El cine ha permitido que muchas personas podamos descubrir y disfrutar de grandes espectáculos que, de otro modo, solo habríamos podido ver si hubiéramos tenido la oportunidad de viajar hasta los grandes teatros y auditorios donde se representan. En los últimos años, las retransmisiones de ballet en directo o grabado en las salas de cine han acercado al público a grandes compañías y a algunos de los títulos más importantes del repertorio clásico. El Bolshói de Moscú, el Royal Ballet de Londres, la Ópera de París y otras grandes instituciones han llevado sus producciones a las pantallas de cine de todo el mundo. Para los amantes del ballet, estas proyecciones ofrecen una experiencia muy especial. Las cámaras permiten observar de cerca a los bailarines, sus movimientos, sus expresiones y todos los detalles de la puesta en escena, al mismo tiempo que ofrecen una visión privilegiada de la orquesta, los decorados y todo el trabajo que hay detrás de cada representación. Pero este apartado también forma parte de mi colección y de mi archivo cinematográfico. A lo largo de los años he ido conservando carteles, programas y otros materiales relacionados con estas proyecciones, documentos que hoy permiten recordar una etapa en la que el cine se convirtió también en una ventana abierta al mundo de la danza. En esta selección encontraréis algunos de los ballets que han llegado a las salas de cine, con información sobre las obras, los compositores, las compañías y las producciones que se han podido ver. Es una manera más de entender el cine como un espacio que va mucho más allá de la proyección de películas: un lugar donde también podemos disfrutar de la ópera, el ballet, la música y las artes escénicas, y donde la pantalla se convierte en un puente entre los grandes escenarios del mundo y el público de nuestras salas.

   Ballet en el cine 

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ANASTASIA – Kenneth MacMillan

Ballet en tres actos
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Piotr Ilich Chaikovski y Bohuslav Martinů.
Escenografía y vestuario: Bob Crowley.

Anastasia en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres, con coreografía de Kenneth MacMillan y dirección musical de Simon Hewett. El ballet se basa libremente en la historia de Anastasia Romanov, la gran duquesa rusa cuya supuesta supervivencia tras el asesinato de la familia imperial dio lugar a uno de los grandes misterios históricos del siglo XX. La retransmisión tuvo lugar el miércoles 2 de noviembre de 2016, a las 20:15 horas, en directo desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. El papel protagonista de Anastasia/Anna Anderson fue interpretado por la bailarina rusa Natalia Osipova. El reparto contó también con Marianela Núñez como Kschessinska, Federico Bonelli como su compañero, Edward Watson como el marido de Anna y Thiago Soares como Rasputin. La obra presenta una estructura muy particular. En los dos primeros actos, MacMillan utiliza música de Piotr Ilich Chaikovski para reconstruir, a través de los recuerdos de Anna, diferentes episodios de la vida de la familia imperial rusa y los acontecimientos que condujeron a la Revolución. El tercer acto, creado originalmente como una obra independiente en 1967, utiliza música de Bohuslav Martinů y nos sitúa en la mente de una mujer ingresada en un hospital psiquiátrico que afirma ser Anastasia. La historia mezcla memoria, realidad y fantasía. Anna recuerda la desaparición de su familia, la muerte de su marido, la pérdida de su hijo y su propio intento de suicidio, mientras lucha por mantener su identidad frente a quienes dudan de que realmente sea la gran duquesa Anastasia. Esta dimensión psicológica convierte a Anastasia en una de las obras más intensas y experimentales de MacMillan. Para The Royal Ballet, Anastasia ocupa además un lugar especial en la trayectoria de MacMillan. Cuando fue nombrado director de la compañía, transformó la pieza original de un solo acto en el ballet de tres actos que conocemos actualmente, convirtiéndolo en una de sus primeras grandes creaciones para la compañía después de Romeo y Julieta. Duración aproximada: 2 horas y 45 minutos, incluyendo dos intermedios.

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LAS AVENTURAS DE ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS – Christopher Wheeldon

Ballet en tres actos
Coreografía: Christopher Wheeldon
Música: Joby Talbot
Argumento: Nicholas Wright, basado en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll.
Estreno: 28 de febrero de 2011, Royal Opera House de Londres.

Las aventuras de Alicia en el país de las Maravillas en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres, con coreografía de Christopher Wheeldon, música de Joby Talbot y escenografía de Bob Crowley. La producción, creada originalmente en 2011, se ha convertido en una de las obras más populares del repertorio del Royal Ballet. La historia de Lewis Carroll cobra vida mediante una combinación de danza, escenografía, proyecciones, marionetas y efectos teatrales. La retransmisión tuvo lugar el martes 15 de octubre de 2024, desde la Royal Opera House de Londres, y fue llevada a las salas de cine de distintos países. En esta ocasión, el papel de Alicia fue interpretado por Francesca Hayward, acompañada por William Bracewell como Jack y el Sota de Corazones, James Hay como Lewis Carroll y el Conejo Blanco, Lauren Cuthbertson como la Reina de Corazones y Steven McRae como el Sombrerero Loco. La dirección musical estuvo a cargo de Koen Kessels. La historia comienza cuando Alicia, una joven que se encuentra en el jardín de su casa, cae por la madriguera de un conejo y entra en un mundo fantástico poblado por personajes extraordinarios. Allí conocerá al Conejo Blanco, el Sombrerero Loco, la Oruga, la Reina de Corazones y muchos otros habitantes del País de las Maravillas. La producción de Christopher Wheeldon destaca especialmente por su imaginativa puesta en escena, en la que los decorados y las proyecciones transforman continuamente el escenario. Entre sus elementos más reconocibles se encuentran el gigantesco Gato de Cheshire, la fiesta del té con el Sombrerero Loco y las escenas de la Reina de Corazones. La música de Joby Talbot combina sonoridades contemporáneas con melodías que recuerdan a la gran tradición del ballet del siglo XIX. Uno de los aspectos más interesantes de esta producción es que consigue trasladar al lenguaje de la danza el carácter absurdo, divertido y cambiante del universo creado por Lewis Carroll. El resultado es un ballet pensado tanto para los aficionados a la danza como para quienes se acercan por primera vez al mundo del ballet. Duración aproximada: 2 horas y 50 minutos, incluyendo dos intermedios.
 

