Lluis
Salió, hace años, una noticia en la que se decía que Walt Disney era español. Aquí les dejo un enlace donde Pepa Llausàs analista de guiones y licenciada en comunicación audiovisual agradece la colaboración que hice para recuperar un artículo de número 2 del Primer Plano.
Son muchas las mitologías que circulan en torno a la figura de Walt Disney. La primera la construyó él mismo y la familia y la compañía se dedicaron a alimentarla para la posteridad y el buen funcionamiento del negocio. Walt Disney es una figura mítica, a fecha de hoy, completamente desconectada de la existencia de un hombre real con las luces y sombras, levantada sobre un personaje tan fantástico como los personajes salidos de su factoría. El tío Walt como esperaba ser tratado y apreciado por sus empleados. El alegre, inspirado, genial, único y maravilloso tío Walt, siempre de buen humor, siempre elegante, ajeno a la pesadum y el dolor… y nacido en Mojácar, Almería, España. ¿De dónde surgió una idea similar? ¿Cómo es posible que se siga repitiendo una y otra vez? Pues porque genera beneficios. Poco importa lo estúpida o plausible que es la historia que se cuenta si es susceptible de proporcionar audiencia a quien la promueve. Y NO, Disney no era español y las narrativas y las mitologías, SI son importantes.
La autora de este estudio es PEPA LLAUSÁS. Una catalana afincada desde hace años en Vancouver. Pepa es analista de comunicación, da clases de narrativa visual desde hace años en varias escuelas; ha ganado algunos premios literarios, ha escrito guiones para compañías de teatro y cortos cinematográficos y es profesora de guión cinematográfico. En el mundo del podcasting Pepa es la creadora del podcast: LAS MUSAS NO AVISAN . Según dice en la descripción de iVoox, el podcast nos habla de cine y de lo que habla.
VA DE CINE es un clásico moderno y un referente en el sector, presentado y dirigido por Conxita Casanovas crítica de cine de Radio 5. Desde hace 38 temporadas. Este magacín de cine que se renueva cada siete días, aporta sin cesar cada semana una lluvia de propuestas cinematográficas. Mi participación en el programa fue el día 31 de julio 2021.
Radio 4 Radio Nacional de España. 1 de agosto 2021- La versión en catalán
Marc Giró i Costa presenta a diario un programa en la emisora RAC-1. Este programa lleva por título USTED PRIMERO y Existía un apartado donde los oyentes podían hacer comentarios. El día 10 de noviembre de 2020 Marc me hizo una corta entrevista en la que hablamos del archivo de cine que estoy realizando.
Exposició SABADELL. CÀMERA I ACCIÓ
comentari del comissari de l'exposició Albert Beorlegui en el "El basar de les sorpreses"
al programa Via lliure RAC 1 dirigit per Xavi Mundó 
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Els cartells que van formar part de l'exposició
La majoría de sinopsis de las pel·lícules són de les plataformes:
filmaffinity - Sensacine - Playcine - Imdb . - Wikipedia
1895 | Louis Lumière
Está considerada como la primera película de ficción de la historia del cine. Con "L'arroseur arrosé" por título original, este corto de 40 segundos muestra el cine en estado puro. La historia es tan simple como la broma que un chico le gasta a un jardinero pisando la goma cuando éste riega un jardín. En el momento en el que el segundo inspecciona la manguera para ver qué ocurre, el muchacho levanta el pie y el hombre acaba empapado, empezando la persecución para dar el escarmiento que se merece al pillo. Cine en estado puro. Simple, directo y efectivo. Uno de los primeros gags de la historia del celuloide que arrancó la carcajada del entonces inocente y sorprendido público. Fue exhibida en primer lugar en un sótano parisino el 10 de junio de 1895.
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1914 | Giovanni Pastrone
Nos remontamos 3 siglos antes de Cristo cuando el volcán Etna hace erupción y la ciudad de Sicilia queda sumida en el caos. Unos piratas raptan a una niña llamada Cabiria con la intención de venderla como esclava. Aquí empiezan las desventuras de la pobre chiquilla que es vendida a un grupo que quiere sacrificarla como ofrenda a su dios. Pero en el último instante, un hombre llamado Fulvio Axilla consigue rescatarla y se la entrega a la reina Sophinisbe para que cuide de ella hasta que él consiga escapar de la ciudad donde se encuentran: Cartago. Desde el principio Cabiria fue concebida como la película más grande hecha hasta entonces: se tardó dos años en producirla, su presupuesto llegó a la por entonces increíble suma de un millón de liras y su duración era inusitadamente larga (tres horas en su primer montaje, en una época en que los largometrajes todavía estaban en fase de asentarse). Sin duda, se trataba de uno de los proyectos más ambiciosos de las primeras décadas del cine.
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1915 | David Wark Griffith
La película arranca con la Guerra de Secesión, donde se muestra la visión de dos familias distintas, enfrentadas políticamente. Los Stoneman, partidarios de la Unión, y los Cameron, sudistas y fieles a la Confederación. El final de la cruel guerra no devuelve la calma a los espíritus, que siguen presentes. Tiempo después, el presidente Abraham Lincoln es asesinado en el Teatro Ford. La corrupción política se ceba en la sociedad estadounidense, la población negra se rebela y un grupo de personas fundan el Ku Klux Klan, como forma justiciera y vengadora. 'El nacimiento de una nación' es considerado uno de los hitos del cine mudo, así como una de las películas más famosas, y polémicas, de su época. Una obra de indiscutible importancia en la historia del cine, que marca un antes y un después tanto por lo que hace a cómo el público ve las películas, como por lo que respecta a su filmación por parte de los cineastas. Y es que en este filme, David W. Griffith inventó parte del lenguaje cinematográfico que hoy todos asumimos como algo normal (como, por ejemplo, la acción paralela).
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1922 | Friedrich Wilhelm Murnau
En 1838, Hutter, un joven ayudante de notario, viaja hasta Transilvania para concluir una venta con el dueño de un castillo de Los Cárpatos. Después de los amenazadores encuentros y los funestos presagios que ha ido encontrando a lo largo del camino, es recibido por el extraño conde Orlock. Tras la primera noche, Hutter se levanta con una marca de colmillos en su cuello, pero prefiere pensar que son simples picaduras de insectos. Sin embargo, el conde resulta ser la reencarnación del vampiro Nosferatu. Tras el humillante Tratado de Versalles, que puso fin a la I Guerra Mundial, Alemania se sumió en una profunda crisis económica y social. Este lúgubre periodo se reflejó en el cine con la corriente del expresionismo, de la que “Nosferatu” es uno de sus símbolos. Fue dirigida por uno de los genios del cine germánico, F. W. Murnau, que, al no disponer de presupuesto para pagar los derechos, adaptó el “Drácula” de Bram Stoker sin autorización y cambiando los nombres de los personajes. Esto no engañó a la viuda de Stoker, que acabó poniéndole un pleito a Murnau. Así, muchas de las copias de la cinta se destruyeron, pero, por fortuna, no todas.
