedy y el 2 de octubre, en Méjico se produce la matanza de estudiantes de Tlatelolco. Al hablar de cine, 2001: Una Odisea del espacio de Kubrick ocupará el pensamiento de todos, pero a finales de marzo de ese año, ve la luz, la que hoy se ha convertido en un clásico de su género: El Planeta de los Simios. Su trama, responde perfectamente a las inquietudes y realidades que el mundo occidental vivía en aquellos años. La guerra fría, el miedo, el evolucionismo, la rebeldía... combinados en 112 minutos de acción futurista. He decidido incluir en este apartado la sinopsis tanto de la novela de 1963, como de la película de 1968, por las siguientes razones: la proximidad temporal entre las dos concepciones del tema (cinco años de diferencia) y por que el autor de la novela es el asesor de guión de la película.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Franklin Schaffner - Películas: Películas de Franklin Schaffner

Imágenes: Imágenes de Franklin Schaffner - Videos: Más videos de Franklin Schaffner

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JOSEPH L. MANKIEWICZ

Joseph L. Mankiewicz

Considerado un gran creador de diálogos y experto en adaptaciones literarias

El cine cuenta historias, y sus protagonistas son personas. Joseph L. Mankiewicz nunca lo olvidó, ya transitara por comedia, thriller, drama, western o musical, ya ejerciera de productor, guionista, y/o director. Joseph L. Mankiewicz (1909-1993) nació en Wilkes-Barre, Pensilvania. Como su hermano Herman, Oscar por el guión de Ciudadano Kane, fue corresponsal del Chicago Times en Berlín en los años 20, y por su conocimiento del idioma se hizo rotulista de filmes alemanes. Al final de esa década partió a Hollywood. Productor antes que guionista y director, funciones que Mankiewicz anhelaba ejercer, Louis B. Mayer le encomendó funciones de producción, explicándole que “es necesario gatear antes de ponerse a andar”. Y sí, el cineasta tuvo mejor visión de la ‘partida cinematográfica’ gracias a su producir filmes de la talla de Furia (Fritz Lang, 1936), Tres camaradas (Frank Borzage, 1938), Historias de Filadelfia (George Cukor, 1940) y La mujer del año (George Stevens, 1942). Pero ya en 1931 se destaca como argumentista en A todo gas, con W.C. Fields. Y empieza a escribir, y a escribir, y a escribir, en Alicia en el País de las Maravillas (1933), El enemigo público número 1 (W.S. Van Dyke, 1934) y El pan nuestro de cada día (King Vidor, 1934). Así llega Las llaves del reino (John M. Stahl, 1944), según la obra de A.J. Cronin, primer film en que figura a la vez como guionista y productor. Su amor por la palabra, su facilidad e ingenio para los diálogos, eran proverbiales. Así, al conocerse Katharine Hepburn y Spencer Tracy, ella dijo “Me temo que soy algo alta para usted, señor Tracy”. Mankiewicz, presente, replicó: “No te apures, Kate, pronto te cortará a su tamaño”. La mala salud de Ernst Lubitsch llevó a Mankiewicz a debutar como director en El castillo de Dragonwyck (1946). En este film, y en los que siguen con él tras la cámara, destaca su esfuerzo por mostrar personas: “Intento no distorsionar la vida o la conducta de los seres humanos confiriéndoles, por medio de la técnica, una forma preconcebida”, dijo. Frente a otros cineastas como Clint Eastwood, que dan un tono fatalista a sus historias, Mankiewicz apuesta por la libertad humana. Lo señalaba Eric Rohmer al hablar de El americano tranquilo (1958): “Desde el momento en que la voluntad se establece como parte principal de la intriga, los héroes ya no son los seres inertes marcados por coordenadas inalterables de la novela [de Graham Greene]”. Son fabulosas sus exploraciones del teatro (Eva al desnudo, 1950) y el cine (La condesa descalza, 1954). Sus retratos femeninos son delicadísimos en esos filmes, y también en El castillo de Dragonwyck, El fantasma y la señora Muir (1947), Carta a tres esposas (1949), De repente, el último verano (1959), Cleopatra (1963) y Mujeres en Venecia (1967). Y en retratos de hombres no va a la zaga El mundo de George Appley (1947), Odio entre hermanos (1949), la shakespeariana Julio César (1953) y La huella (1972). Su puesta en escena es elegante y sin alardes, al servicio de la historia y los personajes. “Creo que puede decirse que he estado en el inicio, ascenso, pico, colapso y fin de las películas habladas.” Esta frase de Mankiewicz dice mucho de su pena por el declive del cine, más preocupado en los efectos especiales que en construir una buena historia. Así se entiende el cinismo del western carcelario El día de los tramposos (1970) y de la adaptación de la obra de Shaffer La huella, donde el enfrentamiento entre esposo mayor (Laurence Olivier) y amante joven (Michael Caine) bien podía entenderse en clave generacional y cultural. (FUENTE: https://decine21.com/)

Las películas dirigidas por Joseph L. Mankiewicz

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

El americano tranquilo (1958)
Canción para otra navidad (1964)
Carta a tres esposas (1949)
El castillo de dragonwyck (1946)
Cleopatra (1963)
La condesa descalza (1954)
De repente, el último verano (1959)
El día de los tramposos (1970)

Ellos y ellas (1955)
Escape (1948)
Eva al desnudo (1950)
El fantasma y la señora Muir (1947)
La huella (1972)
Júlio César (1953)
King: a filmed record (1970)
Mujeres en Venecia (1967)

El mundo de George Apley (1947)
Murmullos en la ciudad (1951)
Odio entre hermanos (1949)
Operación Cicerón (1952)
Un rayo de luz (1950)
Solo en la noche (1946)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net

EL CASTILLO DE DRAGONWYCK (1946)
Reparto principal | Gene Tierney, Walter Huston, Vincent Price, Jessica Tandy

1844. Una humilde familia de puritanos de Connecticut recibe una carta de un pariente rico proponiendo a una de las hijas el trabajo de niñera en una gran mansión. Miranda, inocente y alegre, acepta ilusionada la proposición, y pese a la oposición de su padre, marcha a trabajar como institutriz al castillo de Dragonwyck, en el que residen su primo Nicholas Van Ryn con su esposa Johana y su hija, Katrine. Al llegar queda deslumbrada por la suntuosidad de la mansión, pero pronto sus primeros temores quedan disipados por los preparativos de una gran fiesta. Inesperadamente, la fiesta se interrumpe cuando un hombre intenta asesinar a Nicholas Van Ryn, lo que es impedido por el doctor Jeff Turner.

Primera película dirigida por Joseph L. Mankiewicz, tras una larga carrera como guionista y productor. Mankiewicz se hizo cargo del filme, que él mismo había escrito a partir de una novela de Anya Seton, a última hora, sustituyendo a Enerst Lubitch, el director previsto, que se había puesto enfermo. Se trata de una historia gótica, en la que Mankiewicz apunta ya un gran talento para crear una atmósfera inquietante con una admirable progresión dramática.

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SOLO EN LA NOCHE (1946)
Reparto principal | John Hodiak, Lloyd Nolan, Richard Conte, Richard Benedict

Un combatiente de la Segunda Guerra Mundial se despierta amnésico y sin capacidad de hablar. No recuerda quién es, pero prefiere no decirlo para volver enseguida a casa. Con el nombre de George Taylor, y una vez recuperado el habla, marcha al hotel donde se alojaba antes de la guerra, lo que le conducirá a un garito nocturno. Allí se ve enredado en una complicada madeja de la que la memoria no guarda registro alguno: un tipo dice haber ingresado una importante suma en su cuenta, y Taylor empieza a temer que en su vida anterior ha podido haber estado implicado en alguna acción criminal.

Se trata de una trama de cine negro con todos los elementos del género, bastante enrevesada, pero que funciona bien. Se juega bien con las dudas morales del protagonista, y los diversos secundarios, matones, el tipo de la bola de cristal, el poli, distintas féminas, el demente... Los actores no son especialmente conocidos, pero cumplen a la perfección, con mención especial para Richard Conte, en un personaje que desprende encanto en su ambigüedad.

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EL MUNDO DE GEORGE APLEY (1947)
Reparto principal | Ronald Colman, Vanessa Brown, Richard Haydn, Charles Russell

Boston, 1912. Los Apley son una familia de rancio abolengo, no se juntan con cualquiera. O eso supone George, el patriarca del clan. Porque lo cierto es que sus vástagos John y Eleanor han empezando han mantener sendas relaciones sentimentales con personas de modesta condición, pero de las que están rendidamente enamorados. La que más sale perdiendo en este asunto es Agnes, prima de John y candidata oficial a ser su esposa.

Tras pasar con éxito por Broadway la versión teatral de la novela ganadora del Pulitzer de John P. Marquand, Joseph L. Manckiewicz la convirtió en película. El film es un eficaz divertimento que sabe tirar afilados dardos a las artificiales barreras de clase. Ronald Colman entrega una de las mejores composiciones de su carrera, está especialmente divertido.

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EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR (1947)
Reparto principal | Isobel Elsom, Rex Harrison, Natalie Wood, Vanessa Brown

Después de morir su marido, Lucy Muir decide irse a vivir a un caserón cerca del mar. El lugar parece idílico, pero está encantado por el fantasma de un capitán de barco, Daniel Gregg, que vivió allí tiempo atrás. El fantasma del capitán se le aparece, una y otra vez a Lucy, a la que le asusta bien poco su presencia. El espíritu utiliza todo tipo de trucos para asustar a la mujer y que se vaya del lugar que el marinero todavía considera su casa. Los anteriores inquilinos huían despavoridos, pero con Lucy no funciona. Finalmente, el espectro opta por entablar amistad con la nueva inquilina.

La película es una triste elegía sobre el amor frustrado y el tiempo perdido y al mismo tiempo, una reivindicación sobre ambos. Encaja por momentos en el género de la comedia, de terror o de drama, pero destaca ante todo por ser una obra romántica.

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ESCAPE (1948)
Reparto principal | Rex Harrison, Peggy Cummins, William Hartnell, Stuart Lindsell

Un detective intenta arrestar a una prostituta y en el forcejeo un hombre acude al auxilio de la chica, terminando el detective muerto tras los golpes recibidos, por lo que este hombre es arrestado y condenado.

Ha sido y sigue siendo, el film ignorado por excelencia en la filmografía de Joseph L. Mankiewicz. Durante décadas todos aquellos que hemos transitado la andadura del director de Mujeres en Venecia, 1967, intentamos acceder a una producción que suponía, además, la segunda de las cuatro obras que dirigió con el protagonismo de Rex Harrison, quizá el intérprete que mejor conectó con la mirada cínica e incluso llena de misantropía que extendió en el conjunto de su obra. Se trata además del título que rodó en el seno de la 20th Century Fox tras su memorable El fantasma y la Sra. Muir, 1947. Motivos sobrados para acercarnos a este film invisible durante largos años, del que muy pocos –ni siquiera sus propios artífices- se detenían demasiado a la hora de comentar sus características. Parecía que nos encontrábamos ante una película de la que nadie quería hablar. Casi un corpúsculo molesto en la obra de un realizador considerado intocable. Y no toda la obra de Mankiewicz alcanza esa alta estima que le atribuyen sus admiradores. Son varios los títulos que ratificarían esa por otra parte lógica irregularidad, extensible a otros sobrestimados exponentes.Tras contemplar Escape, es fácil comprender ese oscurantismo que ha recaído sobre la misma a lo largo del tiempo, hasta convertirla en una película casi invisible. Quizá lo sea ese claro aspecto de serie B, que podría resultar ‘indigno’ en la obra de un cineasta ya consolidado dentro de la nómina del estudio de Zanuck. Nos encontramos ante la que fue la primera película estadounidense rodada en territorio británico, y, en cierta medida, es ese un valor suplementario que con el paso del tiempo fue imitado –con mayor o menor fortuna- por muchas otras producciones posteriores. FUENTE: https://thecinema.blogia.com).

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CARTA A TRES ESPOSAS (1949)
Reparto principal | Jeanne Crain, Linda Darnell, Ann Sothern, Kirk Douglas

Deborah Bishop, Rita Phipps y Lora Mae Hollingsway son tres mujeres felizmente casadas. Durante han pensado que sus matrimonios eran perfectos, y como tal han actuado... hasta ahora. Todo cambia de la noche a la mañana cuando una cuarta amiga, Addey Ross, desaparece dejando tan solo una nota. La sorpresa es mayúscula al leer la carta, que termina con una frase escueta pero directa: "Me marcho de la ciudad con uno de vuestros maridos". A partir de ese momento cada una las tres mujeres comenzará a preguntarse si será ella la abandonada. De esta forma salen a la luz sus temores, inseguridades y dudas sobre sus matrimonios. A través de flashbacks se recordarán momentos divertidos y dramáticos de los tres matrimonios, mientras la duda permanece en el aire. ¿Cuál de las tres mujeres ha sido abandonada?

Basada en una novela de John Klempner (“Carta a cinco esposas”: se suprimieron dos al pasarla a película), “Carta a tres esposas” reafirmó al director Joseph L. Mankiewicz como uno de los realizadores con más talento de Hollywood. Originalmente, se pensó en que fueran cuatro actrices en vez de tres y Anne Baxter iba a ser la cuarta. Pero, finalmente, los estudios no vieron suficiente profundidad en este personaje y lo suprimieron. El filme es, ante todo, una crítica mordaz a los valores de la sociedad americana, lo que se llamó “The American Way of Life”. Mankiewicz obtuvo dos Oscar de la Academia por el magnífico guión que él mismo escribió y por su dirección. En 1985 se hizo una adaptación para la televisión, en la que, curiosamente, apareció la actriz Ann Sothern, una de las tres esposas en la versión cinematográfica.

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ODIO ENTRE HERMANOS (1949)
Reparto principal | Edward G. Robinson, Susan Hayward, Richard Conte, Luther Adler

Cientos de miles de familias italianas llegaron a la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX en busca de un futuro mejor. Una de esas familias era la de Gino Monetti (Edward G. Robinson), un barbero cuyas aspiraciones van mucho más allá de afeitar los rostros de los hombres que visitan su barbería. Junto a su apocada mujer y sus cuatro hijos, Gino consigue amasar una inmensa fortuna. El sueño americano del que tanto se habla se hizo realidad para la familia Monetti, pero lo que no contaban era que el dinero trae consigo multitud de conflictos familiares.

Escrito por el propio director y el guionista Philip Yordan a partir de la novela "I'll Never Go There Any More" de Jerome Weidman, Odio entre hermanos es un melodrama negro que sería después muy imitado en cuanto a estructura argumental. La película explica las visicitudes de una familia de emigrantes italianos en los Estados Unidos, cuyo padre intenta imponer su despótica visión del mundo sobre los hijos. Para muchos, ésta es una de las mejores cintas de Joseph L. Mankiewicz, y cuenta con un impagable Edward G. Robinson en uno de sus papeles más complejos y oscuros.

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UN RAYO DE LUZ (1950)
Reparto principal | Richard Widmark, Linda Darnell, Sidney Poitier, Stephen McNally

Tras el atraco a una gasolinera, los hermanos Biddle son heridos y trasladados a un hospital. Allí, Ray, un violento racista, se niega a recibir ninguna clase de ayuda por parte del doctor Luther Brooks, porque éste es afroamericano. Cuando su hermano, John, muere en la mesa de operaciones de Brooks, Ray cree que ha sido algo deliberado y planea vengarse. La aparición de un grupo de afroamericanos, también racistas, que pretenden linchar a Biddle, complicará aún más las cosas.

La primera película de Sidney Poitier fue esta historia con el racismo como telón de fondo que estuvo nominada al Oscar al mejor guión original en la edición de 1951. Como en la mayoría de los filmes de su director, el diálogo tiene más fuerza que la acción en sí. A destacar las interpretaciones del debutante Poitier y de un Richard Widmark que sólo sobreactuó lo justo que requería su papel.

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EVA AL DESNUDO (1950)
Reparto principal | Bette Davis, Anne Baxter, Gary Merrill, George Sanders

Margo Channing (Bette Davis) es una de las más grandes estrellas en Broadway, pero a pesar de su éxito está cada día más atormentada por el paso del tiempo. Acaba de cumplir cuarenta años y su esposo, Bill Samson (Gary Merrill), escritor de famosas obras de teatro acaba de descubrir un nuevo talento. Ella es Eva Harrington (Anne Baxter) una joven bella, humilde y que siente una enfermiza idolatría por Margo. Tras contarle a Margo lo mucho que desea parecerse a ella y tener la vida que ha conseguido, Eva le coge cariño, se compadece de ella y termina acogiéndola en su casa. Sin embargo, no se percata de que esta nueva compañía es una amenaza para su carrera y poco a poco la joven comienza a reemplazarla, tanto en el trabajo como en su vida privada. La única que sospecha de Eve es la anciana sirvienta de Margo, Birdie (Thelma Ritter).

Un auténtico clásico de la historia del cine donde el director Joseph L. Mankiewicz propone una mirada entre irónica y cruel a los complejos entresijos que conducen al estrellato y lo efímero que éste resulta ser. Anne Baxter interpreta a una elegante, ambiciosa y perspicaz aspirante a estrella que hará todo lo posible para desbancar a una famosa actriz y así ocupar su lugar. Esta sátira sobre el mundo del teatro que adapta el relato “The Wisdom of Eve” de Mary Orr, consiguió 5 Oscar de la Academia: mejor película, dirección, guion, sonido, vestuario y actor secundario, George Sanders.

Eva al desnudo nació de un argumento que rondaba a Joseph L. Mankiewicz: una mujer pelea a muerte por conseguir un premio parecido al Oscar. Mientras le daba vueltas descubrió un relato de Mary Orr, “The Wisdom of Eva”, publicado en Cosmopolitan en 1946: “Me sirvió de pretexto, McGuffin que diría Hitchcock, hasta que se convirtió en un comentario satírico sobre el mundo del teatro y sus habitantes”. La historia transcurría en el mundo de la escena en que anheló trabajar, aunque la vida le llevó al cine, donde se labró una sólida reputación. Su complejo de culpa lo trasladó al personaje de Eva, dispuesto a marchar a Hollywood tras ganar su premio.

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MURMULLOS EN LA CIUDAD (1951)
Reparto principal | Cary Grant, Jeanne Crain, Finlay Currie, Hume Cronyn

El doctor Noah Praetorius es un ginecólogo reconocido y exitoso que posee su propia consulta médica y mantiene un puesto de profesor en la universidad, donde también ejerce de director de orquesta. Está convencido de que la medicina no es solamente una ciencia técnica, sino que también está muy influida por las emociones, de modo que el bienestar de los pacientes depende en gran parte de su estado emocional, por lo que se incide mucho en ese aspecto con los que son ingresados en su clínica. Noah está enfrascado en llegar hasta el fondo de los problemas personales de Deborah Higgins, su última paciente, cuando uno de los mayores detractores de su visión de la práctica médica, el doctor Rodney Elwell, amenaza con denunciarlo ante la junta disciplinaria de la universidad por comportamiento indebido.

Esta película, es una comedia romántica, un divertimento inteligente que dio a Mankiewicz la posibilidad de trabajar con Cary Grant, que por entonces estaba en su cénit como actor. La película se puede entender como una parábola contra la caza de brujas que por entonces asolaba Hollywood.

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OPERACIÓN CICERÓN (1952)
Reparto principal | James Mason, Danielle Darrieux, Herbert Berghof, Walter Hampden

Durante la Segunda Guerra Mundial, Ulysses Diello, el asistente del embajador inglés en Ankara (Turquía) vende secretos británicos a los espías alemanes de los nazis mientras trata de enamorar a una condesa polaca que está refugiada en la ciudad y con la que planea huir a Sudamérica una vez que haya conseguido reunir suficiente dinero. La película cuenta la historia real de Elyesa Bazna, uno de los espías más famosos de la Segunda Guerra Mundial. El agente, de origen albanés, trabajó para los nazis entre 1943 y 1944, mientras estaba empleado como secretario del embajador británico en Turquía, Sir Hughe Montgomery Knatchbull-Hugessen. Usó el nombre en clave Cicerón. Se dedicaba a fotografiar documentos de alto secreto y convertirlos en películas que hacía llegar a Franz von Papen, el excanciller alemán, en aquel momento embajador alemán en Ankara.

Una historia basada en hechos reales, llevada al cine con la habitual maestría de Joseph L. Mankiewicz, especialmente en los diálogos. Quizás peque de escesiva duración, pero ella queda compensado con el aumento de ritmo y de tensión que experimenta el filme en su parte final. James Mason hace el que es quizá el papel de su vida. Pero destaca además la francesa Danielle Darrieux, musa de los mejores títulos de Max Ophuls.

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JULIO CÉSAR (1953)
Reparto principal | Marlon Brando, Louis Calhern, Deborah Kerr, James Mason

A finales de la época de la República, Casio, Bruto y otros altos cargos romanos, asesinan a Julio César, cuando consideran que su ambición conducirá a Roma a la tiranía. Los ciudadanos romanos apoyan a los conspiradores hasta que Marco Antonio, el hombre de confianza de César, hace un emotivo discurso. Entonces, en Roma se forman dos bandos: por un lado, los que siguen a los conspiradores y, por el otro, los hombres de Antonio.

Adaptación de la obra que creó William Shakespeare, 'Julio César' narra la historia de un emperador romano tras terminar la guerra con Pompeyo, entre los años 49 y 46 a. C. César alcanza el poder y sobre sus manos recae el peso de todo un imperio, haciendo que caiga la República. Casio y Bruto, dos nobles que defienden la libertad, se conjurarán para acabar con la vida del líder totalitario justo dos años después de que César alcance la gloria. Será Marco Antonio, con un discurso cargado de hipocresía y demagogia, el que intente calmar a las masas, que claman contra el régimen dictatorial del tirano. La película cuenta con un brillante guión, diálogos espléndidos (el discurso de Marco Antonio a cargo de Brando es verdaderamente memorable), magníficos decorados y la interpretación de grandísimos actores, sobre todo británicos.

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LA CONDESA DESCALZA (1954)
Reparto principal | Ava Gardner, Humphrey Bogart, Edmond O'Brien, Marius Goring

El poco afortunado Harry Dawes (Humphrey Bogart), veterano director y guionista de cine, se ha rebajado hasta límites insospechados. Actualmente trabaja para el abusivo magnate Kirk Edwards (Warren Stevens), a quien se le acaba de antojar producir una película que satisfaga su propio ego. Durante la búsqueda de la actriz principal, descubren en un club nocturno de Madrid a la asombrosa bailarina María Vargas (Ava Gardner), una alegre y vanidosa joven a la que le gusta ir descalza y que lleva a cuestas una problemática vida doméstica. En su encuentro, María siente un rechazo casi instantáneo hacia Kirk, pero Harry, cuyo trabajo conoce, le cae bien y le da confianza. Gracias a su pericia y a la ayuda de su "hipócrita" publicista Oscar Muldoon (Edmond O'Brien), el debut de María en la gran pantalla es un enorme éxito. Por su parte, Kirk trata de controlar la vida amorosa y personal de la actriz.

La película La condesa descalza inicia con un funeral, seguido de una serie de retrospectivas que dan a conocer a la protagonista. Mankiewicz realiza caricaturas de ciertas personas del mundo cinematográfico. Por ejemplo, el papel de la condesa, interpretado por Ava Gardner, está inspirado en Rita Hayworth; el productor millonario es, en realidad, Howard Hughes; y también hay cierta similitud con el duque de Windsor en uno de los personajes del filme. El guión, escrito por el director Joseph L. Mankiewicz, fue nominado por la Academia de Hollywood, que concedió un Oscar como actor secundario a Edmond O'Brien. Como en Eva al desnudo, el relato se estructura a partir de una ceremonia que se desarrolla en el presente, y mediante sucesivos flash backs con voces en off de los distintos personajes relacionados con la protagonista, Mankiewicz recompone y cuenta la vida de María. Una película de contenido denso, altamente dramático, con unos personajes muy interesantes que señalan continuas referencias al mundo del cine.

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ELLOS Y ELLAS (1955)
Reparto principal | Marlon Brando, Jean Simmons, Frank Sinatra, Vivian Blaine

Sky Masterson, un gangster de Nueva York, acepta la apuesta que le propone Nathan Detroit, el organizador de las partidas de dados más selectas de la ciudad, según la cual deberá ser capaz de seducir a una joven puritana que pertenece al Ejército de Salvación.

Una rareza en la filmografía de Joseph Mankiewicz (su primera y única incursión en el género del musical), basada en una exitosa comedia musical de Broadway de la que el productor Samuel Goldwyn compró los derechos y encargó la adaptación a la gran pantalla. Goldwyn tenía la intención inicial de ofrecer el papel protagonista a Gene Kelly, pero éste, bajo contrato con la Metro, rechazó el papel en favor de Marlon Brando, un excelente actor pero que al igual que el director debutaba en el género. Los espectadores tuvieron así la oportunidad única de ver bailar y cantar a Brando junto a un actor que sí había triunfado ya con su voz y su baile, Frank Sinatra. Una pareja poco convencional a quienes se les une Jean Simmons, otra actriz que debutaba en el musical.

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EL AMERICANO TRANQUILO (1958)
Reparto principal | Audie Murphy, Michael Redgrave, Claude Dauphin, Giorgia Moll

Alden Pyle, un joven americano a cargo de una misión humanitaria, desembarca en Saigón en el otoño de 1952, en el apogeo de la resistencia vietnamita contra la presencia colonial francesa. Deseoso de ayudar a la población local y conocer el país, Alden simpatiza con el corresponsal del London Times, Thomas Fowler, para quien Vietnam ya no tiene secretos. Pero pronto se siente atraído por Phuong, la joven amante vietnamita de Thomas, tan bella y misteriosa como la ciudad de Saigón. Los tres personajes se ven atrapados en las redes de un triángulo amoroso explosivo, entre revelaciones y golpes de efecto.

Una adaptación de la cínica y amarga novela homónima de Graham Greene que el cineasta Joseph L. Mankiewicz convirtió en una especie de análisis de los pros y los contras de la intervención americana en el sudeste de Asia. La cinta sigue el argumento del libro, pero con una importante diferencia: en la pantalla, el personaje del americano no trabaja para el gobierno como en la novela, sino para una misión americana de ayuda. En otras palabras, sus ideas sobre la conveniencia de una tercera fuerza interpuesta en Vietnam entre los comunistas y las fuerzas coloniales francesas son sólo suyas. Esto le resta significado al personaje y le da a la película una inclinación claramente pro-americana.

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DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO (1959)
Reparto principal | Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn, Montgomery Clift, A. Drekker

En 1937, la señora Venable, una vida multimillonaria, le propone al doctor Cukrowicz algo que no podrá rechazar. Le ofrece todo el dinero que necesite para crear un nuevo hospital en la ciudad de Nueva Orleans, pero con una condición: que el doctor Cukrowicz le practique una lobotomía a su sobrina Catherine, es decir extirparle los lóbulos del cerebro. La chica no tiene ningún problema mental, pero la señora Venable se lo quiere hacer por otra razón: Catherine fue testigo de la misteriosa muerte del hijo de la viuda y cree que la operación puede hacer que sepa toda la verdad acerca del fallecimiento de su querido hijo...

Adaptación de una obra teatral de Tennessee Williams que, originalmente, tocaba temas polémicos como el canibalismo (que fue obviado en la versión cinematográfica) y la homosexualidad. El mismo autor de la pieza y Gore Vidal la adaptaron a la gran pantalla, aunque para ello tuvieran que ampliar la trama. La estructura de la historia se resintió de ello y lo mejor terminaron siendo las interpretaciones de sus dos estrellas femeninas, Elizabeth Taylor y Katharine Hepburn, ambas candidatas al Óscar por su trabajo en el filme.

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CLEOPATRA (1963)
Reparto principal | Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Carroll O'Connor

Cleopatra, la diosa egipcia, y su hermano no consiguen entenderse. Sus desavenencias han hecho que el mismísimo Julio César visite Egipto con el fin de evitar una guerra civil. El líder romano no tardará en caer rendido a los encantos de Cleopatra. Gracias a su deslumbrante belleza y su poderosa inteligencia, Julio César hará todo lo posible para que la diosa egipcia sea su esposa. Proclamada única reina de Egipto, Cleopatra y Julio César tienen un hijo: Cesarión. Entre ellos, todo va viento en popa. Todo está listo para que las dos personas con más poder del mundo se conviertan en marido y mujer…

Una de las películas más famosas de todos los tiempos, y también uno de los puntos que marcaron la decadencia del cine colosal. Después de tres años de rodaje repletos de enfermedades, retrasos y mala suerte, la película pudo finalmente estrenarse. Sin embargo, sufrió continuos recortes de montaje hasta dejarla irreconocible para su director, Joseph L. Mankiewicz. En todo caso, esta historia de amor y poder en el Antiguo Egipto, basada en un libro de Carlo Mario Franzero, convirtió a Elizabeth Taylor en la actriz mejor pagada de la historia y permitió que se llevara a la pantalla uno de los amores míticos de Hollywood, el de Taylor con Richard Burton. De todos modos, la respuesta de la academia estadounidense no fue excesivamente benévola, ya que el filme solo ganó los Oscars de los apartados técnicos, como fotografía, diseño artístico o efectos visuales.

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CANCIÓN PARA OTRA NAVIDAD (1964)
Reparto principal | Britt Ekland, Ben Gazzara, Eva Marie Saint, Peter Sellers

Retrata la historia de los dos hermanos, uno de los cuales ha estado en la guerra. Ambos hermanos regresan a casa para la Navidad, pero a pesar de sus esfuerzos por reconciliarse, las diferencias personales los separan. Esta película muestra conmovedoras escenas de reconciliación, y una historia que nos recuerda la importancia de la familia.

La película fue el único programa de televisión dirigido por Joseph L. Mankiewicz, y contenía la primera actuación de Peter Sellers después de recuperarse de un ataque cardíaco casi fatal a principios de 1964.

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MUJERES EN VENECIA (1967)
Reparto principal | Rex Harrison, Susan Hayward, Cliff Robertson, Capucine

Cecil Sheridan Fox (Rex Harrison), un millonario norteamericano, contrata a William McFly (Cliff Robertson) con la idea de reproducir la obra teatral "Il Volpone" de Ben Jonson. Fingiendo estar en su lecho de muerte, Fox, invita a sus más importantes amantes a su enorme palacio veneciano, para que, de esta forma, pueda despedirse de cada una de ellas individual y personalmente: La princesa Dominique (Capucine), la estrella de cine Merle McGill (Edie Adams) y la millonaria señora Sheridan (Susan Hayward), ésta última acompañada de su enfermera Sarah Watkins (Maggie Smith). Las tres mujeres esperan heredar la fortuna del señor Fox, por lo que comienzan a esforzarse por ser las mejores, las huéspedes más agradables. Más tarde, cuando McFly decide desvelar el secreto de Cecil a Sarah, todo resulta confuso y desmesurado, ya que tras esta inocentona farsa se esconden un entresijo de macabros planes que dilucidarán la verdadera naturaleza de cada personaje.

Basada en la famosa obra de Ben Jonson "Volpone", "Mujeres en Venecia" fue uno de los últimos largometrajes dirigidos por Joseph L. Mankiewicz y el último en el que escribió el guion. Mankiewicz se basó también en la obra "Mr. Fox of Venice", de Frederick Knott, y en la novela "The Evil of the Day", de Thomas Sterling, para crear una inteligente mezcla de comedia y novela policíaca.