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BALLET TO BROADWAY – Christopher Wheeldon
Ballet en cuatro piezas
Coreografía: Christopher Wheeldon.
Música: Joby Talbot, Joni Mitchell, Keaton Henson y George Gershwin.
Producción: The Royal Ballet de Londres.
Dirección musical: Koen Kessels.

Ballet to Broadway en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres dedicada a la obra del coreógrafo Christopher Wheeldon, uno de los creadores más importantes de la danza contemporánea y del ballet británico actual. El programa reúne cuatro piezas muy diferentes entre sí: Fool’s Paradise, The Two of Us, Us (Duet) y An American in Paris. El conjunto combina la sensualidad y la expresividad del ballet contemporáneo con la energía y el carácter del teatro musical. La retransmisión tuvo lugar el jueves 22 de mayo de 2025, a las 20:15 horas, en directo desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. La dirección musical estuvo a cargo de Koen Kessels, al frente de la Orchestra of the Royal Opera House. La duración aproximada de la retransmisión fue de 3 horas, incluyendo los intermedios. La primera pieza, Fool’s Paradise, fue creada por Wheeldon en 2007 para su propia compañía, Morphoses, y fue interpretada por primera vez por The Royal Ballet en 2012. La música es de Joby Talbot, con diseños de vestuario de Narciso Rodriguez e iluminación de Penny Jacobus. Es una obra de carácter abstracto y visual, en la que el movimiento de los bailarines y la música construyen un universo de gran intensidad y sensualidad. The Two of Us es un íntimo dúo creado en 2020 para el Fall for Dance Festival de Nueva York. La coreografía utiliza las canciones de Joni Mitchell, orquestadas por Gordon Hamilton, para crear una pieza marcada por la intimidad, el deseo y la melancolía. La obra fue estrenada por los bailarines estadounidenses Sara Mearns y David Hallberg y supuso su estreno en el repertorio del Royal Ballet. La tercera pieza, Us (Duet), es un dúo masculino creado por Wheeldon en 2017 para BalletBoyz, con música del cantautor británico Keaton Henson. Se trata de una pieza especialmente centrada en la relación entre los dos bailarines y en la expresividad del movimiento, mostrando otra faceta más íntima y contemporánea del coreógrafo. El programa se cierra con An American in Paris, una adaptación coreográfica de Wheeldon a partir del famoso musical inspirado en la película de 1951 protagonizada por Gene Kelly y Leslie Caron. La música es de George Gershwin y la escena muestra la historia de amor entre Jerry Mulligan, un soldado estadounidense, y Lise Dassin, una joven bailarina francesa. Wheeldon convierte uno de los momentos más célebres de la película en una gran secuencia de ballet ambientada en las calles de París. Esta última pieza tiene además un significado especial dentro de la trayectoria de Wheeldon, ya que su trabajo en An American in Paris fue fundamental para consolidarlo como uno de los grandes coreógrafos contemporáneos del teatro musical, llegando a obtener cuatro premios Tony. Para esta producción del Royal Ballet, la secuencia de ballet fue ampliada especialmente para la compañía. Ballet to Broadway permite así recorrer cuatro etapas y estilos diferentes de Christopher Wheeldon: desde el ballet contemporáneo y abstracto de Fool’s Paradise, pasando por los dos íntimos dúos The Two of Us y Us, hasta llegar al gran espectáculo de inspiración cinematográfica y musical de An American in Paris. El resultado es un programa que une ballet, música, cine y teatro musical, mostrando la extraordinaria versatilidad de uno de los coreógrafos más destacados de la danza actual.
 

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LA BELLA DURMIENTE – Marius Petipa

Ballet en un prólogo y tres actos
Coreografía: Marius Petipa,
con coreografía adicional de Frederick Ashton, Anthony Dowell y Christopher Wheeldon.
Música: Piotr Ilich Chaikovski.
Producción: Monica Mason y Christopher Newton.

La bella durmiente en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres, basada en la histórica puesta en escena de la compañía. Los diseños originales de Oliver Messel, uno de los grandes escenógrafos británicos del siglo XX, fueron restaurados y adaptados para esta producción. La dirección musical estuvo a cargo de Koen Kessels. La retransmisión tuvo lugar el martes 28 de febrero, a las 20:00 horas, desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. En esta representación, Marianela Núñez interpretó a la princesa Aurora y Vadim Muntagirov al príncipe Florimund. La historia está basada en el conocido cuento de La bella durmiente. La princesa Aurora es víctima de una maldición lanzada por el hada malvada Carabosse durante su bautizo: al cumplir dieciséis años se pinchará con un huso y caerá en un profundo sueño. El Hada de las Lilas consigue transformar la maldición para que, en lugar de morir, Aurora quede dormida junto con todo el reino hasta que llegue el príncipe que pueda despertarla. El ballet combina algunos de los momentos más conocidos del repertorio clásico, entre ellos el Adagio de la Rosa, en el que Aurora baila con sus pretendientes, y el gran ballet de celebración del tercer acto, con numerosos personajes de cuentos de hadas. La producción del Royal Ballet recupera el esplendor visual de la versión histórica de Oliver Messel, con sus palacios, bosques encantados y ricos vestidos inspirados en la estética de la corte barroca. Todo ello, unido a la extraordinaria partitura de Chaikovski y al virtuosismo de los bailarines, convierte La bella durmiente en uno de los grandes títulos del ballet clásico. En esta retransmisión, además de Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, participaron bailarines como Kristen McNally como Carabosse y Claire Calvert como el Hada de las Lilas, acompañados por la Orchestra of the Royal Opera House. Duración aproximada: 3 horas, incluidos dos descansos, según la información de la programación española.
 