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1925 | Serguéi Eisenstein
La tripulación del acorazado Potemkin se niega a comer carne en mal estado y llena de gusanos. La situación llega a un punto insostenible y finalmente se desarrolla un amotinamiento en el que muere su líder, Vakulinchuk. Cuando el barco llega al puerto de Odessa, con los rangos de grado superior destronados, la gente quiere saber la causa de la rebelión. Uno de los hitos de la historia del cine, planeado para ser exhibido en las celebraciones del 20º aniversario de la Revolución Rusa, movimiento que acabó con el poder zarista y dio paso a la URSS. Encargaron el proyecto al joven realizador Sergei Eisenstein, a quien aleccionaron para que la película plasmara la situación de insostenibilidad del pueblo ruso durante la época zarista. Independientemente del contenido ideológico, el trabajo de Eisenstein dio lugar a uno de los filmes que más ayudaron a definir el lenguaje cinematográfico, sobre todo por lo que hace referencia al montaje. Una película fundamental en la historia del cine, con una de las escenas más famosas (la de las escaleras de Odessa).
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1927 | Friedrich Wilhelm Murnau
El protagonista vive junto a su esposa y su hijo pequeño. El día a día no es fácil en un ambiente tan rural, pero el matrimonio se siente afortunado. Un día, llega al pueblo una hermosa mujer de ciudad y la vida de la familia cambiará por completo. El director "Amanecer" F.W. Murnau trajo el expresionismo alemán al cine estadounidense. En el filme se puede ver un triángulo amoroso, una infidelidad, y el deseo peligroso como temas centrales de esta historia. Fue la primera y única película en ganar el premio de Mejor película de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en la categoría de "Calidad artística de producción". Fue el único año en que se otorgó este premio. Los negativos originales de la película fueron destruidos en un incendio en los estudios Fox originales en Nueva Jersey en 1937.
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1927 | Alan Crosland
El señor Rabinowitz es el rabino de una sinagoga de Nueva York y quiere que, al dejar su trabajo después de jubilarse, su hijo ocupe su puesto, convirtiéndose así en la quinta generación de rabinos en su familia. Sin embargo, él no quiere hacerlo porque lo que de verdad le gusta es el jazz. Por eso, a pesar de la oposición de su padre, abandona la Gran Manzana y traslada su hogar a la Costa Oeste, en la ciudad de Los Angeles. Allí intenta hacerse un hueco como cantante de jazz tocando en bares. Pronto conocerá a Mary Dale, una bailarina que le dará todo el apoyo que necesita para llegar a los escenarios de Broadway. 'El cantor de jazz' se convirtió en todo un hito en la historia del cine al ser la primera película con diálogos sonoros. Es la adaptación de la obra teatral homónima que fue todo un éxito en Broadway en 1925.
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1928 | Charles Chaplin
Charlot es un vagabundo arruinado, hambriento y con tendencia a enamorarse locamente sin conseguir a la chica. Confundido por un ladrón y perseguido por John Law, una agente de policía, hasta una carpa de circo. Charlot se transforma inesperadamente en una estrella cuando los jefes del circo creen que esta persecución no es sino una farsa. Momentos inolvidables incluyen la frenética secuencia de la casa de la risa, al vagabundo arruinando un espectáculo de magia y su paso al andar por la cuerda floja mientras unos monos trepan por su cabeza. "El circo", uno de los últimos filmes mudos de Charles Chaplin, es también una de sus comedias más desenfrenadas, un 'slapstick' con una trama muy simple que sirve como pretexto para una sucesión interminable de hilarantes tortazos al estilo de Buster Keaton.
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1929 | Ernst Lubitsch
Los súbditos de la princesa Louise, de un imaginario país llamado Sylvania, están preocupados debido a que su soberana no encuentra una persona adecuada para compartir el trono. Hasta que conoce a su emisario en París, por el que sentirá una fuerte atracción. Fue el primer trabajo sonoro de Lubitsch, una de sus muchas obras maestras, y un ejemplo que suele olvidarse a la hora de enumerar los films que desafiaron (y vencieron) las limitaciones técnicas de los nuevos equipos.
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1930 | Lewis Milestone
Alentados por las palabras de su profesor, un grupo de jóvenes alemanes se enlistan para ir a la guerra, sin ser conscientes de que en el frente les esperan los más terribles horrores. Mítica película antibélica que plasma los sentimientos, sensaciones y desilusiones de un grupo de jóvenes estudiantes que son enviados al frente en la Primera Guerra Mundial. Es una adaptación de la novela homónima del escritor alemán Erich María Remarque, y está dirigida por Lewis Milestone, quien ganó el Óscar como Mejor Director por su trabajo en el filme. En la película hay mucha violencia, algo que sirve para demostrar la realidad de una guerra. Esto, Milestone lo acompaña con la falta de banda sonora.
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1933 | Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
Carl Denham es un director de cine que quiere rodar su próxima obra en la isla de Sumatra. Una vez allí, los nativos raptan a la actriz principal, Ann Darrow, para ofrecérsela a un enorme gorila llamado Kong. Clásico indiscutible del cine fantástico de todos los tiempos, epítome de la trágica historia de amor entre la bella y la bestia. "King Kong" se estrenó el 2 de marzo de 1933 simultáneamente en el Radio City Music Hall y en RKO Roxy, cines que tenían una capacidad para 10.000 espectadores. Su reacción ante el espectáculo fue unánime: quedaron a la vez aterrorizados y fascinados por el gigantesco gorila ideado por el novelista Edgar Wallace y los cineastas Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper. Ello también fue gracias al genio de los efectos especiales Willis H. O'Brien.
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1939 | Victor Fleming
Dorothy, es una niña huérfana que se siente infeliz en la granja de sus tíos en Kansas. Desea viajar y su sueño se hace realidad cuando es arrastrada por un torbellino mágico al mundo de Oz. Ahí con la ayuda de un espantapájaros, un hombre de hojalata y un león cobarde tratará de encontrar al Mago de la Ciudad Esmeralda. Eso si la malvada bruja del Oeste se lo permite. Segunda adaptación del libro de Frank L. Baum y la película considerada como el modelo de los musicales de cuentos de hadas. Lanzó al estrellato a Judy Garland, la segunda opción de los estudios MGM, después de que Shirley Temple abandonara el proyecto.
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1939 | Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
Escarlata O'Hara, hija de un rico plantador de algodón del sur, une a su belleza una caprichosa personalidad. Enamorada de Ashley, un terrateniente vecino, verá cómo éste se casa con Melania. Despechada, Escarlata se casa, a su vez, con un joven que no le importa, aunque el comienzo de la guerra civil y la entrada en escena del cínico Rhett Butler cambiarán su vida radicalmente. Esta adaptación cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell recibió ocho Oscars más uno honorífico por su uso del color en la película. Mientras estaba clarísimo que el papel de Rhett Buttler iba a ser interpretado por Clark Gable, para encontrar a la intérprete de Escarlata O'Hara se emprendió una búsqueda por los Estados Unidos que culminó con el descubrimiento de una joven y entonces desconocida actriz británica: Vivien Leigh. La decisión del director también fue confusa y fueron varios los que pasaron por este cargo. Aunque Victor Fleming es el único que figura en los créditos, George Cukor, William Cameron Menzies y el propio productor, David O.Selznick, rodaron buena parte del metraje del filme que, aún hoy, permanece como el más mítico y taquillero de toda la historia del cine.