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KING: A FILMED RECORD...
MONTGOMERY TO MEMPHIS (1970)
Documental dirigido por Sidney Lumet y Joseph L. Mankiewicz

Los segmentos originales del noticiero son narrados por famosos actores:
Harry Belafonte, Ruby Dee, Ben Gazzara, Charlton Heston, James Earl Jones, Burt Lancaster,
Paul Newman, Anthony Quinn, Clarence Williams III y Joanne Woodward

Desde el boicot a los autobuses de Montgomery en 1955, una de las primeras acciones inspiradas por Martin Luther King, hasta su asesinato el 4 de abril de 1968 en Memphis, este documental recorre las etapas cruciales de la vida del líder no violento, premio Nobel de la Paz. ganador en 1964, quien pronunció un famoso discurso ante más de 250.000 personas, comenzando con estas palabras: “Tengo un sueño”.

Contiene abundante material sobre sus actividades, y hay un esfuerzo por mostrar lo más loable del personaje, pero también sus puntos discutibles. En el montaje original de tres horas intervinieron muchas celebridades hollywoodienses, aunque más tarde circularon ediciones más breves del documental, en que se agilizaba la narración eliminando las narraciones de dichas celebridades.

Esta película se proyectó originalmente en los cines en pases únicos el 24 de marzo de 1970 y en 1999 y duró 3 horas y 5 minutos. Las ganancias del precio de la entrada de $5 se donaron al Fondo Especial del Dr. Martin Luther King Jr. Posteriormente se mostró en la televisión estadounidense, sin editar y con interrupciones limitadas. Una segunda versión, editada en 103 minutos, se publicó en cinta de vídeo. Le faltan las narrativas de celebridades y un montaje inicial de clips de líderes negros militantes con retórica violenta que contrastan con clips de mensajes no violentos del Dr. King, pero incluye la introducción original de Harry Belefonte y consta enteramente de imágenes de noticieros. La Librería del Congreso de los Estados Unidos lo declaró "significativo a nivel cultural" y lo añadió al National Film Registry.

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EL DÍA DE LOS TRAMPOSOS (1970)
Reparto principal | Kirk Douglas, Henry Fonda, Warren Oates, Hume Cronyn

Lopeman, un antiguo sheriff, tras sufrir una lesión, debe cambiar de oficio, y se convierte en alcaide de un presidio, sustituyendo a su fallecido predecesor, que murió en un motín. Allí se entera de que uno de sus "huéspedes", el carismático Paris, ocultó el dinero de su último atraco en un lugar desierto, y pretende tentarle con la idea de compartirlo. En cambio Lopeman tiene otras ideas, las de lograr la rehabilitación de sus presos, mejorando sus condiciones.

Con esta película, el director Joseph L. Mankiewicz consiguió uno de los wésterns más extraños que se han realizado. Aprovechando que el mismo género ya era replanteado desde una óptica crepuscular, Mankiewicz pervirtió aquí los arquetipos a los que el público estaba acostumbrado. Pese a que en su día El día de los tramposos no obtuvo la acogida crítica esperada, el tiempo ha dado la razón a esta historia moral entre dos hombres a ambos lados de la ley. Es digna de mención la participación como protagonistas de los veteranos Henry Fonda y Kirk Douglas, que supieron dar la suficiente profundidad que Mankiewicz quería conseguir con este filme, que fue uno de los últimos de su carrera.

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LA HUELLA (1972)
Reparto principal | Laurence Olivier, Michael Caine, Alec Cawthorne, John Matthews

Andrew Wyke es uno de los más notables escritores de novelas de misterio de Inglaterra. También es un fanático jugador que ha convertido su mansión del siglo XVI en una galería llena de robots, tableros de ajedrez y laberintos. Una tarde, Wyke invita a su casa a Milo Tindle, un expeluquero y actual propietario de una cadena de salones de belleza. Tindle disfruta de su visita hasta el momento en que Wyke admite saber que Marguerite, su esposa, y él son amantes.

Una obra maestra que funciona a diversos niveles. Desde un punto de vista superficial, puede entenderse como un thriller sobre la lucha de clases; pero a un nivel más profundo, plantea una reflexión sobre la difusa línea que separa la realidad de la ficción, y sobre el engaño como una de las más bellas artes. Joseph L. Mankiewicz, consiguió con La huella uno de sus mejores filmes, partiendo para ello de la obra de teatro original de Anthony Shaffer. Memorable es, también, el pulso interpretativo entre Laurence Olivier y Michael Caine.

Fue la última película de Joseph L. Mankiewicz, que cerró en el año 1972 con este broche de oro su larga carrera cinematográfica. Diez años antes había dirigido Cleopatra, la película maldita que estuvo a punto de hundir la carrera del director y arruinar a la Fox. Aunque los años han pasado factura a nivel formal, la película sigue teniendo un guión impecable (con un clímax sensacional, muy superior al remake que hizo en 2007 Kenneth Branagh), una puesta en escena muy inteligente y unas interpretaciones sensacionales.

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Premios y nominaciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1931	Mejor guion adaptado	Skippy	Nominado
1941	Mejor película	The Philadelphia Story	Nominado
1950	Mejor director	Carta a tres esposas	Ganador
1950	Mejor guion original	Carta a tres esposas	Ganador
1951	Mejor director	Eva al desnudo	Ganador
	Mejor argumento y guion	Eva al desnudo	Ganador
	Mejor argumento y guion	Un rayo de luz	Nominado
1953	Mejor director	Operación Cicerón	Nominado
1955	Mejor argumento y guion	La condesa descalza	Nominado
1973	Mejor director	La huella	Nominado

Sindicato de directores de Estados Unidos

Año	Categoría	Película	Resultado
1949	Carta a tres esposas	Premio al logro excepcional como Director	Ganador
1951	Eva al desnudo	Premio al logro excepcional como Director	Ganador
1953	5 Fingers	Premio al logro excepcional como Director	Nominado
1954	Julius Caesar	Premio al logro excepcional como Director	Nominado
1981		Premio honorífico como miembro vitalicio	Receptor
1986		Premio honorífico a toda su carrera	Receptor

Writers Guild of America

Año	Categoría	Película	Resultado
1950	Carta a tres esposas	Comedia americana mejor escrita	Ganador
1951	Eva al desnudo	Comedia americana mejor escrita	Ganador
		Drama americano mejor escrito	Nominado
	No Way Out	Premio Robert Meltzer	Nominado
1952	People Will Talk	Comedia americana mejor escrita	Nominado
1955	La condesa descalza	Drama americano mejor escrito	Nominado
1956	Guys and Dolls	Musical americano mejor escrito	Nominado
1963		Premio Laurel al logro como guionista	Ganador

Festival Internacional de Cine de Venecia

Año	Categoría	Resultado
1987	León de Oro Especial	Ganador

Festival Internacional de Cine de Cannes

Año	Categoría	Película	Resultado
1951	Gran Premio del Jurado	Eva al desnudo	Ganador

Premios Oscar a interpretaciones dirigidas

Año	Intérprete	Película	Resultado
Mejor actor
1953	Marlon Brando	Julius Caesar	Nominado
1963	Rex Harrison	Cleopatra	Nominado
1972	Michael Caine	La huella	Nominado
1972	Laurence Olivier	La huella	Nominado
Mejor actriz
1950	Anne Baxter	Eva al desnudo	Nominado
1950	Bette Davis	Eva al desnudo	Nominado
1959	Katharine Hepburn	Suddenly, Last Summer	Nominado
1959	Elizabeth Taylor	Suddenly, Last Summer	Nominado
Mejor actor de reparto
1950	George Sanders	Eva al desnudo	Ganador
1954	Edmond O'Brien	La condesa descalza	Ganador
Mejor actriz de reparto
1950	Celeste Holm	Eva al desnudo	Nominado
1950	Thelma Ritter	Eva al desnudo	Nominado

Discurso público y manipulación: el caso de Julio César

Jesús Alcolea Banegas

Analizamos la manipulación en el discurso público, siguiendo el drama shakespeareano Julio César y la versión fílmica de J.L. Mankiewicz. Al centrarse este discurso en la acción, son menos útiles los argumentos coherentes y bien elaborados que las apelaciones emotivas y las imágenes impactantes. Se oculta la verdad con una retórica brillante, pero perniciosa. Solo la participación activa ante la recepción de un discurso manipulador, sin renunciar a la argumentación retórica, puede ponernos en guardia de forma crítica, racional y razonable.

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Muchísimas gracias por incorporar mi trabajo. Esa página está muy bien. Enhorabuena y saludos cordiales
Jesús Alcolea Banegas

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Huesos, papel y luz. Julio César, de Shakespeare a Mankiewicz
Elena Caparrós Castells

El análisis llevado a cabo pretende evidenciar de qué manera el Séptimo Arte ha plasmado los distintos episodios de la vida de Julio César en la gran pantalla, narración apoyada en las más ricas fuentes literarias y siempre bajo el telón escenográfico de la urbe romana republicana, presentándonos una imagen anacrónica y mítica, justificada por una manera de entender las producciones de una época pasada. Por ello, en este estudio comparativo se han trazado vínculos y relaciones teniendo muy en cuenta lo que se exhibe y cómo se lleva a cabo su narración.

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Cleopatra, entre el amor y la muerte:
una musa para la pintura del siglo XIX

María Pilar Poblador Muga

Mencionar el nombre de Cleopatra, la famosa y enigmática mujer que ocupó el trono de Egipto, el último de los faraones que reinó en el país del Nilo, que encandiló con sus encantos a los dos hombres más poderosos del momento, Julio César y Marco Antonio, supone evocar a uno de los personajes más famosos de la Historia; aunque quizás hoy, para la mayoría de la gente, la primera imagen que se dibuja en nuestra mente es el bello rostro de Elisabeth Taylor, protagonista de la espectacular superproducción dirigida por Joseph Leo Mankiewicz, en 1963, una de las más taquilleras del llamado «Hollywood dorado», ganadora de cuatro premios Óscar y una auténtica joya del cine…

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Estimado Lluis, le agradezco muchísimo por haber incluido mi artículo en su blog, el cual por cierto es muy interesante, y también por informarme de ello. Muchísimas gracias y lo leeré muy gustosamente.

MARIA PILAR POBLADOR MUGA

Profesora Titular Departamento de Historia del Arte Universidad de Zaragoza
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Comentario de La Huella
Manuel Canga

Si tuviéramos que resumir en pocas líneas lo esencial de una película como La Huella (Sleuth), dirigida en 1972 por Joseph L. Mankiewicz, diríamos que se trata de una obra enrevesada que tiene la estructura de un «juego»; un juego diseñado para interrogar los resortes del poder y la capacidad de aguante del ser humano, en el contexto de una situación marcada por la rivalidad y la competencia amorosa. De hecho, toda la trama ha sido organizada para mostrarnos los avatares de una lucha condicionada por la existencia de un objeto excepcional, del que solo podemos ver algunas imágenes estáticas –una fotografía y un cuadro–, lo cual nos proporciona ya varias pistas para entender mejor el sentido de un relato que combina la tragedia y la comedia, y que para muchos no sería más que un puro divertimento.

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Muy agradecido por la inclusión de ese artículo en su archivo, que he visto sugerente y muy completo.
Ayudará a conocer mejor el cine que tanto nos gusta. Un saludo.

MANUEL CANGA
Universidad de Valladolid (Departamento de Historia Moderna, Contemporánea y de América, Periodismo y Comunicación Audiovisual y Publicidad)
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La imagen de la medicina, como expresión científicosanadora,
en la filmografía de Mankiewicz
y su correspondencia en las series televisivas

Juana María Hernández Conesa

En este orden de ideas, es necesario aclarar que otrora hubo un tiempo que he dado en llamar: "el tiempo de la nada", en donde sin percibirme en la huída, ni en la deserción, ni considerarme vencida, no es menos cierto que la batalla por escribir la Tesis Doctoral articulada con la explicación de la Medicina en la filmografía de Mankiewicz, solo la libraba conmigo misma, en mi propia trinchera. Y así trascurrió más de una década, anidada en el inconsciente y forjándose en la voluntad reprimida de mi alter ego: en la "fuerza motriz ciega" que decía Schopenhauer.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Joseph Mankiewicz - Películas: Películas de Joseph Mankiewicz

Imágenes: Imágenes de Joseph Mankiewicz - Videos: Más videos de Joseph Mankiewicz

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MARLON BRANDO

Marlon Brando

Intérprete dotado de un gran talento que demostró
en todos los registros y estilos cinematográficos

Rebelde desde la niñez, el joven Bud (era su sobrenombre familiar) ingresó con dieciséis años, en contra de su voluntad, en la Shattuck Military Academy de Fairbult, Minnesota, donde lejos de «enderezarse», fue expulsado dos años después por insubordinación. Obligado entonces a trabajar en lo que encontraba, fue albañil y conductor de excavadoras mientras sus hermanas se independizaban y partían a Nueva York para probar suerte en el teatro. A comienzos de 1943 se fue a vivir con su hermana Joselyn con el mismo objetivo, aunque para ganarse la vida tuvo que encadenar una sucesión de trabajos eventuales mientras esperaba su oportunidad. Una recomendación lo condujo ante Erwin Piscator, director del Dramatic Workshop en la New School for Social Research, embrión del Actor’s Studio. Allí asistió a las clases de Stella Alder, quien gozaba de gran prestigio por haber sido alumna, en Moscú, de Konstantin Stanislavski, cuyas técnicas aplicaba. Marlon Brando se une al Actor Studio de New York, y comienza su carrera como actor en los escenarios. En 1950, debuta en la gran pantalla en la cinta Hombres, donde encarna a un inválido de la guerra. Un papel que se prepara pasando varios meses en un hospital militar. Su carrera se lanza gracias a Un gran vía llamado deseo (1951), de Elia Kazan. A las órdenes de este realizador interpretará algunos de sus mejores papeles como en La ley del silencio (1954), drama por el que gana el Oscar. Su interpretación en Salvaje le convierte en un icono del séptimo arte. En 1972, se convierte en persona non grata. Pese a ello, Francis Ford Coppola le ofrece el papel de Vito Corleone en El padrino, un personaje que relanza su carrera. Una interpretación que le valió su segundo Oscar, que rechazó en protesta como protesta ante la masacre cometida por los Estados Unidos en los pueblos indígenas. Tras protagonizar El último tanto en París’(1975), Marlon Brando se une a grandes producciones del cine como Superman (1978) y Apocalypse Now (1979). Sus diferencias con Hollywood le llevan a exiliarse a una isla del Pacífico durante diez años. A partir de los ’80, su carrera entra en una etapa de decadencia, aunque sigue participando en numerosas producciones como El novato (1990); La isla de Dr. Moreau (1996) y Un golpe maestro (2001), su última aparición en la gran pantalla. El actor murió el 1 de julio de 2004, tras sufrir una fibrosis pulmonar. Sus restos fueron incinerados a petición de la familia Brando, quien en ese momento atravesaba por serios problemas económicos. (FUENTE: https://www.sensacine.com/)

Las películas interpretadas por Marlon Brando

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Apocalypse now (1979)
Una árida estación blanca (1989)
Asalta como puedas (1998)
El baile de los malditos (1958)
The brave (1997)
Candy (1968)
Casa de te luna de agosto (1956)
Condesa de Hong Kong (1967)
Cristóbal Colón (1992)
Desirée (1954)
Don Juan de Marco (1995)
Dos seductores (1964)
Ellos y ellas (1955)

La fórmula (1980)
Hombres (1950)
La isla del doctor Moreau (1996)
La jauria humana (1966)
Julio César (1953)
La ley del silencio (1954)
Missouri (1976)
Morituri (1965)
La noche del día siguiente (1969)
El novato (1990)
El padrino (1972)
Piel de serpiente (1959)
Queimada (1969)

Rebelión a bordo (1962)
Reflejos en un ojo dorado (1967)
El rostro impenetrable (1961)
Salvaje (1954)
Sayonara (1957)
The score. Un golpe maestro (2001)
Sierra prohibida (1966)
Su excelencia el embajador (1963)
Superman (1976)
Un tranvía llamadi deseo (1951)
El último tango en París (1973)
Últimos juegos prohibidos (1972)
!Viva Zapata¡ (1952)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - Decine21 - Cineyseries.net

HOMBRES
1950 | Fred Zinnemann

Es un drama que representa las secuelas que sufren los combatientes cuando regresan, después de un periodo en el espacio bélico, a sus vidas. Ken sufrió un accidente durante una misión y se ha perdido la movilidad de cintura para abajo. No solo su físico se ha visto mermado, su estado de ánimo se encuentran también muy deteriorado. No obstante, y gracias al apoyo de su familia, amigos y personal del hospital, el ex soldado se va recuperando de sus lesiones. Después de largas y duras sesiones de rehabilitación, el valiente hombre consigue utilizar de nuevo sus miembros. En un intento por recuperar del todo su vida, Ken y su novia, Ellen, deciden casarse. Sin embargo, la vida como cónyuges no funciona como esperaban. Ellen no está segura de poder llevar el, a menudo, compasivo comportamiento de su compañero. Ken aprenderá con mucho dolor que es absurdo aferrarse a su vida de años atrás.

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UN TRANVÍA LLAMADO DESEO
1951 | Elia Kazan

Versión fílmica de Elia Kazan de la obra de Tennessee Williams de 1946 que él mismo había llevado a la escena en Broadway. La trama pivota alrededor de Blanche DuBois, recién llegada a Nueva Orléans, con idea de alojarse en casa de su hermana Stella, casada con el obrero de origen polaco Stan Kowakski, de quien espera un hijo. Es un verano de calor pegajoso, y ante nuestros ojos se despliegan las cualidades magnéticas de Blanche, que huye de un pasado ninfómano, incapaz de dejar de coquetear con todo hombre que se pone a tiro, y que vive en un mundo que ella define como ‘mágico’, pues elude enfrentarse a los aspectos desagradables del mundo real. Ante sus modos de ‘princesa’, el tosco Stan, violento y aficionado al alcohol, la zahiere todo el rato. Y Stella hace como que no se entera, y su actitud conciliadora le lleva a admitir más de una vejación del marido. Los avances del apocado Mitch, amigo de Stan, para cortejar a Blanche, derivarán a una situación de alta tensión.

En el film repitió el reparto de Broadway, a excepción de Jessica Tandy, sustituida por una estrella: Vivien Leigh, que encarnó a Blanche en teatro 6 meses en Londres bajo la dirección de su marido, Laurence Olivier. Ello facilitó la permanencia de los entonces poco conocidos Karl Malden, Kim Hunter y un Marlon Brando en camiseta, que apasionó por su Stan Kowalski.

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¡VIVA ZAPATA!
1952 | Elia Kazan

La lucha de Emiliano Zapata por arrebatar el control de las tierras de los latifundistas y de los distintos presidentes que su grupo coloca en el poder y derroca consecutivamente. Una de las películas más famosas de Elia Kazan, en la que se narra la lucha revolucionaria de Emiliano Zapata en México.

La cinta se realizó en un momento de interés por las temáticas sociales por parte de un grupo de directores y guionistas de la industria americana, de los que Kazan formaba parte. El director ya había realizado Un tranvía llamado deseo (1951) y para ¡Viva Zapata! contó con el escritor John Steinbeck como guionista, autor también de novelas de sensibilidad social como Las uvas de la ira o La perla. Todas estas buenas intenciones de Kazan se vieron después puestas en duda por su delación ante el Comité de Actividades Antiamericanas, debido a la caza de brujas mccarthysta. Sin embargo, ¡Viva Zapata! ha estado considerada por la crítica en general como un clásico, en la que se mezclan elementos del western y de los maestros rusos. En ella hizo uno de sus papeles más recordados Marlon Brando, que se llegó a poner anillos en los agujeros de la nariz para parecer más mexicano.

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JULIO CÉSAR
1953 | Joseph L. Mankiewicz

Fiel adaptación para el cine de la obra homónima de Shakespeare. Terminada la guerra civil entre César y Pompeyo (49-46 a. C.), César se convierte en dictador vitalicio y concentra en su persona todos los poderes, lo cual implica, de hecho, la desaparición de la República. En el año 44 a. C., Casio y Bruto, dos nobles romanos defensores a ultranza de las libertades republicanas, encabezan una conjura contra el dictador, que es asesinado en los idus de marzo de ese mismo año. Cabría destacar el apologético (y demagógico) discurso que pronuncia Marco Antonio en defensa de César con el fin de soliviantar a la plebe contra los tiranicidas. Con esta obra Mankiewicz propone una lección política sobre los regímenes autoritarios.

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LA LEY DEL SILENCIO
1954 | Elia Kazan

Marlon Brando interpreta a Terry Malloy, un joven que no quiere problemas. Trabaja cuando puede en el puerto de Nueva York. Pero no siempre hay trabajo, y para conseguirlo hay que formar parte del sindicato de estibadores, o seguirles la corriente. El sindicato de estibadores está corrompido por los chantajes y el favoritismo. Todos lo saben pero nadie puede actuar contra ellos. Una noche, Terry es testigo de un asesinato, cometido por unos miembros del sindicato. El muerto es alguien que sabía demasiado acerca de los negocios sucios del sindicato. Terry tiene un hermano mayor, interpretado por Rod Steiger, que mantiene su fidelidad al sindicato. Entretanto, Terry se enamora de una dulce muchacha, interpretada por Eva Marie Saint. Ella y su familia le animan a enfrentarse al poderoso sindicato.

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DESIRÉE
1954 | Henry Koster

En 1794 un todavía joven Napoleón Bonaparte conoce a la bella Desirée, hija de un rico comerciante de la época, de la cuál queda fascinado. Pero su responsabilidad como soldado, le obliga a ir al frente en una Europa en guerra. Años más tarde, convertido ya en el gran Napoleón Bonaparte, se tendrá que debatir entre sus ansias de grandeza o el amor que siente hacia la bella Desirée.

A partir de la novela original de Annemarie Selinko, la 20th Century Fox llevó a la pantalla el supuesto romance entre el emperador francés y su amante Desirée. Para ello contó con la dirección de Henry Koster, un director que, pese a formar parte de los emigrados de centroeuropa, se plegó rápidamente a las necesidades de las grandes compañías de Hollywood. De ahí que el filme ahonde poco en las motivaciones históricas y personales de esta relación, y se centre en su lado más romántico, con una estética cercana al "kistch". En el papel de Napoleón, un Marlon Brando que venía de ganar su primer Oscar por La ley del silencio. A su lado, una bella y joven Jean Simmons.

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SALVAJE
1954 | László Benedek

Johnny Strabler lidera una banda de motoristas que llega al pueblo californiano de Wrightsville con ganas de armar jaleo. Al grupo le gusta causar altercados e intimidar a la población local para tener la libertad de hacer lo que le venga en gana. Johnny conoce a una chica llamada Kathie Bleeker y se siente atraído por ella. Kathie es la hija de Harry Bleeker, el sheriff de Wrightsville. Los dos jóvenes se enamoran y ella intenta convencerle de que abandone su vida irredenta, pero Johnny no puede dejar el pasado atrás fácilmente. Como prueba de ello, aparece en el pueblo, Chino, jefe de una banda rival y el mayor enemigo de Johnny, al que busca para ajustar cuentas. Además, los ciudadanos de Wrightsville, hartos de los problemas causados por los moteros, tampoco están dispuestos a ser compresivos con Strabler.

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ELLOS Y ELLAS
1955 | Joseph L. Mankiewicz

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LA CASA DE TÉ DE LA LUNA DE AGOSTO
1956 | Daniel Mann

Un año después del final de la II Guerra Mundial, el capitán Fisby es enviado al pueblecito de Tobiki, en la isla de Okinawa, para instruir al pueblo en las bondades de la democracia. El primer paso será construir una escuela. Sin embargo, los lugareños tienen sus propias ideas. Así, serán ellos quienes instruyan al militar en su cultura y tradiciones hasta convencerlo de que lo que realmente necesitan es una casa de té.

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SAYONARA
1957 | Joshua Logan

En Japón, durante la Guerra de Corea, un soldado americano, Joe Kelly, se enamora de Katsumi, una japonesa. El romance es una historia de amor prohibida debido a la política del Ejército estadounidense contraria al matrimonio interracial, que lleva a Kelly ante un consejo de guerra. El mejor amigo del soldado, el mayor Gruver, intenta convencerlo de que abandone la idea de casarse con Katsumi, porque eso supondrá arruinarse la vida. Sin embargo, Kelly se muestra convencido de su amor por la chica. El propio Gruver se encuentra a su vez prometido. El mayor se dispone a contraer matrimonio con Eileen Webster, hija de un general, que le ha proporcionado un destino tranquilo para que pueda verse con su futura esposa. Las cosas entre los novios, no obstante, no van bien y acaban por romper la relación. Gruver se enamora entonces de Hana-Ogi, una bailarina del teatro ‘kabuki’.

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EL BAILE DE LOS MALDITOS
1958 | Edward Dmytryk

Excepcional visión de la vida en los dos bandos de la Segunda Guerra Mundial. En el lado americano seguimos a dos hombres que intentan sobrevivir a las penalidades en un campo de concentración alemán, y sueñan con participar en la reconquista de Francia. Por otro lado, en el lado alemán, un oficial se encuentra entusiasmado por las primeras victorias de su país. Las dos posturas entrarán rápidamente en conflicto durante el desarrollo de la trama.

Lo más interesante del filme es la extraordinaria interpretación de Marlon Brando, que en esta ocasión interpreta a un nazi de personalidad compleja y que, poco a poco, duda acerca de la legitimidad de las ideas a las que, en un principio, ha dedicado su vida. Junto a Brando, el reparto se completa con otros dos nombres no menos míticos. Los dos prisioneros del campo de concentración están muy bien interpretados por Montgomery Clift y Dean Martin.

El ritmo de la cinta es trepidante, debido a la intensidad dramática de los personajes contrapuestos. Esto resulta gracias a un especialista en el género, Edward Dmytryk, autor de títulos como Lanza rota o El motín del Caine, filme este último que guarda muchos puntos en común con El baile de los malditos.

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PIEL DE SERPIENTE
1959 | Sidney Lumet

Al volante de un viejo coche, bajo una lluvia torrencial, Val Xavier, un músico sureño y vagabundo, se ve obligado a detenerse cerca de Two Rivers, Mississippi. En la comisaría de policía, Vee Talbot, la mujer del sheriff, le ofrece hospitalidad y, siguiendo sus consejos, busca trabajo en el taller de los Torrance. Jabe Torrance está hospitalizado por un cáncer, y su mujer, Lady, de origen italiano, se siente sola y falta de afecto, por lo que acoge a Val con cariño, pero éste se interesa más por Carol Cutrere, una joven ninfómana y alcohólica que le intenta seducir. A su regreso del hospital, Jabe, sufre la atracción de su mujer por el recién llegado y entre ambos esposos surge un odio brutal.

Lumet cuenta con un reparto excepcional para contar una historia compleja. El cineasta estuvo feliz de trabajar con Marlon Brando, aunque reconocía la dificultad de trabajar con el actor. En su imprescindible libro "Así se hacen las películas" describe lo mucho que le costó rodar una de las escenas cruciales del film, un largo monólogo de Val en que se compara con un pájaro que añora su hogar, un lugar donde se encuentra más a gusto que en ningún otro lugar de la tierra; una larga jornada y 34 tomas configuraron un proceso agónico donde todo el equipo sufría, pero que a Lumet le parecía el resumen perfecto de todo lo que se necesita para hacer un buen trabajo en el cine: desgaste, confianza, fidelidad al texto, dedicación al trabajo, oficio.

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EL ROSTRO IMPENETRABLE
1961 | Marlon Brando

En Sonora, México, en 1880, tres hombres asaltan un banco. La policía mexicana los persigue, mata a uno de ellos y se lanza a la búsqueda de los otros dos, Rio (Marlon Brando) y Dad Longworth (Karl Malden), que pierden su caballo después de que éste sea alcanzado por un disparo. Ante la imposibilidad de huir los dos en el mismo animal, pactan que Longworth se adelante, consiga dos monturas frescas y vuelva a por Rio. Pero Longworth incumple el acuerdo y huye con el dinero, por lo que Rio es capturado y encarcelado. Tras conseguir fugarse de prisión, busca a su antiguo socio para vengarse. En Monterrey, California, Dad, que ha cambiado de bando de la ley y se ha convertido en sheriff, aguarda con inquietud el retorno de su antiguo compañero de andanzas. Hasta allí llega Río, acompañado de tres hombres armados, con los que también planea atracar el banco de la localidad y culminar, después, su 'vendetta'.

Originalmente al frente del proyecto estuvo Stanley Kubrick siguiendo un guión de Sam Peckinpah, pero las disputas entre los estudios llevaron a su reemplazo por Brando y Guy Trosper tras varios meses alegando desavenencias con Marlon Brando, quien terminó dirigiendo la película. La actriz Rosita Moreno colaboró como asesora técnica.

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REBELIÓN A BORDO
1962 | Lewis Milestone

En 1787, la fragata inglesa Bounty, capitaneada por el inflexible y duro William Bligh, navega por los mares del sur en busca de una exótica planta que no existe en su país. En Tahití, la mayoría de la tripulación sucumbe a los encantos de las nativas, incluido Fletcher Christian, primer oficial a bordo. La tiranía y crueldad con que Bligh trata a sus hombres provoca un motín y Christian se pone del lado de la tripulación.

Revisión de la famosa película de 1935, dirigida por Frank Lloyd y protagonizada por Clark Gable y Charles Laughton, en la que se explica el caso verídico de la Bounty, cuyos tripulantes se amotinaron para permanecer en Tahití. Esta nueva versión en color fue encargada a Lewis Milestone, en la que sería su última película antes de morir. Parece ser que los miembros del equipo de rodaje se negaron a volver a sus hogares una vez finalizada la filmación, del mismo modo que pasó con los marineros de la fragata inglesa.

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SU EXCELENCIA EL EMBAJADOR
1963 | George Englund

En Sarkham (Asia), hay una gran turbación política ya que los comunistas controlan el territorio, además de la desconfianza que produce el primer ministro Kwen Sai. Mientras, bajo la oposición comunista, Estados Unidos invierte varios fondos en mejorar las infraestructuras del país. Además, llega a Sarkham Harrison Carter MacWhite, el nuevo embajador estadounidense para apoyar el gobierno de la región ante las revueltas comunistas. Todo se trunca cuando descubre que es un buen amigo del cabecilla de la resistencia, Deong.

A pesar de estar rodada en costosas localizaciones naturales de Tailandia y Bangkok, y con un reparto encabezado por una estrella como Marlon Brando, el filme no fue bien recibido por el público que la consideró demasiado enrevesada en sus conflictos políticos. Para acompañar a Brando se contó con el japonés Eiji Okada, que había causado sensación en el melodrama Hiroshima, Mon amour (1959).

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DOS SEDUCTORES
1964 | Ralph Levy

Freddy y Lawrence son dos viejos amigos que se ganan la vida estafando a mujeres pudientes a través del arte de la seducción. Este par de truhanes es experto en sacar todo el beneficio posible a sus relaciones y, aunque hasta ahora no habían tenido ningún problema, su amistad se verá obstaculizada por los negocios. Fred y Lawrence se mudan a la Riviera francesa y ambos luchan por conquistar a una misma mujer. Es Janet, beneficiaria de una abultada herencia que viene desde América. Los amigos saben que se juegan mucho y su rivalidad por llevarse el gato al agua será brutal. Las artimañas que utilizan no tienen desperdicio: uno se hace pasar por herido de guerra y otro por médico suizo. Los dos están dispuestos a boicotear a su compañero.