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EL CASCANUECES – Peter Wright

Ballet en dos actos
Coreografía: Peter Wright, basada en la coreografía original de Lev Ivanov.
Música: Piotr Ilich Chaikovski.
Argumento: basado en el cuento El cascanueces y el rey de los ratones de E. T. A. Hoffmann,
en la adaptación de Alexandre Dumas.
Estreno: 18 de diciembre de 1892, Teatro Mariinski de San Petersburgo.

El Cascanueces en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres, con la conocida versión de Peter Wright, una de las producciones navideñas más emblemáticas de la compañía. La producción se estrenó con el Royal Ballet en 1984 y utiliza los diseños de Julia Trevelyan Oman, que recrean el ambiente de una casa alemana del siglo XIX y el fantástico Reino de los Dulces. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el martes 12 de diciembre de 2017, a las 20:15 horas, desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países. La producción había alcanzado ya una gran popularidad en las retransmisiones cinematográficas de la Royal Opera House, llegando a más de 130.000 espectadores en todo el mundo en su anterior emisión. En aquella representación, Francesca Hayward interpretó a Clara y Alexander Campbell al Cascanueces. Sarah Lamb interpretó al Hada de Azúcar y Steven McRae al Príncipe, mientras que Yasmine Naghdi interpretó a la Hada de las Flores. La orquesta estuvo dirigida por Barry Wordsworth. La historia comienza durante una fiesta de Navidad en casa de Clara. Su padrino, el misterioso Drosselmeyer, le regala un cascanueces que cobra vida durante la noche. Clara se ve envuelta en una batalla entre los soldados de juguete y el Rey de los Ratones y emprende después un viaje mágico por el Reino de la Nieve hasta llegar al maravilloso Reino de los Dulces. La producción de Peter Wright conserva el espíritu de los grandes ballets clásicos y destaca especialmente por sus espectaculares transformaciones escénicas. Uno de los momentos más admirados es la transformación del enorme árbol de Navidad, que pasa de unos diez a unos treinta pies de altura, así como la llegada al Reino de los Dulces, con sus decorados dorados y sus numerosas danzas. La partitura de Chaikovski contiene algunas de las melodías más conocidas de todo el repertorio clásico, entre ellas el Vals de las Flores, la Danza de los Mirlitones y la célebre Danza del Hada de Azúcar, cuyo característico sonido de celesta se ha convertido en uno de los símbolos musicales de la Navidad. El Cascanueces se ha convertido, con el paso del tiempo, en uno de los grandes clásicos navideños del ballet y en una de las producciones más populares de The Royal Ballet, tanto sobre el escenario como en las retransmisiones cinematográficas. Duración aproximada: 2 horas y 20 minutos, incluyendo un intermedio, según la información actual de la Royal Ballet para esta producción.

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LA CENICIENTA – Frederick Ashton

Ballet en tres actos
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Serguéi Prokófiev
Argumento: basado en el cuento Cendrillon de Charles Perrault.
Estreno: 23 de diciembre de 1948, Royal Opera House de Londres.

La Cenicienta en los cines: El cartel corresponde a la producción de The Royal Ballet de Londres, con la coreografía original de Frederick Ashton, fundador y principal coreógrafo del Royal Ballet. Esta versión de La Cenicienta fue estrenada en 1948 y se convirtió en uno de los grandes ballets del repertorio de la compañía. La producción actual incorpora diseños de Tom Pye, vestuario de Alexandra Byrne, iluminación de David Finn, vídeo de Finn Ross e ilusiones creadas por Chris Fisher. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el martes 10 de diciembre de 2024, a las 20:15 horas, en directo desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. El programa cinematográfico presentó a Fumi Kaneko como Cenicienta y a William Bracewell como el Príncipe, con Jonathan Lo al frente de la Orchestra of the Royal Opera House. La historia cuenta la vida de Cenicienta, una joven obligada a trabajar en casa de su cruel madrastra y sus hermanastras. Su vida cambia cuando recibe la ayuda de una misteriosa mujer que resulta ser su Hada Madrina. Gracias a la magia, Cenicienta puede acudir al baile del príncipe, donde ambos se enamoran. Pero el hechizo tiene una duración limitada y, cuando el reloj se acerca a la medianoche, Cenicienta debe abandonar el palacio dejando atrás uno de sus zapatos. La versión de Frederick Ashton combina humor, romanticismo y virtuosismo técnico. Uno de sus elementos más característicos son las hermanastras, interpretadas tradicionalmente por bailarines masculinos, que aportan buena parte del componente cómico de la obra. La producción de 2024 utiliza además una escenografía de carácter fantástico, con proyecciones y efectos visuales que acompañan las transformaciones mágicas de la historia. La música de Prokófiev, escrita entre 1940 y 1944, ofrece una partitura muy diferente de la de otros grandes ballets de cuento de hadas. Su combinación de lirismo, ironía y dramatismo acompaña la transformación de Cenicienta desde la muchacha maltratada del primer acto hasta la joven enamorada que encuentra su felicidad. En esta retransmisión, además de Fumi Kaneko y William Bracewell, participaron Bennet Gartside y James Hay como las hermanastras, Annette Buvoli como el Hada Madrina y Thomas Whitehead como el padre de Cenicienta. La producción presenta así una versión especialmente visual del cuento de Perrault, en la que la magia, el amor y el humor se combinan con la extraordinaria técnica de los bailarines del Royal Ballet. Duración aproximada: 2 horas y 40 minutos, incluidos dos intermedios.

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COMO AGUA PARA CHOCOLATE – Christopher Wheeldon

Ballet en tres actos
Coreografía: Christopher Wheeldon
Música: Joby Talbot
Argumento: Christopher Wheeldon y Joby Talbot,
inspirado en la novela Como agua para chocolate de Laura Esquivel.
Diseño de escenografía: Bob Crowley
Iluminación: Natasha Katz
Diseño de vídeo: Luke Halls.