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1940 | Ludwig Berger, Michael Powell, Tim Whelan,
sin acreditar: William Cameron Menzies, Alexander Korda, Zoltan Korda
sin acreditar: William Cameron Menzies, Alexander Korda, Zoltan Korda
El príncipe Achmad es el sucesor al trono de Bagdad. Pero el malvado visir Jaffar lo ha expulsado del palacio. Éste pretende casarse con la princesa y así quedarse con el reino. Achmad se mueve entre los mendigos hasta que es encarcelado. En los calabozos se hace amigo del ladrón Abú. Consiguen huir y en una playa encuentran a un genio en una botella que les concederá tres deseos. 'Remake' de una famosa película del cine mudo de Raoul Walsh. Está considerada como una de las obras maestras del cine fantástico gracias al alarde de imaginación tanto en sus diálogos como en su puesta en escena. Onírica e imaginativa en el resultado, sin embargo, las condiciones en las que fue rodada no fueron las idóneas, ya que se produjo en plena Segunda Guerra Mundial.
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1940 | Alfred Hitchcock
Una tímida dama de compañía conoce en Montecarlo al acaudalado Maxim de Winter, que parece vivir atormentado por la muerte accidental de su esposa, Rebeca. Ambos se enamoran y acaban casándose ante el asombro de todos. Al volver a Inglaterra, la inquietante señora Danvers, el ama de llaves de la mansión Winter, sigue manteniendo vivo el recuerdo de su antigua señora y hace la vida imposible a su nueva ama. Fiel adaptación de la novela de Daphne du Maurier, que conserva la tenebrosidad y el dramatismo del libro en el que se basa. Fue la primera producción estadounidense de Alfred Hitchcock, que la dirigió con asombroso aplomo y con una comprensión excepcional del tono esencial de la novela, sin dejar por ello de imprimir su huella personal a la hora de regalar dosis de suspense. Destacan las impresionantes interpretaciones de Laurence Olivier, Joan Fontaine y Judith Anderson --como la retorcida ama de llaves--.
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1941 | Howard Hawks
Alvin York es un granjero pacifista obligado alistarse durante la I Guerra Mundial, a pesar de haberse declarado objetor de conciencia. Cuando llega al frente trata de mantener su postura. Pero la realidad y sobre todo, la muerte de su mejor amigo en una emboscada le hacen cambiar de actitud. Con su extraordinaria puntería llegó a convertirse en el soldado más condecorado de los Estados Unidos. Película basada en la vida de Alvin C.York, quien aceptó vender los derechos de su historia a la Warner Bros a cambio de una serie de condiciones. Dos de ellas fueron que su esposa no podía ser interpretada por una actriz excesivamente glamorosa y que su personaje debía ser encarnado por Gary Cooper. Y así fue. El filme de 1941, estrenado en plena contienda bélica, fue dirigido por Howard Hawks. El guión, en el que participó John Huston, divide el argumento en dos partes: la plasmación de la América rural y la concienciación del personaje en la guerra.
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1951 | Elia Kazan
Blanche DuBois es una mujer madura y desequilibrada que arrastra un escabroso pasado. Se refugia en Nueva Orleans con su única hermana Stella y su marido Stanley Kowalski, un hombre rudo y violento. Stanley no tendrá ninguna consideración con el delicado estado de Blanche, a la que maltratará psicológicamente hasta destruirla. Primera adaptación al cine del premio Pulitzer de Tennesse Williams. Dirigida por Elia Kazan, la película respetó la estructura teatral original, recreando la atmósfera opresiva y de emociones intensas que exigía el texto. El filme fue galardonado con cuatro Oscar. Vivien Leigh ganó el de mejor actriz principal y Kim Hunter y Karl Malden vencieron en la categoría de secundarios. Marlon Brando, sin embargo, se quedó sin estatuilla, ya que esta recayó en Humphrey Bogart por "La reina de África". Salvo Vivian Leigh, los tres actores ya habían representado la obra en Broadway, consiguiendo todo un éxito de taquilla y alcanzando la cifra récord de 855 representaciones consecutivas.
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1954 | Stanley Donen
El mayor de siete hermanos leñadores, Adán, baja al pueblo para casarse. Su nueva esposa, Molly, tendrá que hacerse cargo de la casa y los seis hermanos de él. Molly se encargará de pulir a los cuñados para que puedan encontrar a sus propias esposas. El primer día que ven a las chicas, quedan enamorados de ellas, así que deciden raptarlas y llevarlas a su casa, a las montañas. El rescate de las chicas resulta imposible porque el camino que lleva a la casa queda bloqueado por la nieve. Mientras esperan el deshielo, va surgiendo el amor entre ellos. Se trata de uno de los grandes musicales de Hollywood, dirigido por uno de los grandes, Stanley Donen, y cuya historia es una adaptación de "El rapto de las Sibilas" (un episodio romano). La banda sonora fue recompensada con un Oscar. Aunque lo que más ha quedado en el recuerdo son los bailes acrobáticos de ritmo frenético, la mayor parte de ellos realizados por el bailarín Russ Tamblyn, que más tarde interpretaría a Riff, el líder de los Jets de "West Side Story".
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1959 | William Wyler
Judá Ben-Hur, príncipe de Judea, se reencuentra con su amigo de la infancia, Messala, que acaba de tomar el control de la guarnición de Jerusalén. Pero su amistad no puede resistir sus diferencias de carácter y pronto entran en conflicto. Cuando una piedra cae del balcón de la casa familiar de Ben-Hur, casi matando al gobernador que desfilaba por debajo, Messala traiciona a su amigo, al que sabe inocente, enviándolo a galeras y mandando a prisión a su madre y su hermana. Ben-Hur jura entonces recuperar su libertad y planea su venganza. Una de las películas más espectaculares de la historia del cine, modélica a la hora de ilustrar lo aparatosos que eran los sistemas de producción de los grandes estudios. Considerada como la cima del género del péplum, se trata de un 'remake' de un clásico del cine mudo de 1929. Curiosamente, la novela original fue escrita a finales del siglo XIX por Lewis Wallace, un general ejército federal que nunca había pisado Roma, pero que planteó la cinta como una historia de Dios. Sin embargo, lo que la gente de hoy en día más recuerda es la carrera de cuadrigas espectacular. Durante su rodaje murió uno de los especialistas aplastado por los caballos, cuya muerte fue conservada en el montaje final.