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MORITURI
1965 | Bernhard Wicki

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LA JAURIA HUMANA
1966 | Arthur Penn

Un hombre condenado injustamente, Charlie 'Bubber' Reeves, se escapa del centro penitenciario en el que cumplía condena y regresa al pueblo del Sur de Estados Unidos del que es originario. La noticia de su evasión genera un gran revuelo en la localidad. El sheriff Calder tiene el deber de encontrarlo para devolverlo a prisión, pero no es el único interesado en poner fin a la fuga de Reeves. Val Rogers, un acaudalado empresario local que ha hecho fortuna con el petróleo y el ganado, quiere la captura de Reeves para proteger a su hijo, Jason, el cual ha aprovechado la ausencia de Bubber para iniciar una relación con la mujer de éste, Anna Reves. Estos y otros intereses juegan en contra del fugado, cuya detención y linchamiento acabarán convirtiéndose en el objetivo de todo el pueblo. El sheriff Calder intentará evitar que Reeves muera a manos de sus vecinos.

Basado vagamente en una novela de Horton Foote, La jauría humana es un filme cuyo rodaje estuvo marcado por múltiples conflictos internos. Y es que el productor Sam Spiegel (que ya había trabajado con Marlon Brando en La ley del silencio) contrató a la guionista Lillian Hellman, pero hizo reescribir todo su trabajo y, para que no se diera cuenta, no le dejó asistir a ningún visionado. Spiegel también tuvo problemas con el director, un Arthur Penn que aun tenía reciente su primera nominación al Óscar por El milagro de Ana Sullivan, pues el productor contrató a sus espaldas a un entonces poco conocido Robert Redford y a un iluminador de cámara que no se llevaba bien con Penn. Spiegel tampoco le dejó editar el filme, hecho que evitó el ritmo sugerente que quería dar el realizador. Una anécdota: el director de castin, antes de contratar a Jane Fonda, rechazó a Faye Dunaway por considerar que no era suficientemente hermosa para hacer cine.

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SIERRA PROHIBIDA
1966 | Sidney J. Furie

Prieto, una pequeña ciudad estadounidense fronteriza con México en 1870. Matt Fletcher, Mateo, es un solitario cazador de búfalos que regresa, después de muchos años ausente, con un excelente caballo semental de la raza appaloosa. La intención de Mateo es dejar su vida nómada, asentarse y dedicarse a la cría de caballos en el rancho que quiere montar con Paco, su amigo de la infancia, y así cumplir un viejo sueño. Una vez en el pueblo se ve involucrado en un incidente con Trini, novia a la fuerza de Chuy Medina, jefe de una banda local de bandidos. La chica coge el semental de Mateo para intentar escapar, pero los hombres de Chuy la capturan y este, después de humillar a Mateo, decide quedarse con el semental para lavar su orgullo herido. Pero Mateo está dispuesto a hacer todo lo posible para recuperar su caballo.

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LA CONDESA DE HONG-KONG
1967 | Charles Chaplin

La historia gira en torno a Ogden Mears, un rico hombre de negocios que se encuentra en Hong Kong para asistir a una reunión con el embajador de Arabia Saudí y arreglar los papeles de divorcio con su esposa Martha. Durante la última noche de su estancia, él y su amigo Harvey acuden a un club de alterne, donde Odgen se emborracha y acaba pasando la noche con la Condesa Natacha, una refugiada rusa. A la mañana siguiente, cuando navega rumbo a casa, Ogden descubre que Natacha se ha ocultado en su barco y pretende iniciar una nueva vida en los EEUU con su ayuda.

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REFLEJOS EN UN OJO DORADO
1967 | John Huston

Leonora, la mujer del comandante Weldon, no se encuentra satisfecha con la virilidad de su esposo. Éste, a su vez, tiene una actitud narcisista en privado, y empieza a sentir una fijación erótica hacia un joven alumno de la academia militar llamado Williams. A su vez, Leonora es infiel a Weldon con Morris, amigo y compañero de su esposo. Morris está casado con Alison, la cual vive atormentada por un hijo que perdió hace años y que mantiene una relación un tanto equívoca con su criado filipino Anacleto. Por su parte, Williams siente una atracción especial hacia Leonora, a la cual, espía por las noches, con una actitud cercana al fetichismo.

Con un argumento traspasado de relaciones malsanas, que alguno calificaría de propio de un culebrón venezolano, pese a provenir de la novela sureña de Carson McCullers, el gran John Huston sorprende con esta película, muy escandalosa para la época por tratar temas como el adulterio o la homosexualidad. A pesar de todo, el film fue uno de los más destacados de Huston, los actores están a la altura y la puesta en escena es magnífica. Montgomery Clift era uno de los candidatos para encarnar a Weldon, pero falleció semanas antes, así que el papel lo interpretó finalmente un soberbio Marlon Brando..

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CANDY
1968 | Christian Marquand

Inclasificable muestra de cine “hippie” que partía de una descontrolada novela de Terry Southern sobre una joven inocente que había de lidiar con una serie de excéntricos personajes. Sátira rodada en los inicios del destape que contaba con el gran reclamo de Ewa Aulin, una rubia que había ganado con merecimiento el título de Miss Suecia.

A pesar de su excelente equipo técnico, con Giuseppe Rotunno en la fotografía y Dave Grusin en la banda sonora, la película no pasa de ser un divertimento muy de su época. Lo más delirante es encontrarnos el siguiente reparto: Marlon Brando como un Gurú espiritual; Richard Burton convertido en un maestro ligón; Walter Matthau como un militar chiflado; James Coburn es un cirujano no muy recomendable; John Huston en el papel de jefe de hospital; y Charles Aznavour transformado en jorobado.

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LA NOCHE DEL DÍA SIGUIENTE
1969 | Hubert Cornfield

Pamela Franklin encarna aquí a una joven que es hija de un multimillonario. La muchacha está a punto de vivir el mejor momento de su vida, pues se va a pasar una temporada a Francia y es la primera vez que viaja en avión. Cuando su vuelo aterriza en Paris, la chica es recogida por un chofer y una mujer rubia que la chica cree haber visto en el avión. A partir de este momento las expectativas de la estancia parisina dan un giro de ciento ochenta grados. La joven es secuestrada por los adultos que la recogen y encerrada en una casa al cuidado de un hombre de muy mal carácter llamado Leer. A cambio de su libertad, los secuestradores piden un abultado rescate al padre de la chica.

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QUEIMADA
1969 | Gillo Pontecorvo

1830. La isla de Queimada es una colonia portuguesa cuya mayor riqueza proviene de la producción de caña de azúcar. Sir William Walker, un agente secreto británico, es enviado a la isla para destruir el monopolio del comercio de azúcar, controlado por los portugueses, e instiga a los esclavos negros para que lleven a cabo una revolución. Diez años más tarde, Sir William debe regresar a Queimada, pero esta vez para destruir al líder que él mismo creó.

Esta cinta anticolonialista, dirigida por el italiano Gillo Pontecorvo, quien consiguió dos nominaciones a los Oscar por su anterior película ("La batalla de Argel") atiende a sus objetivos de hacer un cine de denuncia social). Situada en una indefinida isla del Caribe, la película fue protagonizada por Marlon Brando, quien a lo largo de su carrera cinematográfica protagonizó filmes por un convencimiento ideológico, sobre todo a favor de la causa india en territorio norteamericano.

El resultado final fue un desastre en taquilla, elevándose los gastos de su producción al rodar en Marruecos, las Islas Vírgenes, el norte de Francia y en los estudios italianos de Cinecittá, donde se reconstruyó Londres. Además, las dos horas y diez minutos de metraje tuvieron que ser aligeradas en veinte minutos para su estreno en Estados Unidos.

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EL PADRINO
1972 | Francis Ford Coppola

Una película épica basada en la novela de Mario Puzo. Cuenta la vida de la familia Corleone, que ha ascendido en la sociedad norteamericana de principios de siglo gracias a la ambición y a las agallas de su patriarca, Don Corleone (Marlon Brando). Don Corleone es uno de los jefes de las familias neoyorquinas, que ejerce un enorme poder, que llega incluso hasta las altas esferas políticas. En un mundo de corrupción, Don Corleone es también el principal defensor del viejo orden moral de la mafia. Pero las nuevas generaciones no están dispuestas a acatar sus métodos, y el padrino no tiene fuerzas para imponerse. Un impresionante retrato que sobre la mafia siciliana en Estados Unidos.

En el año de su estreno fue un gran éxito en taquilla. Logra la atención del espectador en todo momento, gracias a la maestría en la dirección de Coppola, y nunca resulta aburrido aunque se vuelva a ver de modo habitual. La historia se cuenta de manera contundente y ágil, a pesar de que está llena de dobleces. En el reparto aparecen con fuerza algunas brillantes caras nuevas, como la de Al Pacino, James Caan o Diane Keaton. La música de Nino Rota es inolvidable. Imprescindible y genial.

La trilogía de El padrino está bañada de un aire de indefinible nostalgia. La fotografía de tonos ocres de Gordon Willis, la dirección artística de Dean Tavoularis y la música de Nino Rota contribuyen a ello. Pasajes como los de Sicilia o los del barrio neoyorquino de Little Italy de principios de siglo adquieren una textura maravillosa, que nos retrotrae a un tiempo que ya se fue.

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Marlon Brando rechazó el premio Oscar

El actor no estaba en el auditorio y cuando su nombre y apellido sucedieron al tradicional “and the winner is…”, quien se acercó y subió tímidamente al escenario fue la activista Sacheen Littlefeather, vestida y peinada con ropa típica aborigen, quien formaba parte del “American Indian Movement (Movimiento amerindio), una agrupación que reclamaba por los derechos civiles de los indígenas desplazados en los Estados Unidos. Cuando le dieron el Oscar para que lo recibiera en nombre del actor, Littlefeather hizo un gesto de que no lo aceptaba y al micrófono anunció que estaba ahí en representación de Marlon Brando para informar que “rechazaba el premio al mejor actor”. Y que las explicaciones serían repartidas a la prensa en un extenso comunicado de cuatro páginas. “Esta noche vengo en representación de Marlon Brando. Me ha pedido que les diga, en un discurso muy largo que ahora no puedo compartir por falta de tiempo, pero que después voy a compartir con la prensa, que lamentablemente rechaza este generoso galardón”, indicó la mujer, nacida en California y que en aquel momento tenía 26 años. Y especificó: “Esto es debido al maltrato a los indios estadounidenses en la actualidad por la industria cinematográfica y en la televisión”. La controversia fue grande. Hubo algunos aplausos pero mucho repudio también, en formato de insultos y abucheos. De hecho, el célebre actor John Wayne, histórico protagonista de películas de vaqueros (contra indios, mayormente) intentó subir al escenario para bajar a la fuerza a la mujer aunque lo frenó personal de seguridad. El controvertido rechazo de Brando sigue siendo uno de los momentos más míticos en la historia de los premios. (FUENTE: https://tn.com.ar

TEXTO COMPLETO DE LA DECLARACIÓN:

Esta declaración fue escrita por Marlon Brando para ser pronunciada en la ceremonia de los Premios de la Academia donde el Sr. Brando rechazó un Oscar. La oradora, que leyó sólo una parte, fue Shasheen Littlefeather.

BEVERLY HILLS, California -- Durante 200 años hemos dicho al pueblo indio que lucha por su tierra, su vida, sus familias y su derecho a ser libres: "Depongan las armas, amigos míos, y entonces permanecer juntos. Amigos míos, sólo si deponéis las armas podremos hablar de paz y llegar a un acuerdo que sea bueno para vosotros".

Cuando depusieron las armas, los asesinamos. Les mentimos. Les estafamos y les quitamos sus tierras. Los matamos de hambre para que firmaran acuerdos fraudulentos que llamamos tratados y que nunca cumplimos. Los convertimos en mendigos en un continente que dio vida desde que la vida tiene uso de razón. Y según cualquier interpretación de la historia, por retorcida que sea, no hicimos lo correcto. No fuimos lícitos ni justos en lo que hicimos. Para ellos, no tenemos que restaurar a estas personas, no tenemos que cumplir con algunos acuerdos, porque nos es dado en virtud de nuestro poder para atacar los derechos de otros, quitarles sus propiedades, quitarles la vida. cuando intentan defender su tierra y su libertad, y hacer de sus virtudes un crimen y de nuestros propios vicios virtudes.

Pero hay una cosa que está fuera del alcance de esta perversidad y es el tremendo veredicto de la historia. Y la historia seguramente nos juzgará. ¿Pero nos importa? ¿Qué clase de esquizofrenia moral es la que nos permite gritar con toda nuestra voz nacional para que todo el mundo escuche que estamos a la altura de nuestro compromiso cuando cada página de la historia y cuando todos los días y noches sedientos, hambrientos y humillantes de ¿Los últimos 100 años en la vida de los indios americanos contradicen esa voz?

Parecería que el respeto a los principios y el amor al prójimo se han vuelto disfuncionales en este país nuestro, y que todo lo que hemos hecho, todo lo que hemos logrado con nuestro poder es simplemente aniquilar las esperanzas de los países recién nacidos en este mundo, así como a amigos y enemigos por igual, que no somos humanos y que no cumplimos con nuestros acuerdos.

¿Quizás en este momento te estés preguntando qué carajo tiene que ver todo esto con los Premios de la Academia? ¿Por qué esta mujer está parada aquí, arruinando nuestra velada, invadiendo nuestras vidas con cosas que no nos conciernen y que no nos importan? Perder nuestro tiempo y dinero e inmiscuirnos en nuestros hogares.

Creo que la respuesta a esas preguntas tácitas es que la comunidad cinematográfica ha sido tan responsable como cualquier otro de degradar al indio y burlarse de su carácter, describiéndolo como salvaje, hostil y malvado. Ya es bastante difícil para los niños crecer en este mundo. Cuando los niños indios ven televisión y películas, y cuando ven su raza representada tal como son en las películas, sus mentes resultan heridas de maneras que nunca podremos saber.

Recientemente se han dado algunos pasos vacilantes para corregir esta situación, pero demasiado vacilantes y muy pocos, por lo que yo, como miembro de esta profesión, no siento que, como ciudadano de los Estados Unidos, pueda aceptar un premio aquí esta noche. Creo que en este país en este momento no es apropiado recibir o otorgar premios hasta que la condición de los indios americanos se altere drásticamente. Si no somos guardianes de nuestro hermano, al menos no seamos su verdugo. Habría estado aquí esta noche para hablar con usted directamente, pero sentí que tal vez podría ser más útil si iba a Wounded Knee para ayudar a impedir en cualquier forma que pueda el establecimiento de una paz que sería deshonrosa mientras la correrán los ríos y crecerá la hierba.

Espero que quienes están escuchando no consideren esto como una intrusión grosera, sino como un esfuerzo serio para centrar la atención en una cuestión que muy bien podría determinar si este país tiene o no derecho a decir de ahora en adelante que creemos en los derechos inalienables de todas las personas a permanecer libres e independientes en las tierras que han sustentado su vida más allá de la memoria viva.

Gracias por su amabilidad y cortesía hacia la señorita Littlefeather. Gracias y buenas noches.

(LEER EL TEXTO ORIGINAL EN INGLÉS)

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LOS ÚLTIMOS JUEGOS PROHIBIDOS
1972 | Michael Winner

Dos niños huérfanos, Miles y Flora, se encuentran bajo la tutela legal de su tío, un caballero adinerado que no tiene ningún interés en ocuparse personalmente de ellos. Por eso los dos hermanos serán atendidos por su hasta ahora niñera, que se convertirá de esta forma en su intitutriz, una preparada joven que su tio contrató especialmente para ese menester. Como parte del resto de la servidumbre también se halla el Ama de llaves, La Señora Grose; y un extraño jardinero llamado Peter Quint, que tiene a los dos niños cautivados con sus perversas ideas sobre el amor y la vida. Pero todo cambiará cuando ambos adolescentes presencien la escabrosa relación que Quint mantendrá con Miss Jessel, la institutriz.

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EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS
1973 | Bernardo Bertolucci

La historia de una pasión desenfrenada surge una mañana de invierno cuando un hombre y una mujer visitan un piso de alquiler en el centro de París. En su primer encuentro, estos dos desconocidos hacen el amor violentamente en cada rincón de la casa sin saber nada el uno del otro; sin nombres, sin datos sobre su vida personal. Paul y Jeanne deciden seguir viéndose a escondidas… hasta que la situación se vuelve insostenible.

Una de las películas más polémicas de su tiempo por las explícitas escenas de sexo que aparecen. El filme se recuerda como uno de los mejores trabajos interpretativos de la carrera de Marlon Brando (que rompió con él una etapa de tres años de silencio) y también por el magistral trabajo de cámara de su director, Bernardo Bertolucci. En España fue clasificada en su momento como película X, aunque más tarde, y reestrenada con ciertos cortes, consiguió cambiar su certificación.

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MISSOURI
1976 | Arthur Penn

Tom Logan es un ladrón de ganado que compra un rancho para utilizarlo como tapadera. Su vecino es But Braxton, con cuya hija Tom empieza a mantener una relación amorosa. Pero el ligeramente desequilibrado Braxton contrata a un asesino a sueldo que, mediante disfraces y otros métodos poco ortodoxos, empieza a perseguir a Logan y a los otros miembros de su banda.

Wéstern bastante excéntrico en el que se desvirtúan los valores tradicionales del género: en este caso, se invierten los papeles, y los cuatreros son perseguidos por los terratenientes. Esta idea no fue muy afortunada ya que se trata de una de los trabajos menos logrados del director Arthur Penn, que en otras ocasiones filmó clásicos como Bonnie y Clyde o El milagro de Ana Sullivan. Ni el reparto estelar del filme, encabezado por Marlon Brando y Jack Nicholson, pudo salvarlo de la mala acogida de la crítica y del olvido en el que ha caído.

Como último dato, la película figura dentro de la lista de filmes inaceptables de la American Humane Association, por el mal trato que recibieron los caballos durante la filmación.

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SUPERMAN
1976 | Richard Donner

¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No, es Superman, el hombre de acero. El planeta Kripton se muere, pero un niño sobrevive gracias a que sus padres lo mandan a la Tierra. Allí crece con su familia adoptiva bajo la identidad de Clark Kent. Pronto se manifiestan sus superpoderes, que usará, por supuesto, al servicio del bien. Lo malo es que Lex Luthor, un villano que conoce su punto débil (la kriptonita), le complica la vida.

Adaptación a la pantalla del clásico superhéroe de DC Comics. Christopher Reeve (antes de sufrir su desgraciada lesión) dio vida al héroe que, recordaba, “ha sido una figura muy importante en nuestra cultura. En los años 30 era un rayo de esperanza durante la Depresión. En los 40, los soldados leían en la trincheras el cómic como apoyo moral. En los 50 y 60 era un gran héroe para tiempos difíciles. Y en los 70 y 80 era una figura romántica y un amigo”. El film tiene un poco de todo: acción, amor, humor y lucha entre el bien y el mal, todo ello en dosis equilibradas.

Para el papel de Superman se pensó en actores como Robert Redford o Burt Reynolds, pero se acabó contando con un entonces desconocido Christopher Reeve, que se convirtió en una estrella de la noche a la mañana. Reeve compartió cartel con un reparto de lujo, formado por Gene Hackman, Glenn Ford o Marlon Brando. Una curiosidad: de entre todas las actrices que se pelearon por el papel de Lois Lane, Margot Kidder lo consiguió porque fue la única que encontró graciosa la frase del guión: "¿Y de qué color llevo la ropa interior?".

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APOCALYPSE NOW
1979 | Francis Ford Coppola

"Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una". Eso fue lo primero que pensó el indomable Capitán Willard cuando despertó de su hotel en Saigón. Tras varios días poniéndose hasta arriba de alcohol y heroína decidió ponerse manos a la obra. Una vez llegado al cuartel militar que sus compañeros han instalado en la costa vietnamita, contacta con el Coronel Kilgore para que le ayude a encontrar al Coronel Kurtz, quien había huido del sistema y se había refugiado en un templo situado en mitad del Viet Cong.

¿Que debía hacer Willard? Quitarle la vida al coronel, quien perdió la cabeza al ver tantos Charlies en Vietnam. Kurtz tenía pensado demostrarle al mundo que la locura viene inerte al ser humano. Por ello, Willard pondrá rumbo al fin del mundo para acabar con él. En esa barca se encontrará con un equipo de soldados inexpertos cuyas máximas aspiraciones serán las cherlis y un poco de hierba para fumar pero que, sin duda, serán claves para que Willard llegue a encontrar al temible Coronel.

Dirigida por Francis Ford Coppola, Apocalypse Now es uno de los dramas más representativos de los años ochenta. La cinta está protagonizada por Martin Sheen como el Capitán Willard; Marlon Brando en el papel del Coronel Kurtz; Robert Duvall interpretando al Coronel Bill Kilgore; Frederic Forrest poniéndose en la piel de Jay 'Chef' Hicks; Harrison Ford como el Coronel Lucas; Laurence Fishburne en el papel de Tyrone "Clean" Miller; y Dennis Hopper encarnando al foto periodista que está interesado en la historia de Kurtz.

Cuando Coppola estrenó su film en 1979, bastantes metros de película quedaron fuera. Era impensable estrenar un film algo extraño de más de tres horas, cara a su explotación comercial. Pero la versión 'redux' (o sea, reconducida) incorpora escenas que ayudan a entender mejor el film: lo más llamativo es la parte de la plantación francesa, que recuerda la época colonial, y la decadencia de unas personas que se niegan a aceptar la desaparición de su estilo de vida; la reaparición de las chicas Playboy en medio de las lluvias torrenciales, con el uso y abuso de las mismas, que muestra de modo terrorífico los extremos de degradación a los que puede llegar el ser humano; y más metraje en el río y de Kurtz.

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LA FÓRMULA
1980 | John G. Avildsen

A finales de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de científicos alemanes consigue destilar un combustible sintético, capaz de sustituir a la gasolina sin necesidad de usar petróleo. Muchos años después, un detective sigue la pista de esa fórmula, capaz de hundir a las grandes multinacionales petroleras. Por eso le pisan los talones individuos dispuestos a hacer cualquier cosa para evitar que la fórmula salga a la luz.

Un denso thriller que pasó bastante desapercibido en su momento, pese a que en su equipo se amontanaron hasta 14 profesionales nominados en alguna ocasión al Oscar, en diversos apartados. Según su director, John G. Avildsen, la Metro no le permitió retirar su nombre de los títulos de crédito tal como hubiera sido su deseo, ya que el montaje final distó mucho de ser el que él hubiese deseado. Marlon Brandon estuvo nominado a un premio razzie como peor actor de reparto por su papel en esta película.

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UNA ÁRIDA ESTACIÓN BLANCA
1989 | Euzhan Palcy

Sudáfrica 1976. Un joven negro muere durante los disturbios de Soweto, en pleno apartheid. Su padre, Gordon Ngubene, busca ayuda para investigar la muerte de su hijo. Un día Gordon aparece muerto. La policía afirma que su muerte ha sido un suicidio. Pero el maestro Ben Du Toit ha visto el cadáver de quién había sido su jardinero y amigo durante quince años y sabe que ha fallecido como resultado de la tortura policial. Ben, decidido a que se haga justicia, contrata al abogado de derechos humanos Ian McKenzie para que represente a la familia Ngubene durante la investigación, pero el juez hace caso omiso de las pruebas presentadas y exonera a la policía. Pero Ben no está dispuesto a tirar la toalla.

Dirigida por la cineasta, guionista y productora de Martinica, Euzhan Palcy, ‘Una árida estación blanca’ trata el tema del apartheid. En 1989 Marlon Brando estuvo nominado a dos reconocidos Premios como Mejor Actor de reparto: a los Oscar y a los BAFTA.

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EL NOVATO
1990 | Andrew Bergman

Matthew Broderick interpreta a Clark Kellog, un aspirante a director que llega a Nueva York para asistir a la Escuela de Cine de la ciudad y completar sus estudios. Sin embargo, momentos antes de su llegada, Víctor Ray le roba todo su dinero, dejándole sin blanca para pagar los 700 dólares que cuestan los libros requeridos por su instructor, Arthur Fleeber. Unos días después, Clark busca a Víctor para reclamarle el dinero, pero éste lo ha perdido todo apostándoselo en una carrera de caballos. Para contrarrestar el fallo, Víctor le ofrece a Clark un trabajo con su jefe, un importante empresario llamado Carmone Sabatini, quien misteriosamente se parece mucho a Don Corleone, personaje de la película El Padrino.

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CRISTÓBAL COLÓN, EL DESCUBRIMIENTO
1992 | John Glen

Cristóbal Colón es un cartógrafo que llega a Portugal para presentar al Rey Juan su proyecto de abrir una nueva ruta marítima hasta Las Indias, dando por supuesto que la Tierra es redonda, algo muy novedoso para la época. El Rey rechaza su propuesta, y Colón debe escapar de la corte, debido a los numerosos enemigos que había cosechado durante su estancia. Tras una milagrosa huida, llega a España, donde tiene que esquivar las intrigantes maniobras del Inquisidor Torquemada. Tras esta situación consigue el beneplácito de los Reyes Católicos, Isabel y Fernando, que le facilitarán los medios para emprender su arriesgada aventura. Poco después, Colón consigue contratar a los tripulantes para las tres míticas carabelas, La Pinta, La Niña y La Santa María.

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DON JUAN DE MARCO
1995 | Jeremy Leven

Johnny Deep interpreta a un joven que está a punto de suicidarse desde lo alto de una valla publicitaria. Las autoridades consiguen salvarle. El joven parece salido de otra época. Afirma ser Don Juan, un personaje del siglo XVII famoso por su éxito con las mujeres. Como es natural, todo el mundo piensa que está como un cencerro. Es enviado a un escéptico psiquiatra interpretado por Marlon Brando. Poco a poco el psiquiatra queda cautivado con las narraciones que le hace Don Juan, en las que relata sus numerosas conquistas, sus fantásticas aventuras y sus peligrosos duelos. Don Juan viste como en el siglo XVII, con capa y espada y una máscara con la que se cubre el rostro de vez en cuando. Lo cierto es que lleva una vida de auténtico Don Juan de nuestro tiempo. Es capaz de conquistar a cualquier mujer con su gallardía y sus bonitas palabras. Pero ahora Don Juan atraviesa una crisis y su psiquiatra debe ayudarle.

Basada en el mito del personaje de Don Juan, común a varias culturas e inmortalizado por escritores como Zorrilla y Lord Byron, o por Mozart en su genial Don Giovanni. En esta película conoció el boyante Johnny Depp a Marlon Brando, y se hicieron grandes amigos. Aunque el argumento se desarrolla a trompicones, la película se deja ver gracias al atractivo de sus intérpretes y a algunas curiosas situaciones. Merece la pena destacar la composición musical de Michael Kamen. En el score original se incluye una canción interpretada por Bryan Adams con la guitarra de Paco de Lucía.

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LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU
1996 | John Frankenheimer

El negociador de la ONU Edward Douglas sufre un aparatoso accidente de avión cuando se dirigía a Asia para firmar un tratado de paz. Atrapado en el mar, un joven llamado Montgomery acude en su ayuda, consiguiendo sacar a Edward del mar y le conduce hasta la isla más cercana. Lo que Edward no sabe es que esta isla está regida por el Dr. Moreau, un misterioso genetista dueño de un enorme ejército de criaturas terriblemente monstruosas basadas en experimentos con animales, que hará de su estancia una auténtica pesadilla.

Tercera versión de la clásica novela de H.G. Wells, donde un científico loco habita en una isla experimentando con seres humanos a los que transforma en animales salvajes. Anteriormente se habían rodado La isla de las almas perdidas (1932) y La isla del Dr. Moreau (1977), ésta última con Burt Lancaster como científico. Ahora el protagonismo recae en Marlon Brando, a quien pesaban años y kilos en una interpretación indigna de su trayectoria donde lo mismo aparecía con la cara pintada de blanco como ofrecía un pase de trajes horrorosos con un enano subido a su hombro. Él solito se bastó para enfangar una película ya de por sí bastante espesa, confusa e histérica, que dejaba el prestigio de la novela por los suelos.

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THE BRAVE
1997 | Johnny Depp

Raphael, un joven indio ex-delincuente y padre de familia, vive junto al vertedero de la ciudad de Morgantown junto con Rita y sus dos hijos, donde van a buscar comida y ropa. Debatiéndose entre el orgullo y la necesidad de dar de comer a su familia, Raphael se va a la ciudad a ver a un empresario, que le presenta a un extraño personaje que le ofrece una gran cantidad de dinero a cambio de dejarse matar en una ‘snuff-movie’. Sabiendo que sólo le quedan siete días de vida, Raphael se dedica a demostrar amor a su familia y amigos a base de regalos caros.

Johnny Depp debuta como director con esta película basada en la novela de Gregory McDonald, participando también como co-autor del guión con su hermano D.P.Depp. La película cuenta con la presencia de uno de los actores más importantes de Hollywood, Marlon Brando, a quien conoció durante el rodaje de Don Juan de Marco, junto con él mismo, Elpidia Carrillo, Marshall Bell y con la música de su amigo Iggy Pop.

La película, que se estrenó en el Festival de Cannes de 1997, fue rodada en un terreno abandonado que pertenecía al Gobierno, pero cuando se enteraron de que Depp quería hacer uso del espacio, no le rebajaron el precio.

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ASALTA COMO PUEDAS
1998 | Yves Simoneau

Sorensen, el Sueco, es el desalmado alcaide de una prisión de Dakota del Norte con dos hijas gemelas que se quedan embarazadas de dos caraduras, Bud y Larry. Aunque el Sueco aceptará el matrimonio para preservar el honor de sus hijas, ello no evitará que haga la vida imposible a sus yernos.

Es triste saber que Asalta como puedas fue la penúltima película que Marlon Brando protagonizó antes de su muerte. Triste porque sin duda se trata de uno de los trabajos más desafortunados del actor norteamericano. Dirigida por el televisivo Yves Simoneau, que apenas cuenta con aportaciones al mundo del celuloide, esta comedia bufa que a ratos quiere ir de thriller y hasta de drama familiar, de hecho, en la desafortunada mezcla de tonos radica uno de sus grandes problemas, presenta una historia ambientada en un pueblecito estadounidense cercano a la frontera con Canadá en la que Brando regenta una prisión donde ejerce de alcaide corrupto. Sus dos hijas gemelas deciden casarse con dos don nadies, interpretados por Charlie Sheen y Thomas Haden Church, que pronto, al ver la trampa en la que han caído y el suegro que les ha tocado en suerte, tratan de escapar como sea de la pequeña localidad trazando un descabellado plan para robar un tren cargado de dinero.

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THE SCORE. UN GOLPE MAESTRO
2001 | Frank Oz

La trama gira en torno al personaje de Nick Wells, el dueño de un club de jazz en Montreal, quien se ha visto inmerso siempre en una vida llena de ilegalidades. Debido a que se encuentra algo cansado después de sus muchos años de dedicación y profesionalidad invertida en el crimen, toma la decisión de retirarse para poder vivir junto a su pareja alejado de ese mundo de criminalidad, pudiendo así dedicarse única y exclusivamente a su club. Sin embargo, decide realizar un último trabajo que supondrá la culminación de su carrera. Su compañero Max le encarga robar un gran cetro de oro del siglo XVI, almacenado en el sótano de la Aduana de Montreal. A priori, el robo resulta prácticamente imposible, y para llevarlo a cabo, tendrá que contar con las personas más talentosas en el arte del crimen. De pronto se cruza en su camino un joven ladrón, Jackie Teller, lo que acaba suponiendo que Nick viole una de sus reglas más importantes: trabajar en solitario.