Como agua para chocolate en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres, creada por Christopher Wheeldon a partir de la célebre novela de la escritora mexicana Laura Esquivel. La obra combina danza, música y elementos de realismo mágico para trasladar al escenario la historia de amor, tradición y pasión de la familia De la Garza. Fue una coproducción de The Royal Ballet y American Ballet Theatre y se estrenó mundialmente en junio de 2022 en la Royal Opera House. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el jueves 19 de enero de 2023, a las 20:15 horas, desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. En el reparto figuraban Francesca Hayward como Tita y Marcelino Sambé como Pedro, los dos protagonistas de esta historia de amor imposible. La historia se desarrolla en México, a comienzos del siglo XX, durante el periodo de la Revolución. Tita, la hija menor de la familia De la Garza, se enamora de Pedro, pero una antigua tradición familiar establece que la hija menor debe permanecer soltera para cuidar de su madre. Pedro, para permanecer cerca de Tita, termina casándose con su hermana Rosaura. Tita encuentra en la cocina una forma de expresar sus sentimientos. Sus emociones se transmiten mágicamente a quienes comen los platos que prepara, haciendo que el amor, los celos, la tristeza y el deseo se conviertan en parte fundamental de la historia. Este elemento de realismo mágico, característico de la novela de Laura Esquivel, es trasladado por Wheeldon al lenguaje de la danza mediante imágenes poéticas y efectos visuales. La producción destaca por la estrecha colaboración entre Wheeldon y Joby Talbot, que ya habían trabajado juntos en otras grandes producciones del Royal Ballet. La escenografía y el vestuario de Bob Crowley, la iluminación de Natasha Katz y las proyecciones de Luke Halls crean un universo visual inspirado en el México de la novela, en el que los sentimientos de los personajes pueden transformarse en imágenes sobre el escenario. En esta primera producción, además de Francesca Hayward y Marcelino Sambé, participaron bailarines como Laura Morera, Mayara Magri, Matthew Ball y Anna Rose O'Sullivan. La dirección musical estuvo vinculada a Alondra de la Parra, que colaboró estrechamente con Talbot como asesora musical para la creación de la partitura. Como agua para chocolate representa, por tanto, una incorporación muy especial al repertorio del Royal Ballet: una obra contemporánea que utiliza el lenguaje del ballet para contar una historia profundamente mexicana y convertir el amor, la familia, la cocina y la magia en movimiento y música. Duración aproximada: 2 horas y 45 minutos, incluidos dos intermedios.

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DON QUIXOTE – Carlos Acosta

Ballet en tres actos
Producción y coreografía: Carlos Acosta, a partir de la coreografía original de Marius Petipa.
Música: Ludwig Minkus, arreglada y orquestada por Martin Yates.
Escenografía: Tim Hatley.
Iluminación: Hugh Vanstone.

Don Quixote en los cines: El cartel corresponde a la producción de The Royal Ballet de Londres creada por el bailarín y coreógrafo cubano Carlos Acosta, inspirada en la versión clásica de Marius Petipa. La producción, llena de color, humor y virtuosismo, lleva al escenario el ambiente soleado y festivo de la España imaginada por la novela de Miguel de Cervantes. La escenografía de Tim Hatley recrea plazas, tabernas y paisajes españoles con una estética muy colorista. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el martes 7 de noviembre de 2023, en directo desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de numerosos países, también en España. En esta ocasión, Mayara Magri interpretó a Kitri y Matthew Ball a Basilio, mientras que Gary Avis interpretó al propio Don Quijote. El reparto principal se completó con James Hay como Gamache, Leticia Dias como Mercedes, Calvin Richardson como Espada, Annette Buvoli como la Reina de las Dríades e Isabella Gasparini como Amour. La dirección musical estuvo a cargo de Valery Ovsyanikov, al frente de la Orchestra of the Royal Opera House. La historia se inspira en el famoso episodio de Don Quijote de la Mancha en el que el caballero y su escudero, Sancho Panza, llegan a Barcelona y se ven envueltos en las aventuras de Kitri y Basilio, dos jóvenes enamorados que desean casarse a pesar de la oposición del padre de Kitri, Lorenzo. Kitri es una joven decidida y apasionada que ama a Basilio, un humilde barbero. Su padre, sin embargo, quiere casarla con el rico y pomposo Gamache. Los dos enamorados intentarán por todos los medios escapar de este matrimonio impuesto, mientras Don Quijote y Sancho Panza se convierten en protagonistas involuntarios de sus aventuras. Uno de los grandes atractivos de esta versión es su enorme despliegue de danzas españolas, personajes cómicos y escenas de conjunto, junto con los grandes pas de deux de Kitri y Basilio. El tercer acto culmina con uno de los momentos más espectaculares del repertorio clásico: el gran pas de deux de Kitri y Basilio, que exige a los bailarines un extraordinario dominio técnico y artístico. La producción de Carlos Acosta es considerada además un magnífico escaparate para los bailarines principales del Royal Ballet. La producción de Acosta conserva la estructura y el virtuosismo del ballet clásico, pero incorpora una visión muy personal de la España de Cervantes, con una escenografía llena de color, humor y movimiento. La música de Minkus, especialmente concebida para acompañar la acción y las grandes escenas de danza, es una de las partituras más conocidas del repertorio clásico. Duración aproximada: 2 horas y 40 minutos, incluidos los intermedios. La producción está estructurada en tres actos.
 

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LA FILLE MAL GARDÉE – Frederick Ashton

Ballet en dos actos
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Ferdinand Hérold, adaptada y orquestada por John Lanchbery.
Argumento: inspirado en el ballet original de Jean Dauberval.
Estreno de la versión de Ashton: 28 de enero de 1960, Royal Opera House de Londres.