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1959 | Billy Wilder
Joe y Jerry, dos músicos sin trabajo, deben esconderse de unos gángsters que quieren liquidarlos porque han presenciado, involuntariamente, la matanza del día de San Valentín. Se disfrazan de mujer, se hacen llamar Josephine y Daphne y entran a formar parte de una orquesta de mujeres que va hacia Florida. La cantante de la orquesta es la dulce Sugar Kane, que se hace muy amiga de las dos nuevas chicas. Joe, enamorado de Sugar, se hace pasar por un millonario, mientras que Jerry maneja de bólido Osgood, un millonario en serio. Basada en una farsa de origen alemán, un Billy Wilder en plena forma rodó una de sus mejores comedias, en la que Marilyn Monroe luce con especial intensidad, junto a Jack Lemmon y Tony Curtis en sus papeles de mujeres. El director optó por utilizar deliberadamente el blanco y negro para evitar el impacto del color del travestismo y realzar los brillantes diálogos y las divertidas situaciones. Una obra maestra del humor que termina con una de las frases más conocidas de la historia del cine.
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1960 | Federico Fellini
Marcello Rubini es un cronista de los escándalos sociales de la Via Veneto romana que se dedica a deambular por diversos ambientes de la ciudad, desde los barrios populares hasta las suntuosas villas donde se celebran orgías de aristócratas. En este deambular, Marcello se debate entre el instinto posesivo de su novia y el mito sexual femenino, representado por una rotunda actriz nórdica. Tras haber obtenido dos años consecutivos el Oscar a la mejor película extranjera por "La strada" y "Las noches de Cabiria", Federico Fellini se vio capaz y con los medios suficientes para abordar un filme sobre la Roma que le había fascinado toda la vida. No lo hizo a través de un argumento al uso, sino con una serie de escenas representativas, organizadas alrededor de un eje principal: las correrías de un periodista donjuanesco y desencantado. De entre estas escenas, las hay que han quedado como iconografías dentro de la historia del cine, como la del famoso baño de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi. Premiada con la Palma de Oro en Cannes, la película representó la definitiva consagración de Marcello Mastroianni.
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1967 | Stanley Kramer
Joey Drayton pertenece a una familia adinerada. Ésta se ha enamorado perdidamente de John Prentice, un médico de raza negra y su única ilusión es casarse con él. Pero antes de la boda, Joey decide presentar, de manera oficial, a su prometido. Aunque la familia de la novia tiene ideas liberales, el padre de la joven cree que ese matrimonio se terminará por la culpa del qué dirán y la presión social. La película que se desarrolla en un ajetreado día en la casa de los Drayton, nos mostrará cómo es ese primer contacto entre los padres de la joven y la pareja, además una simple cena se ampliará para recibir a los padres del doctor. "Adivina quien viene esta noche" fue la última película de la carrera de Spencer Tracy. Cuando empezó a rodarla, el actor estaba ya gravemente enfermo y parecía poco probable que pudiera terminarla. Stanley Kramer, el director y amigo personal de Tracy, organizó la filmación para hacerla lo más llevadera posible para él, colocando todas sus secuencias al principio y haciendo que Tracy solo tuviera que trabajar unas pocas horas al día. De esta forma, el actor consiguió concluir el filme, aunque murió pocas semanas más tarde. La película fue también la última de las siete que rodaron juntos la mítica pareja formada por Tracy y Katharine Hepburn.
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1972 | Francis Ford Coppola
Las familias mafiosas de Nueva York entran en conflicto cuando el capo de una de las más poderosas, Vito Corleone, se opone a que la Cosa Nostra entre en el negocio del tráfico de drogas. Como consecuencia, sufre un atentado que le deja al borde de la muerte. Para vengar el golpe y salvar a la familia, Michael Corleone, su hijo predilecto, quien siempre había estado al margen de los negocios de la familia, debe meterse de lleno en el sucio mundo del crimen. Primera entrega de la célebre trilogía de "El padrino", que Francis Ford Coppola dirigió basándose en la novela homónima de Mario Puzo, con la intención de plasmar el mundo del crimen organizado en Estados Unidos. La historia de la familia Corleone se ha convertido en uno de los mayores clásicos de la historia del cine, amén de cosechar un gran éxito de taquilla.
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1977 | Woody Allen
La cinta narra la situación amorosa de Alvy Singer. Un cuarentón de Nueva York que trabaja como humorista en un club nocturno. Tras divorciarse en dos ocasiones, un buen día conoce a una alocada aspirante a cantante llamada Annie Hall. En un principio la relación va viento en popa y ambos parecen estar muy compenetrados pero pronto surgen problemas. Los celos y las diferencias entre ambos se hacen cada vez más latentes por lo que la ruptura tarda poco en llegar. Una vez más, Alvy vuelve a quedarse sólo a causa de su neurótico carácter y su extraña forma de ser. Tras ello, el cómico empieza a recordar su vida centrándose en sus relaciones sentimentales y las causas que las llevaron al fracaso. La película, que en un principio tenía que ser un misterio, terminó sirviendo a Allen como un análisis de su historia de amor con la actriz Diane Keaton, con quien mantuvo una relación tras el divorcio de su segunda esposa y que da nombre a la película, como su apodo es Annie y su verdadero apellido, Hall.
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1977 | George Lucas
La nave en la que viaja la princesa Leia es asaltada por las tropas imperiales que dirige el temible Darth Vader. Antes de ser capturada, la princesa consigue introducir un mensaje de socorro en el droide R2-D2, el cual logra escapar del asalto acompañado de su inseparable C-3PO, un droide especialista en protocolo. Tras aterrizar en el planeta Tattooine, los dos droides son capturados y vendidos a un joven granjero llamado Luke Skywalker. Cuando el joven se dispone a limpiar la unidad R2-D2, descubre accidentalmente el mensaje oculto de la princesa, el cual está destinado a un viejo ermitaño llamado Obi Wan Kenobi. Luke deberá encontrar a dicho ermitaño para ayudar a la enigmática princesa. Convertida en todo un clásico del cine, con una legión de fieles seguidores e icono de toda una generación, la cinta se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la historia del cine y dio pie a una saga magna. Lucas, director y guionista de esta fantástica historia, y su amigo Steven Spielberg idearon otro personaje que quedaría grabado en la memoria del gran público: Indiana Jones.
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1981 | Steven Spielberg
El gobierno de Estados Unidos reclama al intrépido arqueólogo Indiana Jones para participar en la búsqueda del Arca de la Alianza, que se cree que todavía guarda en su interior las tablas de los Diez Mandamientos. La tarea no es fácil, especialmente porque los agentes nazis de Hitler también andan tras la preciada reliquia y están dispuestos a todo para conseguirla. Lo que empezó siendo un filme de encargo terminó como un proyecto personal que relanzó la carrera de Spielberg hasta límites insospechados. Uno de los problemas a los que se enfrentó Spielberg fue la elección del protagonista. El actor inicialmente previsto, Tom Selleck, tuvo que renunciar al papel a causa de sus compromisos televisivos. Tras darle muchas vueltas, el elegido fue Harrison Ford, viejo amigo de Lucas desde "La guerra de las galaxias". Una elección que se acabó revelando acertada.