El papel de Marlon Brando sin lugar a dudas fue lo mas decepcionante de la película pues aparece muy poco, desgraciadamente esta fue la ultima película en la que participo ya que el actor moriría tres años después del estreno de este film.

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Marlon Brando. La conceptualización
de los personajes de Tennessee Williams

Ramón Navarrete-Galiano

La figura de Marlon Brando dentro de la historia del cine universal, supone un referente global sobre determinados personajes icónicos. Brando se convirtió en el símbolo del personaje y transgresor y maldito, como se puede observar en la mayoría de su filmografía. Ese tipo de personajes cuentan con un referente en la obra teatral de Tenessee Williams. Brando obtuvo uno de sus primeros éxitos, justo al inicio de su carrera, en la película Un tranvía llamado deseo, inspirada en la obra homónima de Williams. A partir de ese momento el actor conceptualizó, dio forma y expresión a esos seres malditos y transgresores de la obra williamsiana, que ya nunca abandonó y que reflejó en muchas de sus posteriores intervenciones fílmicas como La jauría humana (1966) o Apocalipse Now (1979).

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Marlon Brando - Películas: Películas de Marlon Brando

Imágenes: Imágenes de Marlon Brando - Videos: Más videos de Marlon Brando

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FEDERICO FELLINI

Federico Fellini

Director que modeló el panorama del cine europeo durante gran parte del siglo XX

Director de cine italiano. Su infancia, evocada posteriormente en películas como Ocho y medio y Amarcord, en gran parte autobiográficas, transcurrió en su ciudad natal, Rímini, donde estudió en la escuela del asilo San Vincenzo. Sus primeras grandes aficiones, antes de descubrir su pasión por el cine, fueron el dibujo y la caricatura. A los diecisiete años publicó en una revista sus primeras caricaturas, que representaban a los compañeros del campamento de verano de la organización juvenil del Partido Nacional Fascista al que había asistido en el verano de 1936. En 1951 se estrenó como director, primero codirigiendo, junto a Alberto Lattuada, el filme Luces de varieté, y posteriormente en su ópera prima El jeque blanco, basada en una idea de Michelangelo Antonioni. Al año siguiente ganó su primer premio: un León de Plata por Los inútiles en la Mostra de Venecia. En 1954, y en aquel mismo certamen, ganó un León de Plata por su siguiente película, La strada, su primer filme de resonancia internacional y que le reportaría, así mismo, su primer Oscar; protagonizada por su esposa, esta realización inicia la transición del director desde el neorrealismo hacia un cine más personal, de marcado tono autobiográfico y repleto de elementos fantásticos. Sus siguientes películas recibieron toda clase de premios internacionales, como la Palma de Oro en el Festival de Cannes por La dolce vita, con la cual obtuvo un importante éxito comercial y supuso el inicio de su colaboración con el actor Marcello Mastroianni, que se convertiría en habitual a partir de entonces. Ocho y medio (1963) marca claramente el comienzo de la segunda etapa del cine felliniano, de exuberante fantasía y barroquismo y con un humor de rasgos surrealistas. Giulietta de los espíritus (1965) originó cierta polémica, que se repetiría en otras películas, por el impúdico erotismo que la atraviesa y por la ironía con que se trata a sí mismo y a la sociedad italiana, especialmente la Iglesia. Películas como Roma o Y la nave va marcan la posterior producción de este cineasta, dueño de un universo muy personal y de un estilo extremadamente libre. En 1993, poco antes de su muerte, recibió su quinto Oscar al conjunto de su carrera en una conmovedora ceremonia en la que estuvo flanqueado por Sofia Loren y Marcello Mastroianni, sus dos más célebres actores, y su esposa, Giulietta Masina. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)

Las películas dirigidas por Federico Fellini

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Almas sin conciencia (1955)
Amarcord /1973)
Amor en la ciudad (1953)
Boccaccio'70 (1962)
Casanova (1976)
La ciudad de las mujeres (1980)
Los clowns (1970)
La dolce vita (1961)

Ensayo de orquesta (1979)
Entrevista (1987)
Fellini 8½ (1963)
Ginger y Fred (1986)
Giulietta de los espiritus (1965)
Historias extraordinarias (1968)
Los inútiles (1953)
Luces de variedades (1950)

Las noches de Cabiria (1957)
Roma (1972)
Satyricon (1968)
La Strada (1954)
La voce della luna (1980)
Y la nave va (1983)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - CineyMax - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net

LUCES DE VARIEDADES (1950)
Codirigida con Alberto Lattuada

Reparto principal | Peppino De Filippo, Giulietta Masina, Carla Del Poggio, Franca Valeri

Cuando una joven de belleza y talento se une a un grupo de vodevil de provincia, de repente están tocando en público y su cómico Checco Dalmonte tiene grandes ideas. Se enamora de la ingenua Liliana e ignora a su compañera de varios años, Melina. Además, creyendo que puede ser un empresario, contrata a otros actores y comienza a ensayar para una revista que estará protagonizada por Liliana y él mismo. Liliana admira a Checco, pero Adelmo, el asistente del mayor empresario de la región, la lleva por la ciudad. Primera película de Federico Fellini. El director contó con la colaboración de Alberto Lattuada y ambos ambientaron la historia en el mundo del espectáculo donde el amor y la ambición se mezclan.

La película significó el inicio de la carrera como director de Federico Fellini, si bien fue una colaboración (en la producción, dirección y guion) con Alberto Lattuada. Hasta ese momento, Fellini había trabajado principalmente como guionista (notable su participación en Roma, città aperta, de Roberto Rossellini), mientras que Lattuada era ya un reconocido y respetado director de películas neorrealistas y de adaptaciones literarias.

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EL JEQUE BLANCO (1952)
Reparto principal | Alberto Sordi, Brunella Bovo, Leopoldo Trieste, Giulietta Masina

Un matrimonio italiano de provincias viaja a Roma para ser recibidos por el Papa. En la capital, ambos se separan accidentalmente y ella termina en el set de rodaje de un filme protagonizado por Fernando Rivoli, el actor de sus sueños, al que ha mitificado a través de sus películas favoritas. Lo malo será que en sólo unas horas, descubrirá que en la vida real es un auténtico calzonazos, carente de cualquier encanto. Esto le servirá para valorar más a su propio esposo.

Estructurada sobre una serie de viñetas que se mueven entre el realismo y la fantasía, ésta fue la primera película rodada en solitario por Federico Fellini (sobre un guión escrito por él mismo y por Michelangelo Antonioni). A destacar la gran interpretación de su protagonista masculino: Alberto Sordi.

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LOS INÚTILES (1953)
Reparto principal | Franco Interlenghi, Alberto Sordi, Franco Fabrizi, Jean Brochard

El director Federico Fellini, nos narra en esta cinta la historia de Moraldo, Riccardo, Leopoldo, Fausto y Alberto, cinco jóvenes gandules que viven en una bonita ciudad italiana a orillas del Adriático. Este grupo de amigos se pasa la vida en el bar holgazaneando con el único propósito de no dar un palo al agua. Fausto, el más mujeriego de la pandilla, pronto experimentará un cambio radical en su vida. Llega el verano y con él la primera verbena popular. Durante la celebración Sandra, la hermana de Moraldo, sufre un desmayo. Descubren que el motivo de tal desaliento es que está embarazada de Fausto y ante las presiones familiares deciden casarse. A pesar de ello, el joven le es infiel a su mujer, pero no le queda más remedio que ponerse a trabajar para mantener a su hijo. El resto de la pandilla continuará con sus vacuas aspiraciones, pero el tiempo irá transcurriendo poniendo a cada uno en su lugar.

Sátira dramática de los jóvenes desocupados italianos, que Federico Fellini dirigió en los principios de su carrera como director, a partir de una historia original que él mismo escribió, con la colaboración de Ennio Flaiano y Tullio Pinelli. A pesar de ser una cinta primeriza dentro de la carrera del italiano, ésta ya se aleja de la caligrafía convencional del cine del momento y hace gala de la tan particular forma de concebir la narración que siempre demostró el director. Además, también adelanta algunos de los temas que años más tarde se convertirían en eje de sus filmes más célebres: la utilización de sus personajes soñadores, que desean escapar de la realidad que les envuelve.

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AMOR EN LA CIUDAD (1953)
Reparto principal | Marco Ferreri, Mario Bonotti, Ugo Tognazzi, Mara Berni

Película formada por seis cortos realizados por distintos directores: Carlo Lizzani (L'amore che si paga), Michelangelo Antonioni (Tentato suicidio), Dino Risi (Paradiso per tre ore), Federico Fellini (Un' agenzia matrimoniale), Francesco Maselli y Cesare Zavattini (Storia di Caterina), Alberto Lattuada (Gli Italiani si voltano)

Amor pagado Filmada por Carlo Lizzani, siete prostitutas romanas de diferentes edades, algunas de ellas madres solteras, cuentan sus "historias de abandono y engaño".

Intento de suicidio Cinco jóvenes que han intentado suicidarse tras ser abandonadas por su pareja, cuentan y recrean sus historias ante la cámara de Michelangelo Antonioni.

Paraíso por tres horas Dino Risi representa los distintos encuentros en un evento de salón de baile que se celebra todos los domingos por la tarde entre las 5 y las 8.

Agencia matrimonial Federico Fellini cuenta la historia de un periodista que investiga sobre agencias matrimoniales, fingiendo estar buscando esposa para un amigo rico que sufre de licantropía. Para su sorpresa, sólo unos días después se le presenta una perspectiva.

Historia de Caterina Francesco Maselli y Cesare Zavattini siguen a Caterina, una joven madre soltera condenada al ostracismo por sus padres, que es juzgada por abandonar a su hijo al que no puede alimentar.

Los italianos miran Secuencia de hombres reaccionando al paso de mujeres bonitas, filmada por Alberto Lattuada.

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LA STRADA (1954)
Reparto principal | Anthony Quinn, Giulietta Masina, Richard Basehart, Aldo Silvani

El forzudo campeón de halterofilia Zampano, que actúa rompiendo cadenas con su pecho por los pueblos junto a su inocente y servil novia Gelsomina (la cual le compró a su madre por 10.000 liras y una pequeña cantidad de comida), se unen al payaso trapecista Matto para formar una curiosa 'troupe' de circo itinerante. Pero la colaboración entre todos no dura demasiado. Preocupado por lo mal y violentamente que suele tratar Zampano a la dulce Gelsomina, con habituales episodios de maltrato físico, Matto intenta convecerla para que huya con él. Sin embargo, Gelsomina, como si fuera una mascota fiel, rechaza todas las oportunidades para abandonar al forzudo. Al final, el temperamento volcánico de Zampano empieza a estallar demasiado a menudo, lo que sólo puede terminar acarreando trágicas consecuencias.

Película ‘puente’ entre las propuestas iniciales de Fellini, más próximas al neorrealismo, y su posteriores proyectos, que mostraron un cine mucho más personal. En ella encontramos a Anthony Quinn y a Giulietta Masina como protagonistas. Masina, que fue la musa y compañera de Fellini, interpreta a un personaje al que quedó ligada durante mucho tiempo y que repitió en filmes como “Las noches de Cabiria” o “Giulieta de los espíritus”. “La Strada” fue recibida con diversidad de opiniones. En Italia, por ejemplo, no acabó de cuajar, en cambio, en EE.UU. gustó tanto, que se llevó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Lo que nadie discutió fu la calidad de las interpretaciones del dúo prtagonista y de la partitura original, compuesta por Nino Rota.

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ALMAS SIN CONCIENCIA (1955)

Reparto principal | Broderick Crawford, Richard Basehart, Giulietta Masina, Franco Fabrizi

Un veterano estafador de poca monta, Augusto, que se dedica a engañar a los campesinos, trabaja mano a mano con dos tipos jóvenes: Roberto, que quiere convertirse en el Johnny Ray italiano, y Bruno, apodado Picasso, que tiene mujer e hija y querría ganarse la vida con su pasión principal, la pintura. Augusto evita los vínculos personales y se gasta el dinero en clubes "de buena vida". Su actitud cambia cuando se topa con su propia hija, a la que él a penas veía, y se da cuenta de que ella es ahora una bonita joven que necesita ayuda para continuar con sus estudios. Sus compañeros habituales no se encuentran allí en ese momento y él decide seguir adelante con otro grupo de gente para dar el golpe. A posteriori, tendrá problemas con el resto por haber tenido esa iniciativa y que de ese dinero no se hayan beneficiado todos. Acabarán dándole una paliza y robándole.

Una nueva disección de la sociedad italiana de mediados de la década de los 50, llena de fuerza y simbolismo, de la mano de un Federico Fellini que ya dejaba traslucir en este trabajo sus dotes como fiero observador de la realidad. Y es que, más que centrarse en la historia, Fellini puso el énfasis en describir la solitaria tristeza que caracteriza a las vidas de los protagonistas, especialmente al personaje de Broderick Crawford. Por cierto, el título español poco tiene que ver con el original italiano, mucho más simple y descriptivo y menos moralista: "El timo".

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LAS NOCHES DE CABIRIA (1957)

Reparto principal | Giulietta Masina, François Périer, Franca Marzi, Dorian Gray

Cabiria se prostituye para vivir, pero esta situación no le impide tener confianza en poder tener una vida mejor. Despreciada por un amante que intenta matarla arrojándola al río Tíber y humillada por un actor de cine que con el que está brevemente descubre la buena vida, aún mantiene la vitalidad y firmeza de su dignidad. A pesar de que sus "colegas" no paran de burlarse de ella, Cabiria se defiende de ellos con la fuerza que tiene con sus sueños y esperanzas de una vida mejor, animándose siempre después de cada desengaño y desencuentro. Cabiria decide participar en una peregrinación con la esperanza de un milagro que cambie su vida. Tiempo después, durante una actuación, conoce a un hombre que, más allá de su particular desconfianza, acaba siendo atento, simpático, trabajador, desinteresado... La persona que Cabiria siempre había soñado tener a su lado. Cuando él le propone matrimonio, no cabe de la felicidad que tiene. Quizá ahora su suerte cambia para siempre.

Un conmovedor drama neorrealista de Federico Fellini, protagonizado por su esposa, Giulietta Massina, una actriz que provenía del teatro cómico- musical. Para la crítica, esta coproducción italo-francesa reúne muchas de las grandes cualidades del cine de Fellini como son su realización en las escenas de multitudes, la creación de atmósferas urbanas fantasmagóricas y su peculiar sentido del humor. El director logró con este título el segundo Oscar de su carrera. Y aunque el filme sufrió la censura de la época, sirvió de inspiración de un musical de Broadway titulado “Sweet Charity”. El reparto lo completan, entre otros, Amedeo Nazzari, Francois Perier, Mario Passante y Franca Marzi. Otra de las notas destacables es la banda sonora de Nino Rota.

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LA DOLCE VITA (1961)

Reparto principal | Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Lex Barker

Marcello es un periodista romano de la prensa del corazón, aunque no pierde la esperanza de convertirse en un escritor serio. Enviado a recibir en el aeropuerto a una famosa estrella de cine, queda prendado de ella y le propone llevarla a recorrer la ciudad, entre los brillos fatuos de una lasciva vida nocturna. Su recorrido termina con un baño en la Fuente de Trevi, donde Marcello, sorprendido por el excéntrico proceder de la chica, le confiesa tímidamente su pueril admiración. Con el amanecer, la magia de aquella aventura se disuelve y el incauto periodista es agredido por el novio de la actriz. La existencia fragmentada de Marcello, seducido por los frívolos placeres de la "dolce vita" romana, se expresa en los encuentros de cada día, entre los caprichos y amenazas de una amiga celosa y paranoica, la malograda relación con su padre y los vicios compartidos con una aristocracia árida y artificial.

Tras haber obtenido dos años consecutivos el Oscar a la mejor película extranjera por "La strada" y "Las noches de Cabiria", Federico Fellini se vio capaz y con los medios suficientes para abordar un filme sobre la Roma que le había fascinado toda la vida. No lo hizo a través de un argumento al uso, sino con una serie de escenas representativas, organizadas alrededor de un eje principal: las correrías de un periodista donjuanesco y desencantado. De entre estas escenas, las hay que han quedado como iconografías dentro de la historia del cine, como la del famoso baño de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi. Premiada con la Palma de Oro en Cannes, la película representó la definitiva consagración de Marcello Mastroianni.

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BOCCACCIO '70 (1962)

Reparto principal | Anita Ekberg, Romy Schneider, Sofia Loren, Peppino De Filippo

Cuatro de los directores italianos más brillantes que ha dado el cine dirigen sendos episodios que adaptan algunos de los cuentos del Decamerón a los años 70. Mario Monicelli dirige "Renzo y Luciana", historia de una pareja de clase media trabajadora que se ve obligada a casarse para no perder su empleo, así como a conseguir por todas las fuerzas una habitación donde poder vivir. Por su parte, Federico Fellini se encarga de "Le tentazioni del dottor Antonio", episodio que versa sobre un hombre trastornado por un anuncio. Luchino Visconti, en "Il lavoro", se centra en un conde cuyas escapadas con prostitutas le llevan a problemas. Finalmente, Vittorio De Sica se dirige "La riffa", un episodio que acontece en Nápoles.

Comedia satírica que reúne a cuatro de los directores más brillantes de Italia adaptando una serie de historias cortas: Vittorio De Sica, Federico Fellini, Mario Monicelli y Luchino Visconti. Las cuatro historias tienen una temática común, las obsesiones eróticas y el ideal femenino, que es distinto en cada autor. Para dar vida a estas mujeres, los cuatro directores gozaron de la presencia de los rostros más famosos del cine europeo: Sofía Loren, Romy Schneider, Anita Ekberg y Marisa Solinas.

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FELLINI 8½ (1963)

Reparto principal | Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo

Guido Anselmi es un prestigioso director de cine que se encuentra en mitad de un proyecto imposible de acabar. El realizador está atravesando una crisis de inspiración y la presión ejercida por los que le rodean no le ayuda a salir del ensimismamiento. En un intento por encontrar la inspiración a través de la tranquilidad, Anselmi viaja hasta un balneario donde pasará una temporada, pero lo suyo es una misión imposible. Su esposa, el productor de la película, su amante, los actores… Todos le piden que hable del proyecto y él lo único que quiere es olvidarlo. Durante estos días se sumerge en el universo de sus recuerdos para intentar encontrar a su musa allí. Revisar los acontecimientos de su vida, los detalles olvidados con el paso del tiempo y también sus amantes ayudan a este director a evitar la particular muerte de su creatividad.

El tema principal de la película es la crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas de todos (productores, periodistas, amigos), y también la crisis existencial de un hombre, que se aferra a los recuerdos y a los sueños para soportar el peso de la vida. Fellini encuentra en el final una solución original e inesperada al problema de la crisis existencial. Este final es el fruto de la genialidad creativa de Fellini.

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GIULIETTA DE LOS ESPIRITUS (1965)

Reparto principal | Giulietta Masina, Sandra Milo, Valentina Cortese, Sylva Koscina

Giulietta es una ama de casa atormentada por las sospechas de infidelidad de su esposo y el hastío de su tan poco gratificante vida. Así las cosas, la mujer acude a sesiones de espiritismo con la intención de obtener una respuesta a sus dudas, aunque se encontrará con algo más que eso. Giulietta conoce a Susy, una mujer muy diferente a ella que vive de manera pasional y sensual por y para el amor. El ama de casa experimentará un cambio interior radical al adaptar su conducta a la de un espíritu que se comunica con ella. Un trasiego entre la vida real y los sueños que se fusionan en la mente de la protagonista.

Sólo un año después de conseguir el Oscar a mejor película de habla no inglesa con “Fellini ocho y medio”, Federico Fellini dirigió “Giulietta de los espíritus”. Un filme que confirma el progresivo distanciamiento del cineasta de sus orígenes neorrealistas, para construir ahora una filmografía de clara dimensión onírica y surreal. Este universo personal -el mundo de los sueños y las fantasías- lo recupera ahora inspeccionando los fantasmas de un personaje femenino interpretado por su propia esposa, Giulietta Masina (protagonista también de otras de sus películas. Una mezcla entre fantasía y realidad reforzada por la música de Nino Rota.

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HISTORIAS EXTRAORDINARIAS (1968)

Reparto principal | Jane Fonda, T erence Stamp, Alain Delon, Brigitte Bardot

Adaptación de tres relatos asombrosos del especialista Edgar Allan Poe, a cargo de tres directores, Roger Vadim, Louis Malle y Federico Fellini) que permanecen muy fieles a sus respectivos estilos. Aunque se trata de un proyecto que les llega de fuera, los asumen y encajan en sus personales universos.

En 'Metzengerstein', que dirige Roger Vadim, una joven libertina del medievo, la condesa Frédérique, no soporta que su primo, el barón Wilhelm, no caiga rendido ante sus encantos, como hacen todos los hombres. Así que, despechada, incendia sus tierras. El barón muere, pero la aparición de un caballo indómito se diría que es la reencarnación del difunto. Aunque visualmente impactante, puden a Vadim sus obsesiones rayanas en lo kitsch, evidentes en los modelitos ligeros de ropa que le toca lucir a Jane Fonda.

Louis Malle se hace cargo de 'William Wilson', una extraña historia que el protagonista cuenta en el confesionario a un cura, y que tiene que ver con una larga rivalidad que mantiene el Wilson del título con otro hombre que se llama igual que él, y que le reprocha todo el tiempo sus miserias. Quizá es el mejor episodio del film, con momentos inspirados como el de la partida de cartas.

Finalmente, Federico Fellini dirige 'Toby Dammit', que estéticamente encaja con su cine más delirante y surrealista. Su adaptación de Poe le lleva a nuestros día, junto a un actor que se supone va a protagonizar el primer western católico, toda una parábola de la redención. Pelín cargante, lo más sugerente es la partitura de Nino Rota.

La historia de Vadim -que recrea el cuento 'Metzengerstein'- conlleva un cierto toque de perversión no tanto por el vestuario y la decoración fetichista sino por hacer que los hermanos Fonda (Jane y Peter) mantengan una relación amorosa en la ficción. El cuento de Louis Malle, 'William Wilson', tiene como protagonistas a Alain Delon y Brigitte Bardot (que, curiosamente, era la pareja sentimental de Vadim). Fellini es quien más fielmente reproduce el original de Poe. En su historia basada en el cuento 'Toby Dammit', el protagonista es el británico Terence Stamp.

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SATYRICON (1968)

Reparto principal | Martin Potter, Hiram Keller, Salvo Randone, Capucine

Encolpius es un estudiante de la antigua Roma que se ve inmerso en un mundo de total perversión. Primero es secuestrado, esclavizado y sometido a todo tipo de brutalidades. Pero consigue escapar de todo esto y lograr, por fin, la libertad. Basada en “El Satiricon” de Petronio, se trata de una de las películas más reputadas de Federico Fellini, que muestra su particular visión de la Roma de Nerón. Fellini hace el retrato de una ciudad corrupta, libertina y ahogada por la lujuria. Y lo hace con unas imágenes de estética casi repulsiva, buscando el feísmo. Además, tal como es habitual en el cine de su director, encontramos entre los secundarios a los más extravagantes personajes, uno de ellos interpretado por Lucía Bosé. El papel del joven Encolpio corrió a cargo del debutante Martin Potter, joven actor británico procedente del mundo de la televisión cuya carrera posterior sería más bien gris.

Basada en “El Satiricon” de Petronio, se trata de una de las películas más reputadas de Federico Fellini, que muestra su particular visión de la Roma de Nerón. Fellini hace el retrato de una ciudad corrupta, libertina y ahogada por la lujuria. Y lo hace con unas imágenes de estética casi repulsiva, buscando el feísmo. Además, tal como es habitual en el cine de su director, encontramos entre los secundarios a los más extravagantes personajes, uno de ellos interpretado por Lucía Bosé. El papel del joven Encolpio corrió a cargo del debutante Martin Potter, joven actor británico procedente del mundo de la televisión cuya carrera posterior sería más bien gris.

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LOS CLOWNS (1970)

Reparto principal | Federico Fellini, Anita Ekberg, Charlie Rivel, Pierre Étaix

Con los payasos como base de la trama, Fellini divide el film en cuatro partes. La primera es una vista a la infancia y a los recuerdos de la niñez; luego muestra una visión adulta de las ilusiones personales. Le sigue una parte documental donde los payasos dejan de representar ese rol para hacer de sí mismos y contar cómo es su vida; y más tarde, Fellini cierra la historia con una función de estos payasos que sirve como colofón. Original producto para la televisión que rodó Federico Fellini, y que luego se pudo ver en las pantallas de cine.

Documental dividido en varias partes que incluye entrevistas con antiguos payasos famosos que fueron olvidados, escenas de la infancia del propio director y explicaciones sobre su obsesión por el circo.«En Los clowns está todo Fellini, desparramado de manera evidente: todas las constantes de su vena creativa, sus debilidades y sus maldades, sus pudores y sus efusiones, sus credulidades y sus escepticismos.»

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ROMA (1972)

Reparto principal | Dennis Christopher, Anna Magnani, Alberto Sordi, Gore Vidal

Un relato impresionista sin argumento de Italia, y más concretamente, Roma, de la mano de uno de sus ciudadanos más reconocidos, el cineasta Federico Fellini. Mezcla la autobiografía, a través de una curiosa reconstrucción de la Roma de los últimos años de Fellini, con escenas de la vida romana de aquel entonces a medio camino entre la realidad y la ficción. El joven Fellini, interpretado por Peter Gonzales, se mueve en un bloque de viviendas y explora los caracteres salvajes que viven en su barrio. En esta locura, veremos también segmentos de la historia de Roma y los problemas en el gobierno, incluyendo un mítico discurso improvisado de Gore Vidal Un burdel, una psicodélica sala de música, un cine, un burdel y una delirante reunión de clérigos serán algunos de los surrealistas espacios que visitamos en Roma.

"Roma" es una de las películas más personales y complejas de Fellini. Rodada con un estilo semi documental y más autobiográfica que nunca, el director vierte en ella, una vez más, su visión amarga y humorística de la especial psicología de los romanos. Además, intercala entrevistas con personajes como Gore Vidal, Aberto Sordi, Ana Magnani o Marcello Mastroianni. El resultado es una cinta episódica y enigmática, que recicla ideas y temas de otros de sus trabajos y casi funciona como una parodia de los mismos.

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AMARCORD (1973)

Reparto principal | Pupella Maggio, Armando Brancia, Magali Noël, Ciccio Ingrassia

Un retrato carnavalesco de la provincia Italia durante el período fascista. La película más personal de Federico Fellini que satiriza su juventud y convierte la vida cotidiana en un circo de los rituales sociales, los deseos adolescentes, fantasías masculinas, y subterfugios políticos. Emprende así un viaje hacia las ilimitadas dimensiones de su memoria, cuando Titta era un niño italiano que vivía en un pequeño pueblo costero, en la Italia de los años treinta. Entonces el fascismo se encontraba en su punto de mayor gloria en dicho país...

La película se convierte en una narración que carece de argumento, consistiendo en una serie de sensaciones y recuerdos más o menos entrelazados de Federico Fellini. El director, a través de los ojos de Titta, el niño protagonista, realiza una mirada introspectiva a la familia, la religión, el amor, el sexo, la educación, la política y su pasión por el cine. Entre la multitud de personajes que aparecen destacan sus padres, en constante pelea; y el sacerdote del pueblo, que utiliza las confesiones de sus feligreses para dar rienda suelta a su imaginación.

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CASANOVA (1976)

Reparto principal | Donald Sutherland, Tina Aumont, Daniel Emilfork, Isabel Pisano

Giacomo Casanova es más viejo de lo que desearía, está más solo de lo que querría y los recuerdos de su juventud hieren más de lo que nunca imaginó. Este viejo bibliotecario ha vivido una vida intensa y ahora, en el castillo del Dux donde trabaja, rememora sus múltiples amores y aventuras del pasado. En un ambiente italiano dieciochesco, Casanova consigue abrir una ventana con los recuerdos y escapar de la frustración que siente. Antiguas amantes como fueron la costurera o Ana María, entre otras, vuelven por un momento a ser realidad en la mente del polifacético hombre.

Con este film, Federico Fellini nos aporta un billete de ida y regreso dudoso a su imaginería interna. Con un estilo muy personal, el director italiano consigue llenar de realismo una creación libre y ficticia, resultado de su enorme universo interno. En el reparto destaca Donald Sutherland en el papel de Casanova, aunque en un principio las distribuidoras pensaron en Robert Redford para interpretar el papel, Fellini lo rechazó.

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ENSAYO DE ORQUESTA (1979)

Reparto principal | Balduin Baas, Clara Colosimo, Sibyl Amarilli, Daniele Pagani

En una tranquila capilla romana ahora convertida en oratorio, un veterano grupo de ancianos se reúne para llevar a cabo un ensayo orquestal. El ambiente distendido y las bromas de los miembros de la orquesta cesan de inmediato cuando reciben la noticia de que un equipo de televisión estará presente durante el ensayo, no es obligatorio hablar con ellos, pero tampoco habrá compensación adicional por hacerlo. Al principio, acceden contando entrañables historias acerca de los instrumentos y sus primeros acercamientos a la música, pero cuando el director alemán llega todo cambia. Les propina insultos, gritos y demandas que ninguno está dispuesto a aceptar. Tras el momento de tensión, el director, tras las insistencia del delegado sindical, decide concederles 20 minutos del descanso, pero no sabe que es lo peor que podría haber hecho. Después del descanso todo es un caos: la banda se revela y se niega a seguir con la grabación del programa. Fellini explora las diversas alegrías, tristezas, frustraciones, y triunfos de los músicos, con la orquesta como metáfora de la propia humanidad.

Película diferente dentro de la fabulosa y variada filmografía de Fellini que se encuentra tan lejana de la etapa neorealista como de la fase posterior en que mezclaba ficción, realidad y sueños. Está considerada como una obra menor por ser una producción realizada directamente para la pequeña pantalla, por su escasa duración y…porque después de tantas películas deslumbrante, un proyecto como este empalidece al lado de algunos de sus clásicos. Sin embargo se trata de un film suficientemente interesante. La temática musical parece ser el centro de la narración y en apariencia realiza esta función. En un corto lapso de tiempo de unas pocas horas, vemos como se reúne para ensayar un orquesta y podemos observar como los músicos van ocupando los atriles. Fellini se vale del falso documental para abordar a los protagonistas y hacerles hablar sobre sus costumbres, manías, opiniones musicales… Es en esta primera parte donde se acumulan las mejores escenas de humor en torno a las rivalidades habituales entre las diferentes familias instrumentales -cuerdas, vientos, percusión….- aireando las típicas rencillas entre los diferentes instrumentistas.

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LA CIUDAD DE LAS MUJERES (1980)

Reparto principal | Marcello Mastroianni, Ettore Manni, Donatella Damiani, Jole Silvani

Marcello Mastroianni es un hombre soñador que, un buen día, se deja llevar por la belleza de una misteriosa mujer. Estando en un tren, la joven vierte su agua sobre él como señal de provocación y, acto seguido, se baja del vagón. Marcello la sigue pero ésta desaparece. Es entonces cuando el protagonista encuentra un gran hotel donde se está celebrando una conferencia feminista. Intenta escapar pero las mujeres lo amenazan en masa. El maestro Federico Fellini, uno de los mejores cineastas que ha conocido la historia del cine, desenmascara en esta película el mito del hombre seductor y se vale para ello de un amplia red de personajes femeninos.