La Fille mal gardée en los cines: El cartel corresponde a la producción de The Royal Ballet de Londres, con la célebre coreografía de Frederick Ashton, considerada uno de los grandes clásicos del repertorio de la compañía. Ashton estrenó su versión en Covent Garden en 1960, convirtiéndola rápidamente en una de las obras más populares del Royal Ballet. La producción recrea con humor y ternura la vida rural inglesa, con los coloridos diseños de Osbert Lancaster. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el miércoles 5 de noviembre de 2025, a las 20:15 horas, en directo desde el Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a más de 110 cines de más de 90 localidades de España, además de salas de otros países. En esta representación, Francesca Hayward interpretó a Lise y Marcelino Sambé a Colas, la pareja protagonista. La dirección musical estuvo a cargo de Jonathan Lo, al frente de la Orchestra of the Royal Opera House. La historia gira alrededor de Lise, hija única de la viuda Simone, que está enamorada del joven campesino Colas. Su madre, sin embargo, tiene otros planes para ella y desea casarla con Alain, hijo del rico propietario Thomas. Lise hará todo lo posible para evitar ese matrimonio y poder estar junto al hombre que ama. La obra combina humor, romanticismo y danza popular, y ofrece un retrato alegre de la vida en el campo. Entre sus momentos más característicos se encuentran las danzas de los campesinos, la danza de los zuecos y el famoso baile del palo de mayo, que aportan un marcado carácter folclórico a la coreografía de Ashton. La música de Ferdinand Hérold, alegre y melódica, fue adaptada para esta producción por John Lanchbery, quien realizó una nueva orquestación y añadió música de otras obras del compositor para acompañar la coreografía de Ashton. Los decorados y vestuario de Osbert Lancaster contribuyen a crear el ambiente colorista y bucólico de la campiña inglesa. La Fille mal gardée es, por tanto, uno de los ejemplos más representativos del ballet narrativo británico, una obra de carácter amable y familiar que combina la tradición del ballet clásico con el humor y las costumbres de la Inglaterra rural. Duración aproximada: 2 horas y 15 minutos, incluido un intermedio.
 

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GISELLE – Akram Khan

Ballet en dos actos
Coreografía y dirección: Akram Khan
Música y diseño sonoro: Vincenzo Lamagna, a partir de la partitura original de Adolphe Adam.
Diseño visual y vestuario: Tim Yip
Iluminación: Mark Henderson
Dramaturgia: Ruth Little.

Giselle en los cines: El cartel corresponde a la producción de English National Ballet creada por Akram Khan, una reinterpretación contemporánea del célebre ballet romántico. La producción se estrenó mundialmente el 27 de septiembre de 2016 en el Palace Theatre de Manchester. Khan transforma el universo tradicional de Giselle en una historia sobre una comunidad de trabajadores inmigrantes, enfrentada a un mundo de desigualdad, explotación y abuso de poder. La película que anuncia el cartel llegó a los cines españoles el jueves 21 de marzo de 2019. Fue una de las primeras producciones del English National Ballet en recibir una distribución cinematográfica internacional y pudo verse en numerosas salas de España. La propia compañía señala que la versión filmada se estrenó en cines en 2018 en Reino Unido y posteriormente fue distribuida también en España y otros países. La versión cinematográfica fue filmada en el Liverpool Empire en octubre de 2017, con Tamara Rojo como Giselle, James Streeter como Albrecht y Jeffrey Cirio como Hilarion. También participaron Begoña Cao como Bathilde y Fabian Reimair como el Terrateniente. La dirección de la filmación estuvo a cargo de Ross MacGibbon y la dirección musical correspondió a Gavin Sutherland, al frente de la English National Ballet Philharmonic. La historia conserva el núcleo de la obra original: Giselle se enamora de Albrecht, un hombre que oculta su verdadera identidad y que ya está comprometido con una mujer de su misma clase social. Cuando Giselle descubre el engaño, sufre una profunda crisis que acaba provocando su muerte. En el segundo acto, el mundo de los espíritus de las jóvenes muertas antes de casarse —las Wilis— adquiere una dimensión completamente diferente. Akram Khan traslada esta historia a un mundo industrial y contemporáneo, dividido entre los trabajadores inmigrantes y los poderosos propietarios de las fábricas. El gran muro que separa ambos mundos se convierte en uno de los elementos visuales fundamentales de la producción. El segundo acto transforma el bosque romántico de la obra tradicional en una especie de fábrica abandonada, habitada por los espíritus de mujeres explotadas y víctimas de la injusticia. La coreografía combina el ballet clásico con la danza contemporánea y elementos del kathak, la danza clásica del norte de la India, creando un lenguaje físico mucho más intenso y visceral que el de las versiones tradicionales. La partitura de Vincenzo Lamagna conserva elementos de la música de Adolphe Adam, pero los transforma mediante sonidos electrónicos y una poderosa dimensión contemporánea. Esta producción supuso una importante renovación de uno de los grandes títulos del ballet romántico. Sin abandonar los temas fundamentales de amor, traición, muerte, perdón y redención, Akram Khan convierte Giselle en una historia contemporánea sobre la desigualdad y las personas que viven y trabajan al margen de la sociedad. Duración aproximada: 1 hora y 55 minutos, incluido un intermedio.
 

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EL LAGO DE LOS CISNES – Liam Scarlett

Ballet en cuatro actos
Coreografía: Marius Petipa y Lev Ivanov, con coreografía adicional de Liam Scarlett y Frederick Ashton.
Música: Piotr Ilich Chaikovski.
Producción: Liam Scarlett.
Escenografía y vestuario: John Macfarlane.
Iluminación: David Finn.