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1988 | Giuseppe Tornatore
En esta historia de amor por el cine. Salvatore Di Vita, un director de cine, sufre una fuerte conmoción cuando le comunican la muerte de Alfredo, su viejo amigo proyeccionista. Salvatore, al que todos conocen como Totó, era un niño al que le encantava disfrutar de las películas que se proyectan en el cine local, el ‘Cinema Paradiso’. Cuando conoció a Alfredo, el encargado de las proyecciones en el cine, empieza a entablar una estrecha relación con él, afincada en la pasión de ambos por el séptimo arte. Así mismo, Alfredo le enseña al joven Totó todos los secretos, entresijos y misterios ocultos que guardan las peliculas. Pasan los años y Salvatore crece, decidiendo abandonar su pequeño pueblo siciliano, Giancaldo. El director italiano Giuseppe Tornatore consiguió su mayor éxito de crítica y público con esta cinta. A destacar las interpretaciones del veterano Philippe Noiret y del niño debutante Salvatore Cascio. A modo de curiosidad, Tornatore ideó la película para que sirviera como obituario de las salas de cine tradicionales, y de la industria en general. Aunque tras el impacto de su trabajo, jamás volvió a mencionar el tema.
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1989 | Peter Weir
Enmarcada a finales de los años cincuenta, la historia transcurre en la prestigiosa universidad estadounidense de Welton. El principio básico del centro es la disciplina, la cual es llevada a rajatabla por todo el claustro de profesores. El curso se acaba de inaugurar y un nuevo profesor llamado John Keating pretende emplear otros métodos más amenos para educar a sus alumnos. Entre el grupo de compañeros se encuentran cuatro jóvenes que acaban de conocerse y en torno a los cuales girará el relato. Sus sueños e inquietudes pronto se verán hechos realidad gracias al profesor Keating quien les enseña que en la vida hay que vivir el momento. Para ello, crearán un lugar donde expresar sus ideas libremente al que llamarán "el club de los poetas muertos". Esto provocará una revolución en la estricta universidad que les traerá problemas a los chicos y al propio profesor. Una exaltación de las ideas de la filosofía romántica, como el derecho a ser diferente, la libertad, o el mismo 'carpe diem', recogida por el guionista Tom Schulman a través de citas de poetas como Whitman o Thoreau. Schulman, que ganó un Oscar por su trabajo, evocó su juventud con esta película, ya que él estudió en un colegio similar a Welton.
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1991 | Gary Trousdale, Kirk Wise
Un apuesto y arrogante príncipe es víctima de una maldición por parte de una hechicera a quien niega hospitalidad: vivirá en el cuerpo de una horrible bestia hasta que sea capaz de despertar en una joven el amor verdadero. Los años pasan y la bestia no consigue romper el hechizo. Pero cuando ya ha perdido toda esperanza, a su castillo llega un anciano perseguido por los lobos. La bestia lo encierra en una mazmorra, pero cuando su hija, la joven Bella, se presenta en su busca, él le ofrece un pacto: le dejará marchar a cambio de que ella se quede para siempre. Puede que no sea la película Disney preferida de los niños, pero, sin duda, es una de las más alabadas por la crítica y el primer filme animado que fue nominado al Oscar a la mejor película. Está basada en el cuento de hadas clásico, recogido por Leprince de Beaumont, al que se sometió a varias modificaciones. Por un lado, se cambiaron algunos aspectos del argumento, y por otro, se le añadió una banda sonora repleta de canciones que cosechó dos estatuillas.
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1994 | Robert Zemeckis
Al tener el coeficiente intelectual de un niño, Forrest Gump siempre ha sido considerado el “tonto” de clase. Bajo las faldas de su madre se siente protegido y junto a su amiga Jenny es feliz, aunque en su propio mundo. Un problema en su columna vertebral no le impide convertirse en un ágil corredor. Ya más mayor, Forrest luchará en la guerra de Vietnam y conocerá al mismísimo presidente de los Estados Unidos. Llegará a ser muy rico, pero para Forrest hay algo que no cambia: el amor de su vida es y será Jenny. Con la interpretación de este personaje singular, Tom Hanks consiguió su segundo Oscar al mejor actor, a la vez que hacía popular una de las frases más conmovedoras de la película: "La vida es como una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar".
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1997 | James Cameron
En abril de 1912, dos jóvenes cruzan sus destinos en el viaje inaugural del Titanic. A pesar de que ambos pertenecen a diferentes clases sociales y de que ella viaja con su prometido, nada puede impedir que nazca el amor. Sin embargo, el transatlántico choca contra un iceberg y su apasionado encuentro se convierte en una desesperada carrera por sobrevivir. Con un presupuesto de casi 150 millones de euros, James Cameron se arriesgó a filmar la película más cara de la historia hasta esa fecha para recrear la tragedia real del transatlántico. Un desastre que el cineasta supo convertir en una de las películas más taquilleras de la historia del cine, amén de acumular once premios Óscar, una marca solo igualada en ese momento por "Ben-Hur" y que años después repetiría Peter Jackson con "El señor de los anillos: El retorno del rey". La Fox construyó un tanque capaz de almacenar 76 millones de litros de agua, donde colocó una réplica del transatlántico a una escala del 90%. La productora tuvo que compartir gastos con Paramount para poder hacer frente a la astronómica inversión necesaria para terminar este titán del celuloide.
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2001 | Peter Jackson
El joven hobbit Frodo Bolsón hereda un anillo que resulta ser el instrumento de poder absoluto que permitiría a Sauron, el Señor Oscuro de Mordor, gobernar la Tierra Media. Para evitarlo, Frodo y su leal Comunidad deben destruirlo arrojándolo al fuego donde fue forjado. Primera entrega de la colosal trilogía basada en la novela homónima de J.R.R. Tolkien, dirigida por el neozelandés Peter Jackson. Atendiendo a la extensión de la obra original, Jackson decidió rodarla en tres entregas, lo que le permite un metraje total de más de 9 horas, suficiente para narrar correcta y fielmente la historia imaginada por Tolkien. Las tres cintas se filmaron simultáneamente en Nueva Zelanda, en un rodaje que duró más de un año. Los resultados cosechados por esta primera entrega fueron tan espectaculares como sus efectos especiales. Más de siete millones de espectadores acudieron a las salas españolas y se recaudaron casi 650 millones de euros en todo el globo. Además, el filme obtuvo trece candidaturas a los premios Óscar. Logró cuatro, la mayoría por méritos técnicos, exceptuando el galardón para Howard Shore por su recordada banda sonora.