Una vez más, el creador de películas tan célebres como "La dolce vita" o "Fellini 8½" vuelve a la comedia y el surrealismo con "La ciudad de las mujeres", la historia de un hombre que, impulsado por la pasión carnal a traicionar a su mujer, recibe después una lección sobre él mismo y lo que son los sexos. Federico Fellini, uno de los cineastas italianos más importantes, utiliza el humor para tratar temáticas que afectan a toda la sociedad. Marcello Mastroiani encarna este personaje que va en busca de descubrimiento, dos años después de haber sido nominado a un Oscar por su papel en "Una jornada particular" el drama de Ettore Scola. Mastroiani y Fellini trabajan juntos en más de diez de las obras del cineasta a lo largo de sus carreras.

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Y LA NAVE VA (1983)

Reparto principal | Freddie Jones, Barbara Jefford, Peter Cellier, Elisa Mainardi

Mirada evocadora al viaje por mar en 1914 que tiene como objetivo esparcir en el océano las cenizas de una cantante de ópera de fama mundial, la gran diva Tetua. Entre los pasajeros del barco se encuentra su círculo de amigos más cercanos, formado por un número variopinto de aristócratas, políticos, cantantes, gente de mundo del espectáculo, artistas y hasta un rinoceronte. Las interacciones episódicas entre tan pintoresco grupo humano forma el núcleo de la travesía, que se desarrolla con calma hasta que surgen complicaciones inesperadas como un grupo de refugiados serbios a los que el capitán se ve obligado a rescatar cuando el navío se encuentra con ellos perdidos en el mar al tercer día de navegación. Son algunos de los primeros refugiados en salir huyendo del comienzo de la Primera Guerra Mundial.

Un crucero definitivamente felliniano, tanto por su flagrante surrealismo como por su deliciosa comedia del absurdo. Aunque quizás algo desigual, aún está lleno de impactantes imágenes y de esos rostros indelebles que tanto abundaban en el cine de su director, además de ofrecer una secuencia inicial absolutamente hipnótica.

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GINGER Y FRED (1986)

Reparto principal | Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Franco Fabrizi, Totò Mignone

Amelia y Pippo se reúnen en un plató de televisión, después de varias décadas de separación, para llevar a cabo su antigua actuación musical en la que imitan a Ginger Rogers y Fred Astaire. Para ellos, este encuentro supone una conmovedora mirada en el pasado. Relajada y divertida sátira del mundo de la televisión y del culto a toda clase de celebridades, muy alejada del cine críptico que ha caracterizado a buena parte de la filmografía de Federico Fellini.

Relajada y divertida sátira del mundo de la televisión y del culto a toda clase de celebridades, muy alejada del cine críptico que ha caracterizado a buena parte de la filmografía de Federico Fellini. La cinta tiene el atractivo añadido de ver emparejados a Giulietta Masina, mujer y musa del director, que regresó al cine después de 23 años; y al alter ego de Fellini en algunas de sus mejores obras, Marcello Mastroianni. El filme obtuvo cuatro galardones en los premios David di Donatello, entre ellos el de mejor actor, para Mastroianni.

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ENTREVISTA (1987)

Reparto principal | Anita Ekberg, Marcello Mastroianni, Federico Fellini, Sergio Rubini

Penúltima película de Federico Fellini y digno final para un director de su estilo. Su cine, lleno de excesos e historias fuera de lo común, lo vuelve a reproducir en esta película, donde lo real y lo ficticio se mezclan a su antojo llegando a confundir al espectador. En su trama, un periodista japonés desea hacer un reportaje sobre Federico Fellini. Con esta 'disculpa', el director italiano da rienda suelta a su imaginación, y todo lo que es su cine lo expone aquí con ánimo de poner punto y final a su carrera.

Cinecittá, el gran estudio de cine en las afueras de Roma, ha cumplido 50 años y Fellini es entrevistado por un equipo de la TV japonesa, a quienes explica su forma de trabajar. Cine dentro del cine, “Entrevista” pretende integrar todas las representaciones presuntamente objetivas de la realidad, subordinando los medios que se arrogan el monopolio de éstas (prensa y Televisión) a la fantasía del autor. El nominado al Oscar en nueve ocasiones por diferentes filmes, Federico Fellini, es el responsable de esta cinta.

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LA VOCE DELLA LUNA (1990)

Reparto principal | Roberto Benigni, Paolo Villaggio, Nadia Ottaviani, Marisa Tomasi

La voz de la luna se adentra en la sociedad italiana de 1989 a través de las vidas de los dos protagonistas que se encuentran entre la difusa frontera de la locura y la cordura: uno de ellos, recién salido del psiquiátrico sin estar curado; el otro, un funcionario que está convencido de que el mundo en el que vive y que le rodea es falso. En esta ocasión, Fellini dirige esta misteriosa y libre adaptación de la obra "El poema de los lunáticos" de Ermanno Cavazzoni.

Es la última obra del director transalpino, que moriría en 1993. Contó con actuación de Roberto Benigni, Paolo Villaggio y Nadia Ottaviani.1 Volviendo a temas antes explorados en La strada (1954), Fellini crea una parábola sobre los susurros del alma que solo los locos y los vagabundos son capaces de escuchar. Basada en la novela Il poema dei lunatici de Ermano Cavazzoni, la película trata sobre un falso inspector de pozos y un exprefecto que deambula por el campo de Emilia-Romagna (lugar de la infancia de Fellini) y descubre una distopía de anuncios de televisión, fascismo, concursos de belleza, música de rock, catolicismo y rituales paganos.

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Premios y Nominaciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1947	Mejor guion	Roma, ciudad abierta	Nominado
1950	Mejor argumento y guion	Paisà	Nominado
1957	Mejor Película Internacional	La strada	Ganador
1957	Mejor guion original	La strada	Nominado
1958	Mejor Película Internacional	Las noches de Cabiria	Ganador
1958	Mejor guion original	Los inútiles	Nominado
1962	Mejor director	La dolce vita	Nominado
1962	Mejor guion original	La dolce vita	Nominado
1964	Mejor Película Internacional	8½	Ganador
	Mejor director		Nominado
	Mejor guion original		Nominado
1970	Mejor dirección	Satiricón	Nominado
1975	Mejor Película Internacional	Amarcord	Ganador
1976	Mejor dirección		Nominado
1976	Mejor guion original		Nominado
1977	Mejor guion adaptado	Casanova	Nominado
1993	Óscar honorífico		Ganador

Festival Internacional de Cine de Venecia

Año	Categoría	Película	Resultado
1953	León de Plata	Los inútiles	Ganador
1954	León de Plata	La strada	Ganador
1954	Premio OCIC - Mención especial	La strada	Ganador
1969	Premio Pasinetti -Mejor película italiana	Satyricon	Ganador
1970	Premio Pasinetti -Mejor película italiana	Los Clowns	Ganador
1985	León de Oro a toda una carrera	-	Ganador

Otros premios

Año	Festival o premio	Categoría	Trabajo nominado	Resultado
1953	Festival de Cine de Venecia	León de Plata	Los inútiles	Ganador
1953	Festival de Cine de Venecia	Leon de Oro		Nominado
1954	Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos	Mejor director		Ganador
1954	Festival de Cine de Venecia	León de Plata	La Strada	Ganador
		Leon de Oro		Nominado
		Mención de Honor		Ganador
1955	Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos	Mejor director		Ganador
1956	Premio de la Crítica de Cine de Nueva York	Mejor Película Extranjera		Ganador
1956	Premios de cine de la Academia Británica	Mejor película		Nominado
1956	Premios Bodil	Mejor película europea		Ganador
1957	David di Donatello	Mejor director	Noches de Cabiria	Ganador
1958	Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos	Mejor director		Ganador
1958	Premios de cine de la Academia Británica	Mejor película		Nominado
1960	Festival de Cannes	Palma de Oro	La Dolce Vita	Ganador
1960	Premios de cine de la Academia Británica	Mejor película		Nominado
1960	Círculo de críticos de cine de Nueva York	Mejor película en lengua extranjera		Ganador
1960	National Board of Review	Mejor película en lengua extranjera		Ganador
1960	David di Donatello	Mejor director		Ganador
1963	Festival Internacional de Cine de Moscú	El Gran Premio	8½	Ganador
1964	Premios Bodil	Mejor película europea		Ganador
1964	Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos	Mejor director		Ganador
1964	Círculo de críticos de cine de Nueva York	Mejor Película Extranjera		Ganador
1964	National Board of Review	Mejor Película Extranjera		Ganador
1963	Premios de cine de la Academia Británica	Mejor película		Nominado
1965	Festival de Cine de Venecia	Leon de Oro	Giulietta de los espíritus	Nominado
1965	Círculo de críticos de cine de Nueva York	Mejor Película Extranjera		Ganador
1965	National Board of Review	Mejor historia en lengua extranjera		Ganador
1965	Premio Globo de Oro	Mejor película en lengua extranjera		Ganador
1969	Festival de Cine de Venecia	Premio Pasinetti	Satiricón	Ganador
1969	Premio Globo de Oro	Mejor película en lengua extranjera		Nominado
1970	Círculo de críticos de cine de Nueva York	Mejor director		Nominado
1970	Festival de Cine de Venecia	Premio Pasinetti	Los clowns	Ganador
1970	National Board of Review	Mejores películas extranjeras	Los clowns	Ganador
1974	David di Donatello	Mejor director	Amarcord	Ganador
1974	Sociedad Nacional de Críticos de Cine	Mejor director		Subcampeón
1975	Premios Bodil	Mejor película europea		Ganador
1975	Premios Globo de Oro	Mejor Película Extranjera		Nominado
1974	Círculo de críticos de cine de Nueva York	La mejor película		Ganador
1974	Círculo de críticos de cine de Nueva York	Mejor dirección		Ganador
1974	National Board of Review	Mejores películas extranjeras		Ganador
1974	National Board of Review	Mejor película en lengua extranjera		Ganador
1974	Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos	Mejor director		Ganador
1980	Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos	Mejor director	Ciudad de las Mujeres	Ganador
1984	David di Donatello	Mejor director	Y la neve va	Nominado
1986	David di Donatello	Mejor director	Ginger y Fred	Nominado
1986	Premios de cine de la Academia Británica	Mejor película en idioma no inglés	Ginger y Fred	Nominado
1987	Premios César	Mejor Película Extranjera	Entrevista	Nominado
1987	Festival de Cannes	Premio Especial 40 Aniversario		Ganador
1987	Festival Internacional de Cine de Moscú	Premio de Oro		Ganador
1987	David di Donatello	Mejor director		Nominado
1990	David di Donatello	Mejor director	La voz de la luna	Nominado

Honores

Año
1964	Orden al Mérito de la Grande Ufficiale OMRI de la República Italiana
1974	Premio a la Trayectoria del Festival de Cine de Cannes
1985	La trayectoria del Festival de Cine de Venecia
1985	Premio de la Film Society of Lincoln Center por logros cinematográficos
1987	Orden al Mérito de la República Italiana Cavaliere di Gran Croce OMRI
1987	Beca BAFTA
1989	Premio a la Trayectoria de los Premios del Cine Europeo
1990	Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón
1993	Premios de la Academia a la trayectoria

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Recepción e influencias de la obra de Federico Fellini
en la crítica y en el cine español

Tesis Doctoral presentada por Stefania Miccolis

Me gustaría comenzar con la misma expresión con la que, en el libro Cari centenari, Tullio Kezich se refiere a Roberto Rossellini, a Luchino Visconti, y a Mario Soldati. Expresión que creo que justifica plenamente el motivo por el que he emprendido mis estudios sobre Federico Fellini, aunque ya haya sido examinado y analizado ampliamente tanto en Italia como en el extranjero. Fellini está entre esos “desaparecidos que merecen ser recordados”, entre esas figuras que “todavía pueden ayudarnos a elegir, comprender y, quizás, hasta edificar”. Fellini es ciertamente un clásico de la cinematografía, es decir, un autor cuyas obras poseen una vigencia que permanece intacta incluso con el paso del tiempo. Sus películas (si no todas, seguro que muchas de ellas) no han dejado de tener un significado para las generaciones posteriores, y es más - como pasa con todos los productos de elevada calidad artística - están tan llenos de significados, que van descubriéndose nuevos y diversos en lecturas (y visionados) sucesivos.

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Representaciones autoficcionales de Federico Fellini y de Marcello Mastroianni en la filmografía de Federico Fellini

Pablo Sabater Cuevas

El artículo introduce al fenómeno de la autodiégesis como instrumento para el estudio de la autoficción desde el perso-naje representado en la pantalla. Se foca-liza en la filmografía de Federico Fellini y en las actuaciones que el mismo director realizó mediante su propia presencia. Igualmente se abordan las representa-ciones presentadas por el actor Marcello Mastroianni. Este análisis presenta una metodología con herramientas de análisis propias, originales y eficaces que se centran, por una parte, en la revisión bibliográ-fica de la biografía de ambos sujetos, el director y el actor, y en la documentación relativa a la elaboración de las diferentes películas objeto de estudio. Por otra parte, se analizan y se comparan los personajes mostrados en las distintas películas para encontrar semejanzas y diferencias entre ellos. Posteriormente se comparan conjunta-mente todos los datos con el fin de establecer conclusiones. Los resultados muestran que Fellini se expone en su filmografía a través de su propia presencia mediante per-sonajes centrados en el ámbito laboral. El ámbito íntimo, personal y privado es dele-gado a los personajes interpretados por Mastroianni. Además se certifica la utilidad del análisis de la actividad de otros departamentos de producción de la película para el estudio de la autoficción.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Federico Fellini - Películas: Películas de Federico Fellini

Imágenes: Imágenes de Federico Fellini - Videos: Más videos de Federico Fellini

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RICHARD ATTENBOROUGH

Richard Attenborough

Fue distinguido por la reina con una Orden del Imperio Británico

Actor, director y productor de cine inglés, nació en Cambridge el 29 de agosto de 1923. Realizó sus estudios en la Real Academia de Arte Dramático y en 1941 se subió por primera vez a un escenario. Su debut en la gran pantalla tuvo lugar en 1942 con Sangre, sudor y lágrimas, dirigida por David Lean y Noel Coward. Alcanzó la fama en 1947 gracias a su interpretación en Historia de una cobardía, papel que le encasillaría para siempre. Protagonista de numerosos filmes británicos, en 1963 debuta en el cine estadounidense con La gran evasión de John Sturges. Su primera cinta como director llega en 1969 con ¡Oh, qué guerra tan bonita!, a la que posteriormente siguen numerosos títulos como Un puente lejano o Ghandi. Durante este tiempo se alejó de la interpretación hasta 1993, cuando trabaja en una de las películas más taquilleras de la historia del cine, Parque Jurásico de Steven Spielberg.

Las películas dirigidas por Richard Attenborough

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

A chorus line (1985)
Buho gris (1999)
Cerrando el círculo (2007)
Chaplin (1982)
En el amor y en la guerra (1996)
Gandhi (1982)

Grita libertad (1987)
El joven Winston (1972)
Magic: el muñeco diabólico (1978)
Oh, que guerra tan bonita! (1969)
Un puente lejano (1997)
Tierras de penumbra (1993)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

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¡OH, QUÉ GUERRA TAN BONITA! (1969)
Reparto principal | Maggie Smith, Dirk Bogarde, Phyllis Calvert, Jean Pierre Cassel

Sátira musical acerca de la Primera Guerra Mundial, tomada de un montaje para los escenarios del mismo nombre. Sigue a diversos miembros de una familia apellidada Smith, que se encuentra en primera línea de los sucesos más significativos del conflicto, que incluye momentos como el de la famoso tregua de Navidad.

El film supuso el debut en la dirección del Richard Attenborough, y demostró pulso firme tras la cámara para ser su primera vez. La trama destila una ironía muy "british", e incluye alegres canciones, como la que da título al film. Resulta increíble el reparto estelar de grandes actores, casi todos en pequeños papeles.

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EL JOVEN WINSTON (1972)
Reparto principal | Robert Shaw, Anne Bancroft, Jack Hawkins, Ian Holm

El argumento se trata de un biopic acerca de los primeros años de la existencia de Winston Churchill, quien con el paso de los años se acabó convirtiendo en una figura realmente reconocida y célebre en el ámbito político tanto a nivel nacional como mundial. La pantalla muestra la forma en la que sus progenitores prácticamente se despreocuparon de atender sus necesidades, debido a que estaban demasiado ocupados en llevar a cabo sus respectivas gestiones de la forma más adecuada posible. Con motivo de los numerosos consejos y peticiones que su padre, un mandatario de ideología puramente tradicionalista, le había realizado a lo largo de mucho tiempo, toma la decisión de adentrarse en las tropas de su nación para formar parte del conflicto bélico anglo-bóer que se extendió durante tres largos e interminables años. A pesar de su buena disposición y de su capacidad para afrontar una batalla de estas dimensiones, el protagonista estuvo muy cerca de haber perdido la vida en el transcurso de la peligrosa confrontación. Una vez que se dio por concluida la guerra, se percató de que lo más sabio era centrarse por completo en su carrera gubernamental con la intención de asegurar un futuro próspero y alentador para todos sus conciudadanos.

El actor y director Richard Attenborough fue el encargado de llevar a la pantalla la vida del que fuera Primer Ministro inglés durante la II Guerra Mundial. Partiendo de las memorias del propio político, el guionista Carl Foreman adaptó los textos y recibió una nominación al Oscar por ello. Y todo para una película que empezaba a mostrar al Attenborough interesado en las biografías de personajes famosos, sobre todo los relacionados con la Historia británica. Diez años después de El joven Churchill, el cineasta inglés sería reconocido por la Academia por su biopic sobre Gandhi (1982), y veinte más tarde intentaría repetir el éxito con Chaplin (1992).

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UN PUENTE LEJANO (1977)
Reparto principal | Dirk Bogarde, James Caan, Michael Caine, Sean Connery

Basada en la novela homónima del reportero de guerra Cornelius Ryan, la historia narra los sucesos acaecidos durante la Segunda Guerra Mundial en la Operación Market Garden. El relato comienza en septiembre de 1944. Tras el éxito que tuvo el Desembarco de Normandía, los Aliados desean realizar una última misión para finalizar la guerra en la mayor brevedad posible. Para ello, el Comandante Supremo Aliado, Dwight D. Eisenhower, decide que la mejor operación es la elaborada por el mariscal británico Montgomery. El objetivo de la misión es invadir Alemania para acabar con la industria armamentística nazi y rodear al enemigo volando los puentes que comunican las ciudades más importantes. Para ello lanzan a 35.000 paracaidistas con el objetivo de rodear a los soldados alemanes y hacerles una emboscada. Pero la disparatada operación acaba siendo un fracaso, causando miles de bajas entre el bando Aliado.

Basada en un libro del historiador Cornelius Ryan y dirigida por el británico Richard Attenborough, la película reconstruye un hecho poco recordado de la Segunda Guerra Mundial: la última gran batalla ganada por los alemanes, que tuvo lugar en Holanda y que les costó a los aliados más bajas que en el desembarco de Normandía. Para su rodaje, Attenborough contó con el presupuesto más alto destinado hasta entonces a un filme bélico, y reunió un elenco de primeras figuras, típico de las producciones de este género, entre las que estaban Robert Redford, Sean Connery, Michael Caine, James Caan y Gene Hackman. Indispensable para los amantes del cine bélico.

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MAGIC: EL MUÑECO DIABÓLICO (1978)
Reparto principal | Anthony Hopkins, Ann-Margret, Burgess Meredith, Ed Lauter

Corky es un mago de naipes que se gana realizando espectáculos allí donde quieren sus servicios. La gente no aprecia su trabajo, y poco a poco se da cuenta de que le llegan menos ofertas y que debe deambular por distintos bares y antros. Es por eso por lo que decide introducir un elemento nuevo en su espectáculo, un muñeco ventrílocuo, Fats, con el que inmediatamente consigue la fama. Sin embargo, mientras degusta las mieles de su éxito, Corky comienza a darse cuenta de que Fats no es un mueco ordinario. Cuando el manager de Corky le propone acudir a un programa de televisión, él acepta sin dudarlo. Pero cuando le exigen un examen médico previo, Corky entra en pánico y escapa con su muñeco a una cabaña abandonada. Allí, Fats demuestra tener una mente propia y re torcida, y su objetivo es controlar totalmente a su amo. Horrorizado, Corky tratará de deshacerse de él. Se iniciará así una serie de hechos que sembrarán el terror y harán temer a Corky por su vida.

Tercera intervención de Anthony Hopkins a las órdenes de Richard Attenborough, que parte de una novela de William Goldman, convertida en guión por él mismo. El film, con regusto a serie B, tiene buenas dosis de suspense y terror a cargo de Hopkins, todo un maestro en crear tensión gracias a su siniestro personaje y su alter ego, Fats, jugando a la ambigüedad de un modo inteligente. Porque Fats en principio no es más que un trozo de plástico y pelo de mentira, pero parece tener personalidad propia, a través de Corky, llegando a parecer un protagonista más. De hecho el muñeco se hizo a propósito con un cierto parecido a Hopkins, con un rostro comparable, y jugando con ropa similar, como si fueran hermanos, o uno la versión en muñeco del otro.

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GANDHI (1982)
Reparto principal | Ben Kingsley, Candice Bergen, Edward Fox, John Gielgud

La película abre con el día en el que Mahatma Gandhi es asesinado y su posterior funeral, al que acudieron multitud de personas de toda la India, así como diversos mandatarios del resto del mundo. En ese momento de luto, y de recuerdo hacia la figura del pacifista indio, un flashback lleva al espectador a conocer mejor su vida desde su juventud. A finales del siglo XIX, un joven Gandhi es sacado de un tren en Sudáfrica por el mero hecho de ser indio, a pesar de que había comprado su billete. Este hecho hace que inicie una protesta pacífica por los derechos de los indios en el país. A pesar de ser detenido varias veces, sigue persistiendo en sus objetivos pacifistas a su vuelta a la India. La masacre mandada por los británicos en Amritsar genera una fuerte presión en el país en contra de los colonos y un sentimiento de independencia generalizado. Tras obtener la India su independencia, los problemas siguen vigentes con las diferencias entre hindúes y musulmanes. Gandhi se declara en huelga de hambre hasta que las rencillas entre ambos cesen. La proclamación de Pakistán, que se desliga de la India, conllleva la negativa de Gandhi, quien vio que no era el camino para llegar a un acuerdo. A pesar de tratar de lograr la paz entre ambas naciones, sus intentos no funcionan, llegando la película al punto de partida, donde Gandhi es asesinado.

Esta película es un tributo de admiración a uno de los personajes más importantes del siglo XX: Mahatma Gandhi, el hombre que consiguió la independencia de India del dominio británico con la política de resistencia pasiva. El responsable de esta colosal biografía del líder político y espiritual de la India fue el director Richard Attenborough que eligió al entonces desconocido Ben Kingsley para darle vida. Tanto director como actor consiguieron el Oscar por este trabajo. Además, el filme se alzó con otras seis estatuillas: mejor película, guión original, dirección artística, fotografía, vestuario y montaje, convirtiéndose en la gran vencedora de la edición de 1983.

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A CHORUS LINE (1985)
Reparto principal | Michael Douglas, Alyson Reed, Terrence Mann, Sharon Brown

Un centenar de bailarines y bailarinas han de realizar unas pruebas en el escenario de un teatro para demostrar si son aptos para la comedia musical que prepara Zach. De manera implacable se va desarrollando la selección hasta que solamente quedan diecisiete. Entre ellos está Cassie, que fue la amante de Zach y que lo dejó para probar suerte en Hollywood. Zach la rechaza al principio, mientras los otros candidatos, por orden de lista, responden las preguntas del director, situado en la penumbra. Solamente ocho de estos artistas serán los ganadores de esta competición despiadada.

Muchos decían que este éxito de Broadway era casi imposible de filmar, pero el británico Richard Attenborough se encargó de demostrar lo contrario llevando el proyecto a buen puerto. La respuesta de la crítica, sin embargo, no fue buena, poniendo en entredicho varios aspectos del filme, especialmente la decisión de enfatizar la historia de amor entre el director y una exbailarina, desvirtuando la esencia de la obra teatral, que se centraba en las aspiraciones de unos jóvenes bailarines. Quizás ello se debió a que el del director, que en la obra teatral nunca aparecía en el escenario, oyéndose solo su voz, fue el único personaje del filme interpretado por una estrella (Michael Douglas). El resto, los aspirantes, fueron encarnados por un reparto de desconocidos bailarines que difícilmente se han vuelto a ver en el cine.

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GRITA LIBERTAD (1987)
Reparto principal | Kevin Kline, Denzel Washington, Penelope Wilton, Alec McCowen

Historia dramática basada en hechos reales. Este es el relato de la vida de Stephen Biko, un activista conocido por su lucha contra el apartheid sudafricano, vista a través de los ojos de su amigo Donald Woods, el editor jefe de raza blanca de un periódico liberal llamado Daily Dispatch. Biko quiere conseguir, así, la igualdad de derechos entre razas en Sudáfrica. Woods escribió, en un principio, varios editoriales críticos sobre Biko, pero, tras conocerle, por primera vez, cambia de opinión. Se reúnen varias veces y Woods y su familia comienzan a ser investigados por la policía. Biko es asesinado por el gobierno en 1977 debido a sus protestas en contra de su mal trato a los ciudadanos negros del país. El periodista sudafricano se ve obligado a huir del país tras intentar investigar la muerte bajo custodia de su amigo el activista de raza negra. Además, Woods está escribiendo un libro sobre la vida de Biko y la única manera de lograr que éste se publique es escapar ilegalmente en el país.

Drama sobre el racismo y la amistad ubicado en la Sudáfrica de finales de la década de 1970, en plena era de segregación. Dirigido por el cineasta británico Richard Attenborough, "Grita libertad" se basa en un hecho real, concretamente en el vínculo que desarrollan un periodista blanco, Donald Woods, y el activista negro Steve Biko. Buenas interpretaciones de Denzel Washington (candidato al Óscar) y Kevin Kline, y memorables banda sonora y canción original (igualmente candidatas para la estatuilla), ambas compuestas por George Fenton y el gran maestro del jazz sudafricano, Jonas Gwangwa.

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CHAPLIN (1992)
Reparto principal | Robert Downey Jr., Geraldine Chaplin, Paul Rhys, Anthony Hopkins

El joven Charlie Chaplin, miembro de una numerosa familia que se gana la vida en los teatros de mala muerte de Londres, ve a su padre morir alcoholizado y a su madre enferma trabajando duramente para sacar adelante a su hermano y a él. Chaplin entra a trabajar en una compañía de música y pantomima, que le lleva de gira por Estados Unidos. Allí conoce al productor de cine Mack Sennett que le convertirá en una estrella gracias a su capacidad para conectar con el público. Activista a favor de los derechos de las minorías y de la entrada de los Estados Unidos en la II Guerra Mundial para detener el avance nazi, pronto es tildado de izquierdista y, tras la guerra, el Comité de Actividades Antiamericanas le llama a declarar. Colosal 'biopic' centrado en la azarosa vida de uno de los grandes genios del cine de todos los tiempos, emprendido por el británico Richard Attenborough, un especialista en el género como demuestran títulos anteriores como Gandhi o El joven Winston.

Colosal 'biopic' centrado en la azarosa vida de uno de los grandes genios del cine de todos los tiempos, emprendido por el británico Richard Attenborough, un especialista en el género como demuestran títulos anteriores como "Gandhi" o "El joven Winston". Con un reparto plagado de estrellas, fue nominado a los Oscars en las categorías de mejor actor (para un fabuloso Robert Downey Jr.), banda sonora y dirección artística. No ganó ninguno de los tres.

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TIERRAS DE PENUMBRA (1993)
Reparto principal | Anthony Hopkins, Debra Winger, Edward Hardwicke, Joseph Mazzello

Sensible acercamiento a la figura del escritor británico C.S. Lewis, célebre por su obra apologética del cristianismo, y por su saga infantil "Las crónicas de Narnia". El film se basa en la pieza teatral de William Nicholson, inspirada a su vez por la obra de Lewis "Una pena en observación", transformada en guión cinematográfico por él mismo. En él se nos muestra a Lewis, o Jack, como le llaman sus amigos, como una figura pública bien asentada, prestigioso escritor y profesor universitario en Oxford, que vive una vida cómoda y ordenada con su hermano Warnie, según el "estuche" que él mismo se ha fabricado cuidadosamente. Un día recibe una carta de Joy Gresham, una escritora estadounidense admiradora de su obra que desea conocerle con su hijo. Creyendo que se tratará de un encuentro más, Lewis pronto queda fascinado por Joy, y nacerá algo llamado amor. Pero junto al amor llegará el dolor del que tanto ha hablado teóricamente en conferencias -"El dolor es el cincel con el que Dios habla a un mundo de sordos", suele tronar con convicción-, pues a Joy le diagnostican una enfermedad terminal. Aceptar trance tan doloroso es el desafío de Lewis, a quien como le recordará su amada, ha de tener en cuenta que "el dolor de hoy es parte de la felicidad de entonces".

Inspirada en personajes reales y basada en una obra teatral de William Nicholson, "Tierras de penumbra" significa un paréntesis intimista en la filmografía de Richard Attenborough, realizador conocido en aquel entonces por la dirección de superproducciones. La cinta cuenta con el protagonismo de Anthony Hopkins, aunque los laureles fueron a parar a una Debra Winger que ya veía lejano uno de sus grandes éxitos: "Oficial y caballero". Y es que la actriz estadounidense optó al Oscar a mejor actriz principal por su trabajo en la que nos ocupa. Por cierto, existe otra versión de la misma historia, rodada en 1985 para la televisión, con Joss Ackland y Claire Bloom en los papeles principales.

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EN EL AMOR Y EN LA GUERRA (1996)
Reparto principal | Sandra Bullock, Chris O'Donnell, Mackenzie Astin, Philippe Leroy

Durante la Primera Guerra Mundial en Italia, Ernest Hemingway es un joven americano, voluntario de la Cruz Roja que, en su afán de involucrarse más en el conflicto, resulta herido en una pierna. Trasladado a un hospital de Milán, consigue salvar la pierna gracias a los cuidados de Agnes, una enfermera británica. A partir de ese momento y pese a ser siete años menor que ella, entre ambos empieza una apasionada historia de amor. Poco después del fallecimiento de Ernest Hemingway, se descubrió la correspondencia que mantuvo con la enfermera Agnes von Kurowsky, durante la Primera Guerra Mundial. Esa relación sentimental dio pie a esta película de Richard Attenborough que supone su sexto largometraje biográfico.

Poco después del fallecimiento de Ernest Hemingway, se descubrió la correspondencia que mantuvo con la enfermera Agnes von Kurowsky, durante la Primera Guerra Mundial. Esa relación sentimental dio pie a esta película de Richard Attenborough que supone su sexto largometraje biográfico. Para dar vida a sus dos protagonistas, Attenborough eligió a dos jóvenes estrellas de Hollywood: Chris O’Donnell y Sandra Bullock. Pese a ello, el filme se estrelló en las taquillas de todo el mundo. Dice la leyenda que la poderosa influencia que ejerció Agnes en Hemingway inspiró en éste en la creación del personaje femenino principal de “Adiós a las armas”, una de sus más famosas novelas.

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BÚHO GRIS (1999)
Reparto principal | Pierce Brosnan, Annie Galipeau, Nathaniel Arcand, Vlasta Vrána

Años 30. Archie Búho Gris espera en su camerino el comienzo de una función-conferencia; este indio es uno los principales activistas ecologistas que hay sobre la faz de la tierra. Un periodista se le acerca, asegurando que lo sabe todo sobre él. Comienza entonces, remontándose al pasado, el relato de la apasionante vida de Búho Gris. Un tipo solitario, trampero y cazador, que vivía en medio de un enorme bosque, en las montañas del Norte de Ontario. Un día cambia su vida al conocer a Anahareo en el pueblo donde suele comprar provisiones para el invierno. Ella es de origen indio, pero su padre renegó de sus ancestros para occidentalizarse. Ahora Anahareo quiere rastrear en las tradiciones de los indios, y piensa que nadie mejor que Búho Gris para guiarle en su personal búsqueda. Aunque al principio Búho Gris marca las distancias –se muestra arisco y nunca cuenta nada personal–, pronto nace una atracción mutua.