El lago de los cisnes en los cines: El cartel corresponde a la producción de The Royal Ballet de Londres creada por Liam Scarlett sobre la coreografía original de Marius Petipa y Lev Ivanov. Scarlett mantuvo la estructura y el espíritu del gran clásico del ballet, pero aportó una nueva mirada a la puesta en escena, en colaboración con el diseñador John Macfarlane. La producción se estrenó en la Royal Opera House en 2018. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el jueves 27 de febrero de 2025, a las 20:15 horas, desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a las salas de cine españolas y de numerosos países. La producción había sido grabada durante las representaciones de 2024 y llegó posteriormente a las pantallas cinematográficas. El reparto estuvo encabezado por Yasmine Naghdi como Odette/Odile y Matthew Ball como el príncipe Sigfrido, tal como aparece también en el cartel. Thomas Whitehead interpretó a Von Rothbart y Christina Arestis a la Reina. La dirección musical estuvo a cargo de Martin Georgiev, al frente de la Orchestra of the Royal Opera House. La historia comienza cuando el príncipe Sigfrido, durante una cacería, descubre un lago en el que aparecen unos cisnes. Uno de ellos se transforma en una hermosa joven, Odette, de quien el príncipe se enamora. Odette está bajo el hechizo del malvado Von Rothbart, que la mantiene convertida en cisne durante el día y permite que recupere su forma humana únicamente durante la noche. El amor entre Sigfrido y Odette se verá puesto a prueba cuando Von Rothbart engaña al príncipe presentándole a Odile, su hija, que tiene el mismo aspecto que Odette. Sigfrido, engañado, declara su amor a Odile y rompe así la promesa que había hecho a Odette. A partir de ese momento se desencadena la tragedia que conducirá al dramático desenlace del ballet. La producción de Liam Scarlett destaca por su fidelidad al lenguaje del ballet clásico, al mismo tiempo que introduce una escenografía de gran belleza y un marcado carácter romántico. John Macfarlane sitúa la acción a finales del siglo XIX, creando un mundo de cuento de hadas que combina palacios, bosques y el misterioso lago de los cisnes. La partitura de Chaikovski es uno de los grandes pilares de la obra. Su extraordinaria riqueza melódica acompaña tanto las escenas íntimas de Odette y Sigfrido como los grandes momentos de conjunto y las célebres danzas del cuerpo de baile. El contraste entre el Cisne Blanco, Odette, símbolo de pureza y amor, y el Cisne Negro, Odile, asociado al engaño y la seducción, constituye uno de los elementos más reconocibles de todo el repertorio clásico. Uno de los grandes retos para la bailarina protagonista es interpretar simultáneamente Odette y Odile, dos personajes de carácter completamente opuesto. El papel exige un enorme dominio técnico y expresivo, especialmente en el famoso pas de deux del Cisne Negro, que culmina con una espectacular serie de fouettés. El lago de los cisnes es, sin duda, uno de los grandes títulos del ballet clásico y una de las obras más representativas del repertorio de The Royal Ballet, cuya combinación de música, danza, drama y escenografía lo ha convertido en un clásico imprescindible. Duración aproximada: 3 horas y 30 minutos, incluidos dos intermedios.
 

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MANON – Kenneth MacMillan

Ballet en tres actos
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Jules Massenet, orquestada y adaptada por Martin Yates.
Argumento: basado en la novela Historia del caballero Des Grieux y de Manon Lescaut, del abate Prévost.
Diseños: Nicholas Georgiadis.
Estreno de la producción original: 7 de marzo de 1974, Royal Opera House de Londres.

Manon en los cines: El cartel corresponde a la producción de The Royal Ballet de Londres, con la célebre coreografía de Kenneth MacMillan, una de las grandes obras narrativas del ballet del siglo XX. MacMillan se inspiró en la historia de Manon Lescaut y Des Grieux para crear una obra de gran intensidad dramática, en la que el amor, el deseo, la riqueza y la corrupción social conducen a los protagonistas hacia un desenlace trágico. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el miércoles 7 de febrero de 2024, a las 20:15 horas, en directo desde la Royal Opera House de Londres, y llegó a 128 cines de España, además de numerosas salas de otros países. El reparto estuvo encabezado por Natalia Osipova como Manon y Reece Clarke como Des Grieux, acompañados por Alexander Campbell como Lescaut y Gary Avis como Monsieur G. M. Mayara Magri interpretó a la amante de Lescaut. La dirección musical estuvo a cargo de Koen Kessels, al frente de la Orchestra of the Royal Opera House. La historia comienza cuando Manon, una joven destinada por su familia al convento, llega a París acompañada por su hermano Lescaut. Allí conoce a Des Grieux, un joven estudiante con quien se enamora inmediatamente. Los dos deciden escapar juntos, pero la ambición y el deseo de una vida llena de lujos acabarán poniendo a prueba su relación. Manon se debate entre el amor sincero que siente por Des Grieux y la atracción por una vida de riqueza y comodidades. Su belleza despierta el interés de Monsieur G. M., un hombre rico y poderoso que puede proporcionarle todo aquello que desea. Esta elección introduce a Manon y Des Grieux en un mundo de lujo, juego, prostitución y corrupción. Uno de los grandes elementos distintivos de la coreografía de MacMillan son los pas de deux de Manon y Des Grieux. A diferencia de muchos ballets clásicos, en Manon los dúos no están concebidos únicamente como demostraciones de virtuosismo técnico, sino como auténticos momentos dramáticos en los que los movimientos expresan el deseo, la pasión, la ternura y la desesperación de los protagonistas. La producción mantiene los diseños originales de Nicholas Georgiadis, que sitúan la acción en la Francia del siglo XVIII, desde los ambientes elegantes de París hasta los lugares más oscuros y miserables de la sociedad. El contraste entre riqueza y pobreza resulta fundamental para comprender las decisiones de Manon y el destino de ambos amantes. La música de Jules Massenet, adaptada y orquestada por Martin Yates, acompaña estrechamente la evolución psicológica de los personajes. La partitura combina momentos de gran lirismo con otros de carácter más dramático, creando un intenso diálogo entre música y coreografía. El desenlace conduce a Manon y Des Grieux fuera de París, hasta Luisiana, donde la tragedia alcanza su punto culminante. El amor que ha sobrevivido a la riqueza, la traición y las dificultades termina enfrentándose a un destino inevitable. Manon es, por tanto, una de las grandes obras maestras del ballet narrativo moderno. La capacidad de MacMillan para contar una historia compleja exclusivamente mediante el movimiento convirtió esta obra en una pieza fundamental del repertorio del Royal Ballet y en uno de los ballets más intensos y conmovedores del siglo XX. Duración aproximada: 3 horas y 15 minutos, incluyendo dos intermedios.