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2001 | Baz Luhrmann
Christian es un joven poeta del París de 1890 que abandona el hogar para trasladarse al barrio de Montmatre, cuna de la bohemia romántica de finales del siglo XIX y donde viven curiosos personajes como Toulouse-Lautrec. En este depravado y glamouroso refugio de sexo y drogas, el inocente poeta conoce a Satine, la estrella del famoso cabaret Moulin Rouge y la cortesana más deseada del lugar. Juntos iniciarán una apasionada historia de amor marcada por la tragedia, ya que ella está prometida a un poderoso hombre de negocios apodado el Duque. Original drama musical dirigido por el australiano Baz Luhrman (responsable de la también curiosa adaptación de "Romeo y Julieta de William Shakespeare"). En esta ocasión, el realizador construyó una historia que emana directamente del mito de Orfeo y Eurídice. Para ello, utilizó una banda sonora muy cuidada, que homenajea a la música pop del siglo XX y que contiene, entre otros, temas de John Lennon, Paul McCartney, Sting, Elton John y David Bowie. La australiana Nicole Kidman y el escocés Ewan McGregor supieron estar a la altura en esta barroca cinta del género musical que obtuvo un gran éxito de crítica y público.
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2014 | Wes Anderson
Cuenta las aventuras de Gustave H, un conserje de un famoso hotel europeo en el período de entreguerras, y las de Zero Moustafa, el botones que se convierte en el amigo en el que más confía y en su protegido. Todo marchaba en un relativo orden a pesar de la complicada situación económica y la inestabilidad política, hasta que se produce un serio robo, el de una valiosa pintura renacentista. La pintura es muy importante, por lo que se ocasiona un gran revuelo en el hotel y aparece la imperiosa necesidad de encontrarla. Además al mismo tiempo, también se produce en el hotel una gran disputa familiar por una fortuna. Todos los miembros se enfrentan entre sí, sin que ninguno de ellos esté dispuesto a ceder en su empeño. El universo colorido y extravagante de Wes Anderson, que ya se había ganado a la crítica con su anterior propuesta, "Moonrise Kingdom", volvió a aparecer con esta mezcla de comedia, drama y aventuras, narrada como si de un cuento de hadas se tratase. Para ello, el cineasta se basó en varios trabajos del autor austríaco Stefan Zweig. Además de la larga lista de caras conocidas que poblan el reparto, esta original y dinámica propuesta destaca por la sugerente fotografía de Robert D. Yeoman y una brillante banda sonora de Alexandre Desplat, que recrea el folk ruso de esta Europa del Este imaginaria.
Mateu Ciurana presenta a diario un programa en la emisora RADIO CASSA Este programa lleva por título CASSÀ AL DIA. A raíz de la exposición que hice en Cassa con carteles de películas de Walt Disney. El día 7 de febrero de 2018 me llamaron para conversar sobre la exposición y el archivo de cine que estoy haciendo.
La MACCA (Muestra de Animación y Cortometrajes de Cassà de la Selva)
Inauguración exposición. Películas Disney
2 de febrero 2018
Exposición Carteles Disney Exposición Rodolfo Loaiza (El lado oscuro de Disney)
Albert Om presentaba a diario un programa en la emisora RAC-1 Este programa llevaba por título Islandia y existía un apartado donde los oyentes podían saludar y dedicar una canción a la persona que deseaban. El día 27 de junio de 2017 tuve la oportunidad de explicar la anécdota que se produjo durante la colaboración que hice en el libro de Ángel Miquel Rendón.
Haz clic para acceder al Blog de Angel Miguel CINES Y CINÉFILOS
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CRÓNICA DE UN ENCUENTRO El cine mexicano en España, 1933-1948
ÁNGEL MIQUEL
Universidad Nacional Autonoma de Mèxico, México 2016
ISBN ISBN 978-607-02-7849-5
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Pulsi sobre la imatge per veure-la a tamany real
Premi d'investigació FILM-HISTÒRIA 2016
LLUÍS BENEJAM
Col·leccionista de material de cinema
Texto Mireia Reynal (Setmanari L’Empordà 24-9-2013)
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«Tengo la historia del cine, desde principios del siglo pasado, hasta la fecha»
Lluís Benejam inicia la creación del Archivo de cine a finales de los 90, cuando realizó una exposición sobre cine en el año en que se conmemoraba el centenario del nacimiento del séptimo arte. Benejam descubrió entonces su pasión y, en un contexto en el que muchas salas de cine locales estaban cerrando, empezó a reunir todo tipo de material cinéfilo e inició una austera colección. Actualmente ya tiene miles de carteles de cine. La colección de Lluís Benejam tiene un valor que se basa más en las necesidades ajenas que en la propia y asegura: “Yo no quiero ser una persona que sólo almacene cosas para mí”. Para él coleccionar es crear memoria, conservarla. El pasado sábado se inauguró una exposición donde se recopila material en torno al filme El Museo Dalí se cierra a las siete, que él se ha encargado de reunir. Lluís Benejam me recibe en el taller Roger Fotocomposició, del que es copropietario desde hace años para responder a las preguntas.
--¿Qué representa para usted la expresión “ser coleccionista”?
--Coleccionar es un placer y una responsabilidad. Coleccionar es crear memoria. Se trata de dejar constancia, de conservar el recuerdo.
--¿Qué piezas forman su colección?
--Pues, de hecho, todo lo relacionado con la propaganda de una película. Empecé con el programa de mano, seguí con el pressbook (catálogos con información de la película que se enviaba a los exhibidores y a la prensa); tengo también diapositivas, el libro –si puedo conseguirlo– e, incluso, también la música. Los carteles son quizás la parte más importante de mi colección. Ahora debo estar cerca de los 28.000.
--A la hora de añadir un cartel a su colección, ¿en qué criterios se basa?
--En un principio coleccionaba los carteles de las películas que habían ganado un Óscar. Más tarde quise ampliar horizontes y me propuse intentar conseguir todos los carteles de todas las películas que se fueran exponiendo en la cartelera. Siempre se tiene más interés en aquellos que pueden parecer más difíciles de conseguir. Quizás los más complicados de adquirir sean los que se llaman avances. Aquellos que anuncian la película antes de su estreno y que cuando el film llega a la pantalla desaparecen. Según qué películas, se realizan series. A veces se realizan tiras: actores por separado y cosas así. Al ser impresiones muy cortas, son difíciles de encontrar.
--Tengo entendido que usted no se dedica propiamente a la compra de los artículos, sino que más bien se ha decidido por los intercambios. ¿Cuáles son los procedimientos a la canjear carteles, programas o pressbooks?
--Tengo un sistema muy exhaustivo de clasificación. Unas listas cuya relación contiene toda la información de los artículos que tengo y también los que todavía no he podido obtener. A partir de ahí comienza mi procedimiento de búsqueda de lo que me falta. Hace tiempo, por ejemplo, hice un intercambio con la Filmothèque Jean Vigo de Perpignan. Yo les di 2.000 carteles y ellos, a cambio, material que tenían repetido. Ahora he empezado a tener contacto con la filmoteca española y también utilizaré este sistema. Si se trata de una organización, lo que debe hacerse primero es conseguir contactar con el responsable, darte a conocer, enterarte si hay posibilidad de intercambio. Las filmotecas nos parece que tienen mucho material, pero a menudo no es así. Normalmente hay una persona que se dedica a visitar salas para ir obteniendo, pero aún así, les falta.