Un filme basado en un hecho real, servido con la sobriedad y la limpieza de intenciones que caracterizan el cine del realizador británico Richard Attemborough. El director utiliza aquí la historia de Búho Gris para lanzar un mensaje ecologista y concienciador. Como cómplice, se vale de un Pierce Brosnan siempre ansioso de demostrar que su dimensión como actor va mucho más allá del personaje de James Bond. A destacar el hábil guión de William Nichols y una preciosa fotografía de Roger Pratt, un reputado artesano.

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CERRANDO EL CÍRCULO (2007)
Reparto principal | Shirley MacLaine, Christopher Plummer, Mischa Barton, Neve Campbell

Ethel Ann, una anciana de un pueblo de Carolina del Norte, acaba de perder a Chuck, su marido, un veterano aviador, y tiene dificultades para relacionarse con Marie, su hija. Para honrar al difunto, Jack, otro veterano piloto, realiza una pequeña exhibición aérea en el entierro. Éste sigue enamorado de Ethel Ann desde su juventud, cincuenta años atrás, cuando formaba un trío inseparable de amigos con Chuck y otro apuesto joven, Teddy. Éste último fue el que en realidad conquistó en su momento a Ethel Ann, que sólo se separó de él por culpa del bombardeo de Pearl Harbor, y la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Mientras tanto, en Belfast (Irlanda del Norte), un maduro individuo rebusca algo en los restos de un avión siniestrado durante la citada guerra. Se le une un muchacho que encontrará entre los escombros un anillo de oro con dos nombres escritos: Teddy y Ethel Ann.

Richard Attenborough llevaba sin rodar desde antes del cambio de milenio. Especializado en su faceta de cineasta que lleva al cine las biografías de grandes hombres como Mahatma Gandhi (Gandhi), Charles Chaplin (Chaplin), C.S. Lewis (Tierras de penumbra) o Steve Biko (Grita libertad), Attenborough eligió en esta ocasión una historia de ficción, pero que curiosamente comparte título y algo de temática bélica con el quinto volumen de las memorias de Winston Churchill. El primer volumen dio pie al primer biopic del director, El joven Winston, de 1972, por lo que su última película cierra una especie de círculo.

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Premios y nominaciones

Año	Título	premios de la Academia		Premios BAFTA		Premios Globo de Oro
Año	Título	Nominaciones	Premio	Nominaciones	Premio	Nominaciones	Premio
1969	¡Oh! Que hermosa guerra			10	6	1	1
1972	Joven Winston	3		6	1	2	1
1977	Un puente lejano			8	4
1978	Magic			1		1
1982	Gandhi	11	8	16	5	5	5
1985	A Chorus Line	3		2		2
1987	Grito libertad	3		7	1	4
1992	Chaplin	3		4	1	3
1993	Tierras de penumbra	2		6	1
Total		25	8	60	19	18	7

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Año	Categoría	Película	Resultado
1960	Premio Zulueta al mejor actor	Objetivo: banco de Inglaterra	Ganador
1964	Concha de Plata al mejor actor	Plan siniestro	Ganador

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Gandhi, iluminación y oscuridad:
los antecedentes del proyecto de la película

Jesús Ojeda Guerrero

La escasa afición de Gandhi por el cine pudo ser la causa de la reducida producción cinematográfica en los años inmediatamente posteriores a su asesinato. Rachel Dwyer, profesora emérita inglesa, especialista en cine hindi, ha localizado algunos documentales y cortometrajes: Mahatma Gandhi (1940) de Chettiar, The Light That Shone (1948), Mahatma Gandhi: Twentieth Century Prophet (1953) de Stanley Neal. Después del estreno de la película Gandhi (1982), de Richard Attenborough, ha habido otras filmaciones de resultado diverso, Hey Ram (2000), de Kamal Hassan (en tamil, telugu e hindi), en donde se narra la peripecia de una pareja de enamorados en medio de las revueltas entre hindúes y musulmanes al producirse la partición; The Legend of Bhagat Singh (2002), de Rajkumar Santoshi, sobre la vida de un socialista, Bhagat Singh, que apoyó el movimiento de no cooperación de Ghandi; Lage Raho Muna Bhai (2006), de Rajkumar Hirari, donde un supuesto profesor de historia quiere conquistar a una joven, aprovechando sus conocimientos sobre la vida de Gandhi; Gandhi, My Father (2007), de Feroz Abbas Khan, sobre la compleja relación con su hijo mayor Harilal.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Attenborough - Películas: Películas de Attenborough

Imágenes: Imágenes de Attenborough - Videos: Más videos de Attenborough

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MEL GIBSON

Mel Gibson
Ha dejado huella como director, por La Pasión de Cristo o Braveheart

Mel Columcille Gerard Gibson, más conocido como Mel Gibson, nació en Peekskill, Nueva York, el 3 de enero de 1956. Este actor, director y productor de cine australiano-estadounidense nacionalizado irlandés es hijo de Hutton Gibson y de Anne Reilly Gibson, y nieto de una cantante de ópera australiana llamada Eva Mylott. Mel Gibson nació y vivió sus primeros años en Estados Unidos, donde su padre conseguía el sustento económico para el hogar trabajando para la compañía de ferrocarriles New York Central. Pero en 1968 Hutton sufrió un accidente laboral y demandó a la empresa obteniendo una indemnización de 145.000 dólares. Corrían tiempos vertiginosos en lo político y, ante la posibilidad de que sus hijos mayores fueran enviados a Vietman, Gibson padre partió con su familia a Australia. Ya adulto, Mel Gibson volvería a los Estados Unidos a probar suerte en lo que más lo estimulaba: la actuación. Fue así que tras varios intentos logró ser convocado para formar parte de una de las películas que se convertirían en ícono de los años 80: Mad Max. Luego llegaría la saga Arma mortal, que lo volvería una cara conocida del cine y finalmente se coronaría con la afamada Braveheart, película que también dirigió y de esa manera terminó de despertar el interés de la Academia por su trabajo, que le otorgó la famosa estatuilla como Mejor director por su labor. Quizás conocemos todas sus películas como actor, pero no como director. Esta es la obra de Mel Gibson como director de cine. (FUENTE: https://www.clarin.com/).

Las películas dirigidas por Mel Gibson

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Apocalypto (2006)
Braveheart (1995)
Hasta el último hombre (2016)
El hombre sin rostro (1993)
Mel Gibson goes back to school: Hamlet (1991)
La pasión de Cristo (2004)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net

MEL GIBSON GOES BACK TO SCHOOL: HAMLET (1991)
Documental

Mel Gibson le da clase a un grupo de estudiantes de arte dramático, usando Hamlet de William Shakespeare como materia.

Ficha IMDB Ficha Filmaffinity Volver a la lista de películas

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EL HOMBRE SIN ROSTRO (1993)
Reparto principal | Mel Gibson, Nick Stahl, Margaret Whitton, Fay Masterson

Convertido en un recluso después de un trágico accidente de automóvil en que queda desfigurado, Justin Mcleod se aparta del mundo y evita el contacto con la sociedad que le ha condenado a ser un marginado. Pero un verano conoce a un niño huérfano de padre y con una madre y una hermana que no le prestan ninguna atención y se convierte en su amigo y profesor. Ambos tienen en común una desgracia personal que les lleva a recluirse en un mundo cerrado y tremendamente personal.

Mel Gibson, ya asentado en el cómodo estatus de superestrella, se atrevió en 1993 a dirigir "El hombre sin rostro", su ópera prima, basada en una novela de Isabelle Holland. Gibson decidió dirigirse a sí mismo después de serle imposible encontrar a otro actor que le satisfaciera lo suficiente para encarnar el papel protagonista.

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BRAVEHEART (1995)
Reparto principal | Mel Gibson, Sophie Marceau, Angus Macfadyen, Patrick McGoohan

Al regresar a su patria después de la muerte de un rey sin herederos, William se encuentra con un panorama político precario. Eduardo, Rey de Inglaterra, ha capturado el trono de Escocia y amenaza la libertad de todos los escoceses con políticas tiránicas. William, contento de vivir una vida simple, construye una casa y disfruta de su familia. Sin embargo, cuando la mujer que ama sufre un destino cruel a manos de soldados ingleses, se posicionará en contra de las nuevas reglas y luchará para hacer justicia.

Segunda película dirigida y protagonizada por Mel Gibson. En esta ocasión se puso al frente de una superproducción épica que narra la vida de William Wallace, un personaje histórico convertido en leyenda por los escoceses. Para el rodaje, Gibson se desplazó a los parajes naturales de Irlanda y Escocia. Allí tuvo que hacer frente a los temporales, muy frecuentes en aquella zona, por lo que no es casualidad que la lluvia sea una constante de la película. A pesar de esto, el rodaje siguió adelante y el resultado fueron unas secuencias preciosas que tienen su punto fuerte en las batallas.

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LA PASIÓN DE CRISTO (2004)
Reparto principal | Jim Caviezel, Maia Morgenstern, Hristo Jivkov, Monica Bellucci

Recrea las últimas horas de Jesús de Nazaret, antes de que Judas lo traicionara y de que fuese dirigido a Jerusalén, donde le crucificarían. Jesús dice ser rey de los judíos y todos se burlan de él, sobre todo Pilatos, gobernador romano en Palestina. Este le da la opción al pueblo para que elija a quién salvar, si al asesino Barrabás o a Jesús y sale elegido el primero. Condenado a muerte, Jesús es conducido al Gólgota, lugar donde será crucificado, custodiado y flagelado por soldados romanos y cargando con la pesada cruz donde morirá momentos después.

Basándose en los cuatro Evangelios del Nuevo Testamento (San Marcos, San Juan, San Lucas y San Mateo), la película recoge las últimas 12 horas de la vida de Jesús de Nazaret. La cinta dirigida por Mel Gibson, un hombre de firmes creencias católicas. Filmada en arameo y latín, la película destaca por su crudeza y por las violentas imágenes del sufrimiento de Jesús. Según se dice, esto fue motivo de ataques al corazón y fallecimientos entre el público asistente a algunas salas de Estados Unidos. Fue también un motivo de rechazo por parte de algunos católicos, aunque la Iglesia, en general, se mostró favorable. Donde hubo polémica fue dentro de los círculos judíos, ya que éstos, calificaron la película de antisemita.

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APOCALYPTO (2006)
Reparto principal | Rudy Youngblood, Raoul Trujillo, Mayra Sérbulo, Dalia Hernández

Película de acción y aventuras ambientada en los últimos y turbulentos tiempos de la gran civilización Maya. A medida que el reino Maya se enfrenta a su declive, los gobernantes insisten en que la clave para la prosperidad es construir más templos y ofrecer sacrificios humanos. Garra de Jaguar, un joven capturado para el sacrificio, huye para evitar su destino. Para ello esconde a su esposa embarazada y su hijo en un profundo agujero cercano a su tribu y es capturado mientras luchaba con su pueblo. Éste debe luchar para sobrevivir y salvar a su amada familia. Garra de Jaguar emprenderá un peligroso camino de retorno para preservar su vida, sus costumbres y, sobre todo, su libertad.

Tras la controvertida "La pasión de Cristo", Mel Gibson volvió a generar polémica con "Apocalypto", una violenta y cruda visión de la cultura maya, extinguida aproximadamente un milenio atrás. Basándose en antiguos textos que describen la brutalidad de los sacrificios mayas, Gibson escribió un guion que se tradujo después al yucateco, principal dialecto maya todavía hablado en la actualidad. Además de usar este idioma, el reparto está formado por indígenas del Yucatán o por descendientes de los indios de Estados Unidos y Canadá. A pesar de la controversia causada por la visión excesivamente sádica de la cultura maya, la cinta fue bien acogida por la crítica, que destacó el ritmo y la intensidad del filme. La película logró, además, tres candidaturas a los premios Oscar en las categorías de sonido, montaje y maquillaje.

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HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE (2016)
Reparto principal | Andrew Garfield, Sam Worthington, Luke Bracey, Hugo Weaving

Segunda Guerra Mundial. Desmond Doss, un joven contrario a la violencia, se alista en el ejército de los EEUU con el objetivo de servir como médico durante la guerra. Tras enfrentarse a las autoridades militares y a un juicio por su negativa a empuñar un arma, consigue su objetivo y es enviado a servir como médico al frente japonés. A pesar de ser recibido con recelo por todo el batallón durante la salvaje toma de Okinawa, Desmond decide jugarse la vida en la peor de las condiciones, demostrando su valor salvando a 75 hombres heridos consiguiendo el respeto de los soldados.

Como hizo en Braveheart y en La Pasión de Cristo, parte de hechos reales, aquí con la ventaja adicional de que existen testimonios escritos y filmados de los protagonistas de su historia, de hecho la película concluye con algunos de estos últimos. El film cuenta la asombrosa historia de Desmond Doss (1919-2006), un joven de Virginia que desea servir en el ejército de su país tras el ataque japonés a Pearl Harbour, y la consiguiente declaración de guerra. Pero, objetor de conciencia y hombre de fe, cristiano adventista del séptimo día, se ha prometido en presencia de Dios no tocar un arma, él servirá como médico y pondrá los medios para salvar vidas. Semejante postura se topa con la incomprensión de compañeros y superiores, que la confunden con locura, cobardía, fanatismo o una mezcla de todo eso. Pero él se mantendrá fiel a sus convicciones y finalmente destinado en Okinawa dará prueba de un valor y entrega a los demás desarmante.

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Premios y nominaciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1996	Mejor Director	Braveheart	Ganador
1996	Mejor Película	Braveheart	Ganador
2017	Mejor Director	Hasta el último hombre	Nominado

Premios Globo de Oro

Año	Categoría	Película	Resultado
2016	Globo de Oro al mejor Director	Hasta el último hombre	Nominado
2016	Globo de Oro a la mejor Película -Drama	Hasta el último hombre	Nominado
2006	Mejor película en lengua no inglesa	Apocalypto	Nominado
2001	Mejor actor - Comedia o Musical	En que piensan las mujeres?	Nominado
1996	Mejor actor - Drama	Rescate	Nominado
1995	Mejor película - Drama	Braveheart	Nominado
1995	Mejor director	Braveheart	Ganador

Premios BAFTA

Año	Categoría	Película	Resultado
2006	Mejor película de habla no inglesa	Apocalypto	Nominado
1995	Mejor director	Braveheart	Nominado

Premios Razzie

Año	Categoría	Película	Resultado
2015	Peor actor de reparto	Los mercenarios 3	Nominado

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Braveheart (1995). La lepra una enfermedad estigmatizante

Miguel García Garraus

La película es un canto a la libertad de las personas y de los pueblos. Narra la vida del héroe escocés William Wallace, que transcurre en las últimas décadas del siglo XIII y los primeros años del XIV. Son momentos muy turbulentos en la historia de Escocia que se encuentra sometida al poder del vecino Rey de Inglaterra, quien gobierna con mano de hierro, mientras se suceden las pugnas y disputas entre la nobleza escocesa por los derechos de sucesión al trono escocés que se encuentra vacante.

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La "Pasión de Cristo" de Mel Gibson

Jorge Costadoat

Que a algunos guste la película de Gibson y a otros no, abre uno de los debates más interesantes del último tiempo sólo en la medida en que enfrentemos la pregunta decisiva: ¿Puede gustarle a Dios este film como interpretación de la pasión de su Hijo? Me apuro a responder: no creo. Nada hay más difícil que interpretar correctamente que el misterio pascual, la principal razón que los cristianos tienen para vivir y esperar. La pasión de Cristo de Mel Gibson, sin embargo, constituye una interpretación teológica muy preocupante.

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Apocalypto y su reproducción de las ciudades mayas

Álvaro Bueno Blanco

En pocas producciones se ha otorgado el protagonismo absoluto a las poblaciones indígenas americanas. Apocalypto es uno de esos pocos ejemplos, apostando por acercarse a la cultura maya. Se trata de una cultura dividida políticamente en pequeños estados, pero todos ellos comparten unos rasgos culturales comunes. Uno de esos aspectos es un patrón urbanístico y de poblamiento similar, de hecho uno de los campos más estudiados por los americanistas. La ciudad se convirtió en el centro de los diferentes estados y en el punto neurálgico de la vida religiosa, administrativa, política y económica de los mismos. Presentaba tanto unos rasgos perfectamente característicos como algunas construcciones emblemáticas y bien conocidas como son las pirámides. No obstante, a lo largo de los muchos siglos en los que se desarrolla esta cultura, y, también, según algunos patrones regionales, se aprecian cambios y diferencias en esos centros urbanos. Con este trabajo pretendo realizar un acercamiento a describir una ciudad maya a partir de lo representado en Apocalypto, donde se atreven, incluso, con la representación de un asentamiento rural. Trataré de señalar aquellos aciertos y errores en la espectacular producción a la hora de reproducir las no menos espectaculares ciudades mayas.

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Hasta el último hombre (2016) y el personal médico de la sanidad militar de Euzkadi durante la guerra civil (1936-1937)

Aritz Ipiña Bidaurrazaga

Hasta el último hombre (2016) de Mel Gibson representa perfectamente la brutalidad de la guerra y una de sus contradicciones: aquellos que luchan juntos, pero mientras unos van armados y dispuestos a matar, los otros van desarmados y listos para arrebatar víctimas a la propia muerte. Soldados y sanitarios de primera línea no siempre bien avenidos, pero unidos por las circunstancias bélicas. A través de Hasta el último hombre (2016) y más concretamente estudiando su personaje principal, Desmond Doss, queremos analizar el personal de primera línea de la Sanidad Militar de Euzkadi durante la Guerra Civil española. Saber qué tipo de personal sanitario compartió el campo de batalla, cuáles eran sus funciones e identificar en qué categoría del personal sanitario de Euzkadi se encuadraría Desmond Doss.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Mel Gibson - Películas: Películas de Mel Gibson

Imágenes: Imágenes de Mel Gibson - Videos: Más videos de Mel Gibson

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ALAN PARKER

Alan Parker
Autor de clásicos como El expreso de medianoche, Evita o Fama

Director y guionista de cine, nacido en Londres (Reino Unido), el 14 de febrero de 1944. Se inició en el campo de la publicidad, rodando spots para la cadena de televisión BBC entre los años 1968 y 1978 y, a partir de 1969, comenzó a escribir guiones para el cine y a realizar sus propios trabajos; hizo Melody (1969), No hard feelings (1972), Our cissy (1973), Footsteps (1973) The Evacuees (1974), una serie que se adjudicó el premio Emmy de televisión. Esta etapa constituyó su auténtica escuela de aprendizaje, que le ha servido, como a otros directores coetáneos (Ridley Scott y Hugh Hudson), para imprimir a sus filmes un ritmo muy rápido, el televisivo. Su primera película fue Bugsi Malone (1976), un musical satírico protagonizado por niños, que consiguió varios premios de la Academia Británica; pero ante las escasas posibilidades de trabajo que se presentaban en el Reino Unido, decidió marcharse a Norteamérica, firmó con la compañía Columbia y realizó El expreso de medianoche (1979), que se adjudicó dos estatuillas de la Academia. Después vinieron Fama (1980), El Muro (1980), junto al grupo Pink Floyd, Después del amor (1981), Birdy (1985), El corazón del ángel (1987), Arde Mississippi (1988), que ganó el Oscar a la mejor cinematografía, Come see the Paradise (1989) y The Commitments (1991) que, al igual que Fama, en un principio estaba pensada para ser una serie de televisión. Autor de títulos como Bienvenidos al paraíso o Las cenizas de Ángela, en 2003 estrenó La vida de David Gale, una dura crítica a la pena capital, vigente en el sistema penal estadounidense. Una de las facetas más desconocidas de Alan Parker es su afición a escribir; de hecho, ha publicado varios libros, y muchas de sus películas están basadas en obras suyas.

Las películas dirigidas por Alan Parker

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Arde Mississippi (1988)
El balneario de Battle Creek (1994)
Bienvenido al paraiso (1990)
Birdy (1984)
Bugsy Malone (1976)
Las cenizas de Ángela (1999)
The Commitments (1991)

Corazón de ángel (1987)
Después del amor (1981)
Evita (1996)
El expreso de medianoche (1978)
Fama (1980)
Pink Floyd: el muro (1982)
La vida de David Gale (2003)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net

BUGSY MALONE (1976)
Fue nominada a ocho premios de la Academia Británica de cine, de los cuales recibió cinco

Reparto principal | Scott Baio, Florence Garland, Jodie Foster, John Cassisi

Bugsy Malone es un niño neoyorquino dispuesto a llegar a ser algún día un gran capo de la mafia. Es un momento en que las bandas rivales han dejado de utilizar las pistolas y las balas, siendo sustituidas éstas por dulces. Por este motivo, cuando Bugsy se entera que un grupo rival ha inventado una arma secreta capaz de lanzar dulces a toda velocidad, él se dispone a robar una lanzadora de tartas.

Alan Parker escogió para hacer su debut en la dirección cinematográfica esta comedia musical enteramente interpretada por niños. La intención de Parker al dirigir una película donde las pistolas no disparan balas sino nata, era hacer un homenaje en clave de humor al cine negro clásico. Y la verdad es que la cinta gustó en su momento, revalorizándose aún más con el paso de los años.

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EL EXPRESO DE MEDIANOCHE (1978)
Obtuvo dos Oscar, de las 6 nominaciones, y seis Globos de Oro

Reparto principal | Brad Davis, Irene Miracle, Paul L. Smith, Bo Hopkins

Un ciudadano estadounidense, Billy Hayes, es detenido en el aeropuerto cuando se dispone a salir de Turquía con una importante cantidad de droga. En un juicio sin las debidas garantías procesales, Hayes recibe una sentencia ejemplar: treinta años de condena. Los esfuerzos de la diplomacia de su país por librarle de la prisión son baldíos y Billy tiene que cumplir su pena. Comienza de este modo un largo calvario, en el que Hayes debe sobrevivir a las inhumanas condiciones de reclusión que presenta el régimen penitenciario otomano de la época, las cuales le llevan a experimentar un proceso de animalización y distanciamiento de la realidad. En ese mundo hobbesiano, Billy comprende que no le queda más solución que la fuga si pretende sobrevivir. Esa aparentemente remota posibilidad se presenta como una esperanza cuando menos probable parece.

Alan Parker consiguió con "El expreso de medianoche" su mayor éxito comercial. Partiendo del relato verídico del joven Billy Hayes, Oliver Stone planteó un guion en el que se plasmaban muchos de los miedos que la sociedad estadounidense tiene del mundo exterior. En reconocimiento a su labor, la academia de su país otorgó al filme dos premios Oscar (mejor guion adaptado y banda sonora) y lo nominó a cuatro más. A pesar de que la cinta está basada en un hecho real, el propio Billy Hayes confirmó que lo que se presenta en la cinta es una versión muy exagerada de lo que le pasó en Estambul. De hecho, el mismo gobierno turco se quejó de la imagen que el largometraje daba de su país.

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FAMA (1980)
Consiguió dos Oscar y seis Globos de Oro. Dio lugar a una serie TV de gran éxito

Reparto principal | Eddie Barth, Irene Cara, Lee Curreri, Laura Dean

En la Escuela Superior de Artes de Nueva York muchos jóvenes trabajan sin descanso. Todos ellos desean aprender a bailar y a cantar, aún sabiendo que se trata de una profesión muy dura y exigente. Sin embargo, los jóvenes aspirantes están convencidos de que al final del camino valdrá la pena el esfuerzo realizado. En la prestigiosa escuela se dan cita, entre otros, Coco Hernández, la tímida Doris o el visceral bailarín de origen hispano Raúl García. Unos lo conseguirán, pero otros tendrán que admitir a su pesar, que la ansiada fama nunca les llegará.

Tras el gran éxito de "El expreso de medianoche", Alan Parker volvió a dar en el blanco con este filme que contribuyó a reflotar un género que parecía moribundo: el musical. Aunque la película presentaba varias subtramas, el director prefirió centrar su atención en los números musicales antes que en desarrollar los personajes. Quizás como desaprobación a este sensacionalismo, los responsables de la escuela superior de Arte Dramático de Nueva York le prohibieron que filmase en sus instalaciones. Aún así, la cinta fue candidata a seis Oscars y ganó los destinados a mejor canción y banda sonora.

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DESPUÉS DEL AMOR (1981)
Le resultó difícil porque le evocaba la ruptura de su propio matrimonio

Reparto principal | Albert Finney, Diane Keaton, Karen Allen, Peter Weller

Un escritor de éxito llamado George Dunlap vive en una bonita casa junto a su esposa Faith y sus cuatro hijos. Aunque después de 15 años de matrimonio su vida parece perfecta, la realidad es que la relación ha caído en la monotonía. A pesar de permanecer juntos, los dos inician relaciones sentimentales con otras personas. Sin embargo, no se plantean divorciarse porque hay algo que les mantiene unidos.

Después de resucitar el género musical con el exitoso film “Fama”, el realizador británico Alan Parker dirigió este drama romántico que narra la historia de un matrimonio en crisis. Parker contó con una pareja protagonista de lujo: Diane Keaton y Albert Finney, ambos intérpretes estuvieron a punto de obtener un Globo de Oro por su magnífico intervención en esta cinta.

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PINK FLOYD: EL MURO (1982)
A Alan Parker, el aspecto visual de la película le interesó mucho más que el mensaje

Reparto principal | Bob Geldof, Christine Hargreaves, Eleanor David, Alex McAvoy

Pink, una estrella del rock inglés, se encuentra encerrado en la habitación de un hotel de Los Ángeles, en los momentos previos a un recital. Aquí empieza a pasar revista a su vida: los recuerdos traumáticos de la infancia, las crisis de amor, el sexo, el éxito y la droga como único medio para romper el muro que él mismo ha creado. Una vorágine imaginativa y terrorífica.

La película se podría definir como la biografía musical de Roger Waters, líder del grupo Pink Floyd y guionista del filme; o también podría leerse como la filmación del álbum "The Wall", su disco más vendido. Sea como sea, se trata de una película de culto para los fans del grupo y representativa de toda una generación. Está llena de simbolismos (la mayoría relacionados con la época nazi) y es una indagación sobre la libertad del hombre. Todo ello se explica de una manera onírica y casi surrealista con la ayuda de unas impresionantes escenas de animación llevadas a término por el caricaturista político Gerald Scarfe.

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BIRDY (1984)
Recibió el premio especial del Festival de Cannes

Reparto principal | Matthew Modine, Nicolas Cage, Karen Young, Bruno Kirby

"Birdy", un adolescente de Philadelphia, siente ta pasión por los pájaros que siente un deseo irresistible de aprender a volar, y un interés que le llevará incluso a apartarse del mundo y a hacer diversos experimentos, algunos de los cuales pondrán en peligro su vida. Al, su mejor amigo, es el prototipo de joven sano y normal. Los dos intervienen en la guerra del Vietnam, de la que "Birdy" vuelve convencido de que es un pájaro.

Basada en la trascendente novela homónima de William Wharton, trata temas como la amistad, la guerra y, por supuesto, los pájaros. La cinta funciona a pleno rendimiento como una historia de crecimiento, pero pierde algunos pasajes memorables del libro, como uno en el que el protagonista se imagina en el mundo de canarios que ha creado en su habitación infantil. Excelente interpretación de Matthew Modine en el papel de un joven inadaptado, atrapado en su propio microuniverso.

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CORAZÓN DE ÁNGEL (1987)
Fue clasificada como película X inicialmente en EE. UU., que obligó a recortar algunas escenas

Reparto principal | Mickey Rourke, Robert De Niro, Lisa Bonet, Charlotte Rampling

En 1955, Harry Angel, un detective privado de aspecto descuidado que no atraviesa su mejor momento, es contratado por Louis Cyphre, un elegante y sombrío caballero que desea localizar a un músico desaparecido, Johnny Favorite. El verdadero nombre de Favorite es John Liebling. Se trata de un veterano de la Segunda Guerra Mundial, que, tras caer herido en combate, sufrió importantes daños neurológicos. Cyphre explica que Liebling no ha cumplido un importante contrato con él y quiere encontrarlo para que salde su deuda. A lo largo de la investigación, que conduce a Harry a los rincones más siniestros de Nueva Orleans, un cruel asesino parece seguir los pasos del detective, ya que todas las personas a las que pregunta por Favorite son encontradas tiempo después muertas, víctimas de atroces rituales. Harry se adentra en un mundo tenebroso, dominado por el vudú y la magia negra.

Un inquietante y estilizado cruce entre el thriller y el terror gótico, basado en una espléndida novela de William Hjortsberg. Desgraciadamente, el guión de Alan Parker no supo extraer todo el partido del libro y el filme se resintió también de la discutible elección de su actor protagonista. En su estreno estadounidense, además, la cinta debió censurar varios segundos de una tórrida escena erótica para evitar la temida clasificación moral X, que impide a los menores el acceso a las salas. Precisamente por culpa de esta escena, se rumoreó que la actriz Lisa Bonet -hasta entonces hija televisiva de Bill Cosby en su popularísimo 'show'- fue despedida de la serie.

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ARDE MISSISSIPPI (1988)
Oscar a la mejor fotografía y tres premios de la academia de cine británica

Reparto principal | Gene Hackman, Willem Dafoe, Frances McDormand, Brad Dourif

La acción nos sitúa en el sur de los Estados Unidos, en 1964. Una época de convulsiones sociales y conflictos raciales en la Norteamérica más profunda. El terror ha renacido en los márgenes del Mississippi de la mano del Ku Klux Klan. Dos hombres blancos y uno negro, defensores de los derechos civiles de la población negra, han desaparecido misteriosamente. Dos agentes del F.B.I. con unas personalidades muy dispares, interpretados por Gene Hackman y Willem Dafoe, son los encargados del caso. Pero la violencia no ha hecho más que empezar, y tendrán que poner en juego sus vidas si quieren solucionar la situación. El caso trasciende a todo el país, y enseguida se organizan movilizaciones y protestas.

La película se basa en una historia auténtica. Estamos en el llamado «Verano de la libertad», al final de la época Kennedy, cuando líderes de color se hicieron oír, también fuera del país. El 21 de junio de 1964 James Chaney, Andrew Goodman y Michael Schwerner, que hacían campaña por el voto de la población de color en Mississippi, fueron asesinados por miembros del departamento de policía y del Ku Klux Klan. Hasta el momento en que se descubrieron los cadáveres, las autoridades locales negaron sistemáticamente los hechos y denunciaron la investigación, tachándola de «acoso» por parte de la gente del norte. Cuando se confirmó el asesinato, hubo movilizaciones y protestas por todo el país.

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BIENVENIDO AL PARAISO (1990)
Parker insistió con el tema porque le parecía que no había dicho todo lo que quería sobre el racismo

Reparto principal | Dennis Quaid, Tamlyn Tomita, Sab Shimono, Shizuko Hoshi

Un joven sindicalista norteamericano, Jack, contrae matrimonio con una joven japonesa, Lily, a la que ha conocido en Estados Unidos. Tras el ataque japonés a Pearl Harbour, se produce la entrada de su país en la Segunda Guerra Mundial, por lo que comienza a sentirse cierto rechazo social hacia los nipones, que algunas veces deviene incluso en violencia callejera. El gobierno decide internar a los japoneses en campos de concentración. Lily acompaña a sus padres, por lo que se ve obligada a abandonar temporalmente a Jack. Él, por su parte, tiene que enfrentarse a sus propios amigos para poder continuar con su matrimonio. Esta será una dura prueba para los dos, pero intentarán salvar su unión por encima de las circunstancias históricas.