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ROMEO Y JULIETA – Kenneth MacMillan

Ballet en tres actos
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Serguéi Prokófiev
Argumento: basado en la tragedia Romeo y Julieta de William Shakespeare.
Diseño de escenografía y vestuario: Nicholas Georgiadis.
Iluminación: John B. Read.
Estreno de la producción: 9 de febrero de 1965, Royal Opera House de Londres.

Romeo y Julieta en los cines: El cartel corresponde a la producción de The Royal Ballet de Londres, con la célebre coreografía de Kenneth MacMillan, considerada una de las grandes obras maestras del ballet del siglo XX. La producción traslada a la danza la tragedia de Shakespeare y combina una poderosa narración dramática con la extraordinaria partitura de Prokófiev. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el lunes 14 de febrero de 2022, a las 20:15 horas, coincidiendo con el día de San Valentín. Fue una retransmisión especial desde la Royal Opera House de Londres, distribuida en cines de numerosos países, incluida España. La Royal Opera House confirmó que posteriormente hubo sesiones adicionales (encore) a partir del 20 de febrero de 2022. En esta retransmisión, Anna Rose O'Sullivan interpretó a Julieta y Marcelino Sambé a Romeo, tal como aparece en el cartel. Ambos bailarines habían interpretado anteriormente estos personajes y fueron especialmente destacados por la Royal Ballet en esta producción. La historia se desarrolla en la ciudad italiana de Verona, donde dos familias, los Montesco y los Capuleto, mantienen una antigua y violenta rivalidad. En medio de este enfrentamiento, Romeo, perteneciente a los Montesco, y Julieta, hija de los Capuleto, se conocen y se enamoran. Su amor nace durante una fiesta celebrada en casa de los Capuleto. Aunque pertenecen a familias enfrentadas, ambos deciden luchar por estar juntos. Con la ayuda del fraile Lorenzo, se casan en secreto, esperando que su unión pueda poner fin al odio entre las dos familias. Sin embargo, la violencia acaba imponiéndose. Tras un enfrentamiento en las calles de Verona, Romeo es desterrado de la ciudad. Julieta, presionada por sus padres para casarse con Paris, recurre al fraile Lorenzo, quien idea un plan para que pueda escapar de ese matrimonio. Julieta toma una pócima que provoca un estado semejante a la muerte. El plan fracasa porque Romeo no recibe a tiempo el mensaje que explica lo ocurrido. Al encontrar a Julieta aparentemente muerta, cree que ha fallecido realmente y decide quitarse la vida. Cuando Julieta despierta y descubre a Romeo muerto a su lado, también acaba con su vida. La tragedia de los dos amantes provoca finalmente que las familias comprendan las terribles consecuencias de su odio. Uno de los grandes méritos de la versión de MacMillan es que la historia se cuenta fundamentalmente a través del movimiento, sin necesidad de diálogos. Los personajes expresan mediante la danza sus sentimientos, sus conflictos y la evolución de la relación amorosa. El famoso pas de deux del balcón, al final del primer acto, es uno de los momentos más conocidos de toda la obra y representa el descubrimiento del amor entre Romeo y Julieta. La producción también destaca por sus grandes escenas colectivas. MacMillan recrea una Verona renacentista llena de actividad: mercados, celebraciones, enfrentamientos entre los jóvenes de las dos familias y la espectacular fiesta de los Capuleto. En esta última aparece la célebre Danza de los Caballeros, uno de los fragmentos más reconocibles de la partitura de Prokófiev. La música de Serguéi Prokófiev desempeña un papel fundamental. Su partitura combina momentos de gran lirismo y romanticismo con otros de enorme fuerza dramática, acompañando tanto las escenas de amor como los enfrentamientos y el trágico desenlace. La Danza de los Caballeros, con su carácter solemne y amenazador, se ha convertido además en una de las piezas más populares del ballet. La producción de MacMillan tuvo su estreno el 9 de febrero de 1965 en la Royal Opera House. Los primeros Romeo y Julieta fueron Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev, aunque MacMillan había concebido inicialmente los papeles pensando en Lynn Seymour y Christopher Gable. La obra se convirtió rápidamente en un gran éxito y pasó a formar parte esencial del repertorio del Royal Ballet. Romeo y Julieta es, por tanto, uno de los grandes ejemplos de ballet narrativo, capaz de trasladar toda la fuerza dramática de una de las historias de amor más famosas de la literatura al lenguaje de la danza. La combinación de Shakespeare, Prokófiev y MacMillan ha convertido esta producción en uno de los títulos más emblemáticos del Royal Ballet. Duración aproximada: 2 horas y 55 minutos, incluidos dos intermedios.

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SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO – George Balanchine
Ballet en dos actos
Coreografía: George Balanchine.
Música: Felix Mendelssohn-Bartholdy.
Producción: Ballet de la Ópera Nacional de París, con escenografía y vestuario de Christian Lacroix
y dirección musical de Simon Hewett.