--Pero si se trata de una filmoteca, ¿no debería parecer, en principio, que disponen de todo el material?
--Pues no, no lo tienen todo. Ellos tienen la película, pero todo lo que hace referencia a propaganda, como que las distribuidoras de cine no tienen la obligación de enviarles este tipo de material, les falta y deben intentar por iniciativa propia ir encontrándolo. Tienen gente de cines que les llevan, tienen más ventajas que yo pero, en cierto modo, deben realizar el mismo trabajo de búsqueda que hago yo.
--¿Hasta dónde ha ido para conseguir un cartel? ¿Ha tenido alguna vez algún problema con alguien? O por el contrario, ¿tiene alguna anécdota divertida que contar?
--Hago varias rutas, voy hacia Biarritz, San Sebastián, hacia el delta del Ebro, Montpellier, Carcasona... todos estos cines son lugares donde encuentro los carteles de los últimos estrenos. Parece fácil pero, en los primeros contactos, la gente es muy reacia, ya que creen que voy hacer negocio. Después, cuando ven que ésta no es mi intención, me dejan pasar a las salas y coger material. Voy una vez al año y aprovecho llenando el coche con todo lo que consigo recoger. En Montpellier, la sala se encuentra en una zona donde no puedo acceder en coche y tengo que ir con una carretilla, arriba y abajo, transportando el material... Al final es muy divertido.
--El mundo del cine ha evolucionado mucho. ¿También el cartelismo?
--Según la nacionalidad eran diseños muy distintos. Cada país tenía sus propios artistas, sus grafistas, que se dedicaban a realizar los carteles de una manera concreta, tenían su propio estilo. ¡Había grafistas muy buenos! Ahora este trabajo artesanal se ha perdido como en otros muchos ámbitos. La creación digital ha dado paso a un proceso de uniformización. El título del cartel muchas veces se conserva en inglés, es decir, ya no varía. Titanic mismo fue igual en todo el mundo.
--Hay partes de la historia que se han estudiado a partir del cartelismo de esa época. ¿Se puede decir que ocurre lo mismo con el cartelismo de cine?
--Hay grandes carteles realizados por magníficos grafistas que corresponden a determinadas épocas, donde queda reflejado claramente cuáles eran los géneros predilectos del público y que caracterizaron a la sociedad del momento. Westerns de los años 50, el boom del cine X, películas de romanos... En cuanto a períodos más recientes, queda reflejada claramente la censura y la represión cultural de la sociedad de los años de la Guerra Civil cuando intentas buscar carteles de esa época. Algunos se encuentran en manos de coleccionistas, otros se han perdido... Es difícil conseguirlo. Es un ámbito complicado, podías encontrar muchos impedimentos. Ahora es muy distinto. En principio, puedes acceder a todos los documentos.
--En algún momento ha afirmado que le gustaría hacer visible su colección. ¿En qué está pensando?
--Pues mostrarla, por ejemplo, a través de exposiciones. Y si, después, alguien tuviera pensado visitar el archivo para realizar algún trabajo, no tendría ningún problema para mostrarle el material que tengo y hablar sobre él. Por lo que respecta a una cesión a algún museo no, de momento, no. Para mí sí que tiene un valor especial lo que estoy haciendo. Es importante.
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Conservando una información útil para el futuro
“No es en absoluto el valor económico el que me alienta a seguir coleccionando. Hay carteles que valen mucho dinero y no me gustan. Algunos sí, pero tampoco pagaría el precio que piden. Hay carteles que, al haberse impreso pocos ejemplares, tienen un valor altísimo”. Lluís Benejam asegura que la importancia de su archivo es el conjunto de información que contiene. “No tengo una colección muy importante (por ejemplo piezas de los años 20 y los años 10), de éstas tengo muy pocas. Hay personas en la que carteles a partir de los años 80 no tienen suficiente valor. Consideran que a partir de una determinada época son tan sólo "papel". Para mí sí que tiene un valor especial lo que estoy haciendo. Lo importante es que tengo la historia del cine desde principios de siglo hasta la actualidad. Lo tengo todo. Carteles que pueda tener hoy, en dos años ya serán viejos. ¿Quién dice que este tipo de información al cabo de unos años no será útil? Hay muy poca información al respecto y yo estoy contribuyendo a preservarla... Esto es lo que me gusta” concluye el coleccionista. FIGUERAS | M.R.
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«Tinc la història del cinema, des de principis del segle passat, fins ara»
Lluís Benejam inicia la creació de l'Arxiu de cinema a finals dels anys 90, quan va realitzar una exposició sobre cinema l’any en què es commemorava el centenari del naixement del setè art. Benejam descobrí llavors la seva passió i, en un context en què moltes sales de cinema locals estaven tancant, va començar a reunir tota mena de material cinèfil i va iniciar una austera col·lecció. Actualment ja té milers de cartells de cinema. La col·lecció de Lluís Benejam té un valor que es basa més en les necessitats alienes que en la pròpia i assegura: “Jo no vull ser una persona que només emmagatzemi coses per a mi”. Per a ell col·leccionar és crear memòria, conservar-la. Dissabte passat es va inaugurar una exposició on es recopila material entorn del film El Museu Dalí es tanca a les set, que ell s’ha encarregat de reuni. Lluís Benejam em rep al taller Roger Fotocomposició, del qual és copropietari des de fa anys per respondre a les preguntes.
--Què representa per a vostè l’expressió “ser col·leccionista”?
--Col·leccionar és un plaer i una responsabilitat. Col·leccionar és crear memòria. Es tracta de deixar constància, de conservar el record.
--Quines peces formen la seva col·lecció?
--Doncs, de fet, tot el que està relacionat amb la propaganda d’una pel·lícula. Vaig començar amb el programa de mà, vaig continuar amb el pressbook (catàlegs amb informació de la pel·lícula que s’enviava als exhibidors i a la premsa); tinc també diapositives, el llibre –si el puc aconseguir– i, fins i tot, també la música. Els cartells són potser la part més important de la meva col·lecció. Ara dec estar a prop dels 28.000.
--A l’hora d’afegir un cartell a la seva col·lecció, en quins criteris es basa?
--En un principi col·leccionava els cartells de les pel·lícules que havien guanyat un Òscar. Més tard, però, vaig voler ampliar horitzons i em vaig proposar intentar aconseguir tots els cartells de totes les pel·lícules que s’anessin exposant a la cartellera. Sempre es té més interès en aquells que poden semblar més difícils d’aconseguir. Potser els més complicats d’adquirir són els que s’anomenen avançaments. Aquells que anuncien la pel·lícula abans de la seva estrena i que quan el film arriba a la pantalla desapareixen. Segons de quines pel·lícules, se’n fan sèries. De vegades se’n fan tires: actors per separat i coses així. Com que són impressions molt curtes, són difícils de trobar.