Alan Parker vuelve aquí a tratar un tema de compromiso sociohistórico, como ha hecho en casi la mitad de sus películas. Entre ellas tenemos "El expreso de medianoche", una crítica al sistema penitenciario turco; "Birdy", donde narra los trastornos de un joven enrolado para la guerra del Vietnam; "Arde Mississipi", en la que analiza la América profunda del Ku-Klux-Klan; o "Las cenizas de Ángela", retrato de una infancia de miseria en una ciudad irlandesa. En "Bienvenido al paraíso" denuncia un hecho histórico poco conocido, como es el papel del gobierno estadounidense frente a los americanos de origen japonés durante la II Guerra Mundial.

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THE COMMITMENTS (1991)
Premio al mejor director en el festival de Tokio y cuatro premios de la Academia de cine británica

Reparto principal | Robert Arkins, Angeline Ball, Colm Meaney, Maria Doyle

Jimmy Rabbitte quiere formar una banda de soul en Dublín, para lo que empieza a hacer una selección entre todos los músicos candidatos. Después de muchos esfuerzos consigue sus propósito: una banda formada por gente trabajadora, ya que para él es la clase trabajadora la que mejor expresa el sentimiento de la música soul. Poco a poco, la banda se abrirá camino... pero también surgirán graves divergencias entre sus integrantes.

Un inesperado éxito de Alan Parker, que ya había firmado destacables musicales como “Fama” y “Pink Floyd, The Wall”. El director convocó para esta película un gran cásting al que acudieron más de 3000 jóvenes aspirantes. Entre los elegidos destaca hoy la presencia de Andrea Corr, una de los miembros del grupo The Corrs. El resto del reparto lo forman actores irlandeses desconocidos para el gran público, con la excepción de Colm Meaney, reconocible por su trabajo en la serie "Star Trek: La nueva generación". La película está basada en una novela del escritor irlandés Roddy Doyle, otra de cuyas obras, "La camioneta" fue también llevada al cine, esta vez por Stephen Frears.

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EL BALNEARIO DE BATTLE CREEK (1994)
Según comentó Alan Parker, la hizo porque le apetecía hacer una película divertida

Reparto principal | Anthony Hopkins, Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack

En tono de peculiar comedia bufa, Alan Parker recrea la vida en un balneario de principios de siglo, regentado por el Dr. John Harvey Kellogg. El director británico toma como excusa a este peculiar personaje, inventor de los famosos cereales que llevan su nombre, para realizar una película cercana al esperpento. Parker hace una crítica a la preocupación excesiva por la salud. Pero su principal centro de atención lo constituye la idea de la abstinencia sexual recomendada por el doctor, que trata de mostrar como un desatino provocador de insaciables apetitos eróticos. Tal planteamiento abre paso a recurrentes escenas de sexo.

Alan Parker se basó en la novela homónima de T. Coraghessan Boyle para escribir y dirigir “El balneario de Battle Creek", trasladando a la pantalla la exótica personalidad de uno de los personajes más influyentes en el cambio de hábitos alimentarios producidos durante el siglo XX. Confió para ello en Anthony Hopkins, que propenso a la caricatura y a la consecución de retratos efectistas, fue el cómplice ideal para encarnar al Dr. Kellogg. Algunos de los pacientes que acuden al balneario están interpretados por Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack o Lara Flynn Boyle. El filme, que marca un curioso punto y a parte dentro de la filmografía de su director, no entusiasmó demasiado a los estadounidenses a tenor del desastre económico que supuso su estreno.

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EVITA (1996)
Ganó tres Globos de Oro y el Oscar a la mejor canción original

Reparto principal | Madonna, Antonio Banderas, Jonathan Pryce, Adrià Collado

Evita Duarte tenía claro desde muy pequeña que quería ser una actriz de éxito. Muy joven ya empezó a hacer sus pinitos en el cine B argentino. Lo que no esperaba era casarse con el que más tarde sería el presidente de Argentina, Juan Perón. Su figura como primera dama fue muy polémica, odiada por los militares e idolatrada por las masas. La tragedia llegó cuando un cáncer le quito la vida a la edad de 33 años.

Alan Parker se atrevió a llevar al cine el célebre musical de Andrew Lloyd Webber. Contó con una tripleta protagonista de lujo formada por Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Pryce. En su adaptación, Parker realizó algunos cambios respecto a la obra, entre ellos, el personaje de Banderas (que en el teatro era el Che Guevara y en el cine pasó a convertirse en un argentino de a pie) y la inclusión de una canción nueva que no estaba en el libreto original, "You Must Love Me". El personaje de Evita fue codiciado por muchas actrices, pero finalmente recayó en la que más luchó por él: Madonna. La cantante realizó una esforzada interpretación que le valió un Globo de Oro a la mejor actriz dramática, aunque luego no fuera ni siquiera candidata al Óscar de ese año.

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LAS CENIZAS DE ÁNGELA (1999)
Alan Parker pasó de la grandiosidad de Evita a la sencillez de esta película

Reparto principal | Emily Watson, Robert Carlyle, Devon Murray, Ciaran Owens

En 1935, había más familias irlandesas abandonando su país para ir a América que al contrario. Por tanto, el camino que toman los McCourt tras la repentina muerte de su hija a la edad de siete semanas, es bastante inusual. Angela, la madre, y Malachy Senior, su marido alcohólico y desempleado, salen del puerto de Nueva York rumbo a Cork con sus cuatro hijos: Frank, Malachy Junior y los gemelos Eugene y Oliver. En Limerick, les espera una acogida glacial por parte de la familia católica de Angela. El padre no consigue encontrar trabajo y los gemelos se mueren de malnutrición…

Cuando en 1996 Frank McCourt publicó su libro de memorias "Las cenizas de Ángela", poco podía imaginar que el relato sobre sus vivencias de niño iba a ganar el prestigioso Premio Pulitzer y se convertiría en una de las novelas de más éxito de la década. Un material tan atractivo tenía que captar la atención del mundo del cine, y finalmente fue el británico Alan Parker quien rodó la historia contando como protagonistas con la pareja formada por Emily Watson, cuya carrera cinematográfica se había disparado desde su excelente interpretación en "Rompiendo las olas"; y Robert Carlyle, otro actor inglés que había conocido el éxito gracias a sus intervenciones en filmes como "Trainspotting" y "Full Monty".

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LA VIDA DE DAVID GALE (2003)
Un alegato contra la pena capital

Reparto principal | Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney, Gabriel Mann

La trama gira en torno a la figura del doctor David Gale, profesor universitario y militante contra la pena de muerte en Texas, quien se encuentra por error condenado a perder la vida por la violación y el asesinato de la activista Constance Harraway. Esto va a provocar un verdadero tormento en su día a día, sobre todo teniendo en cuenta la pérdida de prestigio y de reputación que va a significar semejante acontecimiento en lo que hace alusión a su imagen tanto a nivel personal como laboral. En su celda recibe la visita de Elizabeth Bloom, una periodista que hará todo lo posible para demostrar su inocencia y que está totalmente convencida de que va a poder conseguirlo a base de esfuerzo, trabajo constante y de mucha sinceridad. Aun así, es muy consciente de las dificultades que va a tener que experimentar el protagonista mientras dure su estancia en la cárcel. ¿Será capaz la mujer de lograr que se haga justicia y liberarle de su terrible sufrimiento?

Alegato contra la pena de muerte ambientado en los Estados Unidos de la mano del británico Alan Parker. Parker, que contó con un guion escrito por un profesor de filosofía (Charles Randolph), incluye reflexiones acerca del sacrificio, del amor y de la propia vida, reflexiones que se ven materializadas a través del personaje principal, David Gale. Este está interpretado por Kevin Spacey, en un papel para el que se barajaron los nombres de George Clooney o Nicolas Cage, quien finalmente ejerció de productor. Acompañan a Spacey, Kate Winslet y Laura Linney. Confeso admirador de Barcelona, Parker filmó algunas de las escenas en esta ciudad. Así, podemos reconocer el Gran Teatro del Liceo o la Plaza Real.

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Premios y nominaciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1979	Mejor director	El expreso de Medianoche	Nominado
1989	Mejor director	Mississippi Burning	Nominado

Festival Internacional de Cine de Cannes

Año	Categoría	Película	Resultado
1985	Gran Premio del Jurado	Birdy	Ganador

Premios BAFTA

Año	Categoría	Película	Resultado
1976	Mejor director	Bugsy Malone	Nominado
1978	Mejor director	Midnight Express	Ganador
1980	Mejor director	Fama	Nominado
1989	Mejor director	Mississippi Burning	Nominado
1991	Mejor director	The Commitments	Ganador

Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos

Año	Categoría	Resultado
1999	Premio internacional	Ganador

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Análisis semiótico del film “Birdy” del director Alan Parker

Patricia Ortega

La presente investigación tuvo como propósito emplear el análisis semiótico como herramienta de estudio de la obra cinematográfica Birdy, perteneciente al género “Cine de autor” dirigida por el realizador británico Alan Parker. Con el objeto de realizar una segmentación de las secuencias del film, definir su premisa y tema, determinar la ubicación de los puntos de giro, definir su estructura narrativa, establecer y analizar los roles liderados por los personajes dentro del relato, analizar las leyes narrativas que gobiernan a la historia y la unidad dramática de la misma. Ubicar e interpretar las repeticiones iconográficas y sonoras presentes en el relato, así como la utilización de símbolos. Realizar un análisis del conflicto e identificar los rasgos históricos, sociales y culturales presentes en el film. Los resultados y conclusiones obtenidos demuestran que los códigos fílmicos y cinematográficos empleados en el discurso audiovisual construido y conceptualizado por el autor, están orientados a establecer un mensaje o un discurso final, que en el caso específico de éste film se concentra en una crítica sobre la guerra de Vietnam expresada a través de los conflictos psicológicos del síndrome postraumático enfrentado por los personajes principales.

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Enlaces de interés

YouTube: Video de Alan Parker - Películas: Películas de Alan Parker

Imágenes: Imágenes de Alan Parker - Videos: Más videos de Alan Parker

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Publicado en Mis directores

PEDRO ALMODOVAR

Pedro Almodóvar
Director, guionista y productor destacado del cine español

Nacido en 1949 en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, a los dieciséis años decidió trasladarse a Madrid, donde trabajó de administrativo en la compañía Telefónica. Durante los años setenta alternó ese trabajo con la grabación de cortos en súper-8 y la colaboración en diversas revistas y montajes teatrales. Eran años de gran ebullición cultural en Madrid (la llamada movida madrileña) y Almodóvar se integró plenamente en ese ambiente, formando junto con Fanny McNamara el dúo de rock Almodóvar-McNamara. El 23 de marzo de 1988, Pedro Almodóvar estrenó Mujeres al borde de un ataque de nervios. Sin duda uno de los cineastas españoles independientes con mayor proyección internacional. Tras varios filmes apreciados por la crítica española, se consagró mundialmente con Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), cinta que fue nominada para el Oscar a la mejor película extranjera. Entre los numerosos galardones que ha recibido, destacan el Oscar a la mejor película extranjera por Todo sobre mi madre (1999) y el Oscar al mejor guión original por Hable con ella (2002). En estos momentos el director manchego era ya un cineasta reconocido en España y en círculos cinéfilos europeos, pero esta película supuso su consagración mundial. Hasta ese momento era conocido como cineasta provocador, melodramático y popular; el nuevo filme, sin embargo, resultó ser una incursión de Almodóvar en la comedia sofisticada. Mujeres al borde de un ataque de nervios recoge en efecto la influencia de la alta comedia estadounidense; con todo, sigue siendo un producto muy almodovariano, que se estructura a modo de cómic y presenta una serie de dislocados personajes movidos a ritmo del bolero Puro Teatro. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)

Las películas dirigidas por Pedro Almodóvar

La lista está por orden alfabético.
Pulsando sobre el título de una película lo llevará directamente a ella

Los abrazos rotos (2009)
Los amantes pasajeros (2013)
¡Átame! (1989)
Carne trémula (1997)
Dolor y gloria (2019)
Entre tinieblas (1983)
Extraña forma de vida (2023)
La flor de mi secreto (1995)
La habitación de al lado (2024)
Hable con ella (2002)
Julieta (2016)

Kika (1993)
Laberinto de pasiones (1982)
La ley del deseo (1987)
Madres paralelas (2021)
La mala educación (2004)
Matador (1986)
Mujeres al borde de un ataque
de nervios (1998)
Pepi, Luci, Bom y otras chicas
del montón (1980)
Hable con ella (2002)

La piel que habito (2011)
¿Que he hecho para merecer esto? (1984)
Salomé (1978)
Tacones lejanos (1991)
Todo sobre mi madre (1999)
Volver (2006)
La voz humana (2020)

La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:

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SALOMÉ (1978)
Cortometraje. Debut como director de Pedro Almodóvar
Reparto principal | Isabel Mestres, Fernando Hilbeck, Agustín Almodóvar

Abraham, paseando por el campo con su hijo Isaac, se encuentra con Salomé que va toda cubierta de peinetas y de velos. Abraham caerá rendido a su pies, le pedirá que baile para él y le prometerá que hará cualquier cosa por ella, a lo que Salomé responderá pidiéndole que haga un gran sacrificio: matar a su hijo. Abraham se dispone a acabar con la vida de su hijo, pero Salomé le detiene al desvelarle quién es realmente.

Éste es uno de los últimos corto realizados por Pedro Almodóvar, que pasó a rodar largometrajes tras dirigirlo. Basado en un escrito de Oscar Wilde, Pedro Almodóvar retoma en este cortometraje la historia de Isaac del antiguo testamento. Por otro lado, se trata de una de las dos únicas obras de su filmografía cuyo argumento no es idea original del manchego (el otro caso es "Carne Trémula", que está basada en el libro homónimo de Ruth Rendell).

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PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980)
Reparto principal | Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara, Julieta Serrano

Pepi es una chica moderna, Luci una sumisa ama de casa y Bom una perversa cantante pop. Un día, un policía viola a Pepi a cambio de hacer la vista gorda al cultivo de marihuana que esta tiene en su terraza. A partir de aquí, las vidas de las tres mujeres cambian radicalmente, llegando a protagonizar un sinfín de extraños acontecimientos.

La película no ha pasado a la historia por su calidad técnica, sino por ser la opera prima de Pedro Almodóvar, que intuyó un nuevo camino para el cine español. En su debut, el cineasta manchego ya anunció algunas de sus constantes, como el gusto por lo irreverente, las amas de casa, el vestuario llamativo o la amistad entre mujeres. Además, la película es un reflejo de la ‘movida madrileña’ imperante en ese momento, y de la ideología 'punk', representada por la cantante Alaska. Almodóvar filmó la película como un divertimento, utilizando los pocos ratos libres que le dejaba su empleo en Telefónica.

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LABERINTO DE PASIONES (1982)
Reparto principal | Cecilia Roth, Imanol Arias, Helga Liné, Antonio Banderas

La historia gira en torno a Sexilia (una ninfómana), Sadec (un terrorista islámico que es gay), Riza Niro (hijo del emperador de Tiran), y Queti (hija de una tintorera). Cuando Riza Niro que Sadec y sus compinches le persiguen, se disfraza al estilo punk y se enamora de la increíble Sexilia siendo esta su primera relación seria. Se evocan varias historias de amor que no siempre teminan como se espera.

En plena efervescencia de la 'movida' madrileña y de cambio político en España -1982 es el año del triunfo del partido socialista- Almodóvar rueda esta desinhibida comedia posmoderna sobre la diversidad sexual, aún lejos de sus grandes éxitos comerciales posteriores pero que sirve para demostrar que el debut "Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón" no fue fruto de una casualidad. La argentina Cecilia Roth, quien casi 20 años después seria la protagonista del gran éxito internacional del director, 'Todo sobre mi madre', interpreta a la ninfómana Sexilia, compartiendo protagonismo con Imanol Arias, en el papel de heredero árabe. El film también es un curioso testimonio de la vitalidad cultural de la época en Madrid, ya que en él aparecen destacados representantes de la 'movida', como la fotógrafa Ouka Lele o los músicos Poch, Santiago Auserón y Carlos Berlanga.

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ENTRE TINIEBLAS (1983)
Reparto principal | Cristina Sánchez, Julieta Serrano, Marisa Paredes, Carmen Maura

Yolanda Bell, joven cantante de boleros, se refugia en el convento de Redemptrices humillada tras la muerte de su amigo Jorge por sobredosis de heroína. Allí es acogida con alegría y la madre superiora le reconoce su admiración por su arte. Poco a poco se establecen entre ellas las mismas relaciones autodestructivas que Yolanda mantenía con su amigo.

La religión está en el punto de mira de Pedro Almodóvar en su tercer largometraje, otra provocadora comedia absolutamente personal del director manchego rodada con algunas de sus actrices preferidas, como Carmen Maura, Marisa Paredes o Chus Lampreave. En esta ocasión, el cineasta deja a un lado las complejas tramas narrativas en beneficio de personajes delirantes como la madre superiora (Julieta Serrano), lesbiana y drogadicta; o sor Rata de Callejón (Chus Lampreave), escritora bajo pseudónimo de novelas inspiradas en las historias del convento. Años más tarde, el dramaturgo y director Fermín Cabal estrenó una versión teatral de la película, con Beatriz Carvajal entre sus protagonistas.

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¿QUÉ HE HECHO PARA MERECER ESTO! (1984)
Reparto principal | Carmen Maura, Ángel de Andrés, Chus Lampreave, Verónica Forqué

Gloria es una mujer infeliz y sin un minuto libre. Trabaja de asistenta y debe encargarse de cuidar la casa, el marido, su suegra y sus dos hijos. Con su marido no existe ningún tipo de comunicación y él sigue recordando a una alemana para la que trabajó como chofer. Y para colmo, la farmacéutica le ha negado las anfetaminas y sufre un tremendo síndrome de abstinencia.

Con este filme Pedro Almodóvar realiza su primera obra dentro de una narración relativamente convencional, aunque siguen apareciendo personajes y situaciones surrealistas, como un anuncio de café o un programa de televisión protagonizado por él mismo. El tema escogido también ayudó a aumentar el éxito popular que el director ya había cosechado con sus anteriores películas, con una Carmen Maura que lleva el peso de la cinta como sufrida ama de casa de una familia claustrofóbica, que acaba dándole a su marido lo que se merece.

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MATADOR (1986)
Reparto principal | Assumpta Serna, Antonio Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo

La trama se centra en el papel desempeñado por un torero, quien ha tenido la ocasión de vivir muchos días de gloria con motivo de su capacidad para deleitar a los asistentes a la plaza para contemplar su talento. No obstante, deberá tomar la difícil decisión de dejar su vocación por un duro golpe que le provocará una serie de magulladuras muy peligrosas, las cuales le forzarán a abandonar los ruedos si desea permanecer sano y salvo. Una vez que se olvida del capote y de la muletilla, se percata de que sus ansias de acabar con la vida de los demás es un sentimiento que permanece intacto en su interior. La diferencia es que ahora sus víctimas son seres humanos, concretamente mujeres, a quienes encandila con el arte que demostró como profesional a lo largo de varios años para acostarse con ellas y posteriormente asesinarlas. Ninguna es capaz de percibir algún gesto maléfico o sospechoso del protagonista antes de que se ponga manos a la obra, lo que sin duda refleja que es un individuo cauteloso a la par que metódico. Pero la situación dará un giro radical cuando se cruza con María, una joven que comparte su afición y con la que comenzará una relación de amor-odio que marcará el curso final de los acaecimientos que se producen en el largometraje.

Pedro Almodóvar acerca su particular universo cinematográfico al de los toros y los crímenes pasionales en esta tragicomedia centrada en la relación fatal entre un torero (Nacho Martínez) y una abogada criminalista (Assumpta Serna). Antonio Banderas, Carmen Maura y Eusebio Poncela, actores habituales en los primeros films de Almodóvar, aparecen también como secundarios en esta ocasión. El cineasta colaboró con el novelista Jesús Ferrero en un proyecto que le acarreó serios problemas con el productor, Andrés Vicente Gómez. Estas tensiones motivaron la decisión de Almodóvar de crear su propia productora, El Deseo, S.A. junto a su hermano Agustín, el punto de partida de su posterior brillante carrera internacional.

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LA LEY DEL DESEO (1987)
Reparto principal | Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas, Miguel Molina

Pablo y Tina son dos hermanos dedicados ambos al mundo del espectáculo. Hace veinte años, Tina era un hombre, pero ésa es la menor de las peculiaridades de la pareja, que vive marcada por una infancia difícil y la separación de sus padres. Pablo, director de cine, está profundamente enamorado de Juan, con quien mantiene relaciones esporádicas. La vida de los hermanos vivirá un cambio abrupto, y hasta violento, cuando Pablo conozca a Antonio, un joven atractivo e intenso con graves problemas psicológicos.

El drama, y el amor más apasionado e irreflexivo, se cernirá sobre este grupo de personajes, en esta emocionante película que supuso la madurez artística de Pedro Almodóvar, y que cuenta con unas grandes interpretaciones de Eusebio Poncela, Carmen Maura y Antonio Banderas, éste en uno de sus primeros papeles protagonistas para el cine.

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MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)
Reparto principal | Carmen Maura, Rossy de Palma, Julieta Serrano, María Barranco

Pepa e Iván son una pareja de actores de doblaje que tienen una relación sentimental. Pepa se despierta un día y encuentra un mensaje en su contestador de Iván informándole que se va a ir de casa y pidiéndole que le prepare una maleta con sus cosas. Desesperada por informarle de algo importante que les incumbe a ambos, Pepa casi se suicida con pastillas para dormir, quema su cama y pasa la mayor parte de la película tratando de seguirle la pista. Estos sucesos le ponen en contacto con la loca ex-mujer de Iván, Lucía, su apuesto hijo, Carlos y Marisa, la novia del hijo. Pepa, en su devenir emocional, comienza una aventura que mezcla terrorismo chiita, infidelidades, su amiga Candela y gazpacho.

Almodóvar consiguió su primer triunfo internacional con esta alocada comedia, inspirada, según el propio director, en el monólogo "La voz humana", de Jean Cocteau. Tras un fondo trágico, Almodóvar construye divertidos y excéntricos personajes como el de Carmen Maura, alimentada por pasiones extremas y ubicada en los singulares decorados coloristas que han hecho famoso al director manchego. A pesar de recibir multitud de premios en Europa y Estados Unidos, Almodóvar no consiguió el Óscar a la mejor película extranjera, una espina que se sacó en el 2000 con otro éxito aún más rotundo, "Todo sobre mi madre".

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¡ÁTAME! (1989)
Reparto principal | Victoria Abril, Antonio Banderas, Loles León, Julieta Serrano

Recién salido de la cárcel, Ricky, un chico huérfano desde los tres años que se pasa la vida entre instituciones sociales y reformatorios, encuentra la chica de sus sueños, Marina, una actriz que hace películas pornográficas y de terror y que ha tenido muchos problemas con las drogas. Magnetizado por ella, la secuestra y se dispone a pasar "tiempo de calidad" con ella, esperando que se enamore de él. Al principio, Marina rechaza a Ricky pero más tarde se da una gran complicidad entre ellos convirtiéndose finalmente en auténtico amor.

Historia de amor poco convencional la que retrata Pedro Almodóvar en uno de sus filmes mejor considerados por la crítica."Átame" es una paradójica y tierna versión de "El coleccionista" de William Wyler, pero reciclada bajo la mirada siempre personal del director manchego. El filme recibió en Estados Unidos la calificación de ‘NC-17’, antigua categoría para los filmes X. Sobresaliente fotografía de José Luis Alcaine, que pone en práctica a la perfección el sentido de la composición de la imagen y el tratamiento del color tan genuino de Almodóvar, sin olvidar una merecida mención para Ennio Morricone, que compone la banda sonora de la película.

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TACONES LEJANOS (1991)
Reparto principal | Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé, Anna Lizarán

Becky del Paramo, una gran artista y cantante de éxito de los años 60, dejó el mundo del espectáculo durante quince años. Ahora vuelve a los escenarios de Madrid llena de energía para demostrar que su espíritu juvenil no ha muerto. En su regreso se encuentra con su hija, para intentar arreglar la relación con ella. Ese reencuentro no es nada fácil para ninguna de las dos, resultando imposible disimular esos quince años de silencio. Rebecca adora a su madre pero también la odia...

"Tacones lejanos", que obtuvo el César a la mejor película extranjera y cinco nominaciones a los Goya, no obtuvo en España el éxito de público que Almodóvar esperaba, pese a su llamativa campaña de marketing (método cada vez más habitual en el director manchego). En dicha ocasión, Almodóvar y sus actores colapsaron la Gran Vía madrileña, montados en gigantescos zapatos de tacones, el día del estreno. Muy comentada fue también la escena del travestismo de Miguel Bosé.

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KIKA (1993)
Reparto principal | Verónica Forqué, Peter Coyote, Victoria Abril, Àlex Casanovas

Galería de personajes contradictorios entre los que se encuentra Kika, personaje central sobre el que giran todas las historias, ingenua y sin ninguna ortodoxia, se dedica al maquillaje. Entre las historias que la acompañan podemos encontrar a su compañero de piso, Ramón, que vive recordando a su madre fallecida; o a su archienemiga Andrea, la cual está al cargo de un 'Reality Show'. Pero la historia más intrigante, y desencadenante de los problemas que vive la protagonista en la película es la del hermano de su criada, que tras fugarse de la cárcel e ir a buscar ayuda a casa de esta, se encuentra con Kika y abusa sexualmente de ella. La historia, practicamente, comienza en este suceso, y no sera, ni mucho menos, el peor.

Una mezcla a partes iguales entre drama tremebundo y vodevil grotesco, sazonado con una féroz crítica a los 'reality shows' televisivos y un vestuario creado por Jean Paul Gaultier para la ocasión. Para muchos, con todo, es la película menos lograda de Almodóvar.

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LA FLOR DE MI SECRETO (1995)
Reparto principal | Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Imanol Arias

Los desengaños amorosos con su esposo, militar que pasa mucho tiempo en Bruselas trabajando para la OTAN, hacen que Leo Macias, reina de la novela rosa bajo el seudónimo de Amanda Gris, atraviese uno de los peores momentos de su vida, y debido a estos problemas no logra cumplir el contrato firmado con su editor sobre la entrega de su siguiente libro. Esto, poco a poco, está ocasionando que el editor tenga cada vez más desconfianza en que la escritora vuelva a entregarle un manuscrito, e incluso ya amenaza con consecuencias legales. En medio de todo el caos que es su vida Ángel, un hombre bondadoso y tímido que está perdidamente enamorada de él le ofrece trabajar en un suplemento cultural del periódico en el que trabaja. Al empezar a trabajar juntos, Leo y Ángel estrecharán lazos, y se irá fraguando una relación que quizá consiga sacar finalmente a la escritora de ese pozo en el que se encuentra atrapada. Sin embargo, nuevos problemas familiares surgen, al tiempo que el regreso de su esposo amenaza con volverlo todo del revés. ¿Conseguirá poner orden en su vida?

Marisa Paredes fue candidata al Goya por esta comedia agridulce de Pedro Almodóvar, más dramática y sombría que la mayoría de sus anteriores trabajos. "La flor de mi secreto" guarda, además, similitudes con los clásicos dramas de los años 50, rodados por Jane Wyman y el director Douglas Sirk ("Solo el cielo lo sabe", "Obsesión"), que desprenden un cierto tono trágico muy similar al filme español (siempre guardando las distancias, ya que el universo del director manchego es muy personal). Almodóvar suele acertar siempre con el reparto de sus películas y esta no es la excepción. Particularmente divertidas son las escenas entre Rossy de Palma y Chus Lampreave.

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CARNE TRÉMULA (1997)
Reparto principal | Javier Bardem, Francesca Neri, Liberto Rabal, Ángela Molina

La historia comienza con un tiroteo en el apartamento de Elena, una heroinómana italiana, de la que se enamora Víctor, que es quien ha empezado el forcejeo en el piso. Alertados por un vecino, llegan dos policías, Sancho, un hombre alcohólico e inestable que sospecha que su esposa Clara le engaña, y David, un joven que prefiere ir por libre. Tras un forcejeo, Víctor dispara a David y le deja parapléjico. Dos años más tarde, Víctor, en la cárcel, descubre que David, ahora un exitoso jugador de baloncesto en silla de ruedas, se ha casado con Elena, quien ha logrado desintoxicarse. Después de cumplir condena, Víctor vuelve en busca de Elena.

Tras once películas basadas en guiones originales, el director y productor Pedro Almodóvar parte de una novela policíaca de la británica Ruth Rendell para construir el guión de este filme, que en contra de lo que es habitual en él, escribió con la colaboración del novelista Ray Loriga y el guionista Jorge Guerricaechevarría. Aún así, la película no deja de ser un producto típicamente almodovariano: un drama pasional entre sujetos tortuosos, llenos de complejos de culpa, donde destaca el trabajo de los actores Javier Bardem, Francesca Neri, Ángela Molina, Pepe Sancho y Liberto Rabal.

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TODO SOBRE MI MADRE (1999)
Reparto principal | Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan

Manuela es una enfermera que vive sola con su hijo Esteban, a quien adora. Esteban es muy cinéfilo y le encanta ver películas en la compañía de su madre, sobre todo 'Eva al desnudo' (o 'Todo sobre Eva', como se titularía en una traducción más fiel del inglés). Para el día del cumpleaños de su madre, Esteban decide invitarla a una noche de teatro viendo "Un tranvía llamado deseo". Los dos adoran la obra, y a la salida del lugar se encuentran con Huma Rojo, la actriz protagonista. Esteban no se lo piensa dos veces y corre tras ella para conseguir su autógrafo. Cruza la calle a toda velocidad y, en ese momento, un coche lo atropella. Manuela presencia, de este modo, la muerte de su propio hijo, pérdida de la que no podrá recuperarse en toda su vida. Poco tiempo después, aún loca de dolor, Manuela viaja a Barcelona en busca del padre de su hijo, una búsqueda que no será fácil, ni tampoco carente de aún más dolores.

Una historia de mujeres, en la línea de los mejores dramas de George Cukor, que se convirtió en el mayor éxito a nivel internacional de Pedro Almodóvar hasta el momento de su estreno. Ganó, entre otros, el Óscar a la mejor película extranjera, el premio al mejor director del festival de Cannes, el Globo de Oro al mejor filme de habla no inglesa, el César (equivalente galo de los Goya) y el David de Donatello del festival de Venecia; amén de siete premios Goya de los 14 a los que fue candidata.

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HABLE CON ELLA (2002)
Reparto principal | Javier Cámara, Darío Grandinetti, Leonor Watling, Rosario Flores

Benigno, un joven enfermero, y Marco, un escritor en la cuarentena, se dan cita, cada uno por su lado, en un espectáculo de Pina Bausch, “Café Müller”. Están sentados uno al lado del otro. La obra es tan emocionante que Marco llora. Benigno, que percibe las lágrimas de su vecino de asiento, reprime sus ganas de hacerle partícipe de su emoción. Unos meses más tarde, los dos hombres se encuentran en diferentes circunstancias, en la clínica El Bosque, donde trabaja Benigno. Lydia, torero profesional y novia de Marco, está sumergida en un profundo coma después de un accidente ocurrido durante una corrida. Por su parte, Benigno, está cuidando a Alicia, una joven bailarina que también se encuentra en coma. Cuando Marco pasa junto a la habitación de Alicia, Benigno, sin dudarlo, se acerca a él. Este es el comienzo de una gran amistad un tanto ajetreada.