El sueño de una noche de verano en los cines: El cartel corresponde a una producción del Ballet de la Ópera Nacional de París, basada en la célebre coreografía de George Balanchine, inspirada en la obra de William Shakespeare. La producción contó con los diseños de Christian Lacroix, que creó un universo visual lleno de fantasía, flores, hadas y elementos propios del mundo mágico de la obra. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el jueves 23 de marzo de 2017, en directo desde la Ópera Nacional de París, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. La dirección musical estuvo a cargo de Simon Hewett y participaron las Estrellas, Primeros Bailarines y el Cuerpo de Ballet de la Ópera de París. La historia está basada en la conocida obra de William Shakespeare y se desarrolla entre Atenas y un bosque mágico. Teseo, duque de Atenas, está a punto de casarse con Hipólita, mientras Hermia y Lisandro se aman a pesar de la oposición de Demetrio, que también pretende a Hermia. Helena, por su parte, está enamorada de Demetrio. Los cuatro jóvenes terminan adentrándose en un bosque habitado por hadas, donde viven Oberón, rey de las hadas, y Titania, su esposa. Oberón ordena a Puck que utilice una flor mágica cuyo jugo provoca que quien lo recibe se enamore de la primera persona que vea al despertar. El hechizo provoca una serie de equívocos y situaciones cómicas que alteran los sentimientos de los protagonistas. La versión de George Balanchine combina la narración teatral con grandes momentos de danza. El primer acto desarrolla principalmente la historia y los enredos provocados por la magia, mientras que el segundo acto adquiere un carácter más espectacular y coreográfico, con numerosos divertissements que permiten mostrar el virtuosismo de los bailarines. La producción destaca especialmente por los diseños de Christian Lacroix, que recrean el mundo fantástico de las hadas mediante elaborados vestuarios y una escenografía llena de color y elementos naturales. El resultado convierte el escenario en un auténtico mundo de fantasía, en el que se mezclan los personajes humanos con las criaturas mágicas del bosque. La música de Mendelssohn acompaña toda la acción y proporciona a la coreografía su carácter ligero, mágico y romántico. Balanchine construyó su ballet a partir de la música que el compositor escribió para El sueño de una noche de verano, convirtiéndola en una parte fundamental de la narración y del desarrollo coreográfico. El sueño de una noche de verano es una de las obras más conocidas de George Balanchine y una de sus creaciones narrativas más importantes. La combinación de la obra de Shakespeare, la música de Mendelssohn y la coreografía de Balanchine, junto con los diseños de Christian Lacroix, convierte esta producción en un espectáculo especialmente atractivo para su retransmisión en salas de cine.

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WOOLF WORKS – Wayne McGregor
Ballet en tres actos
Coreografía: Wayne McGregor.
Música: Max Richter.
Producción: The Royal Ballet de Londres.
Diseño escénico: Ciguë, We Not I y Wayne McGregor.
Vestuario: Moritz Junge.

Woolf Works en los cines: El cartel corresponde a una producción de The Royal Ballet de Londres, creada por el coreógrafo Wayne McGregor e inspirada en la vida, los escritos y el universo literario de Virginia Woolf. La obra fue creada para The Royal Ballet y estrenada en 2015 en la Royal Opera House de Londres. Se trata de un ballet experimental dividido en tres partes, que combina danza contemporánea, música, iluminación, proyecciones y elementos audiovisuales. La música original fue compuesta por Max Richter, mientras que el diseño escénico corresponde a Ciguë, We Not I y Wayne McGregor, el vestuario a Moritz Junge, la iluminación a Lucy Carter y el diseño de vídeo a Ravi Deepres. La retransmisión que anuncia el cartel tuvo lugar el lunes 9 de febrero de 2026, a las 20:15 horas, en directo desde la Royal Opera House de Londres, y fue distribuida a salas de cine de distintos países, también en España. La dirección musical estuvo a cargo de Koen Kessels y el papel de Virginia Woolf fue interpretado por Natalia Osipova. La retransmisión tuvo una duración aproximada de 165 minutos, con dos intermedios. La obra está inspirada especialmente en Mrs Dalloway, Orlando y Las olas, aunque también incorpora elementos procedentes de otros escritos de Virginia Woolf, entre ellos sus cartas, ensayos y diarios. McGregor no intenta trasladar literalmente las novelas al escenario, sino convertir en movimiento algunos de los temas, pensamientos y estados emocionales presentes en la literatura de Woolf. El primer acto, I Now, I Then, toma como principal referencia Mrs Dalloway y explora la relación entre el presente y los recuerdos. El segundo, Becomings, está inspirado en Orlando y aborda cuestiones relacionadas con la identidad, la transformación y el paso del tiempo. El tercero, Tuesday, se inspira principalmente en Las olas y profundiza en temas como la memoria, la pérdida y la muerte. Uno de los aspectos más característicos de Woolf Works es la manera en que McGregor transforma el conocido flujo de conciencia de Virginia Woolf en lenguaje coreográfico. En lugar de desarrollar una narración tradicional, la obra utiliza imágenes, recuerdos, movimientos y fragmentos audiovisuales para crear una experiencia que se aproxima a la forma en que funcionan los pensamientos y la memoria. La música de Max Richter tiene un papel fundamental en esta construcción. Su partitura combina elementos orquestales y electrónicos y acompaña los diferentes estados emocionales de la obra. La música, la iluminación de Lucy Carter y las proyecciones de Ravi Deepres forman conjuntamente un espacio escénico cambiante, en el que los bailarines parecen moverse entre recuerdos, pensamientos y diferentes dimensiones temporales. La producción está protagonizada en esta retransmisión por Natalia Osipova, que interpreta a Virginia Woolf y a distintos personajes relacionados con su universo literario. Junto a ella participan bailarines de The Royal Ballet, entre ellos William Bracewell, Marcelino Sambé, Patricio Revé, Sae Maeda y Leticia Dias. Woolf Works recibió importantes reconocimientos, entre ellos un Premio Olivier y un Critics' Circle National Dance Award, y se ha convertido en una de las obras contemporáneas más destacadas del repertorio de The Royal Ballet. Su combinación de danza, literatura, música, cine y artes visuales convierte la obra de Wayne McGregor en una propuesta especialmente adecuada para su retransmisión cinematográfica.

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