--Tinc entès que vostè no es dedica pròpiament a la compra dels articles, sinó que més aviat s’ha decantat pels intercanvis. Quins són els procediments a l’hora de bescanviar cartells, programes o pressbooks?
--Tinc un sistema molt exhaustiu de classificació. Unes llistes amb una relació que conté tota la informació dels articles que tinc i també els que encara no he pogut obtenir. A partir d’aquí comença el meu procediment de recerca del que em falta. Fa temps, per exemple, vaig fer un intercanvi amb la Filmothèque Jean Vigo de Perpinyà. Jo els vaig donar 2.000 cartells i, ells, a canvi, material que tenien repetit. Ara he començat a tenir contacte amb la filmoteca espanyola i també faré servir aquest sistema. Si es tracta d’una organització, el que s’ha de fer primer és aconseguir contactar amb el responsable, donarte a conèixer, assabentar-te si hi ha possibilitat d’intercanvi. Les filmoteques ens a sembla que tinguin molt material, però sovint no és així. Normalment hi ha una persona que es dedica a visitar sales per anar-ne obtenint, però tot i així, els en manca.
--Però si es tracta d’una filmoteca, no hauria de semblar, en principi, que disposen de tot el material?
--Doncs no, no ho tenen tot. Ells tenen la pel·lícula, però tot el que fa referència a propaganda, com que les distribuïdores de cinema no tenen l’obligació d’enviar-los aquest tipus de material, els en falta i han d’intentar per iniciativa pròpia anar-lo trobant. Tenen gent de cinemes que els en porten, tenen més avantatges que jo però, en certa manera, han de fer la mateixa feina de recerca que faig jo.
--Fins on ha anat per aconseguir un cartell? Ha tingut mai algun problema amb algú? O al contrari, té alguna anècdota divertida per explicar?
--Faig diverses rutes, vaig cap a Biarritz, Sant Sebastià, cap al delta de l’Ebre, Montpeller, Carcassona... tots aquests cinemes són llocs on trobo els cartells de les últimes estrenes. Sembla fàcil però, en els primers contactes, la gent és molt reàcia, ja que es pensen que hi vaig a fer negoci. Després, quan veuen que aquesta no és la meva intenció, em deixen anar a les sales i agafar material. Hi vaig una vegada a l’any i aprofito emplenant el cotxe amb tot el que aconsegueixo recollir. A Montpeller, la sala es troba en una zona on no puc accedir-hi amb cotxe i haig d’anar-hi amb un carretó, amunt i avall, traginant material... Al final és molt divertit.
--El món del cinema ha evolucionat molt. També el cartellisme?
--Segons la nacionalitat eren dissenys molt diferents. Cada país tenia els seus propis artistes, els seus grafistes, que es dedicaven a fer cartells d’una manera concreta, tenien el seu propi estil. Hi havia grafistes molt bons! Ara aquest treball artesanal s’ha perdut com en molts altres àmbits. La creació digital ha donat pas a un procés d’uniformització. El títol del cartell moltes vegades es conserva en anglès, és a dir, ja ni varia. Titanic mateix va ser igual a tot el món.
--Hi ha parts de la història que s’han estudiat a partir del cartellisme d’aquella època. Es pot dir que passa el mateix amb el cartellisme de cinema?
--Hi ha grans cartells fets per magnífics grafistes que corresponen a determinades èpoques, on queda reflectit clarament quins eren els gèneres predilectes del públic i que van caracteritzar la societat del moment. Westerns dels anys 50, el boom del cinema X, pel·lícules de romans... Pel que fa períodes més recents, queda emmirallada clarament la censura i la repressió cultural de la societat dels anys de la Guerra Civil quan intentes buscar cartells d’aquella època. Alguns es troben en mans de col·leccionistes, d’altres s’han perdut... És difícil aconseguirne. És un àmbit complicat, et podies trobar molts impediments. Ara és molt diferent. En principi pots accedir a tots els documents.
--En algun moment ha afirmat que li agradaria fer visible la seva col·lecció. En què està pensant?
--Doncs mostrar-la, per exemple, a través d’exposicions. I si, després, algú tingués pensat visitar l’arxiu per fer algun treball, no tindria cap problema per mostrar- li el material que tinc i parlar-ne. Pel que fa a una cessió a algun museu no, de moment, no. Per a mi sí que té un valor especial el que estic fent. És important.
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Preservant una informació útil per al futur
“No és en absolut el valor econòmic el que m’encoratja a seguir col·leccionant. Hi ha cartells que valen molts diners i no m’agraden. N’hi ha que sí, però tampoc pagaria el preu que demanen. Hi ha cartells que, com que se n’han fet pocs exemplars, tenen un valor altíssim”. Lluís Benejam assegura que la importància del seu arxiu és el conjunt de la informació que conté. “No tinc una col·lecció molt important (per exemple peces dels anys 20 i els anys 10), d’aquestes en tinc molt poques. Hi ha persones per a qui aquests cartells a partir dels anys 80 no tenen prou valor. Consideren que a partir d’una determinada època són tan sols “paper”. Per a mi sí que té un valorespecial el que estic fent. El que és important, és que tinc la història del cinema des de principis de segle fins a l’actualitat. Ho tinc tot. Cartells que pugui tenir avui, d’aquí dos anys ja seran vells. Qui diu que aquest tipus d’informació al cap d’uns anys no serà útil? Hi ha molt poca informació sobre aquest tema i jo estic contribuint a preservar-la... Això és el que m’agrada” conclou el col·leccionista. FIGUERES | M.R. |
En el PDF encontrará el artículo publicado el 24 de setiembre 2013
Artículos publicados en la prensa Difusión en la Prensa y TV
Audios que han comentado el archivo que estoy haciendo desde hace más de 40 años
Programa de Jordi Basté hace 6 años
Jordi Basté y su programa El món a RAC 1
Articulos publicados comentando la colección y el archivo de cine, en distintos diarios, revistas y páginas web desde 1982
Artículos publicados en la prensa Difusión en la Prensa y TV
Con motivo de celebrar el 25 aniversario de la película El museo Dalí está cerrado a los 7 en julio de 2011 participé en el programa Tot és comèdia de la Cadena SER en Catalunya, presentado por Rosa Badia, en el que hablamos del archivo de cine que estoy haciendo. Pude hablar con Emilio Gutiérrez Caba colaborador habitual en este programa para comunicarle los actos que estábamos preparando y al mismo tiempo invitarle a participar.
Reportatges realitzats per Tramuntana TV i Empordà Televisió
Setembre-octubre 2013 - Programa d'actos 25 aniversari de la filmació de la pel·lícula
El Museu Dalí es tanca a les 7
amb l'assistencia de dos dels seus protagonistes Emilio Gutiérrez Caba i Amparo Moreno