Tras el arrollador éxito de “Todo sobre mi madre”, Pedro Almodóvar realizó este melodrama en el que habla sobre la soledad, la amistad de dos hombres y el diálogo como terapia de supervivencia. Se trata de una película genuinamente almodovariana, pero con un detalle llamativo: el peso de la historia recae sobre dos personajes masculinos interpretados por el televisivo Javier Cámara y el argentino Darío Grandinetti. La cinta obtuvo el Oscar al mejor guión original y una nominación a la mejor dirección.

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LA MALA EDUCACIÓN (2004)
Reparto principal | Gael García Bernal, Fele Martínez, Lluís Homar, Daniel Giménez

Enrique e Ignacio se conocieron en un colegio católico, donde, además de experimentar su primer amor, sufrieron abusos sexuales y otros acontecimientos desagradables nada apetecibles de recordar. Ha pasado el tiempo y estos niños son ahora adultos. Enrique se ha convertido en un afamado director de cine y ya no sabe nada de su viejo compañero y amigo íntimo, Ignacio, hasta que un día este (o alguien que dice ser él) aparece en su oficina ofreciéndole un guión para rodar una película. Ignacio, que ahora dice hacerse llamar Ángel, está muy cambiado y en el transcurso de sus visitas Enrique descubre que no es él, sino su hermano pequeño. Ignacio había muerto por una sobredosis de heroína hacía años. A través de un guión ficticio para llevar a pantalla, Enrique se reencontrará con Manolo, el sacerdote que abusaba de él de pequeño, y descubrirá la verdadera razón que dio muerte a su amigo de la infancia.

Tras recoger el Óscar por "Hable con ella", Pedro Almodóvar regresó con esta historia que él mismo calificó de "muy personal", aunque deja ciertas dudas sobre qué hay de autorretrato en ella y qué no. De hecho, se basa en un relato corto que escribió el cineasta manchego en su adolescencia titulado "La visita" y que hacía ya bastante tiempo que le rondaba por la cabeza convertirlo en película. Finalmente lo hizo sin tapujos y de forma explícita, como es habitual en él, a pesar de abordar un tema muy polémico: los abusos sexuales cometidos por algunos curas en la España de los 60. Quizá esta controversia fue la causante de la fría acogida de la película en el festival de Cannes, certamen que inauguró. Entre los protagonistas, el mexicano Gael García Bernal, Fele Martínez y Javier Cámara.

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VOLVER (2006)
Reparto principal | Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo

Raimunda es una mujer de carácter que tiene una hija en plena adolescencia y un marido que no tiene trabajo. Sole trabaja en una peluquería. Su madre ha muerto en un terrible incendio, pero parece que no se ha ido del todo cuando resulta que hace una inesperada visita a sus hijas y a alguien más. En el seno de esta trama social, tres generaciones de mujeres sobreviven al viento, al fuego e incluso a la muerte, gracias a su bondad, su audacia y a una vitalidad sin límites.

Una película rodada en la región natal de Pedro Almodóvar sobre la cultura de la muerte. Vivos y difuntos conviven sin estridencias y provocan situaciones hilarantes o de una emoción intensa y genuina. Ganadora de dos premios Goya al mejor director y a la mejor película, "Volver", recorrió Europa en 2006 cosechando galardones: en el festival de Cannes, al mejor guion; en el Reino Unido, un Bafta al mejor filme de habla no inglesa; y en Francia, el premio César al mejor largometraje extranjero. Además, su protagonista, Penélope Cruz, obtuvo por este trabajo su primera candidatura al Óscar a la mejor actriz principal. Cruz conseguiría la preciada estatuilla dos años después, con "Vicky, Cristina, Barcelona", aunque en la categoría de intérprete de reparto.

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LOS ABRAZOS ROTOS (2009)
Reparto principal | Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez

La vida de un hombre cambia de un día para otro tras un trágico accidente. Pierde la vista y a su esposa, algo que dificilmente intenta superar poco a poco. Mientras intenta curar las heridas de pasado, se ve inmerso en una trama que encierra un triangulo amoroso...

Pedro Almodóvar vuelve a contar con Penélope Cruz para una película muy personal, que ahonda en su pasión por el melodrama y el propio cine. Basándose en una fotografía que él mismo tomó en Lanzarote –la que aparece en la película y da el nombre a la misma- el reconocido director construye una nueva obra de complicada estructura, llena de misterio e ironía. Además de Penélope Cruz, nominada al Goya por este trabajo, el director manchego volvió a confiar en Lluís Homar y Blanca Portillo. A pesar de contar con cinco candidaturas a los Goya y una nominación al Globo de Oro, "Los abrazos rotos" no tuvo el respaldo unánime de la crítica, como ocurrió con "Volver". Cabe destacar las secuencias cómicas protagonizadas por la lectora de labios, encarnada por Lola Dueñas. Según el propio Almodóvar, la idea se le ocurrió viendo la retransmisión televisiva de la boda de los Príncipes de Asturias, donde se usó esta figura para comprender desde la distancia lo que ambos estaban diciéndose.

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LA PIEL QUE HABITO (2011)
Reparto principal | Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez

Robert Ledgard es un eminente cirujano plástico que realiza sus experimentos en su clínica privada, El Cigarral. Desde que su mujer y su hija murieran, vive obsesionado con la creación de un nuevo tipo de piel, al que ha denominado G.A.L. La comunidad científica no permite esos experimentos, pero él, de forma clandestina, ha seguido realizándolos por su cuenta gracias a una cobaya, una joven, Vera a la que mantiene retenida y que se ha convertido en el centro de su vida. Pero Vera oculta un secreto y quiere venganza por todo lo que el doctor Legrand ha hecho con ella. Los dos viven encerrados en la mansión del cirujano junto a la servil Marilia, que es en realidad la madre de Robert. El equilibrio del trío protagonista se verá alterado cuando una tarde de carnaval se presente en la casa otro de los hijos de Marilia, Zeca, disfrazado de tigre, arrollando por donde pase y creando confusión en el delicado microclima de relaciones que se ha establecido. A partir de ese momento, nada volverá a ser lo mismo para ninguno de ellos. Marilia, Robert y Vera rememorarán su pasado, cada uno desde su punto de vista. Un pasado que vuelve para tomarse su revancha.

El suspense, el melodrama, el terror, la ciencia ficción y hasta la comedia se dan cita en esta insólita propuesta de Pedro Almodóvar que no dejará indiferente a ningún espectador. Una arriesgadísima mezcla de géneros que navega entre lo grotesco y lo ridículo, pero que logró cautivar a la mayor parte de la crítica internacional. Premiada con un Bafta, nominada a la Palma de Oro en Cannes, y candidata a 16 Goyas, esta inclasificable película se basa en la novela "Mygale" ("Tarántula"), escrita por el francés Thierry Jonquet. "La piel que habito" significa también el reencuentro de Almodóvar con actores como Marisa Paredes y, muy especialmente, Antonio Banderas, con quien llevaba 21 años sin trabajar. Es también la plataforma que catapulta a Elena Anaya, convirtiéndola en "chica Almodóvar" y al casi debutante Jan Cornet. Estos dos últimos recibieron sendos Goyas por sus excelentes interpretaciones.

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LOS AMANTES PASAJEROS (2013)
Reparto principal | Carlos Areces, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Lola Dueñas

Un grupo de personajes variopintos viven una situación de riesgo dentro de un avión que se dirige a México D.F. La indefensión ante el peligro provoca una catarsis generalizada que acaba convirtiéndose en el mejor modo de escapar a la idea de la muerte. Esta catarsis, desarrollada en tono de comedia desaforada y moral, llena el tiempo de confesiones imprevisibles que les ayudan a olvidar la angustia del momento y a enfrentarse al mayor de los peligros, el que cada uno lleva dentro de sí mismo.

Tras ganarse el respeto mundial gracias a dramas, como "La piel que habito", "Los abrazos rotos" o "Todo sobre mi madre", el cineasta manchego Pedro Almodóvar quiso volver a sus inicios y crear esta comedia alocada, que trata de recuperar el espíritu de "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Su intención era, además de realizar un tributo a la década de 1980, crear una película de evasión, un divertimento personal y para un público que vivía sumido en una grave crisis financiera. Rodada casi en un escenario único, la cinta contó con un reparto lleno de caras conocidas, encabezado por un habitual del director, Javier Cámara

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JULIETA (2016)
Reparto principal | Emma Suárez, Adriana Ugarte, Rossy de Palma, Priscilla Delgado

Casualidad o no, la vida de Julieta en los años ochenta fue una gran época, la mejor. Pero en la actualidad, la vida de Julieta es una catástrofe sin solución, una lucha por sobrevivir al borde de la locura. Solo un milagro la salvará. Y los milagros a veces ocurren… En esos 30 años de la vida de Julieta, entre los años 1985 y 2015, aparecerán un coro de personajes secundarios esenciales en su historia: la sirvienta arisca, austera y competitiva, la amiga fiel e infiel, el amante adulto, la casual y liberal compañera de viaje, la amiga de la infancia y responsable de complementos de una revista de moda, la persona de gran intransigencia y superioridad moral, también el padre de Julieta, y la madre y abuela ausente, etérea y omnipresente. Y sobre todo, un hombre, un pescador gallego, y su hija. La mayor parte del misterio y del dolor se refieren a ella, una desconocida para su madre, alrededor de la cual gira gran parte del drama. Un film que habla del destino inevitable, del complejo de culpa y de ese misterio insondable que nos hace abandonar a las personas que amamos, borrándolas de nuestra vida como si nunca hubieran significado nada. De todo ese dolor que provoca el abandono de un ser querido.

En su vigésimo largometraje, Pedro Almodóvar firma un drama maternofilial de estructura clásica, que no deja lugar a momentos cómicos que den un momento de respiro a la historia, algo muy común en la filmografía del cineasta manchego. El guion del filme, que indaga en el presente y el pasado de la protagonista, está escrito por el propio Almodóvar, que se basó en tres relatos de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro, formando así una especie de relato sobre la ausencia, el dolor, la culpa y la pérdida. Emma Suárez y Adriana Ugarte, dos nuevas 'chicas Almodóvar', son las encargadas de encarnar a la Julieta del título en diferentes etapas de su vida.

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DOLOR Y GLORIA (2019)
Reparto principal | Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia

Salvador Mallo es un aclamado director de cine en su ocaso. Su memoria le llevará hasta su infancia en el pueblo valenciano de Paterna en los años 60 junto a sus padres, a sus primeros amores, su primer deseo, la madre, la mortalidad, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.

Filme escrito y dirigido por Pedro Almodóvar y que trata sobre la creación y la dificultad de separarla de la vida propia de uno mismo y de las pasiones que le dan sentido y a la vez esperanza. El manchego se rodea de un importante elenco de actores entre los que destacan Antonio Banderas, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Raúl Arevalo, Asier Etxeandia, Cecilia Roth o Julieta Serrano. Cabe destacar el debut cinematográfico en esta película de la artista catalana Rosalía, que triunfó a nivel mundial con el lanzamiento de su álbum "El mal querer" en 2018. La cinta fue la elegida para representar a España en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

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LA VOZ HUMANA (2020)
Reparto principal | Tilda Swinton, Agustín Almodóvar, Miguel Almodóvar, Pablo Almodóvar

Una mujer mira pasar el tiempo junto a las maletas de su ex amante (que se supone que viene a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no comprende que su amo lo ha abandonado. Dos seres vivos enfrentados al abandono. Durante los tres días de espera, la mujer solo sale una vez a la calle, a comprar un hacha y una lata de gasolina. La mujer atraviesa todo tipo de estados de ánimo, desde la impotencia hasta la desesperación y la pérdida de control. Se maquilla, se viste como si fuera a una fiesta, se plantea tirarse por el balcón, hasta que su ex amante llama por teléfono, pero está inconsciente porque ha tomado una combinación de trece pastillas y no puede atender la llamada. . El perro le lame la cara hasta que se despierta. Después de una ducha fría, revivida por un café tan negro como su estado de ánimo, vuelve a sonar el teléfono y esta vez puede contestar. La voz humana es de ella, nunca escuchamos la voz de su amante. Al principio pretende actuar con normalidad y calma, pero siempre está a punto de explotar ante la hipocresía y la mezquindad del hombre. The Human Voice es una lección moral sobre el deseo, aunque su protagonista esté al borde del mismísimo abismo. El riesgo es parte esencial de la aventura de vivir y amar. El dolor está muy presente en el monólogo. Como dije al principio, se trata de la desorientación y angustia de dos seres vivos que lloran a su amo.

Pedro Almodóvar presenta su primer filme en inglés, un cortometraje de 30 minutos con el protagonismo absoluto de la gran Tilda Swinton y el (des)amor como telón de fondo, un desgarrado monólogo basado en la obra de teatro del mismo título de Jean Cocteau, en la que el autor francés mostraba la tristeza, la rabia, el desamparo, la impotencia y las otras mil emociones de una despedida amorosa. "Un divertimento de lujo y un bombástico ejercicio de estilo (de Almodóvar) al lado de una Swinton superlativa". Así califica a este cortometraje Álex Vicente en El País, recalcando esa estupenda interpretación en la que la actriz londinense muestra todo un catálogo de sentimientos a través de una conversación telefónica en la que no se oye a la otra parte. A destacar también el excelente trabajo de dos habituales colaboradores de Almodóvar: José Luis Alcaine en la fotografía y Alberto Iglesias en la música.

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MADRES PARALELAS (2021)
Reparto principal | Penélope Cruz, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde

Ana es una joven que va a tener su primer hijo y está absolutamente aterrada. Janis es una mujer madura que va a ser madre al mismo tiempo que Ana. La historia sigue a estas dos mujeres en etapas muy diferentes de la vida, sin embargo, el nacimiento de sus respectivos hijos el misno día y en el mismo hospital creará en ellas un vínculo difícil de romper. Esta relación irá evolucionando de diferente forma a media que sus hijos vayan creciendo.

Aunque "Madres paralelas", película sobre la identidad y la maternidad, sobre el dolor y la responsabilidad, tiene una trama principal melodramática que responde al título -dos mujeres que dan a luz el mismo día en el mismo hospital, lo que ligará sus vidas para siempre-, Almodóvar sitúa la subtrama de la memoria histórica al inicio (y al final) de la cinta, como germen de todo, porque sin ese prólogo no existiría el resto; del mismo modo, sin aquella contienda nada sería como es en la actualidad, ni siquiera las generaciones nacidas en libertad

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EXTRAÑA FORMA DE VIDA (2023)
Reparto principal | Ethan Hawke, Pedro Pascal, Manu Rios, Jason Fernández

En Extraña forma de vida, Ethan Hawke y Pedro Pascal interpretan a un dúo de cowboys de mediana edad: Jake y Silva. Este cortometraje es un western que comienza con Silva atravesando el desierto para visitar al sheriff Jake en la localidad Bitter Creek. Poco más de dos décadas antes, ambos habían trabajado juntos como pistoleros a sueldo. La intención de Silva al ir al pueblo para tener un agradable reencuentro con su viejo amigo. Sin embargo, Jake tiene un motivo secreto por el que no tiene que ver con revivir los recuerdos de cuando eran compañeros de trabajo.

Extraña forma de vida marca un hito en la carrera de Almodóvar al abrir una brecha que durante mucho tiempo ha deseado explorar. Además, es un alivio ver que el director finalmente pudo llevar a cabo su visión, quitándose la espina de no haber dirigido en su momento Brokeback Mountain, 2005, proyecto que le fue ofrecido. El rodaje tuvo lugar en el desierto de Tabernas, en Almería, siguiendo las huellas de Sergio Leone y Ennio Morricone. Almodóvar no pretendía hacer un spaghetti western al estilo de los directores y músicos italianos, sino mantenerse fiel a la tradición del género del Oeste americano, siguiendo la estela hollywoodiense. Extraña forma de vida es un capricho muy personal del cineasta.

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LA HABITACIÓN DE AL LADO (2024)
Reparto principal | Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro, Alessandro Nivola

Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce.

La película habla de la crueldad de las guerras, de las diferentes formas que tienen las dos escritoras para acercarse, al mismo tiempo que escriben sobre muerte, amistad y placer sexual como buenos aliados para luchar contra el horror. Y también hablan del despertar con el sonido de los pájaros, en una casa ubicada en la reserva natural de New England, donde ambas viven una situación extrema que tiene un lado dulce.

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Premios y nominaciones

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1989	Mejor película extranjera	Mujeres al borde de un ataque de nervios	Nominado
1999	Mejor película extranjera	Todo sobre mi madre	Ganador
2003	Mejor director	Hable con ella	Nominado
2003	Mejor guion original	Hable con ella	Ganador
2020	Mejor película internacional	Dolor y gloria	Nominado

Premios BAFTA

Año	Categoría	Película	Resultado
1989	Mejor película extranjera	Mujeres al borde de un ataque de nervios	Nominado
1998	Mejor película extranjera	Carne trémula	Nominado
1999	Mejor película extranjera	Todo sobre mi madre	Ganador
	Mejor director		Ganador
	Mejor guion original		Nominado
2002	Mejor guion original	Hable con ella	Ganador
2002	Mejor película extranjera	Hable con ella	Ganador
2004		La mala educación	Nominado
2006		Volver	Nominado
2009		Los abrazos rotos	Nominado
2011		La piel que habito	Ganador
2016		Julieta	Nominado
2020		Dolor y gloria	Nominado
2021		Madres paralelas	Nominado

Premios Goya

Año	Categoría	Película	Resultado
1988	Mejor director	Mujeres al borde de un ataque de nervios	Nominado
	Mejor película		Ganador
	Mejor guion original		Ganador
1990	Mejor guion original	¡Átame!	Nominado
	Mejor película		Nominado
	Mejor director		Nominado
1995		La flor de mi secreto	Nominado
1999		Todo sobre mi madre	Ganador
	Mejor película		Ganador
	Mejor guion original		Nominado
2002	Mejor director	Hable con ella	Nominado
	Mejor película		Nominado
	Mejor guion original		Nominado
2004	Mejor director	La mala educación	Nominado
2004	Mejor película	La mala educación	Nominado
2006	Mejor director	Volver	Ganador
	Mejor película		Ganador
	Mejor guion original		Nominado
2009	Mejor guion original	Los abrazos rotos	Nominado
2011	Mejor guion adaptado	La piel que habito	Nominado
	Mejor director		Nominado
	Mejor película		Nominado
2014	Mejor película Iberoamericana	Relatos salvajes	Ganador
2016	Mejor director	Julieta	Nominado
2016	Mejor guion adaptado	Julieta	Nominado
2020	Mejor guion original	Dolor y gloria	Ganador
	Mejor director		Ganador
	Mejor película		Ganador
2021	Mejor película	Madres paralelas	Nominado
2021	Mejor director	Madres paralelas	Nominado

Premios César

Año	Categoría	Película	Resultado
1990	Mejor película extranjera	¡Átame!	Nominado
1992	Mejor película extranjera	Tacones lejanos	Ganador
1999	César de honor		Ganador
2000	Mejor película extranjera	Todo sobre mi madre	Ganador
2003	Mejor película de la Unión Europea	Hable con ella	Ganador
2005	Mejor película de la Unión Europea	La mala educación	Nominado
2007	Mejor película extranjera	Volver	Nominado
2020		Dolor y gloria	Nominado
2021		Madres paralelas	Nominado

Premios David de Donatello

Año	Categoría	Película	Resultado
1988	Premio al mejor director extranjero	Mujeres al borde de un ataque de nervios	Ganador

Premios Globo de Oro

Año	Categoría	Película	Resultado
1989	Mejor película en lengua no inglesa	Mujeres al borde de un ataque de nervios	Nominado
1992		Tacones lejanos	Nominado
2000		Todo sobre mi madre	Ganador
2003		Hable con ella	Ganador
2007		Volver	Nominado
2010		Los abrazos rotos	Nominado
2012		La piel que habito	Nominado
2020		Dolor y gloria	Nominado
2021		Madres paralelas	Nominado

Premios Cóndor de Plata

Año	Categoría	Película	Resultado
1999	Mejor película extranjera	Todo sobre mi madre	Nominado
2003	Mejor película extranjera	Hable con ella	Ganador
2005	Mejor película extranjera de habla hispana	La mala educación	Nominado
2007	Mejor película iberoamericana	Volver	Ganador
2010		Los abrazos rotos	Nominado
2012		La piel que habito	Nominado

Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos

Año	Categoría	Película	Resultado
2006	Mejor director	Volver	Ganador
2006	Mejor guion original	Volver	Ganador
2009	Mejor guion original	Los abrazos rotos	Nominado
2011	Mejor guion adaptado	La piel que habito	Nominado
2019	Mejor director	Dolor y gloria	Ganador
2019	Mejor guion original	Dolor y gloria	Ganador
2021	Mejor director	Madres paralelas	Nominado

Premios Platino

Año	Categoría	Película	Resultado
2017	Mejor dirección	Julieta	Ganador

Festivales

Festival Internacional de Cine de Cannes

Año	Categoría	Película	Resultado
1999	Premio al mejor director	Todo sobre mi madre	Ganador
2006	Premio al mejor guion	Volver	Ganador

Festival Internacional de Cine de Venecia

Año	Categoría	Película	Resultado
1988	Golden Osella al mejor guion	Mujeres al borde de un ataque de nervios	Ganador
2019	León de Oro a toda una trayectoria	-	Ganador
2024	León de Oro	La habitación de al lado	Ganador

Festival Internacional de Cine de Berlín

Año	Categoría	Película	Resultado
1987	Premio Teddy	La ley del deseo	Ganador

Festival de Cine de Bogotá

Año	Categoría	Película	Resultado
1987	Mejor director	La ley del deseo	Ganador

Otros reconocimientos

Premio Nacional de Cinematografía (1990).
Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2006).
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
Premio Renoir del Sindicato de Guionistas de EE. UU. (2015).
Premio Feroz de Honor (2023).

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El cine de Almodóvar. Una poética de lo «trans»

Pedro Poyato Sánchez (Editor)

La primera etapa de la obra de Pedro Almodóvar, a caballo entre el cine underground de factura artesanal, surgido volcánica y anárquicamente de la movida madrileña, y la fundación de su productora El Deseo, en colaboración con su hermano Agustín, marca una etapa clave en la carrera del realizador, que se clausura en 1984 con su film ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, una obra que exhibe una notabilísima madurez técnica y profesional. La inmediatamente posterior creación de la empresa El Deseo –inaugurada con Matador y La ley del deseo en 1986– fue un signo inequívoco de profesionalización industrial y de vertebración empresarial, cuando el nombre del realizador aún no había traspasado nuestras fronteras, dejando atrás con su organización y su voluntad expansiva el artesanado voluntarista y lúdico de su primera etapa, que es la que examinaremos con cierto detalle en ese trabajo. Su descubrimiento y celebración internacional no llegaría hasta la exitosa difusión mundial de Mujeres al borde del ataque de nervios (1987), un título que actuó como gancho de arrastre para que su obra previa alcanzase la difusión internacional.

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Pedro Almodóvar: heredero del cine clásico

Francisco Perales Bazo

El núcleo del presente artículo pretende establecer los nexos existentes entre la obra de Pedro Almodóvar y el cine clásico de Hollywood, y para ello hago referencia a secuencias y títulos de algunas de las películas más representativas de los grandes Estudios. La intertextualidad establecida entre el modelo norteamericano de los 30, 40 y 50 y la filmografía del director manchego es una realidad que viene a demostrar, frente a una industria al servicio de los videojuegos y los efectos especiales, que los filmes con argumentos complejos y maduros no están anticuados, únicamente olvidados por una producción en serie que en nada beneficia al futuro del sector cinematográfico.

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La construcción de la imagen femenina
en los films de Pedro Almodóvar

Marta Balán y Mónica Gruber

El presente trabajo se propone analizar algunos aspectos de la construcción de la imagen femenina en los films de Pedro Almodóvar. Es indudable que su aporte como director ha dejado una marca muy importante en la historia del cine español contemporáneo. La evolución de su filmografía así lo testimonia, y esto se ha visto inevitablemente reflejado a través de sus personajes dado que, su universo diegético se halla poblado mayoritariamente de protagonistas femeninas, lo que nos lleva a realizar una reflexión acerca de los diversos tipos de mujeres que habitan en sus encuadres. El alcance internacional del cine de Pedro Almodóvar ha despertado el profundo interés de los críticos y el público, reconociendo en sus obras las marcas de un autor que ha sabido reflejar la problemática de su época. Su personal narrativa, su estética y variopinta temática, hacen de él uno de los realizadores más inteligentes, incisivos y originales de habla hispana. En su estética parecen confluir elementos de dos mundos: los españoles y aquellos correspondientes al pop americano, cuyo sincretismo sirve para ambientar de forma privilegiada sus historias.

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Le agradecemos que haya seleccionado nuestro trabajo para incluirlo en su página web y,
por supuesto, la gentileza de su aviso. Nos parece espléndido el trabajo que realiza sobre cine
e increíble la información que ha compilado. Un cordial saludo,

Lic. y Prof. Mónica Gruber

Facultad de Filosofía y Letras, Depto. de Artes, Universidad de Buenos Aires

Lic. y Prof. Marta Balán

Facultad de Ciencias Naturales y Museo, Universidad Nacional de La Plata

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Pedro Almodóvar: Análisis de la historia de España
desde 1980 hasta la actualidad a través de su filmografía

Lucía Hernández Tost

Pedro Almodóvar es un referente, tanto nacional como internacional, del mundo cinematográfico de habla hispana. Su filmografía retrata a la perfección la sociedad y cultura de la época y a modo de crítica encubierta en clave de humor denuncia los tabúes y prejuicios de la sociedad española. La libertad sexual, el papel de la mujer, la experimentación de nuevas formas de goce, y la religión católica son algunos de los temas más recurrentes en su obra. Almodóvar comienza a desarrollar su producción audiovisual durante la época de la transición democrática en España y del movimiento de la movida madrileña, convirtiéndose en uno de los mayores exponentes de esta corriente artística. En consecuencia, esto va a marcar el carácter y compromiso social tan singular de sus largometrajes. Aún a día de hoy el cineasta sigue estrenando películas y esto nos permite poder analizar a través de su filmografía los cambios que ha experimentado nuestro país, desde su primera película en 1981 hasta su última estrenada en 2019. Numerosos investigadores se han interesado por estudiar sus creaciones ya que su peculiar forma de ver la vida lo ha convertido en un director de cine de culto.

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Muchas gracias por incluir el artículo. He consultado su página y lo felicito por el trabajo realizado.
Su aportación, además de laboriosa, es de una gran utilidad para los amantes del cine.

Asimismo le agradezco que haya incluido TGF de Lucía, a quien le reenviaré su correo.
BENIGNO LEÓN FELIPE
Departamento de Filología Española Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación / Facultad de Educación Universidad de La Laguna

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Los fotógrafos y el acto fotográfico en la filmografía
de Pedro Almodóvar

Nekane Parejo

Entre los personajes de las películas de Pedro Almodóvar destacan los relacionados con las profesiones artísticas: cantantes, músicos, directores de cine, guionistas, actores, escritores, pintores, escultoras, etc. Esta investigación se centra en la figura del fotógrafo para establecer cómo se muestra al fotógrafo y al acto fotográfico en la filmografía de Almodóvar. El segundo objetivo es determinar cuáles son las tipologías más habituales y los atributos que las definen. Para ello, se realizó un análisis de contenido cualitativo de la producción íntegra de este director, delimitando una muestra de once películas cuyo rasgo común es la presencia del fotógrafo y como unidad de análisis las escenas que este protagoniza. Se elaboraron algunas tipologías a partir de una clasificación de elaboración propia basada en investigaciones anteriores (Dubois, 2013; Parejo, 2011). Se concluye que en la filmografía de Almodóvar se priorizan los actos fotográficos de profesionales retratando a famosos y se observa una evolución del fotógrafo profesional hacia la caracterización de otros roles, como el voyerismo, la fotografía doméstica y la de imágenes robadas.

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Adaptaciones teatrales en el cine de Pedro Almodóvar:
Cocteau, Williams y Lorca.

Mario De la Torre Espinosa

El cine de Pedro Almodóvar ha sido considerado reiteradamente como teatral. El motivo, en muchas ocasiones, ha sido la recurrencia a inter textos teatrales. El objetivo de este ar tículo es analizar el modus operandi del director español a la hora de adaptar obras teatrales en su filmografía. Para ello se analiza la puesta en escena fílmica de las obras La voz humana de Jean Cocteau, Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y Bodas de sangre. Yerma de Federico García Lorca en los filmes La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios. Todo sobre mi madre. Siguiendo las clasificaciones de Anxo Abuín y de José Antonio Pérez Bowie, podemos concluir que el ar tificio detectable en gran par te de su cine es derivado a una concepción de theatrum mundi, donde todo queda imbuido de una per formatividad evidente.

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Muchas gracias por incluir mi artículo. Me hace muchísima ilusión. He trabajado mucho sobre Almodóvar,
así que me alegra muchísimo poder tener espacio en su estupendo proyecto Archivo Cine.
Le mando un cordial saludo y gracias, de corazón, por incluir mi artículo,

MARIO DE LA TORRE-ESPINOSA

Profesor Titular del Área de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada. Coordinador del Máster en Nuevos Medios Interactivos y Periodismo Multimedia. Director del Área de Artes Escénicas de la Universidad de Granada. Vocal de la Asociación Española de Semiótica. Departamento de Lingüística General y Teoría de la Literatura Facultad de Filosofía y Letras Campus Universitario de Cartuja

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La fotografía en el diseño de los títulos de crédito
de las películas de Pedro Almodóvar

Nekane Parejo

La preocupación del director Pedro Almodóvar por los elementos estéticos de sus películas es uno de los rasgos que definen su trayectoria y alcanza al diseño de los títulos de crédito como carta de presentación de sus producciones. Desde esta premisa, la investigación se ha centrado en la fotografía como un elemento que contribuye a su diseño gráfico. Para abordar esta cuestión, nos hemos propuesto tres objetivos específicos: determinar las fórmulas que emplea este cineasta para acoger imágenes fotográficas en el diseño gráfico de los títulos de crédito, comparar las aperturas y los créditos de cierre y establecer sus rasgos característicos en función de los contenidos visuales que emplean y su relación con los personajes y narración cinematográfica en Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Tacones lejanos (1991) y La mala educación (2004). Metodológicamente nos hemos servido de la versión cualitativa del análisis de contenido, donde a partir de la filmografía completa de Pedro Almodóvar hemos seleccionado una muestra delimitada en función de los títulos de crédito que cuentan con imágenes fotográficas. Para fijar las categorías se ha elaborado una clasificación propia que parte de Inceer y Vanoye para el estudio de los motivos visuales, de Laibag para la relación entre los títulos de crédito y la narración fílmica y de Dubois y Parejo para las formas de inserción de los créditos. Los resultados muestran cuatro fórmulas que delatan la presencia de la fotografía en los títulos de crédito: el Time-lapse, lo profílmico, el congelado de imagen y la inserción de fotografías. Este último hace referencia a objetos reales, cuyos motivos visuales más recurrentes se corresponden con el collage, la fragmentación, el cromatismo artificioso, la repetición de contenidos, la simetría y la metáfora visual (que marca la relación de los créditos con los personajes y la narración fílmica).

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